Из Википедии, бесплатной энциклопедии
  (Перенаправлено из Art of Italy )
Перейти к навигации Перейти к поиску
Основная панель Maesta от Дуччо , 1308-1311
Фреска с « Виллы мистерий» . Помпеи , 80 г. до н.э.

С древних времен греки , этруски и кельты населяли юг, центр и север итальянского полуострова соответственно. Очень многочисленным наскальным рисункам в Валькамонике около 8000 лет до н.э., здесь есть богатые остатки этрусского искусства из тысяч гробниц, а также богатые останки греческих колоний в Пестуме , Агридженто и других местах. В конце концов, Древний Рим превратился в доминирующую итальянскую и европейскую державу. Римские останки в Италии необычайно богаты, от величественных имперских памятников самого Рима до сохранившихся исключительно сохранившихся обычных зданий вПомпеи и соседние участки. После падения Римской империи , в средние века Италии, особенно на севере, оставался важным центром, не только Каролингов искусства и Оттонов искусства из императоров Священной Римской империи , но и для византийского искусства в Равенне и других сайтов.

Италия была главным центром художественных событий на протяжении Ренессанса (1300-1600), начиная с прото-ренессансом в Джотто и достижение определенного пика в Высоком Возрождении от Леонардо да Винчи , Микеланджело и Рафаэля , работа которого вдохновила позднюю фазу Возрождение, известное как маньеризм . Италия сохраняла свое художественное господство в 17 веке с барокко (1600-1750) и в 18 веке с неоклассицизмом (1750-1850). В этот период культурный туризмстал главной опорой итальянской экономики. И барокко, и неоклассицизм зародились в Риме [1] [2] и распространились на все западное искусство . Италия сохраняла присутствие на международной художественной сцене с середины 19 века и далее, с такими движениями, как Macchiaioli , Futurism , Metaphysical , Novecento Italiano , Spatialism , Arte Povera и Transavantgarde .

Итальянское искусство на протяжении веков оказало влияние на несколько основных движений и произвело на свет несколько великих художников, в том числе художников, архитекторов и скульпторов. Сегодня Италия занимает важное место на международной арене искусства с несколькими крупными художественными галереями, музеями и выставками; основные художественные центры страны включают Рим, Флоренцию, Венецию, Милан, Турин, Геную, Неаполь, Палермо, Лечче и другие города. В Италии находится 55 объектов всемирного наследия , это больше всего среди всех стран мира.

Этрусское искусство [ править ]

Химера Ареццо

Этрусские бронзовые фигуры и терракотовые надгробные рельефы включают примеры энергичной центрально-итальянской традиции, которая ослабла к тому времени, когда Рим начал строить свою империю на полуострове.

Этрусские картины, сохранившиеся до наших дней, в основном представляют собой настенные фрески из могил, в основном из Тарквинии . Это наиболее важные образцы доримского изобразительного искусства Италии, известные ученым.

Фрески состоят из росписи поверх свежей штукатурки, поэтому, когда штукатурка высыхает, картина становится частью штукатурки и неотъемлемой частью стены, что помогает ей так хорошо выжить (действительно, почти все сохранившиеся этрусские и римские картины находится в фреске). Краски были сделаны из камней и минералов разных цветов, которые измельчились и смешались в среде, а тонкие кисти были сделаны из шерсти животных (даже самые лучшие кисти производятся из воловьей шерсти). С середины 4 века до н.э. светотень.стали использоваться для изображения глубины и объема. Иногда изображаются сцены из повседневной жизни, но чаще традиционные мифологические. Понятие пропорции не встречается ни в каких сохранившихся фресках, и мы часто находим изображения животных или людей с несоразмерными частями тела. Одна из самых известных этрусских фресок - гробница львицы в Тарквинии.

Римское искусство [ править ]

Рим при императоре Константине .

Этруски были ответственны за строительство самых ранних монументальных зданий Рима. Римские храмы и дома были основаны на этрусских моделях. Элементы этрусского влияния в римских храмах включали подиум и акцент на передней части за счет остальных трех сторон. Большие этрусские дома были сгруппированы вокруг центрального зала во многом так же, как и римский город. Большие дома позже были построены вокруг атриума . Влияние этрусской архитектуры постепенно уменьшалось во время республики перед лицом влияний (особенно греческих) откуда-нибудь. Сама этрусская архитектура находилась под влиянием греков, поэтому, когда римляне переняли греческие стили, это не было полностью чуждой культурой. Во время республики, вероятно, происходило постоянное поглощение архитектурных влияний, в основном из эллинистического мира, но после падения Сиракуз в 211 г. до н.э. греческие произведения искусства хлынули в Рим. Во II веке до нашей эры поток этих работ и, что более важно, греческих мастеров продолжался, что оказало решающее влияние на развитие римской архитектуры . К концу республики, когда Витрувийнаписал свой трактат по архитектуре, греческая архитектурная теория и пример были доминирующими. С расширением империи римская архитектура распространилась на обширную территорию, использовалась как для общественных зданий, так и для некоторых более крупных частных. Во многих областях на элементы стиля повлияли местные вкусы, в частности, украшение, но архитектура оставалась узнаваемой римской. На стили народной архитектуры в разной степени повлияла римская архитектура, и во многих регионах римские и местные элементы объединены в одном здании.

Статуя, известная как Август Прима Порта .

К I веку нашей эры Рим стал самым большим и развитым городом в мире. Древние римляне изобрели новые технологии для улучшения санитарных систем, дорог и зданий города. Они разработали систему акведуков, по которым в город поступала пресная вода, и построили канализационные трубы, которые удаляли городские отходы. Самые богатые римляне жили в больших домах с садами. Однако большая часть населения жила в многоквартирных домах из камня, бетона или известняка. Римляне разработали новые методы и использовали такие материалы, как вулканическая почва из Поццуоли, деревни недалеко от Неаполя, чтобы сделать цемент более твердым и прочным. Этот бетон позволил им построить большие многоквартирные дома, называемые инсулами .

Настенные росписи украшали дома зажиточных людей. Картины часто изображали садовые пейзажи, события из греческой и римской мифологии, исторические сцены или сцены повседневной жизни. Римляне украшали полы мозаикой - картинами или узорами, созданными из мелкой цветной плитки. Богато раскрашенные картины и мозаики помогли сделать комнаты в римских домах больше и ярче и продемонстрировали богатство хозяина. [3]

В христианскую эпоху поздней Империи, с 350 по 500 год нашей эры, настенная живопись, мозаика на потолке и полу и погребальная скульптура процветали, в то время как полноразмерная круглая скульптура и панно вымерли, скорее всего, по религиозным причинам. [4] Когда Константин перенес столицу империи в Византию (переименованный в Константинополь ), римское искусство включило в себя восточные влияния, чтобы создать византийский стиль поздней империи. Когда в V веке был разграблен Рим, ремесленники переехали в восточную столицу и нашли там работу. В церкви Святой Софии в Константинополе работало около 10000 рабочих и ремесленников, что стало последним всплеском римского искусства при императоре Юстиниане I , который также приказал создать знаменитые мозаикиРавенна . [5]

Средневековое искусство [ править ]

В средние века итальянское искусство состояло в основном из архитектурных украшений (фресок и мозаик). Византийское искусство в Италии было очень формальным и изысканным украшением со стандартизированной каллиграфией и замечательным использованием цвета и золота. До 13 века искусство в Италии было почти полностью региональным, под влиянием внешних европейских и восточных течений. После c. 1250 г. искусство различных регионов приобрело общие черты, так что наблюдается определенное единство, а также большая оригинальность.

Византийское искусство [ править ]

После падения западной столицы Римская империя просуществовала еще 1000 лет под руководством Константинополя . [6] Византийские мастера использовались в важных проектах по всей Италии, а византийские стили живописи можно найти до 14 века.

Готическое искусство [ править ]

Готический период знаменует собой переход от средневековья к эпохе Возрождения и характеризуется стилями и взглядами, воспитанными влиянием доминиканского и францисканского орденов монахов, основанных Святым Домиником и Святым Франциском Ассизским соответственно.

Это было время религиозных споров внутри церкви. Францисканцы и доминиканцы были основаны в попытке разрешить эти споры и вернуть католическую церковь к основам. Ранние дни францисканцев запомнились особенно состраданием святого Франциска, а доминиканцы помнят как орден, наиболее ответственный за начало инквизиции .

Готическая архитектура зародилась в Северной Европе и распространилась на юг до Италии.

Искусство эпохи Возрождения [ править ]

Мона Лиза - Леонардо да Винчи

В средние века художники и скульпторы пытались придать своим работам духовность. Они хотели, чтобы зрители сосредоточились на глубоком религиозном значении их картин и скульптур. Но художники и скульпторы эпохи Возрождения, как и писатели эпохи Возрождения, хотели реалистично изображать людей и природу. Средневековые архитекторы проектировали огромные соборы, чтобы подчеркнуть величие Бога и смирить человеческий дух. Архитекторы эпохи Возрождения проектировали здания, пропорции которых были основаны на пропорциях человеческого тела, а орнамент имитировал древние конструкции.

Искусство 14-го и начала 15-го веков [ править ]

Рождение Венеры - Сандро Боттичелли , 1484-85 гг.

В начале 14 века флорентийский художник Джотто стал первым художником, реалистично изображающим природу после падения Римской империи. Он создал великолепные фрески (картины на влажной штукатурке) для церквей Ассизи, Флоренции, Падуи и Рима. Джотто пытался создавать реалистичные фигуры, демонстрирующие настоящие эмоции. Он изобразил многие свои фигуры в реалистичных декорациях.

В начале 15 века работала замечательная группа флорентийских архитекторов, художников и скульпторов. Среди них были художник Мазаччо , скульптор Донателло и архитектор Филиппо Брунеллески .

Лучшей работой Мазаччо была серия фресок, которые он написал около 1427 года в капелле Бранкаччи церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции. На фресках реалистично изображены эмоционально накаленные библейские сцены. В этих картинах Мазаччо использовал систему Брунеллески для достижения линейной перспективы.

В своих скульптурах Донателло пытался передать достоинства человеческого тела в реалистичных и часто драматических деталях. Среди его шедевров - три статуи библейского героя Давида. В версии, законченной в 1430-х годах, Донателло изобразил Давида изящным обнаженным юношей через несколько мгновений после того, как он убил гигантского Голиафа. Работа высотой около 5 футов (1,5 метра) была первой большой отдельно стоящей обнаженной натурой, созданной в западном искусстве со времен классической античности.

Брунеллески был первым архитектором эпохи Возрождения, возродившим древнеримский архитектурный стиль. В своих проектах он использовал арки, колонны и другие элементы классической архитектуры. Одно из его самых известных зданий - это прекрасно и гармонично построенная капелла Пацци во Флоренции. Часовня, начатая в 1442 году и завершенная около 1465 года, была одним из первых зданий, построенных в стиле нового ренессанса. Брунеллески также был первым художником эпохи Возрождения, освоившим линейную перспективу , математическую систему, с помощью которой художники могли отображать пространство и глубину на плоской поверхности.

Искусство конца 15 - начала 16 веков [ править ]

В искусстве конца 15 - начала 16 веков доминировали трое мужчин. Это были Микеланджело , Рафаэль и Леонардо да Винчи .

Микеланджело преуспел как художник, архитектор и поэт. Кроме того, его называют величайшим скульптором в истории. [7] Микеланджело был мастером изображения человеческой фигуры. Например, его знаменитая статуя вождя израильтян Моисея (1516 г.) производит ошеломляющее впечатление физической и духовной силы. Эти качества также проявляются в фресках на библейские и классические сюжеты, которые Микеланджело нарисовал на потолке Сикстинской капеллы Ватикана . Фрески, написанные с 1508 по 1512 год, входят в число величайших произведений искусства эпохи Возрождения.

Дэвид по Микеланджело , 1501-1504

Картины Рафаэля мягче очертаний и поэтичнее, чем у Микеланджело. Рафаэль умел создавать перспективу и деликатно использовать цвета. Он написал ряд прекрасных изображений Мадонны (Девы Марии) и множество выдающихся портретов. Одна из его величайших работ - фреска «Афинская школа» . В живописи оказали влияние классические греческие и римские образцы. На нем изображены великие философы и ученые Древней Греции в обрамлении классических арок. Таким образом, Рафаэль установил связь между культурой классической античности и итальянской культурой своего времени.

Леонардо да Винчи написал два самых известных произведения искусства эпохи Возрождения, настенную живопись «Тайную вечерю» и портрет Моны Лизы . Леонардо обладал одним из самых пытливых умов за всю историю. Он хотел знать, как работает все, что он видел в природе. На более чем 4000 страницах блокнотов он нарисовал подробные схемы и записал свои наблюдения. Леонардо тщательно рисовал человеческие скелеты и мышцы, пытаясь понять, как работает тело. Благодаря своему пытливому уму Леонардо стал символом духа учености и интеллектуального любопытства эпохи Возрождения. [8]

Создателем архитектуры высокого Возрождения был Донато Браманте , который приехал в Рим в 1499 году, когда ему было 55 лет. Его первый римский шедевр, Темпьетто (1502 г.) в Сан-Пьетро-ин-Монторио, представляет собой централизованную купольную структуру, напоминающую классическую храмовую архитектуру. Папа Юлий II выбрал Браманте в качестве папского архитектора, и вместе они разработали план замены старого собора Святого Петра 4-го века новой церковью гигантских размеров. Однако проект был завершен спустя много времени после смерти Браманте.

Гуманистические исследования продолжались при могущественных папах Высокого Возрождения, Юлии II и Льве X , равно как и развитие полифонической музыки. Сикстинской хор , где р \ д, привлек музыкант и певец из всей Италии и Северной Европы. Среди самых известных композиторов, которые стали членами, были Хоскен де Пре и Джованни Пьерлуиджи да Палестрина .

Маньеризм [ править ]

Маньеризм был элегантным придворным стилем. Он процветал во Флоренции, Италия, где его ведущими представителями были Джорджо Вазари и Бронзино . Стиль был представлен французскому двору Россо Фьорентино и Франческо Приматиччо . Венецианский художник Тинторетто находился под влиянием этого стиля.

Маньеристический подход к живописи повлиял и на другие искусства.

В архитектуре выдающимся примером является работа итальянского архитектора Джулио Романо . Итальянец Бенвенуто Челлини и фламандец Джамболонья были главными представителями стиля в скульптуре. [9]

Некоторые историки считают этот период перерождением классицизма Высокого Возрождения или даже промежутком между Высоким Возрождением и барокко, и в этом случае даты обычно относятся к ок. 1520–1600, и это считается законченным позитивным стилем.

Искусство барокко и рококо [ править ]

Караваджо " Призвание святого Матфея" , 1599-1600 гг.

В начале 17 века Рим стал центром возрождения итальянского господства в искусстве. В Парме Антонио да Корреджо украсил церковные своды живыми фигурами, мягко плывущими на облаках - схема, которая оказала глубокое влияние на росписи потолков в стиле барокко. Яркие светотени Караваджо и мощные иллюзионистские картины семьи Карраччи из Болоньи дали начало периоду барокко в итальянском искусстве. Доменикино , Франческо Альбани , а затем Андреа Сакки были среди тех, кто воплотил классический смысл в искусстве Карраччи.

С другой стороны, Гвидо Рени , Гверчино , Орацио Джентилески , Джованни Ланфранко , а позже Пьетро да Кортона и Андреа Поццо , будучи тщательно обученными классико-аллегорической манере, сначала были склонны писать динамические композиции, полные жестикулирующих фигур в манере. ближе к Караваджо. Выдающимся виртуозом барочного изобилия и величия в скульптуре и архитектуре был Джан Лоренцо Бернини . К 1640 году многие художники склонялись к классическому стилю, который был выдвинут на передний план в Риме французским эмигрантом Николя Пуссеном . Скульпторы Алессандро Альгарди иФрансуа Дюкенуа тоже тяготел к классике. Известные художники позднего барокко включают генуэзца Джованни Баттиста Гаулли и неаполитанцев Луку Джордано и Франческо Солимена .

Светильники 18 века пришли из Венеции. Среди них был блестящий представитель стиля рококо Джованни Баттиста Тьеполо ; художники-архитекторы Франческо Гварди , Каналетто , Джованни Баттиста Пьяцетта и Бернардо Беллотто ; и гравер римских древностей Джованни Баттиста Пиранези .

Итальянское неоклассическое искусство и искусство XIX века [ править ]

Картина Франческо Хайеса « Поцелуй» (1859) олицетворяет дух итальянского Рисорджименто.

Как и в других частях Европы, итальянское неоклассическое искусство в основном основывалось на принципах древнеримского и древнегреческого искусства и архитектуры, а также на архитектуре итальянского Возрождения и ее основах, таких как Вилла Капра «Ла Ротонда» .

Классицизм и неоклассицизм в итальянском искусстве и архитектуре развивались во время итальянского Возрождения , особенно в произведениях и проектах Леона Баттисты Альберти и работ Филиппо Брунеллески . Он делает упор на симметрию, пропорции, геометрию и регулярность частей, как они демонстрируются в архитектуре классической античности и, в частности, в архитектуре Древнего Рима., из которых сохранилось много примеров. Упорядоченное расположение колонн, пилястр и перемычек, а также использование полукруглых арок, полусферических куполов, ниш и эдикул заменили более сложные пропорциональные системы и неправильные профили средневековых зданий. Этот стиль быстро распространился в других итальянских городах, а затем и в остальной части континентальной Европы.

Скульптор Антонио Канова был ведущим представителем неоклассического стиля. Получив международную известность, он считался самым блестящим скульптором Европы. [10]

Франческо Хайес - величайший представитель романтизма в Италии: многие из его работ, обычно средневекового окружения, содержат зашифрованное патриотическое послание Рисорджименто .

Маккьяйоли [ править ]

Италия произвела свою собственную форму импрессионизма , художников Маккьяйоли , которые были там первыми, до более известных импрессионистов: Джованни Фаттори , Сильвестро Лега , Телемако Синьорини , Джузеппе Аббати . Художники Macchiaioli были предшественниками импрессионизма во Франции. Они считали, что области света и тени или макчи (буквально пятна или пятна) были главными компонентами произведения искусства. Слово маккиа обычно использовалось итальянскими художниками и критиками в 19 веке для описания сверкающего качества рисунка или картины, будь то из-за схематичного и спонтанного исполнения или из-за гармоничной широты их общего эффекта.

Враждебная рецензия, опубликованная 3 ноября 1862 года в журнале Gazzetta del Popolo, знаменует собой первое появление в печати термина Macchiaioli. [11] Этот термин имел несколько коннотаций: он насмешливо представлял собой законченные работы, представлявшие собой не более чем наброски, и напоминал фразу «дарси алла макчия», что идиоматически означало прятаться в кустах или кустарниках. Художники действительно писали большую часть своих работ в этих диких местах. Это значение имени также отождествляло художников с преступниками, отражая мнение традиционалистов о том, что новая школа художников работает вне правил искусства, в соответствии со строгими законами, определяющими художественное выражение того времени.

Итальянское современное и современное искусство [ править ]

В начале 20 века представители футуризма разработали динамичное видение современного мира, Джорджио де Кирико выразил странную метафизическую тишину, а Амедео Модильяни присоединился к парижской школе. Среди одаренных более поздних современных художников - скульпторы Джакомо Манцо , Марино Марини , художник-натюрморт Джорджо Моранди и художник-иконоборец Лючио Фонтана . Во второй половине 20-го века итальянские дизайнеры, особенно миланские, оказали глубокое влияние на международные стили своими творческими и гениальными функциональными работами.

Футуризм [ править ]

Улица входит в дом . Умберто Боччони (1912).

Футуризм был итальянским художественным движением, процветавшим с 1909 по 1916 год. Это было первое из многих художественных движений, пытавшихся порвать с прошлым во всех сферах жизни. Футуризм воспевал силу, скорость и азарт, присущие машинной эре. Благодаря французским художникам-кубистам и фотографии с множественной экспозицией футуристы научились разбивать реалистичные формы на несколько изображений и перекрывающиеся фрагменты цвета. Таким образом они пытались изобразить энергию и скорость современной жизни. В литературе футуризм требовал отмены традиционных структур предложений и стихотворных форм. [12]

Впервые о футуризме было объявлено 20 февраля 1909 года, когда парижская газета Le Figaro опубликовала манифест итальянского поэта и редактора Филиппо Томмазо Маринетти . (См. « Манифест футуризма» .) Маринетти придумал слово «футуризм», чтобы отразить его цель - отказаться от искусства прошлого и прославить перемены, оригинальность и новаторство в культуре и обществе. Манифест Маринетти прославил новые автомобильные технологиии красота его скорости, мощности и движения. Превознося насилие и конфликты, он призвал к полному отказу от традиционных ценностей и разрушению культурных учреждений, таких как музеи и библиотеки. Риторика манифеста была страстно напыщенной; его агрессивный тон был намеренно призван вызвать общественное недовольство и споры.

Уникальные формы непрерывности в пространстве Умберто Боччони (1913).

Манифест Маринетти вдохновил группу молодых художников в Милане применить идеи футуризма в изобразительном искусстве. Умберто Боччони , Карло Карра , Луиджи Руссоло , Джакомо Балла и Джино Северини опубликовали несколько манифестов по живописи в 1910 году. Подобно Маринетти, они прославляли оригинальность и выражали свое пренебрежение к унаследованным художественным традициям.

Боччони также заинтересовался скульптурой , опубликовав манифест на эту тему весной 1912 года. Считается, что он наиболее полно реализовал свои теории в двух скульптурах, « Развитие бутылки в космосе» (1912), в которых он представил как внутреннее пространство , так и внутреннее пространство. и внешние контуры бутылки, и « Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913), в которых человеческая фигура не изображается как одна цельная форма, а вместо этого состоит из множества плоскостей в пространстве, через которые эта фигура движется. Принципы реалистичности распространились и на архитектуру. Антонио Сант'Элия сформулировал футуристический манифест по архитектуре в 1914 году. Его дальновидные рисунки высокомеханизированных городов и смелых современных небоскребов служат прообразом некоторых из самых творческих архитектурных планов 20-го века.

Боччони, который был самым талантливым художником в группе [13], и Сант'Элия оба умерли во время военной службы в 1916 году. Смерть Боччони в сочетании с расширением штата группы и отрезвляющими реалиями разрушений, вызванных Первой мировой войной. , фактически положил конец футуристическому движению как важной исторической силе в изобразительном искусстве.

Метафизическое искусство [ править ]

Метафизическая живопись - это итальянское художественное направление, родившееся в 1917 году благодаря работам Карло Карра и Джорджо де Кирико в Ферраре. Слово «метафизический», принятое самим Де Кирико, лежит в основе поэтики движения.

Сфера В сфере по Арнальдо Pomodoro . Пезаро

Они изображали сказочные образы с фигурами и объектами, кажущимися застывшими во времени. Художники метафизической живописи принимают представление видимого мира в традиционном перспективном пространстве, но необычное расположение людей в виде манекенов, объектов в странных, нелогичных контекстах, нереального света и цветов, неестественной статики неподвижных фигур.

Novecento Italiano [ править ]

Движение Novecento, группа итальянских художников, сформированная в 1922 году в Милане, выступала за возврат к великому итальянскому изобразительному искусству прошлого.

Членами-основателями движения Novecento ( итал .: XX век) были критик Маргарита Сарфатти и семь художников: Ансельмо Буччи , Леонардо Дудревиль , Акилле Фуни , Джан Эмилио Малерба, Пьеро Маруссиг, Убальдо Оппи и Марио Сирони. Под руководством Сарфатти группа стремилась обновить итальянское искусство, отвергая европейские авангардные движения и принимая художественные традиции Италии.

Другие художники, связанные с Новеченто, включали скульпторов Марино Марини и Артуро Мартини, а также художников Оттоне Росай , Массимо Кампильи , Карло Карра и Феличе Казорати .

Пространство [ править ]

Движение, основанное итальянским художником Лучио Фонтана как « movimento spaziale» , его принципы повторялись в манифестах между 1947 и 1954 годами.

Сочетая элементы конкретного искусства, дадаизма и тахизма, приверженцы движения отвергли станковую живопись и приняли новые технологические разработки, стремясь включить время и движение в свои работы. Изрезанные и пронзенные картины Фонтаны иллюстрируют его тезисы.

Arte Povera [ править ]

Arte Povera - художественное движение, зародившееся в Италии в 1960-х годах, сочетающее в себе аспекты концептуального, минималистского и исполнительского искусства и использующее бесполезные или обычные материалы, такие как земля или газеты, в надежде подорвать коммерциализацию искусства. Фраза итальянская и буквально означает «обедневшее искусство».

Трансавангард [ править ]

Термин Transavantgarde - изобретение итальянского критика Ахилле Бонито Оливы . Он определил искусство Трансавангарда как традиционное по формату (то есть в основном живопись или скульптуру); аполитичный; и, прежде всего, эклектичность.

Список основных музеев и галерей Италии [ править ]

Пропаганда и ограничения [ править ]

В соответствии с поправками к 2017 году итальянский Codice деи бэни Culturali е дель Paesaggio , [14] [15] произведение искусства может быть юридически определен общественной и культурный интерес , если она была завершена , по крайней мере 70 лет назад. Предыдущий лимит составлял 50 лет. Чтобы упростить экспорт и международную торговлю предметами искусства в качестве средства сбережения , впервые частным владельцам и их дилерам была предоставлена ​​возможность самостоятельно подтверждать коммерческую стоимость менее 13 500 евро, чтобы быть имеет право вывозить товары за пределы страны в Европейский Союз, без государственного административного разрешения. [16] [17] Законопроект принят и вступает в силу 29 августа., 2017. [15] Для археологических останков, обнаруженных под землей или под уровнем моря, должно быть получено публичное разрешение. [14]

См. Также [ править ]

  • Итальянская литература
  • История Италии
  • Культура Италии

Ссылки [ править ]

  1. ^ [1]
  2. ^ Дорога из Рима в Париж. Рождение современного неоклассицизма
  3. ^ Алекс Т. Найс, доктор философии, бывший приглашенный адъюнкт-профессор классики, программа классических исследований, Университет Уилламетт.
    Красиво, Алекс Т. "Древний Рим". Мировая книга Advanced. Всемирная книга, 2011. Интернет. 30 сентября 2011 г.
  4. ^ Пайпер, стр. 261.
  5. ^ Пайпер, стр. 266.
  6. ^ [2] Византия. Фордхэмский университет. Интернет. 06 октября 2011 г.
  7. Папа-Хеннесси, Джон Виндхэм. Итальянская скульптура эпохи Возрождения и барокко. Phaidon Press, 1996. стр. 13. Интернет. 5 октября 2011 г.
    « Микеланджело был первым художником в истории, которого современники признали гением в нашем современном понимании. Канонизированный перед смертью, он оставался великолепным, грозным и далеким. Некоторые из препятствий на пути к установлению тесных контактов с его ум присущ его бескомпромиссному характеру; он был величайшим скульптором из когда-либо живших, и величайший скульптор не обязательно самый доступный ».
  8. ^ Джеймс Хэнкинс, доктор философии, профессор истории Гарвардского университета.
    Хэнкинс, Джеймс. "Эпоха Возрождения." Мировая книга Advanced. Всемирная книга, 2011. Интернет. 1 октября 2011 г.
  9. ^ Эрик М. Зафран, доктор философии, куратор отдела европейской живописи и скульптуры, Wadsworth Atheneum.
    Зафран, Эрик М. «Маньеризм». Мировая книга Advanced. Всемирная книга, 2011. Интернет. 1 октября 2011 г.
  10. ^ Розенблюм, Роберт; Янсон, Хорст Вольдемар. Искусство 19 века. Абрамс, 1984. с. 104. Интернет. 5 октября 2011 года.
    « Антонио Канова (1757–1822) был не только величайшим скульптором своего поколения; он был самым известным художником западного мира с 1790-х годов до долгой после своей смерти ».
  11. ^ Broude, стр. 96.
  12. ^ Дуглас К.С. Хайленд, доктор философии, директор Художественного музея Сан-Антонио.
    Хайленд, Дуглас К.С. «Футуризм». Мировая книга Advanced. Всемирная книга, 2011. Интернет. 4 октября 2011 г.
  13. ^ Уайлдер, Джесси Брайант. История искусства для чайников. Джон Вили и сыновья, 2007. стр. 310. Интернет. 6 октября 2011 г.
  14. ^ a b "Codice dei beniulturali e del paesaggio" . Палата депутатов (Италия) (на итальянском языке).
  15. ^ a b "LEGGE 4 agosto 2017, n. 124" . Gazzetta Ufficiale (на итальянском языке).в статье n. 175.
  16. ^ "L'Appello a Mattarella -" I beniulturali non sono Commerciali: президент не фирм иль Dl Concorrenza " " . Il Fatto Quotidiano (на итальянском языке). 4 августа 2017 года.
  17. ^ «Стенограмма парламентской сессии, состоявшейся 28 июня 2017 г.» . Палата депутатов (Италия) (на итальянском языке).

Внешние ссылки [ править ]

  • [3] Итальянское искусство. kdfineart-italia.com. Интернет. 5 октября 2011 г.
  • [4] Изобразительное искусство в итальянском и тосканском стилях. italianartstudio.com. Интернет. 5 октября 2011 г.
  • [5] Заметки об итальянском искусстве