Арт-деко

Арт-деко

Сверху вниз: Крайслер-билдинг в Нью-Йорке (1930 г.); Плакат Чикагской всемирной выставки Веймера Перселла (1933); и украшение капюшона Victoire работы Рене Лалика (1928)
Активные годы	c.  1910–1939
Страна	Глобальный

Ар-деко , иногда называемое деко , - это стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна, который впервые появился во Франции незадолго до Первой мировой войны . ^[1] Ар-деко повлиял на дизайн зданий, мебели, ювелирных изделий, моды, автомобилей, кинотеатров, поездов, океанских лайнеров и предметов повседневного обихода, таких как радио и пылесосы. ^[2] Она получила свое название, коротка для декоративного искусства , из экспозиционных Internationale декоративного искусства и др Industriels Modernes (Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства) , состоявшейся в Париже в 1925 г. ^[3]В нем сочетаются современный стиль с прекрасным мастерством и богатыми материалами. В период своего расцвета ар-деко олицетворял роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технический прогресс.

С самого начала ар-деко находился под влиянием смелых геометрических форм кубизма и Венского сецессиона ; яркие краски фовизма и русского балета ; обновленное мастерство мебели эпох Людовика Филиппа I и Людовика XVI ; и экзотические стили Китая и Японии , Индии , Персии , Древнего Египта и искусства майя . В нем использовались редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство. Chrysler Building идругие небоскребы Нью-Йорка, построенные в 1920-1930-х годах, являются памятниками стиля ар-деко.

В 1930-е годы, во время Великой депрессии , ар-деко стал более сдержанным. Прибыли новые материалы, в том числе хромирование , нержавеющая сталь и пластик . Более изящная форма этого стиля, получившая название Streamline Moderne , появилась в 1930-х годах; он отличался изогнутыми формами и гладкими полированными поверхностями. ^[4] Ар-деко - один из первых по-настоящему интернациональных стилей, но его господство закончилось с началом Второй мировой войны и подъемом строго функциональных и простых стилей современной архитектуры и последующего Международного стиля архитектуры. ^[5]

Именование [ править ]

Ар-деко получил свое название, сокращение от Arts décoratifs , из Международной выставки декоративного искусства и современной промышленности, состоявшейся в Париже в 1925 году ^[3], хотя различные стили, характеризующие ар-деко, уже появились в Париже и Брюсселе еще до Первой мировой войны .

Термин « декоративное искусство» впервые был использован во Франции в 1858 году; опубликовано в Бюллетене французского общества фотографии . ^[6] В 1868 году газета Le Figaro использовала термин objets d'art décoratifs по отношению к объектам сценических декораций, созданных для Театра Оперы . ^{[7] [8] [9]} В 1875 году французское правительство официально присвоило дизайнерам мебели, текстилям, ювелирным изделиям и стеклу, а также другим мастерам статус художников. В ответ на это École royale gratuite de dessin (Королевская бесплатная школа дизайна), основанная в 1766 году при короле Людовике XVI.для обучения художников и ремесленников ремеслам, связанным с изобразительным искусством, была переименована в Национальную школу декоративных искусств ( École nationale des arts décoratifs ). В 1927 году он получил свое нынешнее название ENSAD ( École nationale supérieure des arts décoratifs ).

Во время выставки 1925 года архитектор Ле Корбюзье написал серию статей о выставке для своего журнала L'Esprit Nouveau под названием «1925 EXPO. ARTS. DÉCO.», Которые были объединены в книгу L'art décoratif d ' aujourd'hui (Декоративное искусство сегодня). Книга была энергичной атакой на излишества красочных и роскошных предметов Экспозиции; и на идее, что практичные предметы, такие как мебель, вообще не должны иметь никакого украшения; он пришел к выводу, что «современное украшение не имеет украшения». ^[10]

Фактическая фраза art déco не появлялась в печати до 1966 года, когда она была представлена ​​в названии первой современной выставки на эту тему, проведенной Музеем декоративного искусства в Париже, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit. «нуво» , охватившее самые разные стили 1920-1930-х годов. ^[11] Термин арт-деко затем был использован в газетной статье 1966 года Хиллари Гелсон в The Times (Лондон, 12 ноября), описывающей различные стили на выставке. ^{[12] [13]}

Ар-деко получил распространение как широко применяемый стилистический ярлык в 1968 году, когда историк Бевис Хиллиер опубликовал первую крупную академическую книгу по этому стилю: ар-деко 20-х и 30-х годов . ^[2] Хиллиер отметил, что этот термин уже использовался торговцами предметами искусства, и цитирует The Times (2 ноября 1966 г.) и эссе под названием Les Arts Déco в журнале Elle (ноябрь 1967 г.) в качестве примеров предшествующего употребления. ^[14] В 1971 году Хиллер организовал выставку в Институте искусств Миннеаполиса , которую он подробно описывает в своей книге «Мир ар-деко» . ^{[15] [16]}

Истоки [ править ]

Общество художников-декораторов (1901–1913) [ править ]

Возникновение ар-деко было тесно связано с повышением статуса художников-декораторов, которые до конца XIX века считались просто ремесленниками. Термин « декоративно-прикладное искусство» был изобретен в 1875 году и дал дизайнерам мебели, текстиля и других декоративных элементов официальный статус. Сосьете де артисток décorateurs (Общество Декоративное художников), или SAD, была основана в 1901 году и декоративные художники получили те же права авторства как художников и скульпторов. Подобное движение развивалось в Италии. Первая международная выставка, полностью посвященная декоративному искусству, Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna , прошла в Турине.в 1902 году. В Париже было основано несколько новых журналов, посвященных декоративному искусству, в том числе Arts et décoration и L'Art décoratif moderne . Секции декоративно-прикладного искусства были введены в ежегодные салоны Французского общества художников , а затем и в Осенний салон. . Французский национализм также сыграл роль в возрождении декоративного искусства; Французские дизайнеры столкнулись с проблемой увеличения экспорта менее дорогой немецкой мебели. В 1911 году САД предложило провести в 1912 году новую крупную международную выставку декоративно-прикладного искусства. Копирование старых стилей не разрешалось; только современные работы. Выставка была отложена до 1914 года, затем из-за войны отложена до 1925 года, когда она дала название целому семейству стилей, известному как «Деко». ^[17]

• Стол и стулья Мориса Дюфрена и ковер Поля Фолло в Salon des artistes décorateurs 1912 года.

• Дама с пантерой работы Джорджа Барбье для Луи Картье , 1914. На демонстрационной карте, заказанной Картье, изображена женщина в платье от Поля Пуаре (1914)

• Кресло Эмиля-Жака Рульмана (1914) (Музей Орсе)

Парижские универмаги и модельеры также сыграли важную роль в подъеме ар-деко. Известные предприятия, такие как фирма по производству столового серебра Christofle , дизайнер стекла Рене Лалик , а также ювелиры Луи Картье и Boucheron , которые начали разрабатывать изделия в более современных стилях. ^{[18] [19]} Начиная с 1900 года, универмаги нанимали художников-декораторов для работы в своих дизайн-студиях. Украшение Осеннего салона 1912 года было поручено универмагу Printemps . ^{[20] [21]} В том же году Printemps создала собственную мастерскую под названиемPrimavera . ^[21] К 1920 году в Primavera работало более трехсот художников. Стили варьировались от обновленных версий Людовика XIV , Людовика XVI и особенно мебели Луи Филиппа, созданной Луи Сюэ и мастерской Primavera , до более современных форм из мастерской универмага Au Louvre . Другие дизайнеры, в том числе Эмиль-Жак Рульманн и Поль Фолио, отказались от массового производства и настаивали на том, чтобы каждое изделие изготавливалось вручную вручную. В раннем стиле ар-деко использовались роскошные и экзотические материалы, такие как черное дерево , слоновая кость.и шелк , очень яркие цвета и стилизованные мотивы , особенно корзины и букеты цветов всех цветов, придающие модернистский вид. ^[22]

Венский сецессион и Wiener Werkstätte (1905–1911) [ править ]

Архитекторы Венского сецессиона (образован в 1897 г.), особенно Йозеф Хоффманн , оказали заметное влияние на ар-деко. Его дворец Стокле в Брюсселе (1905–1911) был прообразом стиля ар-деко с геометрическими объемами, симметрией, прямыми линиями, бетоном, покрытым мраморными бляшками, тонким орнаментом и роскошными интерьерами, включая мозаичные фризы Густава Климта. . Хоффманн был также основателем Wiener Werkstätte (1903–1932), ассоциации мастеров и дизайнеров интерьеров, работающих в новом стиле. Это стало моделью для Французской компании искусств , созданной в 1919 году и объединившей Андре Маре и Луи Сюэ., первые ведущие французские дизайнеры и декораторы ар-деко. ^[23]

• Дворец Стокле , Брюссель , Бельгия, Йозеф Хоффманн (1905–1911).

• Деталь фасада из железобетона, покрытого мраморными бляшками.

Новые материалы и технологии [ править ]

Новые материалы и технологии, особенно железобетон , были ключом к развитию и появлению ар-деко. Первый бетонный дом был построен в 1853 году в пригороде Парижа Франсуа Куанье . В 1877 году Джозеф Монье представил идею укрепления бетона сеткой из железных прутьев в виде решетки. В 1893 году Огюст Перре построил первый бетонный гараж в Париже, затем жилой дом, дом, а затем, в 1913 году, Театр Елисейских полей . Театр был осужден одним критиком как "дирижабль с авеню Монтень", предполагаемый германское влияние, скопированное с Венского Сецессиона.. После этого большинство зданий в стиле ар-деко было построено из железобетона, что дало большую свободу форм и меньше нуждалось в армировании колонн и колонн. Перре также был пионером в покрытии бетона керамической плиткой как для защиты, так и для украшения. Архитектор Ле Корбюзье впервые изучил использование железобетона, работая рисовальщиком в студии Перре. ^[24]

Другими новыми технологиями, которые были важны для ар-деко, были новые методы производства листового стекла, которые были менее дорогими и позволяли выпускать окна гораздо большего размера и прочности, а также массовое производство алюминия , который использовался для строительства и оконных рам, а затем Корбюзье и другие - для легкой мебели.

Театр Елисейских полей (1910–1913) [ править ]

• Театр Елисейских Полей , от Огюста Перре , 15 авеню Монтень, Париж (1910-13). Железобетон дал архитекторам возможность создавать новые формы и большие пространства.

• Антуан Бурдель , Данс , на фасаде Театра Елисейских полей (1912)

• Интерьер Театра Елисейских полей с барельефами Бурделя над сценой

• Купол театра, дизайн розы Мориса Дени в стиле ар-деко

Театр Елисейских Полей (1910-1913), по Огюста Перре , был первым знаковым арт - деко здание завершено в Париже. Раньше железобетон использовался только для промышленных и жилых домов. Перре построил первый современный жилой дом из железобетона в Париже на улице Бенджамина Франклина в 1903–04 годах. Анри Соваж, еще один важный будущий архитектор ар-деко, построил еще один в 1904 году на улице Третень, 7 (1904). С 1908 по 1910 год 21-летний Ле Корбюзье работал рисовальщиком в офисе Перре, изучая методы строительства из бетона. Здание Перре имело чистую прямоугольную форму, геометрический декор и прямые линии, будущие марки ар-деко. Обстановка театра также была революционной; фасад был украшен горельефами по Antoine Bourdelle , купол по Морису Дени , картины Эдуара Вюйар , и занавес Art Deco по Кер-Ксавье Руссель . Театр стал известен как место проведения многих первых спектаклей Русского балета . ^[25]Перре и Соваж стали ведущими архитекторами ар-деко в Париже в 1920-х годах. ^{[26] [27]}

Осенний салон (1912–1913) [ править ]

• Эскиз декорации к спектаклю "Шехеразада" (1910) Леона Бакста

• Кресло в стиле ар-деко для коллекционера Жака Дусе (1912–1913).

• Выставка мебели в стиле раннего ар-деко французского ателье в Осеннем салоне 1913 года из журнала Art et décoration (1914)

С момента своего зарождения между 1910 и 1914 годами ар-деко представлял собой взрыв цвета, в котором использовались яркие и часто конфликтующие оттенки, часто в цветочных узорах, представленных в обивке мебели , коврах, ширмах, обоях и тканях. Много красочных работ, в том числе стулья и стол Мориса Дюфрена и яркий гобеленовый ковер Поля Фолло, были представлены в Салоне художников-декораторов 1912 года . В 1912–1913 дизайнер Адриен Карбовски создал стул с цветочным рисунком в виде попугая для охотничьего домика коллекционера Жака Дусе . ^[28] Дизайнеры мебели Луи Сюэ и Андре Маре.впервые появились на выставке 1912 года под названием Atelier français , сочетая красочные ткани с экзотическими и дорогими материалами, включая черное дерево и слоновую кость. После Первой мировой войны они стали одной из самых известных французских дизайнерских фирм, производящих мебель для первоклассных салонов и кают французских трансатлантических лайнеров . ^[29]

Яркие цвета ар-деко пришли из многих источников, включая экзотические декорации Леона Бакста для Русских балетов , которые вызвали сенсацию в Париже незадолго до Первой мировой войны. Некоторые цвета были вдохновлены более ранним движением фовизма, возглавляемым Анри. Матисс ; другие - орфизмом художников, таких как Соня Делоне ; ^[30] другие - движением, известным как Les Nabis , и работами художника-символиста Одилона Редона, который проектировал каминные перегородки и другие предметы декора. Яркие цвета были отличительной чертой работы модельера Поля Пуаре., чьи работы повлияли как на моду в стиле ар-деко, так и на дизайн интерьера. ^{[29] [31] [32]}

Кубизм [ править ]

• Дизайн фасада La Maison Cubiste ( Дом кубистов ) Раймонда Дюшана-Вийона (1912 г.)

• Раймон Дюшан-Вийон , 1912, La Maison Cubiste ( Дом кубистов ) в Осеннем салоне , 1912, деталь входа

• Le Salon Bourgeois , разработанный Андре Маре внутри La Maison Cubiste , в секции декоративно-прикладного искусства Осеннего салона, 1912, Париж. « Femme à l'Éventail» Метцингера на левой стене

• Лестница в особняке модного дизайнера-коллекционера Жака Дусе (1927). Дизайн Джозефа Чаки . Геометрические формы кубизма оказали большое влияние на ар-деко.

• Особняк Жака Дусе , 1927 год. На заднем плане висит « Авиньонские девицы» Пикассо.

Движение искусства известный как кубизм появился во Франции между 1907 и 1912 годами, влияющие на развитие арт - деко. ^{[25] [30] [31]} В ар-деко Complete: The Definitive Guide to the Декоративное искусство 1920-х и 1930-х годов Аластер Дункан пишет: «Кубизм, в той или иной извращенной форме, стал lingua franca художников-декораторов той эпохи». ^{[31] [33]} Кубисты, находившиеся под влиянием Поля Сезанна , были заинтересованы в упрощении форм до их геометрических сущностей: цилиндра, сферы, конуса. ^{[34] [35]}

В 1912 году художники Золотой секции выставили произведения, значительно более доступные широкой публике, чем аналитический кубизм Пикассо и Брака. Словарный запас кубизма был готов привлечь дизайнеров моды, мебели и интерьера. ^{[30] [32] [35] [36]}

В 1912 труды Андре Вера , Le Nouveau стиль , опубликованной в журнале L'Art décoratif , выразил отказ от югендстиля форм (асимметричная, многоцветные и живописные) и призвал Simplicité volontaire, symétrie Манифест, l'Ordre и др l'Harmonie , темы, которые со временем станут обычным явлением в ар-деко; ^[19] хотя стиль деко часто был чрезвычайно красочным и зачастую сложным. ^[37]

В разделе Art Décoratif Осеннего салона 1912 года была выставлена ​​архитектурная инсталляция, известная как La Maison Cubiste . ^{[38] [39]} Фасад был спроектирован Раймоном Дюшаном-Вийоном . Декор дома был выполнен Андре Маре . ^{[40] [41]} La Maison Cubiste была меблированной инсталляцией с фасадом, лестницей, перилами из кованого железа, спальней, гостиной - салоном «Буржуа» , где находились картины Альберта Глейза , Жана Метцингера , Мари Лорансен , Марселя Дюшана , Фернан Леже иРоджера де ла Френэ повесили. ^{[42] [43] [44]} Тысячи зрителей в салоне прошли через натурную модель. ^[45]

Фасад дома, спроектированный Дюшаном-Вийоном, не был очень радикальным по современным меркам; перемычки и фронтоны имели призматическую форму, но в остальном фасад напоминал обычный дом того периода. Для двух комнат Маре разработал обои со стилизованными розами и цветочными узорами, а также обивку, мебель и ковры с яркими и красочными мотивами. Это был явный отход от традиционного декора. Критик Эмиль Седейн так описал работу Маре в журнале Art et Décoration : «Он не смущает себя простотой, потому что он размножает цветы везде, где их можно поставить. Очевидно, что он добивается эффекта живописности и веселья. Он добивается этого». ^[46]Элемент кубизма был обеспечен картинами. Инсталляция была раскритикована некоторыми критиками как чрезвычайно радикальная, что помогло ей добиться успеха. ^[47] Эта архитектурная инсталляция впоследствии была выставлена ​​на Armory Show 1913 года в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне. ^{[30] [35] [48] [49] [50]} Во многом благодаря выставке термин «кубист» стал применяться ко всему современному, от женских стрижек до одежды и театральных представлений » ^[47].

Влияние кубизма продолжалось в ар-деко, даже когда деко разветвлялся во многих других направлениях. ^{[30] [31]} В 1927 году кубистов Иосиф Чаки , Жак Липшиц , Луи Marcoussis , Анри Лораном , скульптор Густав Миклош и другие сотрудничавшие в оформлении студии Дома, улице Сент-Джеймс, Нейи-сюр-Сен , спроектированный архитектором Полем Руо и принадлежит французскому модельеру Жаку Дусе, также коллекционеру постимпрессионистского искусства Анри Матисса и кубистских картин (в том числе Les Demoiselles d'Avignon, которую он купил прямо в студии Пикассо). Лоренс спроектировал фонтан, Чаки спроектировал лестницу Дусе, ^[51] Липшиц сделал каминную полку, а Маркусси сделал кубистский ковер. ^{[30] [52] [53] [54]}

Помимо художников-кубистов, Дусе привлекла других дизайнеров интерьера Deco, чтобы помочь в украшении дома, в том числе Пьера Легрена, который отвечал за оформление, и Поля Ирибе , Марселя Коарда, Андре Гроулта , Эйлин Грей и Роуз Адлер для предоставления мебели. . Декор включал в себя массивные предметы из макассарового черного дерева, вдохновленные африканским искусством, и мебель, покрытую кожей Марокко, крокодиловой кожей и змеиной кожей, а также узорами, взятыми из африканских узоров. ^[55]

Обрисованная в общих чертах геометрия кубизма стала монетой царства в 1920-х годах. Развитие ар-деко избирательной геометрии кубизма в более широкий спектр форм принесло кубизм как графическую таксономию гораздо более широкой аудитории и более широкой привлекательности. (Ричард Харрисон Мартин, Музей Метрополитен) ^[56]

Влияния [ править ]

• Экзотика Русского балета оказала сильное влияние на ранний деко. Рисунок танцора Вацлава Нижинского, сделанный парижским художником моды Жоржем Барбье (1913 г.)

• Иллюстрация Жоржа Барбье к платью от Paquin (1914). Стилизованные цветочные узоры и яркие цвета были характерной чертой раннего ар-деко.

• Вестибюль 450 Sutter Street , Сан-Франциско , Калифорния , Тимоти Пфлюгер (1929), вдохновленный древним искусством майя.

• Позолоченный бронзовый Прометей в Рокфеллер-центре , Нью-Йорк , штат Нью- Йорк , автор Пол Мэншип (1934 г.), стилизованное обновление классической скульптуры в стиле ар-деко (1936 г.)

• Керамическая ваза, вдохновленная мотивами традиционной африканской резной деревянной скульптуры, работы Эмиля Ленобля (1937), Музей декоративного искусства, Париж.

Ар-деко - это не единый стиль, а собрание разных, иногда противоречащих друг другу стилей. В архитектуре ар-деко был преемником и реакцией на модерн, стиль, который процветал в Европе между 1895 и 1900 годами, а также постепенно вытеснил изящное искусство и неоклассицизм , которые преобладали в европейской и американской архитектуре. В 1905 году Эжен Грассе написал и опубликовал Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes ^[57], в котором он систематически исследовал декоративные (орнаментальные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций, в отличие от (и как отход от) волнистый стиль модерн Гектора Гимара, столь популярный в Париже несколькими годами ранее. Грассе подчеркивал принцип, согласно которому различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты, являются основой всех композиционных композиций. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Соважа, и особенно Театр Елисейских полей , предложили новую форму строительства и декора, скопированную во всем мире. ^[58]

В декоре ар-деко было заимствовано и использовано много разных стилей. Они включали в себя досовременное искусство со всего мира, которое можно увидеть в Лувре , Музее человека и Национальном музее африканского и французского искусства . Был также популярен интерес к археологии из-за раскопок в Помпеях , Трое и гробнице фараона Тутанхамона 18-й династии . Художники и дизайнеры объединили мотивы Древнего Египта , Месопотамии , Греции , Рима , Азии, Мезоамерики и Океании с эпохой машин.элементы. ^{[59] [60] [61] [62] [63] [64]}

Другие заимствованные стили включали русский конструктивизм и итальянский футуризм , а также орфизм, функционализм и модернизм в целом. ^{[35] [59] [65] [66] В} ар-деко также использовались конфликтующие цвета и дизайн фовизма, особенно в работах Анри Матисса и Андре Дерена , которые вдохновляли дизайн тканей в стиле ар-деко, обоев и расписной керамики. ^[35] Он взял идеи из лексики высокой моды того периода, в которой использовались геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. На него повлияли открытия в египтологии., а также растущий интерес к Востоку и африканскому искусству. С 1925 года его часто вдохновляла страсть к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, а к 1930 году это влияние привело к созданию стиля под названием Streamline Moderne . ^[67]

Стиль роскоши и современности [ править ]

• Будуар модельера Жанны Ланвин (1922–1925) сейчас в Музее декоративного искусства, Париж , Франция.

• Баня Жанны Ланвин из сиенского мрамора с декором из резной лепнины и бронзы (1922–25).

• Этюд в стиле ар-деко парижской дизайнерской фирмы Alavoine, сейчас находится в Бруклинском музее , Нью-Йорк , штат Нью- Йорк (1928–1930).

• Стеклянный салон (Le salon de verre), спроектированный Полом Руодом с мебелью Эйлин Грей , для мадам Матье-Леви (модистка бутика J. Suzanne Talbot), 9, rue de Lota, Париж, 1922 г. (опубликовано в L'Illustration , 27 мая 1933 г.)

Ар-деко ассоциировался как с роскошью, так и с современностью; в нем сочетаются очень дорогие материалы и изысканное мастерство, воплощенное в модернистских формах. В ар-деко не было ничего дешевого: предметы мебели включали инкрустацию из слоновой кости и серебра, а украшения в стиле ар-деко сочетали в себе бриллианты с платиной, нефритом и другими драгоценными материалами. Стиль был использован для оформления первоклассных салонов океанских лайнеров, роскошных поездов и небоскребов. Его использовали во всем мире для украшения великих дворцов кино в конце 1920-х и 1930-х годах. Позже, после Великой депрессии , стиль изменился и стал более трезвым.

Хорошим примером роскошного стиля ар-деко является будуар модельера Жанны Ланвин , спроектированный Арманом-Альбертом Рато (1882–1938) в период с 1922 по 25 год. Он находился в ее доме на улице Барбет-де-Жуи, 16 в Париже, который был снесен в 1965 году. Помещение было реконструировано в Музее декоративного искусства в Париже. Стены покрыты лепными барашками под лепными лепными барельефами. Альков обрамлен мраморными колоннами с основанием и цоколем из резного дерева. Пол из белого и черного мрамора, а в шкафах декоративные предметы отображаются на фоне синего шелка. В ее ванной комнате были ванна и умывальник из сиенского мрамора со стеной из резной лепнины и бронзовой фурнитурой. ^[68]

К 1928 году стиль стал более комфортным, с клубными креслами из глубокой кожи. Кабинет, разработанный парижской фирмой Alavoine для американского бизнесмена в 1928–1930 годах, сейчас находится в Бруклинском музее .

К 1930-м годам стиль был несколько упрощен, но все еще оставался экстравагантным. В 1932 году декоратор Поль Рууд создал Стеклянный салон для Сюзанны Тальбот. В нем было змеевидное кресло и два трубчатых кресла от Эйлин Грей, пол из матовых посеребренных стеклянных плит, панель с абстрактными узорами в серебряном и черном лаке, а также ассортимент шкур животных. ^[69]

Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства (1925 г.) [ править ]

• Открытка с Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства в Париже , Франция (1925 г.)

• Вход на выставку 1925 года с площади Согласия - Пьер Пату.

• Польский павильон (1925 г.)

• Павильон универмага Galeries Lafayette на выставке 1925 года

• Hotel du Collectionneur, павильон производителя мебели Эмиля-Жака Рульмана , спроектированный Пьером Пату .

• Салон Hôtel du Collectionneur на Международной выставке декоративного искусства 1925 года, оформленный Эмилем-Жаком Рульманном , картина Жана Дюпа , дизайн Пьера Пату

Событием, которое ознаменовало зенит этого стиля и дало ему название, стала Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства, которая проходила в Париже с апреля по октябрь 1925 года. Она была официально спонсирована французским правительством и охватывала территорию в Париж площадью 55 акров, простирающийся от Большого дворца на правом берегу до Дома инвалидов на левом берегу и вдоль берегов Сены. Большой дворец, самый большой зал в городе, был заполнен экспонатами декоративно-прикладного искусства из стран-участниц. Было 15000 экспонентов из двадцати разных стран, включая Англию, Италию, Испанию, Польшу, Чехословакию, Бельгию, Японию и новый Советский Союз., хотя Германию не пригласили из-за напряженности после войны, а Соединенные Штаты, не понимая цели выставки, отказались от участия. За семь месяцев его работы его посетили шестнадцать миллионов человек. Правила выставки требовали, чтобы все работы были современными; никакие исторические стили не допускались. Основной целью выставки было продвижение французских производителей роскошной мебели, фарфора, стекла, изделий из металла, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продукции все крупные универмаги Парижа и крупные дизайнеры имели собственные павильоны. Выставка имела второстепенную цель - продвигать товары из французских колоний в Африке и Азии, в том числе слоновую кость и экзотические породы дерева.

Hôtel du Collectionneur был популярным аттракционом на выставке; На нем были представлены новый дизайн мебели Эмиля-Жака Рульмана, а также ткани, ковры и картины в стиле ар-деко, а также картины Жана Дюпа . В дизайне интерьера соблюдены те же принципы симметрии и геометрических форм, которые отличают его от модерна, а также яркие цвета, тонкая обработка редких и дорогих материалов, которые отличают его от строгой функциональности стиля модерн. В то время как большинство павильонов было щедро декорировано и обставлено роскошной мебелью ручной работы, два павильона - Советского Союза и Pavilion du Nouveau Esprit, построенные одноименным журналом Ле Корбюзье, - были построены в строгом стиле. однотонные белые стены и без отделки; они были одними из первых примеровмодернистская архитектура . ^[70]

Небоскребы [ править ]

• American Radiator Building , Нью - Йорк , штат Нью - Йорк , по Раймонду Гуд (1924)

• Крайслер-билдинг , Нью-Йорк, Уильям Ван Ален (1930)

• Горизонт Нью-Йорка ( ок.  1931–1933 )

• Корона здания General Electric (также известного как 570 Lexington Avenue), Нью-Йорк, Cross & Cross (1933)

• Рокфеллер-Плаза , 30 , Нью-Йорк, Рэймонд Худ (1933)

• Эмпайр-стейт-билдинг , Нью-Йорк, Шрив, Лэмб и Хармон (1931)

Американские небоскребы стали вершиной стиля ар-деко; они стали самыми высокими и узнаваемыми современными зданиями в мире. Они были созданы, чтобы показать престиж своих строителей своим ростом, формой, цветом и эффектным освещением в ночное время. ^[71] Американский Радиатор Здание по Раймонду Гуд (1924) в сочетании готики и Deco современных элементов в конструкции здания. Черный кирпич на фасаде здания (символизирующий уголь) был выбран, чтобы дать представление о солидности и придать зданию прочную массу. Остальные части фасада облицованы золотыми кирпичами (символизирующими огонь), а вход украшен мрамором и черными зеркалами. Еще одним ранним небоскребом в стиле ар-деко был Детройт.Здание Guardian , открывшееся в 1929 году. Спроектированное модернистом Виртом Роулендом , здание было первым, в котором нержавеющая сталь использовалась в качестве декоративного элемента, а также широко использовались цветные рисунки вместо традиционных орнаментов.

Горизонт Нью-Йорка был радикально изменен зданием Крайслер на Манхэттене (завершено в 1930 году), спроектированным Уильямом Ван Аленом . Это была гигантская реклама автомобилей Chrysler высотой в семьдесят семь этажей. Верх увенчал шпиль из нержавеющей стали и был украшен декоративными «горгульями» в виде украшений крышки радиатора из нержавеющей стали. Основание башни на высоте тридцати трех этажей над улицей было украшено красочными фризами в стиле ар-деко, а вестибюль был украшен символами ар-деко и изображениями, выражающими современность. ^[72]

Chrysler Building последовало Empire State Building по William F. Lamb (1931) и RCA Building(ныне 30 Rockefeller Plaza) Раймонда Гуда (1933), которые вместе полностью изменили горизонт Нью-Йорка. Верхушки зданий были украшены коронами в стиле ар-деко и шпилями, покрытыми нержавеющей сталью, а в случае здания Крайслер - горгульями в стиле ар-деко, смоделированными по образцу радиаторных украшений, а входы и вестибюли были щедро украшены скульптурами в стиле ар-деко. керамика и дизайн. Подобные здания, хотя и не такие высокие, вскоре появились в Чикаго и других крупных городах Америки. Крайслер-билдинг вскоре превзошел по высоте Эмпайр-стейт-билдинг в чуть менее роскошном стиле деко. Рокфеллер-центр добавил новый элемент дизайна: несколько высоких зданий, сгруппированных вокруг открытой площади, с фонтаном в центре. ^[73]

Поздний ар-деко [ править ]

• Театр Линкольна в Майами-Бич, Флорида , Томаса У. Лэмба (1936)

• Дворец Шайо от Луи-Ипполит Буал , Жак Карлу и Леон Azema от 1937 Парижских Международной выставки

• Лестница из Экономического и Социального Совета в Париже, первоначально Музей общественных работ, построенный для 1937 Парижских Международной выставки , по Огюст Перре (1937)

• Средняя школа в Кинг-Сити, Калифорния , построенная Робертом Стэнтоном для Управления прогресса работ (1939 г.)

В 1925 году в рамках ар-деко сосуществовали две разные конкурирующие школы: традиционалисты, основавшие Общество художников-декораторов; в том числе дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульманн, Жан Дюнар, скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре; в них сочетаются современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами. С другой стороны, были модернисты, которые все больше отвергали прошлое и хотели стиль, основанный на достижениях новых технологий, простоте, отсутствии декора, недорогих материалах и массовом производстве. В 1929 году модернисты основали свою организацию - Французский союз современных художников . В ее состав входили архитекторы Пьер Шаро , Фрэнсис Журден , Роберт Малле-Стивенс., Корбюзье, а в Советском Союзе - Константин Мельников ; ирландский дизайнер Эйлин Грей и французский дизайнер Соня Делоне, ювелиры Жан Фуке и Жан Пуифоркат . Они яростно атаковали традиционный стиль ар-деко, который, по их словам, был создан только для богатых, и настаивали на том, чтобы хорошо построенные здания были доступны каждому, и эта форма должна следовать за функцией. Красота объекта или здания заключается в том, идеально ли они подходят для выполнения своей функции. Современные промышленные методы означали, что мебель и здания можно было производить серийно, а не вручную. ^{[74] [75]}

Дизайнер интерьеров в стиле ар-деко Поль Фолло защищал ар-деко следующим образом: «Мы знаем, что человек никогда не довольствуется необходимым и что лишнее всегда необходимо ... В противном случае нам пришлось бы избавиться от музыки, цветов и т. Д. духи ..! " ^[76]Однако Ле Корбюзье был блестящим публицистом модернистской архитектуры; он заявил, что дом - это просто «машина для жизни», и неустанно продвигал идею о том, что ар-деко - это прошлое, а модернизм - будущее. Идеи Ле Корбюзье постепенно перенимались архитектурными школами, а эстетика ар-деко была оставлена. Те же особенности, которые сделали ар-деко популярным вначале, его мастерство, богатые материалы и орнамент, привели к его упадку. Великая депрессия, которая началась в Соединенных Штатах в 1929 году и вскоре после этого достигла Европы, значительно сократила количество богатых клиентов, которые могли платить за мебель и предметы искусства. В условиях экономической депрессии немногие компании были готовы строить новые небоскребы. ^[35]Даже фирма Ruhlmann прибегала к серийному производству мебели, а не к индивидуальному изготовлению предметов ручной работы. Последние здания , построенные в Париже в новом стиле были Музей общественных работ Огюста Перре (ныне французский экономического, социального и экологического совета ) и Дворец Шайо на Луи-Ипполита Буало , Жак Карлу и Леоном Azema , и Palais де Токио на Парижской международной выставке 1937 года ; они смотрели на грандиозный павильон нацистской Германии, спроектированный Альбертом Шпеером , который обращен к столь же грандиозному павильону социалистического реализма сталинского Советского Союза.

После Второй мировой войны доминирующим архитектурным стилем стал международный стиль, впервые предложенный Ле Корбюзье и Мис Ван дер Роэ . Несколько отелей в стиле ар-деко были построены в Майами-Бич после Второй мировой войны, но в других местах стиль в значительной степени исчез, за ​​исключением промышленного дизайна, где он продолжал использоваться в автомобильном стиле и таких продуктах, как музыкальные автоматы. В 1960-х годах он пережил скромное академическое возрождение, отчасти благодаря трудам историков архитектуры, таких как Бевис Хиллиер. В 1970-х годах в Соединенных Штатах и ​​Европе были предприняты усилия по сохранению лучших образцов архитектуры ар-деко, и многие здания были отреставрированы и перепрофилированы. Постмодернистская архитектура, впервые появившийся в 1980-х годах, как и ар-деко, часто включает в себя чисто декоративные элементы. ^{[35] [59] [77] [78]} Декор продолжает вдохновлять дизайнеров и часто используется в современной моде, украшениях и туалетных принадлежностях. ^[79]

Живопись [ править ]

• Деталь времени , потолочная фреска в вестибюле Рокфеллер-центра ( Нью-Йорк , штат Нью- Йорк ), испанского художника Хосепа Мария Серт (1941).

• Рабочие сортируют почту , фреска на таможне США в Нью-Йорке, автор Реджинальд Марш (1936)

• Искусство в тропиках , фреска в Федеральном здании Уильяма Джефферсона Клинтона , Вашингтон, округ Колумбия , Роквелл Кент (1938)

На выставке 1925 года ни одного раздела для живописи не было. Живопись ар-деко была по определению декоративной, предназначенной для украшения комнаты или архитектурного произведения, поэтому немногие художники работали исключительно в этом стиле, но два художника тесно связаны с ар-деко. Жан Дюпа написал фрески в стиле ар-деко для павильона Бордо на выставке декоративного искусства 1925 года в Париже, а также нарисовал картину над камином на выставке Maison de la Collectioneur на выставке 1925 года, на которой была представлена ​​мебель Рульмана и других известных дизайнеров ар-деко. . Его фрески также были заметны в декоре французского океанского лайнера SS Normandie . Его работы носили чисто декоративный характер, служили фоном или аккомпанементом к другим элементам декора. ^[80]

Другой художник, тесно связанный со стилем, - Тамара де Лемпицка . Она родилась в Польше, после революции в России эмигрировала в Париж . Она училась у Мориса Дени и Андре Лота и позаимствовала многие элементы из их стилей. Писала портреты в реалистичном, динамичном и красочном стиле ар-деко. ^[81]

В 1930-х годах в США появилась новая драматическая форма живописи ар-деко. Во время Великой депрессии был создан Федеральный художественный проект Управления прогресса работ, чтобы дать работу безработным художникам. Многим было поручено украсить правительственные здания, больницы и школы. В фресках не использовался особый стиль ар-деко; художники, занятые росписью фресок в правительственных зданиях, происходили из самых разных школ, от американского регионализма до соцреализма ; среди них были Реджинальд Марш , Рокуэлл Кент и мексиканский художник Диего Ривера.. Фрески были в стиле ар-деко, потому что все они были декоративными и связаны с деятельностью в здании или городе, где они были нарисованы: Реджинальд Марш и Рокуэлл Кент украшали почтовые здания США и изображали почтовых служащих за работой, а Диего Ривера изображал рабочих автомобильного завода. Детройтский институт искусств . На фреске Диего Риверы « Человек на перекрестке» (1933) для Рокфеллер-центра изображен несанкционированный портрет Ленина . ^{[82] [83]} Когда Ривера отказался убрать Ленина, картина была уничтожена, а испанский художник Хосеп Мария Серт написал новую фреску . ^{[84] [85] [86]}

Скульптура [ править ]

Монументальная и общественная скульптура [ править ]

Скульптура была очень распространенной и неотъемлемой чертой архитектуры ар-деко. Во Франции аллегорические барельефы, изображающие танец и музыку Антуана Бурделя , в 1912 году украсили самый ранний памятник ар-деко в Париже, Театр Елисейских полей. В 1925 году здесь были размещены крупные скульптурные произведения, павильоны были украшены скульптурными фризами. и несколько павильонов, посвященных скульптуре меньшей студии. В 1930-х годах большая группа выдающихся скульпторов создала работы для Международной выставки искусства и техники 1937 года в Шайо. Альфред Жанниот выполнил рельефные скульптуры на фасаде Токийского дворца. Musée d'Art Moderne де - ла - Виль - де - Париж, а эспланада перед Дворцом Шайо, обращенная к Эйфелевой башне, была заполнена новыми скульптурами Чарльза Малфрея , Генри Арнольда и многих других. ^[87]

Публичная скульптура в стиле ар-деко почти всегда была репрезентативной, обычно героических или аллегорических фигур, связанных с назначением здания или комнаты. Темы обычно выбирались меценатами, а не художником. Абстрактная скульптура для украшения была крайне редкой. ^{[88] [89]}

В Соединенных Штатах самым известным скульптором в стиле ар-деко для общественного искусства был Пол Мэншип , обновивший классические и мифологические сюжеты и темы в стиле ар-деко. Его самой известной работой была статуя Прометея в Рокфеллер-центре в Нью-Йорке, адаптация классического сюжета 20-го века. Другие важные работы для Рокфеллер-центра были выполнены Ли Лори , включая скульптурный фасад и статую Атласа .

Во время Великой депрессии в Соединенных Штатах многим скульпторам было поручено выполнить работы по украшению зданий федерального правительства на средства, предоставленные WPA или Администрацией прогресса работ . Среди них был скульптор Сидней Билер Во, который создал стилизованные и идеализированные изображения рабочих и их задач для зданий федерального правительства. ^[90] В Сан-Франциско Ральф Стэкпол предоставил скульптуру для фасада нового здания фондовой биржи Сан-Франциско . В Вашингтоне Майкл Ланц работал над зданием Федеральной торговой комиссии .

В Великобритании общественная скульптура Deco была сделана Эриком Гиллом для BBC Broadcasting House , а Рональд Аткинсон украсил вестибюль бывшего здания Daily Express в Лондоне (1932 г.).

Одна из самых известных и, безусловно, самая крупная скульптура в стиле ар-деко - Христос-Искупитель работы французского скульптора Поля Ландовски , созданная между 1922 и 1931 годами и расположенная на вершине горы с видом на Рио-де-Жанейро , Бразилия.

• Алюминиевая статуя Цереры работы Джона Сторрса на крыше здания Чикагской торговой палаты , Чикаго , Иллинойс (1930)

• Позолоченный бронзовый Прометей в Рокфеллер-центре ( Нью-Йорк , штат Нью- Йорк ), автор Пол Мэншип (1934), стилизованное обновление классической скульптуры в стиле ар-деко (1936)

• Портал украшения Wisdom по Ли Лори в Рокфеллер - центре (1933)

• Ли Лори , 1936–37, статуя Атласа перед Рокфеллер-центром (установлен в 1937 году)

• Человек, контролирующий торговлю , Майкл Ланц в здании Федеральной торговой комиссии , Вашингтон, округ Колумбия (1942 г.)

• Доставка почты на восток , Эдмонд Аматейс , одна из четырех барельефных скульптур на Федеральном здании Никс , Филадельфия , Пенсильвания (1937)

• Ральф Stackpole скульптурная группа «s над дверью в Сан - Франциско фондовой биржи , Сан - Франциско , штат Калифорния (1930)

• Aerial между Мудростью и весельем на Эрика Гилла , фасад BBC Broadcasting House , Лондон , Великобритания (1932)

• Христос-Искупитель , Пол Ландовски (1931), мыльный камень ,гора Корковадо , Рио-де-Жанейро , Бразилия

Студия скульптуры [ править ]

Многие ранние скульптуры в стиле ар-деко были небольшого размера и предназначались для украшения салонов. Один из жанров этой скульптуры назывался статуэткой Хризелефантины , названной в честь стиля древнегреческих храмовых статуй, сделанных из золота и слоновой кости. Иногда их делали из бронзы, а иногда из гораздо более дорогих материалов, таких как слоновая кость, оникс , алебастр и сусальное золото.

Одним из самых известных скульпторов салонов ар-деко был уроженец Румынии Деметре Чипарус , создавший красочные маленькие скульптуры танцоров. Среди других известных скульпторов салона были Фердинанд Прейсс , Йозеф Лоренцль , Александр Келети, Доротея Шароль и Густав Шмидкассель. ^[91] Другим важным американским скульптором в студийном формате была Гарриет Уитни Фришмут , которая училась у Огюста Родена в Париже.

Пьер Ле Паге был выдающимся скульптором студии ар-деко, чьи работы были показаны на выставке 1925 года. Он работал с бронзой, мрамором, слоновой костью, ониксом, золотом, алебастром и другими драгоценными материалами. ^[92]

• Тет (вид спереди и сбоку), известняк, Джозеф Чаки ( ок.  1920 г. ) ( Музей Креллер -Мюллер , Оттерло , Нидерланды)

• Охотник Пьера Ле Фаге (1920-е)

• Бронзовая обнаженная танцовщица на постаменте из оникса - Йозеф Лоренцль ( ок.  1925 )

• Скорость , дизайн украшения радиатора Гарриет Уитни Фришмут (1925)

• Полет Европы , бронза с золотым листом, Пол Мэншип (1925) ( Музей американского искусства Уитни , Нью-Йорк , Нью-Йорк , США)

• Танара , бронза, слоновая кость и оникс, работа Деметра Чипаруса ( ок.  1925 г. )

• Танцовщица , бронза, слоновая кость, картина Чипаруса ( ок.  1925 г. )

Франсуа Помпон был пионером современной стилизованной анималистической скульптуры. Он не был полностью признан своими художественными достижениями до 67 лет в Осеннем салоне 1922 года с работой Ours blanc , также известной как The White Bear , теперь в Музее д'Орсе в Париже. ^[93]

Параллельно с этими скульпторами в стиле ар-деко в Париже и Нью-Йорке работали более авангардные и абстрактные модернистские скульпторы. Самыми известными были Константин Бранкузи , Жозеф Чаки , Александр Архипенко , Анри Лоран , Жак Липшиц , Густав Миклош , Жан Ламбер-Раки , Ян и Жоэль Мартель , Хана Орлофф и Пабло Гаргалло . ^[94]

Графика [ править ]

• Программа для русов балетов по Леону Бакст (1912)

• Питер Беренс , плакат выставки Deutscher Werkbund (1914)

• Vanity Fair обложки Жорж Lepape (1919)

• Интерпретация Harlem Jazz I по Уинолд Рейс (c.1920)

• Обложка Harper `s Bazaar по Эрте (1922)

• Плакат лондонского метро Горация Тейлора (1924)

• Плакат Мулен Руж Шарля Жесмара (1925 г.)

Стиль ар-деко появился рано в графике, незадолго до Первой мировой войны. Он появился в Париже на плакатах и ​​эскизах костюмов Леона Бакста для Русского балета, а также в каталогах модельеров Поля Пуаре. ^[95] Иллюстрации Жоржа Барбье и Жоржа Лепапа, а также изображения в модном журнале La Gazette du bon ton прекрасно передали элегантность и чувственность стиля. В 1920-х годах внешний вид изменился; подчеркнутая мода была более повседневной, спортивной и смелой, а женщины-модели обычно курили сигареты. Американские модные журналы, такие как Vogue , Vanity Fair и Harper's Bazaar.быстро подхватил новый стиль и популяризировал его в США. Это также повлияло на работу американских книжных иллюстраторов, таких как Рокуэлл Кент. В Германии самым известным художником плаката того периода был Людвиг Хольвайн , который создавал красочные и драматические плакаты для музыкальных фестивалей, пива и, в конце своей карьеры, для нацистской партии. ^[96]

В период модерна на плакатах обычно рекламировались театральные постановки или кабаре. В 20-е годы прошлого века большой популярностью пользовались туристические плакаты для пароходов и авиакомпаний. Стиль заметно изменился в 1920-х годах, чтобы сосредоточить внимание на рекламируемом продукте. Изображения стали более простыми, точными, более линейными, более динамичными и часто размещались на однотонном фоне. Во Франции популярными дизайнерами ар-деко были Шарль Лупо и Поль Колин , прославившиеся своими плакатами с изображением американской певицы и танцовщицы Жозефины Бейкер.. Жан Карлу разработал плакаты для фильмов, сериалов и театров Чарли Чаплина; в конце 1930-х он эмигрировал в Соединенные Штаты, где во время мировой войны разработал плакаты, поощряющие военное производство. Дизайнер Чарльз Гесмар прославился созданием плакатов для певицы Мистингетт и для Air France . Среди самых известных французских дизайнеров плакатов в стиле ар-деко был Кассандр , который в 1935 году создал знаменитый плакат океанского лайнера SS Normandie ^[96].

В 1930-е годы в США во время Великой депрессии появился новый жанр плаката. Федеральный художественный проект нанял американских художников для создания плакатов, рекламирующих туризм и культурные мероприятия.

Архитектура [ править ]

• Универмаг La Samaritaine в Париже , Франция, Анри Соваж (1925–1928).

• Los Angeles City Hall от Джон Паркинсон , Джон К. Остин и Альберт C. Мартин - старший (1928)

• Интерьер Palacio de Bellas Artes (Дворец изящных искусств) в Мехико , Мексика (1934 г.)

• Вход на виллу Empain в Брюсселе , Бельгия (1930–34).

• Здание национальной диеты в Токио , Япония (1936 г.)

• Станция метро Маяковская в Москве , Россия (1936)

Архитектурный стиль ар-деко дебютировал в Париже в 1903–04 годах, когда в Париже были построены два жилых дома: один Огюстом Перре на улице Бенджамина Франклина, а другой на улице Третень Анри Соваж. Два молодых архитектора впервые применили железобетон в жилых домах Парижа; у новостроек были четкие линии, прямоугольные формы и отсутствие декора на фасадах; они отметили полный разрыв со стилем модерн . ^[97] Между 1910 и 1913 годами Перре использовал свой опыт в бетонных многоквартирных домах, чтобы построить Театр на Елисейских полях, 15 авеню Монтень . В период с 1925 по 1928 год он построил новый фасад в стиле ар-деко универмага La Samaritaine в Париже.^[98]

После Первой мировой войны в крупных городах Европы и США стали появляться здания в стиле ар-деко из стали и железобетона. В Соединенных Штатах этот стиль чаще всего использовался для офисных зданий, правительственных зданий, кинотеатров и железнодорожных станций. Иногда его сочетали с другими стилями; Мэрия Лос-Анджелеса объединила ар-деко с крышей, основанной на древнегреческом мавзолее в Галикарнасе , в то время как железнодорожная станция Лос-Анджелеса объединила деко с архитектурой испанской миссии. Элементы ар-деко также появились в инженерных проектах, включая башни моста Золотые Ворота и водозаборные башни плотины Гувера.. В 1920 - х и 1930 - х годах он стал по- настоящему интернациональным стилем, с примерами , включая Дворец изящных искусств (Дворец изящных искусств) в Мехико по Федерико Марискаль  [ ы ] , на станцию Маяковской метро в Москве и National Diet Building в Токио Ватанабэ Фукузо. ^{[ необходима цитата ]}

Стиль ар-деко не ограничивался постройками на суше; Океанский лайнер SS Normandie , первый рейс которого состоялся в 1935 году, отличался дизайном в стиле ар-деко, в том числе столовой, потолок и отделка которой были сделаны из стекла Лаликом . ^[99]

"Торговые соборы" [ править ]

• Здание Фишера в Детройте , штат Мичиган , Джозеф Натаниэль Френч (1928)

• Нижний вестибюль Guardian Building в Детройте, автор Вирт Роуленд (1929).

• Вестибюль Саттер-стрит, 450 в Сан-Франциско , Калифорния , Тимоти Пфлюгер (1929)

• Вестибюль Крайслер-билдинг в Нью-Йорке , штат Нью- Йорк , Уильям Ван Ален (1930)

• Лифт Крайслер-билдинг (1930)

Грандиозными витринами дизайна интерьера в стиле ар-деко были вестибюли правительственных зданий, театров и особенно офисных зданий. Интерьеры были чрезвычайно красочными и динамичными, сочетая скульптуру, фрески и декоративный геометрический дизайн из мрамора, стекла, керамики и нержавеющей стали. Ранним примером было здание Fisher Building в Детройте Джозефа Натаниэля Френча ; Вестибюль был богато украшен скульптурой и керамикой. Здание Guardian (первоначально здание Union Trust Building) в Детройте, автор - Вирт Роуленд.(1929), украшенный красным и черным мрамором и яркой керамикой, подчеркнутый полированными стальными дверьми и стойками лифта. Скульптурные украшения, установленные на стенах, иллюстрируют достоинства трудолюбия и экономии; здание сразу назвали «Торговым собором». Медицинский и стоматологический корпус, названный 450 Sutter Street в Сан-Франциско Тимоти Пфлюгером, был вдохновлен архитектурой майя в очень стилизованной форме; в нем использовались пирамидальные формы, а внутренние стены были покрыты стилизованными рядами иероглифов. ^[100]

Во Франции лучшим примером интерьера в стиле ар-деко того периода был Дворец Порт-Доре (1931 г.) Альберта Лапрада , Леона Жоссели и Леона Базена . Здание (ныне Национальный музей иммиграции с аквариумом в подвале) было построено для Парижской колониальной выставки 1931 года, чтобы прославить людей и продукты французских колоний. Внешний фасад был полностью покрыт скульптурой, а вестибюль создавал гармонию ар-деко с деревянным паркетным полом с геометрическим рисунком, фреской, изображающей жителей французских колоний; и гармоничная композиция из вертикальных дверей и горизонтальных балконов. ^[100]

Дворцы кино [ править ]

• Египетский театр Граумана в Голливуде ( Лос-Анджелес ), Калифорния (1922)

• Большой четырехэтажный вестибюль театра Paramount в Окленде , Калифорния (1932 г.)

• Аудитория и сцена Radio City Music Hall в Нью-Йорке , штат Нью- Йорк (1932)

• Гранд Рекс в Париже , Франция (1932)

• Государственный кинотеатр Gaumont в Лондоне , Великобритания (1937)

• The Paramount в Шанхае , Китай (1933)

Многие из лучших сохранившихся примеров ар-деко - это кинотеатры, построенные в 1920-х и 1930-х годах. Период ар-деко совпал с преобразованием немого кино в звуковое, и кинокомпании построили огромные кинотеатры в крупных городах, чтобы привлечь внимание огромной аудитории, пришедшей посмотреть фильмы. Кинодворцы 1920-х годов часто сочетали экзотические темы со стилем ар-деко; Египетский театр Граумана в Голливуде (1922) был вдохновлен древними египетскими гробницами и пирамидами , в то время как театр Фокса в Бейкерсфилде, Калифорния, пристроил башню в стиле Калифорнийской миссии к залу в стиле ар-деко. Самый большой из них - Radio City Music Hall.в Нью-Йорке, который открылся в 1932 году. Первоначально он был спроектирован как сценический театр, но быстро превратился в кинотеатр на 6015 мест. В дизайне интерьера Дональда Дески использовали стекло, алюминий, хром и кожу, чтобы создать красочный побег от реальности. Театр Paramount в Окленде, штат Калифорния, работы Тимоти Пфлюгера, имел красочный керамический фасад, четырехэтажный вестибюль и отдельные курительные комнаты в стиле ар-деко для мужчин и женщин. Подобные величественные дворцы появились и в Европе. Grand Rex в Париже (1932), с его внушительной башней, был самый большой кинотеатр в Европе. Gaumont Госкинов Лондоне (1937 г.) была башня, построенная по образцу Эмпайр-стейт-билдинг, покрытая кремовой керамической плиткой и интерьером в стиле ар-деко и итальянского Возрождения. Театр Paramount в Шанхае , Китай (1933) изначально был построен как танцевальный зал под названием «Ворота 100 удовольствий» ; после коммунистической революции 1949 года он был преобразован в кинотеатр, а сейчас здесь бальный зал и дискотека. В 1930-х годах итальянские архитекторы построили небольшой кинотеатр Cinema Impero в Асмэре на территории нынешней Эритреи . Сегодня многие кинотеатры разделены на мультиплексы, но другие отреставрированы и используются в качестве культурных центров в своих общинах. ^[101]

Streamline Moderne [ править ]

• Закругленный угол в морском стиле BBC Broadcasting House в Лондоне , Великобритания (1931 г.)

• Здание Парижа в стиле Пакбота или океанского лайнера, бульвар Виктор 3, автор Пьер Пату (1935 г.)

• Pan-Pacific Auditorium в Лос-Анджелесе , Калифорния (1936)

• Air Terminal Marine в Ла Гуардия (1937) был Нью - Йорк «s терминал для полетов Pan Am Clipper летающих лодок в Европе

• Hoover Здание столовую в Perivale в пригороде Лондона, на Уоллис, Гилберт и партнеры (1938)

• Бывший Бельгийский национальный институт радиовещания в Икселе ( Брюссель ), Бельгия (1938)

• Павильон Форда на Всемирной выставке в Нью-Йорке в 1939 году

• Обтекаемая современная церковь, Первая церковь Избавления в Чикаго , штат Иллинойс , Уолтер Т. Бейли (1939). Башни добавлены в 1948 году.

В конце 1930-х годов стало распространено новое разнообразие архитектуры ар-деко; он назывался Streamline Moderne или просто Streamline, или, во Франции, Style Paqueboat, или стиль Ocean Liner. Здания в этом стиле имели закругленные углы и длинные горизонтальные линии; они были построены из железобетона и почти всегда были белыми; и иногда они имели морские элементы, такие как перила, которые напоминали перила на корабле. Закругленный угол не был чем-то новым; он появился в Берлине в 1923 году в Mossehaus по Эриха Мендельсона , а затем в Hoover Building , промышленный комплекс в пригороде Лондона Perivale. В Соединенных Штатах это стало наиболее тесно связано с транспортом; Модерна Streamline редко использовалась в офисных зданиях, но часто использовалась для автобусных станций и терминалов аэропортов, таких как терминал в аэропорту Ла-Гуардиа в Нью-Йорке, который обслуживал первые трансатлантические рейсы на летающих лодках PanAm clipper; и в придорожной архитектуре, например, на заправочных станциях и в закусочных. В конце 1930-х годов в городах Новой Англии были произведены и установлены серии закусочных, смоделированных по образцу модернизированных железнодорожных вагонов; по крайней мере два экземпляра все еще сохранились и теперь являются зарегистрированными историческими зданиями. ^[102]

Украшение и мотивы [ править ]

• Железный каминный экран, Rose Iron Works ( Кливленд , Огайо ) (1930)

• Двери лифта в Крайслер-билдинг ( Нью-Йорк , штат Нью- Йорк ), Уильям Ван Ален (1927–30)

• Мотив восхода солнца из газового здания штата Висконсин ( Милуоки , Висконсин ) (1930)

• Деталь мозаичного фасада театра Paramount (Окленд, Калифорния) (1931 г.)

Украшение в период ар-деко прошло несколько этапов. Между 1910 и 1920 годами, когда ар-нуво исчерпал себя, стили дизайна вернулись к традициям, особенно в творчестве Поля Ирибе. В 1912 году Андре Вера опубликовал в журнале L'Art Décoratif эссе, в котором призвал вернуться к мастерству и материалам прошлых веков и использовать новый репертуар форм, взятых из природы, в частности корзин и гирлянд из фруктов и цветов. Вторая тенденция ар-деко, также с 1910 по 1920 год, была вдохновлена ​​яркими красками художественного движения, известного как фовисты.и красочными костюмами и декорациями Русских балетов. Этот стиль часто выражался экзотическими материалами, такими как кожа акулы, перламутр, слоновая кость, тонированная кожа, лакированное и окрашенное дерево, а также декоративные вставки на мебели, подчеркивающие ее геометрию. Этот период стиля достиг своего апогея в Парижской выставке декоративного искусства 1925 года. В конце 1920-х - 1930-х годах стиль декора изменился, вдохновившись новыми материалами и технологиями. Он стал более гладким и менее декоративным. Мебель, как и архитектура, стала иметь закругленные края и приобрела изысканный, обтекаемый вид, взятый из обтекаемого современного стиля. В мебели и отделке стали появляться новые материалы, такие как хромированная сталь, алюминий и бакелит , одна из первых форм пластика. ^[103]

На протяжении всего периода ар-деко, особенно в 1930-е годы, мотивы декора выражали функцию здания. Театры были украшены скульптурой, изображающей музыку, танец и волнение; энергетические компании показывали рассветы, здание Крайслера - стилизованные орнаменты на капоте; На фризах Пале-де-ла-Порт-Доре на Парижской колониальной выставке 1931 года были изображены лица различных национальностей французских колоний. Стиль Streamline создавал впечатление, что само здание находится в движении. На фресках WPA 1930-х годов изображены обычные люди; фабричные рабочие, почтовые работники, семьи и фермеры вместо классических героев. ^[104]

Мебель [ править ]

• Стул Пол Фолло (1912–14)

• Кресло Луи Сюэ (1912) и нарисованный экран Андре Маре (1920)

• Туалетный столик и стул из мрамора и инкрустированного, лакированного и позолоченного дерева Фолло (1919–20).

• Угловой шкаф из красного дерева с корзиной для роз, дизайн Эмиля-Жака Рульмана, инкрустированный слоновой костью (1923)

• Кабинет Рульмана (1926)

• Дизайн шкафа от Ruhlmann

• Кабинет, покрытый шагренью или акульей кожей, Андре Гроулт (1925)

• Мебель Джо Понти (1927)

• Письменный стол администратора Мишеля Ру-Шпица для Салона художников -декораторов 1930 года

• Клубный стул в стиле ар-деко (1930-е годы)

• Мебель и ковер в стиле позднего ар-деко Жюля Леле (1930-е годы)

• Водопад в стиле фуршет

Французская мебель с 1910 до начала 1920-х годов была в значительной степени обновлением французских традиционных стилей мебели и дизайнов ар-нуво Луи Мажореля , Шарля Плюме и других производителей. Французские производители мебели почувствовали угрозу из-за растущей популярности немецких производителей и стилей, особенно бидермейера.стиль, простой и чистый. Французский дизайнер Франц Журден, президент Парижского Осеннего салона, пригласил дизайнеров из Мюнхена принять участие в Салоне 1910 года. Французские дизайнеры увидели новый немецкий стиль и решили ответить на немецкий вызов. Французские дизайнеры решили представить новые французские стили в Салоне 1912 года. Правила Салона указывали, что разрешены только современные стили. В Салоне приняли участие все ведущие французские дизайнеры мебели: Поль Фолло, Поль Ирибе, Морис Дюфрен, Андре Гро, Андре Мар и Луи Суэ, представив новые работы, обновившие традиционные французские стили Людовика XVI и Луи Филиппа с более угловатыми формами. углы, вдохновленные кубизмом, и более яркими цветами, вдохновленными фовизмом и наби. ^[105]

Художник Андре Маре и дизайнер мебели Луи Сюэ участвовали в Салоне 1912 года. После войны двое мужчин объединились, чтобы сформировать свою собственную компанию, официально названную Compagnie des Arts Française., но обычно известны просто как Суэ и Маре. В отличие от выдающихся дизайнеров ар-нуво, таких как Луи Мажорель, которые лично проектировали каждое изделие, они собрали команду опытных мастеров и произвели полный дизайн интерьера, включая мебель, изделия из стекла, ковры, керамику, обои и освещение. В их работах использовались яркие цвета, мебель и ценные породы дерева, например, черное дерево, инкрустированное перламутром, морским ушком и посеребренным металлом, для создания букетов цветов. Они проектировали все, от интерьеров океанских лайнеров до флаконов для духов для лейбла Жана Пату . Фирма процветала в начале 1920-х годов, но эти двое были лучшими мастерами, чем бизнесменами. Фирма была продана в 1928 году, и оба мужчины ушли. ^[106]

Самым выдающимся дизайнером мебели на выставке декоративного искусства 1925 года был Эмиль-Жак Рульманн из Эльзаса. Сначала он выставлял свои работы в Осеннем салоне 1913 года, затем имел свой павильон «Дом богатого коллекционера» на выставке 1925 года. Он использовал только самые редкие и дорогие материалы, в том числе эбеновое дерево , красное дерево , палисандр , амвон и другие экзотические породы дерева, украшенные инкрустациями из слоновой кости, панциря черепахи, перламутра. Маленькие помпоны из шелка украшали ручки ящиков шкафов. ^[107]Его мебель была основана на моделях 18-го века, но была упрощена и изменена. Во всех его работах внутренняя структура мебели была полностью скрыта. Каркас, как правило, из дуба, был полностью покрыт накладкой из тонких полос дерева, затем покрыт вторым слоем полос из редких и дорогих пород дерева. Затем это было покрыто шпоном и отполировано, так что кусок выглядел так, как будто он был вырезан из цельного куска дерева. Контраст темному дереву придали вставки из слоновой кости, а также ключевые пластины и ручки из слоновой кости. По словам Рульмана, кресла нужно было разрабатывать по-разному в зависимости от функций комнат, в которых они появились; кресла для гостиной были спроектированы так, чтобы быть гостеприимными, офисные кресла - удобными, а кресла для салона - роскошными. Было изготовлено лишь небольшое количество деталей каждой конструкции мебели,и средняя цена одной из его кроватей или шкафов была больше, чем цена среднего дома.^[108]

Жюль Лелеу был традиционным дизайнером мебели, который плавно перешел в ар-деко в 1920-х годах; он проектировал мебель для столовой Елисейского дворца и для первоклассных кают парохода « Нормандия» . Для его стиля характерно использование черного дерева, дерева макассар, ореха, с декором бляшек из слоновой кости и перламутра. Он ввел стиль лакированной мебели в стиле ар-деко в конце 1920-х годов, а в конце 1930-х представил мебель из металла с панелями из дымчатого стекла. ^[109] В Италии дизайнер Джио Понти был известен своими обтекаемыми формами.

Дорогая и экзотическая мебель Рульмана и других традиционалистов привела в ярость модернистов, в том числе архитектора Ле Корбюзье, заставив его написать знаменитую серию статей, осуждающих стиль декоративного искусства . Он напал на мебель, предназначенную только для богатых, и призвал дизайнеров создавать мебель из недорогих материалов в современном стиле, доступном обычным людям. Он разработал собственные стулья, которые были недорогими и производились серийно. ^[110]

В 1930-х годах дизайн мебели адаптировался к форме с более гладкими поверхностями и изогнутыми формами. Среди мастеров позднего стиля Дональд Дески был одним из самых влиятельных дизайнеров; он создал интерьер Radio City Music Hall. Он использовал смесь традиционных и очень современных материалов, включая алюминий, хром и бакелит, одну из первых форм пластика. ^[111] Стиль водопада был популярен в 1930-х и 1940-х годах, это была наиболее распространенная форма мебели в стиле ар-деко в то время. Куски обычно были из фанеры с отделкой из светлого шпона и закругленными краями, напоминающими водопад. ^[112]

Дизайн [ править ]

• Радиоприемник Philips Art Deco (1931 г.)

• Седан Chrysler Airflow , разработанный Карлом Бриром (1934 г.)

• Большая столовая океанского лайнера SS Normandie работы Пьера Пату (1935); барельефы Раймона Деламара

• Bugatti Aérolithe (1936)

• Настольное радио Philco ( ок.  1937 )

• Пылесос Electrolux (1937 г.)

• Обтекаемый локомотив New York's 20th Century Limited Hudson 4-6-4 ( около  1939 г. )

Streamline - это разновидность ар-деко, возникшая в середине 1930-х годов. На него повлияли современные аэродинамические принципы, разработанные для авиации и баллистики, чтобы уменьшить аэродинамическое сопротивление на высоких скоростях. Формы пули были применены дизайнерами к автомобилям, поездам, кораблям и даже к объектам, не предназначенным для передвижения, таким как холодильники , газовые насосы и здания. ^[61] Одним из первых серийных автомобилей в этом стиле был Chrysler Airflow 1933 года. Он был коммерчески неудачным, но красота и функциональность его дизайна создали прецедент; означало современность. Он продолжал использоваться в автомобильном дизайне даже после Второй мировой войны. ^{[113] [114] [115][116]}

Новые промышленные материалы стали влиять на дизайн автомобилей и бытовых предметов. К ним относятся алюминий , хром и бакелит , одна из первых форм пластика. Бакелиту можно было легко придать различные формы, и вскоре он стал использоваться в телефонах, радиоприемниках и других устройствах.

Океанские лайнеры также приняли стиль ар-деко, известный по-французски как « стиль пакебот» или «стиль океанского лайнера». Самым известным примером был SS Normandie , который совершил свое первое трансатлантическое путешествие в 1935 году. Он был разработан специально для того, чтобы доставить богатых американцев в Париж за покупками. Каюты и салоны обставлены современной мебелью и декором в стиле ар-деко. Большой салон корабля, который был рестораном для пассажиров первого класса, был больше Зеркального зала Версальского дворца.. Он был освещен электрическими лампами внутри двенадцати столбов из хрусталя Lalique; Стены выстроились из тридцати шести одинаковых столбов. Это был один из первых примеров непосредственной интеграции освещения в архитектуру. Стиль кораблей вскоре был адаптирован к постройкам. Ярким примером является набережная Сан-Франциско, где здание Морского музея, построенное как общественная баня в 1937 году, напоминает паром с перилами и закругленными углами. Паромный терминал Star в Гонконге также использовал вариацию стиля. ^[35]

Текстиль и мода [ править ]

• Текстильный дизайн « Изобилие » Андре Мара , (1911) ( Музей Метрополитен , Нью-Йорк , США)

• Текстиль с розовым узором, разработанный Маре ( около  1919 г. ) (Музей искусств Метрополитен)

• Узор Rose Mousse для обивки из хлопка и шелка (1920 г.) (Музей Метрополитен)

• Дизайн птиц из Les Ateliers de Martine, Поль Ирибе (1918)

Текстиль был важной частью стиля ар-деко в виде ярких обоев, обивки и ковров. В 1920-е годы дизайнеров вдохновляли декорации Русских балетов , ткани и костюмы Леона Бакста и творения Винеров. Werkstätte . Ранний дизайн интерьеров Андре Маре отличался яркими и стилизованными гирляндами из роз и цветов, которые украшали стены, пол и мебель. Стилизованные цветочные мотивы также доминировали в творчестве Рауля Дюфи и Поля Пуаре , а также в дизайне мебели Дж. Э. Рульмана. Цветочный ковер был заново изобретен в стиле деко Полом Пуаре . ^[117]

Использование этого стиля было значительно расширено за счет введения системы печати на основе трафарета pochoir , которая позволила дизайнерам добиться четкости линий и очень ярких цветов. Формы ар-деко появились в одежде Поля Пуаре , Шарля Уорта и Жана Пату . После Первой мировой войны экспорт одежды и тканей стал одним из самых важных источников валютной выручки Франции. ^[118]

Обои и текстиль в стиле позднего ар-деко иногда представляли собой стилизованные промышленные сцены, городские пейзажи, локомотивы и другие современные темы, а также стилизованные женские фигуры, металлические цвета и геометрические узоры. ^[118]

Мода резко изменилась в период ар-деко, в частности, благодаря дизайнерам Полю Пуаре, а затем и Коко Шанель . Пуаре представил важное нововведение в модном дизайне, концепцию драпировки , отход от пошива и выкройки прошлого. ^[119] Он разработал одежду, скроенную по прямым линиям и сделанную из прямоугольных мотивов. ^[119] Его стили предлагали структурную простоту. ^[119] От корсетов и формальных стилей предыдущего периода отказались, а мода стала более практичной и обтекаемой. с использованием новых материалов, более ярких цветов и печатного дизайна. ^[119] Дизайнер Коко Шанель.продолжила переход, популяризируя стиль спортивный, повседневный шик. ^[120]

• Вечернее пальто от Paul Poiret , c.  1912 год , шелк и металл (Метрополитен-музей)

• Дайвинг на Венере Аннет Келлерманн в Лос-Анджелесе , Калифорния , ок.  1920 г.

• Сесиль Сорель , Французская комедия , 1920 год.

• Дезире Любовская в платье от Jean Patou , гр .  1921 г.

• Наташа Рамбова в платье от Пуаре, 1926 год.

• Коко Шанель в матросской кофточке и брюках (1928 г.)

Ювелирные изделия [ править ]

• Браслет в стиле ар-деко из золота, коралла и нефрита (1925) ( Musée des Arts Décoratifs, Париж , Франция)

• Литые стеклянные подвески на шелковых шнурах. Рене Лалик (1925–1930).

• Золотая пряжка с бриллиантами и резным ониксом, лазуритом, нефритом и кораллами от Boucheron (1925 г.)

• Изумрудное ожерелье Mackay , изумруд, бриллиант и платина, от Cartier (1930) ( Смитсоновский национальный музей естественной истории , США)

В 1920-х и 1930-х годах дизайнеры, включая Рене Лалика и Картье, пытались уменьшить традиционное доминирование бриллиантов , вводя более красочные драгоценные камни, такие как маленькие изумруды, рубины и сапфиры. Они также сделали больший акцент на очень сложной и элегантной обстановке с использованием менее дорогих материалов, таких как эмаль, стекло, рог и слоновая кость. Сами бриллианты были огранены в менее традиционных формах; На выставке 1925 года было представлено много бриллиантов, ограненных в виде крошечных стержней или спичек. Также изменились настройки для бриллиантов; Все чаще ювелиры использовали платину вместо золота, так как она была прочной и гибкой и могла оправлять группы камней. Ювелиры также стали использовать более темные материалы, такие как эмаль и черный оникс., что обеспечивало более высокий контраст с бриллиантами. ^[121]

Украшения стали намного красочнее и разнообразнее по стилю. Картье и фирма Boucheron объединили бриллианты с другими красочными драгоценными камнями, вырезанными в форме листьев, фруктов или цветов, чтобы сделать броши, кольца, серьги, зажимы и подвески. Популярными стали и дальневосточные темы; бляшки из нефрита и коралла сочетались с платиной и бриллиантами, а косметички, портсигары и пудреницы украшались японскими и китайскими пейзажами, выполненными перламутром, эмалью и лаком. ^[121]

Быстро меняющаяся мода на одежду принесла с собой новые стили ювелирных украшений. Платья без рукавов 1920-х годов означали, что оружие нуждалось в украшении, и дизайнеры быстро создали браслеты из золота, серебра и платины, инкрустированные лазуритом, ониксом, кораллами и другими красочными камнями; Другие браслеты предназначались для верхней части рук, и несколько браслетов часто носили одновременно. Короткие стрижки женщин двадцатых годов требовали тщательно продуманного дизайна сережек. Когда женщины начали курить в общественных местах, дизайнеры создали очень изысканные портсигары и мундштуки цвета слоновой кости. Изобретение наручных часов перед Первой мировой войной вдохновило ювелиров на создание необычно украшенных часов, инкрустированных бриллиантами и покрытых эмалью, золотом и серебром. В моду вошли и часы-подвески, подвешенные на ленточке. ^[122]

Известные ювелирные дома Парижа того периода, Cartier, Chaumet , Georges Fouquet, Mauboussin и Van Cleef & Arpels создавали украшения и предметы в соответствии с новой модой. Фирма Chaumet изготавливала коробки для сигарет, зажигалки, доты и записные книжки с высокой геометрической формой из твердых камней, украшенных нефритом , лазуритом , бриллиантами и сапфирами. К ним присоединилось множество молодых дизайнеров, у каждого из которых было свое представление о декоре. Раймонд Темплиер разработал изделия с очень замысловатыми геометрическими узорами, в том числе серебряные серьги, похожие на небоскребы. Жерар Сандосбыло всего 18 лет, когда он начал заниматься дизайном ювелирных украшений в 1921 году; он разработал множество знаменитых изделий, основанных на гладком и отполированном виде современного оборудования. Художник по стеклу Рене Лалик также вошел в эту область, создав подвески из фруктов, цветов, лягушек, фей или русалок из скульптурного стекла ярких цветов, подвешенных на шелковых шнурках с кисточками. ^[122] Ювелир Поль Брандт противопоставил прямоугольные и треугольные узоры и вставил жемчуг в линии на бляшках из оникса. Жан Депре создавал ожерелья контрастных цветов, сочетая серебро и черный лак, или золото с лазуритом. Многие из его дизайнов выглядели как отполированные до блеска машины. Жан Данантакже был вдохновлен современным оборудованием в сочетании с яркими красными и черными цветами, контрастирующими с полированным металлом. ^[122]

Стеклянное искусство [ править ]

• Жар от Рене Лалик (1922)

• Ваза с попугаем от Лалика (1922)

• Украшение для капюшона Victoire от Lalique (1928)

• Daum ваза с ваяемым виноградом (1925)

• Окно для офиса сталелитейного завода Луи Мажореля (1928)

• Ваза Даум (1930–35)

• Витражи в соборе Амьена работы Жана Годена (1932-34)

Как и период ар-нуво до него, ар-деко был исключительным периодом для прекрасного стекла и других декоративных предметов, приспособленных к их архитектурному окружению. Самым известным производителем стеклянных предметов был Рене Лалик, работы которого, от ваз до украшений капотов для автомобилей, стали символами того времени. Перед Первой мировой войной он занимался стеклом, создавая флаконы для духов Франсуа Коти., но он начал серьезное производство художественного стекла только после Первой мировой войны. В 1918 году, в возрасте 58 лет, он купил большой стекольный завод в Комб-ла-Виль и начал производить как художественные, так и практические изделия из стекла. Он рассматривал стекло как форму скульптуры и создавал статуэтки, вазы, чаши, лампы и украшения. Он использовал полукристалл, а не кристалл свинца, который был мягче и легче формировался, хотя и не был таким блестящим. Иногда он использовал цветное стекло, но чаще использовал опалесцирующее стекло, где часть или вся внешняя поверхность была окрашена смывкой. Компания Lalique предоставила декоративные стеклянные панели, светильники и стеклянные потолки с подсветкой для океанских лайнеров SS  dele de France в 1927 году и SS Normandie.в 1935 году и для некоторых первоклассных спальных вагонов французских железных дорог. На выставке декоративного искусства 1925 года у него был собственный павильон, он спроектировал столовую со столом и подходящим стеклянным потолком для павильона Севр, а также спроектировал стеклянный фонтан для внутреннего двора Cours des Métier, тонкую стеклянную колонну, которая с боков хлестала вода и ночью светилась. ^[123]

Среди других известных производителей стекла в стиле ар-деко был Мариус-Эрнест Сабино, который специализировался на фигурках, вазах, чашах и стеклянных скульптурах рыб, обнаженных тел и животных. Для этого он часто использовал опалесцирующее стекло, цвет которого мог меняться от белого до синего или янтарного, в зависимости от света. Его вазы и чаши были украшены лепными фризами с изображениями животных, обнаженных тел или бюстов женщин с фруктами или цветами. Его работы были менее тонкими, но более красочными, чем у Лалика. ^[123]

Среди других известных дизайнеров стекла Deco были Эдмонд Этлинг, который также использовал яркие опалесцирующие цвета, часто с геометрическими узорами и скульптурными элементами обнаженной натуры; Альбер Симоне, Аристид Колотт и Морис Марино , который был известен своими скульптурными бутылками и вазами с глубокой гравировкой. Фирма Daum из города Нанси , которая была известна своим стеклом в стиле ар-нуво, произвела линию ваз в стиле ар-нуво и стеклянных скульптур, массивных, геометрических и массивных. Более изящные разноцветные работы были выполнены Габриэлем Арги-Руссо , который создавал изящно раскрашенные вазы со скульптурными бабочками и нимфами, и Франсуа Декершемоном, чьи вазы были с полосами и мрамором. ^[123]

Великая депрессия разрушила большую часть индустрии декоративного стекла, которая зависела от богатых клиентов. Некоторые художники обратились к оформлению витражей для церквей. В 1937 году стекольная компания Steuben начала практику заказа по заказу известных художников для производства стеклянной посуды. ^[123] Луи Мажорель , известный своей мебелью в стиле ар-нуво, спроектировал замечательный витраж в стиле ар-деко с изображением рабочих-сталелитейщиков для офиса Aciéries de Longwy , сталелитейного завода в Лонги , Франция.

В соборе Амьена есть редкий образец витражей в стиле ар-деко в Часовне Святого Сердца, созданный в 1932-34 годах парижским художником по стеклу Жаном Годеном по рисункам Жака Ле Бретона. ^[124]

Металлическое искусство [ править ]

• Гриль с двумя крыльями под названием The Pheasants , созданный Полом Киссом и представленный на выставке декоративно-прикладного искусства 1925 года.

• Железно-медный гриль Эдгара Брандта под названием Oasis , представленный на Парижской выставке 1925 года.

• Настольное зеркало работы Франца Хагенауэра из Werkstätte Hagenauer Wien ( ок.  1930 г. )

• Коктейльный набор из хромированной стали Нормана Бел Геддеса (1937)

Художники ар-деко создали широкий спектр практических предметов в стиле ар-деко, сделанных из промышленных материалов от традиционного кованого железа до хромированной стали. Американский художник Норман Бел Геддес создал коктейльный набор в виде небоскреба из хромированной стали. Раймонд Субес разработал элегантную металлическую решетку для входа во Дворец Порт-Доре, центральный элемент Парижской колониальной выставки 1931 года. Французский скульптор Жан Дюнан создал великолепные двери на тему «Охота», покрытые сусальным золотом и расписанные по штукатурке (1935). ^[125]

Анимация [ править ]

Графика и изображения в стиле ар-деко использовались в нескольких анимационных фильмах, включая « Бэтмен» , « Ночной капюшон» , « Все на ярмарке» , « Веселые манекены» , « Паж Мисс Слава» , « Фантазия» и « Спящая красавица» . ^[126]

Архитектура ар-деко во всем мире [ править ]

Архитектура ар-деко зародилась в Европе, но к 1939 году образцы были в крупных городах на всех континентах и ​​почти в каждой стране. Это подборка выдающихся зданий на каждом континенте. (Полный список существующих зданий по странам см. В Списке архитектуры ар-деко .)

Африка [ править ]

• Здание Fiat Tagliero в Асмэре , Эритрея , Джузеппе Петтацци (1938) ^[127]

• Собор Святого Петра в Рабате , Марокко (1938)

Большинство зданий в стиле ар-деко в Африке были построены во время европейского колониального правления и часто проектировались итальянскими и французскими архитекторами.

Азия [ править ]

• Кологдамское здание в Бандунге , Индонезия (1920 г.)

• Бродвейские особняки в Шанхае , Китай (1934)

• Здание New India Assurance Building в Мумбаи , Индия (1936 г.)

• Здание национальной диеты в Токио , Япония (1936 г.)

• Железнодорожный вокзал Анкары в Анкаре , Турция (1937 г.)

• Дом Dare в Ченнаи , Индия (1940)

Многие здания в стиле ар-деко в Азии были спроектированы европейскими архитекторами. Но на Филиппинах местные архитекторы, такие как Хуан Накпил , Хуан Арельяно и другие, были выдающимися. Многие достопримечательности в стиле ар-деко в Азии были снесены во время великой экономической экспансии Азии в конце 20-го века, но некоторые известные архитектурные анклавы все еще остаются, особенно в Шанхае и Мумбаи .

Австралия и Новая Зеландия [ править ]

• Здание Манчестерского единства в Мельбурне , Австралия (1931–32)

• Sound Shell в Нейпире, Новая Зеландия (1931)

• Элмсли Чемберс в Гоулберне , Австралия (1933)

• Мемориал Анзака в Сиднее , Австралия (1934 г.)

• Дом Холимана в Лонсестоне, Тасмания , Австралия (1936)

• Вековое здание в Мельбурне (1939)

В Мельбурне и Сиднее, Австралия, есть несколько известных зданий в стиле ар-деко, в том числе Манчестерское здание единства и бывший штаб полиции Рассел-стрит в Мельбурне, художественный музей Каслмейн в Каслмейне , центральная Виктория и здание Грейс , башня AWA и мемориал Анзака в Сиднее.

Несколько городов в Новой Зеландии, в том числе Нейпир и Гастингс, были перестроены в стиле ар-деко после землетрясения 1931 года в Хокс-Бей , и многие здания были защищены и отреставрированы. Нэпир был номинирован на статус объекта всемирного наследия ЮНЕСКО и стал первым культурным объектом Новой Зеландии, который был номинирован. ^{[128] [129]} Веллингтон сохранил значительное количество зданий в стиле ар-деко. ^[130]

Северная Америка [ править ]

• Здание Прайса в Квебеке , Канада (1930)

• Мэрия Ванкувера в Ванкувере, Британская Колумбия , Канада (1935)

• Интерьер Palacio de Bellas Artes в Мехико , Мексика (1934 г.)

• Edificio El Moro в Мехико (1936)

• Здание Verizon в Нью-Йорке , штат Нью- Йорк , США (1923–27)

• Буллокс Уилшир в Лос-Анджелесе , Калифорния , США (1929)

• Капитолий штата Луизиана в Батон-Руж, Луизиана , США (1930–32).

• Мэрия Буффало в Буффало, Нью-Йорк , США (1931)

• Здание суда округа Джефферсон в Бомонте, Техас , США (1931 г.)

• Ниагарский могавк, здание в Сиракузах, штат Нью-Йорк , США (1932 г.)

• Терминал Цинциннати Юнион в Цинциннати , Огайо , США (1933)

В Канаде сохранившиеся постройки в стиле ар-деко находятся в основном в крупных городах; Монреаль , Торонто , Гамильтон, Онтарио и Ванкувер . Они варьируются от общественных зданий, таких как мэрия Ванкувера, до коммерческих зданий ( Колледж-парк ) и общественных работ ( RC Harris Water Treatment Plant ).

В Мексике самым впечатляющим примером ар-деко является интерьер Palacio de Bellas Artes (Дворец изящных искусств), завершенный в 1934 году с его тщательно продуманным декором и фресками. Примеры жилой архитектуры ар-деко можно найти в районе Кондеса , многие из которых были спроектированы Франсиско Х. Серрано .

В Соединенных Штатах здания в стиле ар-деко можно найти от побережья до побережья во всех крупных городах. Наиболее широко он использовался для офисных зданий, вокзалов, терминалов аэропортов и кинотеатров; жилые дома встречаются редко. В течение 1920-х и 1930-х годов архитекторы на юго-западе Соединенных Штатов , особенно в американском штате Нью-Мексико , объединили возрождение Пуэбло с ар-деко, чтобы создать Пуэбло-деко , как это видно в театре KiMo в Альбукерке . В 1930-х годах стал популярен более строгий обтекаемый стиль. Многие здания были снесены между 1945 и концом 1960-х годов, но затем начались попытки защитить лучшие образцы. Город Майами-Бич учредилАрхитектурный район Майами-Бич, где сохранилась красочная коллекция построек в стиле ар-деко.

Центральная Америка и Карибский бассейн [ править ]

• Здание Бакарди в Гаване , Куба (1930)

• Отель Nacional - де - Куба в Гаване (1930)

• Обветшалое здание в стиле ар-деко в Гаване

• Плаза - дель - Меркадо - де - Понсе в Понсе , Пуэрто - Рико (1941)

Здания в стиле ар-деко можно найти по всей Центральной Америке. Особенно богатая коллекция находится на Кубе , построенная в основном для большого количества туристов, приехавших на остров из Соединенных Штатов. Одним из таких зданий является Лопес Серрано, построенный между 1929 и 1932 годами в районе Ведадо в Гаване .

Европа [ править ]

• Театр Елисейских полей в Париже , Франция (1910–13)

• Центральный вокзал Хельсинки в Хельсинки , Финляндия (1919 г.)

• Национальная базилика Святого Сердца в Кукельберге ( Брюссель ), Бельгия (1919–69)

• В Mossehaus с элементами ар - деко по Эриха Мендельсона в Берлине , Германия (1921-23)

• Театр Эден в Лиссабоне , Португалия (1931)

• Daily Express Building в Манчестере , Великобритания (1936–39)

• Дворец Токио , Музей современного искусства де ла Виль де Пари , Франция (1937)

• Станция Маяковская в Москве , Россия (1938)

• Театр Риволи в Порту , Португалия (1937)

Архитектурный стиль впервые появился в Париже в Театре Елисейских полей (1910–1913) Огюста Перре, но затем быстро распространился по Европе, пока образцы не можно было найти почти в каждом большом городе, от Лондона до Москвы. В Германии в 1920-х и 30-х годах процветали две разновидности ар-деко: стиль Neue Sachlichkeit и экспрессионистская архитектура . Известные примеры включают Mossehaus и Эрих Мендельсон шаубюны театр в Берлине , Fritz Höger «s Chilehaus в Гамбурге и его Kirche ам Hohenzollernplatz в Берлине Anzeiger башня в Ганновере и Borsig башня в Берлине. ^[131]

Одно из крупнейших зданий в стиле ар-деко в Западной Европе - Национальная базилика Святого Сердца в Кукельберге , Брюссель. В 1925 году архитектор Альберт ван Хаффель получил Гран-при в области архитектуры за свою масштабную модель базилики на Международной выставке декоративного искусства и современной промышленности в Париже. ^[132]

В Испании и Португалии есть несколько ярких примеров зданий в стиле ар-деко, особенно кинотеатры. Примеры в Португалии - театр Capitólio (1931) и Éden Cine-Theater (1937) в Лиссабоне , театр Rivoli (1937) и Coliseu (1941) в Порту и театр Роза Дамаскено (1937) в Сантареме . Примером в Испании является Cine Rialto в Валенсии (1939 г.).

В течение 1930-х годов ар-деко оказал заметное влияние на дизайн домов в Соединенном Королевстве ^[59], а также на дизайн различных общественных зданий. ^[77] Прямые, выкрашенные в белый цвет фасады домов, переходящие в плоские крыши, резко геометрические дверные рамки и высокие окна, а также выпукло-изогнутые металлические угловые окна - все это было характерно для того периода. ^{[78] [133] [134]}

London Underground известен многими примерами архитектуры арт - деко, ^[135] и существует целый ряд зданий в стиле , расположенный вдоль Золотая Миля в Брентфорде. Также в Западном Лондоне находится здание Hoover Building, которое изначально было построено для компании Hoover Company и было преобразовано в супермаркет в начале 1990-х годов.

Бухарест, РумынияБухарест, когда-то известный как «Маленький Париж» 19-го века, после Первой мировой войны отправляется в новое приключение, вместе с новыми тенденциями и прогрессом технологий, тем самым перенаправляя свое вдохновение на новый горизонт - Нью-Йорк. 1930-е годы приносят новую моду, принесенную новым поколением, которая перекликается с кино, театром, танцевальными стилями, искусством и архитектурой. Бухарест в 1930-е годы был отмечен все большей архитектурой в стиле ар-деко, от больших бульваров, таких как улица Магеру, до частных домов и небольших кварталов. Одной из первых достопримечательностей современного Бухареста считается Дворец телефонов, который станет первым небоскребом города. Это было самое высокое здание в период с 1933 по 1970 годы, его высота составляла 52,5 метра.Архитекторами были Луи Уикс и Эдмонд Ван Заанен, а также инженер Уолтер Трой. Памятники в стиле ар-деко являются важной частью всего характера Бухареста, поскольку они описывают и отмечают важный исторический период, межбелельную жизнь (1-я-2-я мировые войны). К сожалению, большая часть построек тех лет подвержена катастрофам, Бухаресту грозит еще одно землетрясение, весьма обычное для его географического региона. Поистине важно защитить наследие ар-деко в Бухаресте и сохранить еще одну великую и важную столицу ар-деко из Европы.Бухаресту грозит еще одно землетрясение, очень обычное для его географического региона. Поистине важно защитить наследие ар-деко в Бухаресте и сохранить еще одну великую и важную столицу ар-деко из Европы.Бухаресту грозит еще одно землетрясение, очень обычное для его географического региона. Поистине важно защитить наследие ар-деко в Бухаресте и сохранить еще одну великую и важную столицу ар-деко из Европы.^[136]

Индия [ править ]

Индийский институт архитекторов, основанный в Мумбаи в 1929 году, сыграл видную роль в пропаганде движения ар-деко. В ноябре 1937 года этот институт организовал «Выставку идеального дома» в ратуше Мумбаи, которая длилась более 12 дней и привлекла около ста тысяч посетителей. В результате он был признан успешным Журналом Индийского института архитекторов. Экспонаты демонстрировали «идеальные» или, лучше сказать, самые «современные» устройства для различных частей дома, уделяя пристальное внимание деталям, чтобы избежать архитектурных ошибок и представить наиболее эффективные и хорошо продуманные модели. Выставка была посвящена различным элементам дома, начиная от мебели,элементы внутренней отделки, а также радиоприемники и холодильники с использованием новых и научно актуальных материалов и методов.^[137] Руководствуясь своим желанием подражать западу, индийские архитекторы были очарованы индустриальной современностью, которую предлагал ар-деко. ^[137] Западная элита была первой, кто экспериментировал с технологически продвинутыми аспектами ар-деко, и архитекторы начали процесс трансформации к началу 1930-х годов. ^[137]

Расширение портовой торговли Мумбаи в 1930-х годах привело к росту образованного среднего класса. Также наблюдался рост людей, мигрирующих в Мумбаи в поисках работы. Это привело к острой необходимости в новых разработках с помощью схем мелиорации земель и строительства новых общественных и жилых зданий. ^[138] Параллельно меняющийся политический климат в стране и стремление к эстетике ар-деко привели к безоговорочному принятию стиля здания в развитии города. Большинство зданий этого периода можно увидеть разбросанными по городским кварталам в таких районах, как Черчгейт, Колаба, Форт, Мохаммед Али-роуд, Кумбала-Хилл, Дадар, Матунга, Бандра и Чембур. ^{[139] [140]}

Южная Америка [ править ]

• Лифт Ласерда в Сальвадоре, Баия , Бразилия (1930)

• Здание Кавана в Буэнос-Айресе , Аргентина (1934–36)

• Виадуто-ду-Ча в Сан-Паулу , Бразилия (1938)

• Стадион Pacaembu в Сан-Паулу (1940)

• Центральный вокзал Бразилии в Рио-де-Жанейро , Бразилия (1943 г.)

• Здание Altino Arantes в Сан-Паулу (1947)

• Муниципальный дворец и фонтан в Лаприде (Буэнос-Айрес)

• Рынок Абасто в Буэнос-Айресе ( ок.  1945 г. )

Ар-деко в Южной Америке особенно присутствует в странах, которые приняли большую волну иммиграции в первой половине 20-го века, с заметными работами в их самых богатых городах, таких как Сан-Паулу и Рио-де-Жанейро в Бразилии и Буэнос-Айрес в Аргентине. Здание Кавана в Буэнос-Айресе (1934 г.), построенное Санчесом, Лагосом и де ла Торре, было самым высоким железобетонным сооружением, когда оно было завершено, и является ярким примером стиля позднего ар-деко.

Сохранение и нео-ар-деко [ править ]

• Архитектурный район Майами - Бич в Майами , штат Флорида , защищает исторический арт - деко здание

• U-Drop Inn , придорожный АЗС и закусочной на шоссе 66 США в Shamrock, Техас (1936), в настоящее время исторический памятник

• Район ар-деко в Гаване , Куба

• Центр исполнительских искусств Смита в Лас-Вегасе , Невада , здание в стиле нео-ар-деко (2012 г.)

Во многих городах были предприняты усилия по защите оставшихся зданий в стиле ар-деко. Во многих городах США сохранились исторические кинотеатры в стиле ар-деко, которые превратились в культурные центры. Еще более скромные здания в стиле ар-деко были сохранены как часть архитектурного наследия Америки; Кафе в стиле ар-деко и заправочная станция вдоль шоссе 66 в Шемроке, штат Техас, являются историческим памятником. Архитектурный район Майами-Бич защищает несколько сотен старых зданий и требует, чтобы новые здания соответствовали стилю. В Гаване , Куба, многие здания в стиле ар-деко сильно обветшали. В настоящее время ведутся работы по возвращению зданиям их первоначального цвета и внешнего вида.

В 21 веке современные варианты ар-деко, называемые нео-ар-деко (или нео-ар-деко), появились в некоторых американских городах, вдохновленные классическими зданиями в стиле ар-деко 1920-х и 1930-х годов. ^[141] Примеры включают NBC Tower в Чикаго, вдохновленную 30 Rockefeller Plaza в Нью-Йорке; и Центр исполнительских искусств Смита в Лас-Вегасе, штат Невада, который включает элементы ар-деко с плотины Гувера , расположенной в 50 милях от отеля. ^{[141] [142] [143] [144]}

Галерея [ править ]

• "Светильник небоскреба", дизайн Арнальдо дель'Ира , 1929 год.

• Стражи дорожного пилона на Мемориальном мосту Надежды в Кливленде (1932 г.)

• Муниципальное Auditorium из Канзас - Сити , штат Миссури: Хойт Цена & Barnes, и Джентри, Voskamp и Невилл, 1935

• США Администрация Прогресс Работы плакат, Джон Вагнер, художник, ки 1940 г.

• Камера "Beau Brownie", Уолтер Дорвин Тиг, дизайн 1930 года для Eastman Kodak

• Бывший Театр Эден, ныне апарт-отель Vip Eden в Лиссабоне , Португалия : Кассиано Бранку и Карло Флоренсио Диас, 1931 г.

• Рабочий стол Parker Duofold , около 1930 г.

• 1937 год. Автомобиль Cord модели 812, разработанный в 1935 году Гордоном М. Беригом и сотрудниками.

• Дворец изящных искусств , Мехико, Федерико Марискаль, завершен в 1934 году.

• Женская курительная комната в театре Paramount, Окленд . Тимоти Л. Пфлюгер , архитектор, 1931 г.

• Почтовая марка США, посвященная Всемирной выставке 1939 года в Нью-Йорке , 1939 год

• Генрик Куна , Rytm ( "Ритм"), в Skaryszewski Park, Варшава , Польша, 1925

• Заброшенный театр Сноудон , Монреаль, Квебек , Канада. Открыт в 1937 г., закрыт в 1984 г. Дэниел Дж. Крайтон, архитектор

• Union Terminal в Цинциннати , штат Огайо; Поль Филипп Кре , Альфред Т. Феллхаймер , Стюард Вагнер, Роланд Ванк , 1933

• Вестибюль, Эмпайр-стейт-билдинг , Нью-Йорк. Уильям Ф. Лэмб , открыт в 1931 году.

• Плакат Федерального художественного проекта, рекламирующий употребление молока в Кливленде, 1940 г.

• Чертеж интерьера, универмаг Eaton's College Street , Торонто, Онтарио, Канада

• Niagara Mohawk Building , Сиракузы, Нью-Йорк . Мелвин Л. Кинг и Блей и Лайман, архитекторы, завершены в 1932 г.

См. Также [ править ]

Ссылки [ править ]

Библиография [ править ]

Внешние ссылки [ править ]

Викискладе есть медиафайлы по теме ар-деко .

В Wikivoyage есть путеводитель по архитектуре ар-деко .

• Art Deco Майами-Бич
• Арт Деко Мумбаи
• Арт Деко Монреаль
• Общество ар-деко Вашингтона
• Общество ар-деко Калифорнии
• Ар-деко Рио-де-Жанейро
• Арт Деко Шанхай
• Музей ар-деко в Москве
• Общество ар-деко Нью-Йорк
• Общество ар-деко Лос-Анджелеса
• Прогулка в стиле ар-деко в Монреале