История искусства

История искусства

Доисторический Древний Европейский Христианин Азиатский Буддист Индийский Арабское искусство Исламский Живопись  ( вестерн )

История искусства

v т е

История искусства фокусируется на объектах , сделанных людьми в визуальной форме для эстетических целей. Изобразительное искусство можно классифицировать по- разному , например, отделив изобразительное искусство от прикладного ; инклюзивное внимание к человеческому творчеству; или сосредоточение внимания на различных медиа, таких как архитектура , скульптура , живопись , кино , фотография и графика . В последние годы технический прогресс привел к появлению видеоарта, компьютерного искусства , перформанса , анимации., телевидение и видеоигры .

Историю искусства часто рассказывают как хронологию шедевров, созданных во время каждой цивилизации . Таким образом, его можно представить как историю высокой культуры , воплощенную в чудесах света . С другой стороны, выражения народного искусства также могут быть интегрированы в художественно-исторические нарративы, именуемые народным искусством или ремеслом . Чем ближе историк искусства занимается этими последними формами низкой культуры , тем более вероятно, что он определит свою работу как исследование визуальной культуры или материальной культуры или как вклад в области, связанные с историей искусства, такие какантропология или археология . В последнем случае арт-объекты можно отнести к археологическим артефактам .

Предыстория [ править ]

Были найдены гравированные раковины, созданные человеком прямоходящим, датируемые еще 500000 лет назад, хотя эксперты расходятся во мнениях относительно того, можно ли эти гравюры должным образом классифицировать как «искусство». ^{[1] [2]} Был сделан ряд заявлений о неандертальском искусстве, украшениях и структурах, датируемых примерно 130000 до настоящего времени и предполагающих, что неандертальцы могли быть способны к символическому мышлению , ^{[9] [10]} но ни одно из них претензии широко принимаются. ^[11]

Палеолит [ править ]

Самое древнее защищенное человеческое искусство, которое было обнаружено, относится к позднему каменному веку во время верхнего палеолита , возможно, примерно с 70 000 до н.э. ^[8], но с уверенностью около 40 000 до н.э., когда первые творческие работы были сделаны из ракушек, камня и красок. от Homo sapiens , используя символическую мысль. ^[12] В период верхнего палеолита (50 000–10 000 до н.э.) люди занимались охотой и собирательством и жили в пещерах , где была развита наскальная живопись . ^[13] В период неолита (10 000–3 000 до н.э.) началось производство изделий ручной работы.

Появление творческих способностей в этих ранних обществах является примером эволюционного избирательного преимущества творческих личностей. Поскольку выживание не зависит от производства произведений искусства, люди, занимающиеся производством произведений искусства, продемонстрировали свою свободу действий по отношению к окружающей среде, поскольку у них было свободное время для творчества, как только их основные обязанности, такие как охота и собирательство, были выполнены. ^[14] Эти предварительные художники были редкими и «очень одаренными» в своих сообществах. ^[15] Они указали на прогресс в познании и понимании символизма. ^[15]

Однако самые ранние человеческие артефакты, свидетельствующие о мастерстве с художественной целью, являются предметом некоторых дискуссий. Понятно, что такое мастерство существовало около 40 тысяч лет назад в эпоху верхнего палеолита , хотя вполне возможно, что оно началось раньше.

Художественные проявления верхнего палеолита достигли своего пика в период Магдалины (± 15–8 тыс. До н.э.). Этот всплеск творческих излияний известен как «революция верхнего палеолита» или «творческий взрыв». ^[16] Сохранившееся искусство этого периода включает небольшие резные фигурки на камне или кости и наскальную живопись . Первые следы рукотворных объектов появились на юге Африки , в Западном Средиземноморье , Центральной и Восточной Европе ( Адриатическое море ), Сибири ( озеро Байкал ), Индии и Австралии. Эти первые следы обычно представляют собой обработанный камень (кремень , обсидиан ), деревянные или костяные инструменты. Для того, чтобы рисовать в красный , оксид железа был использован. Цвет, узор и визуальное сходство были составляющими палеолитического искусства. Используемые образцы включали зигзаг, крест-накрест и параллельные линии. ^[15]

Наскальные рисунки были найдены во франко-кантабрийском регионе . Есть как абстрактные, так и натуралистические изображения . Наскальные рисунки символически представляли те виды деятельности, которые требовали обученных участников - они использовались в качестве обучающих инструментов и демонстрируют возросшую потребность в общении и специализированных навыках у первых людей. ^[17] Животные были нарисованы в пещерах Альтамира , Труа Фререс , Шове и Ласко . Скульптура представлена ​​так называемыми фигурками Венеры , женскими фигурами, которые, возможно, использовались в культах плодородия., например, Венера Виллендорфская . ^[18] Существует теория, что эти фигурки могли быть сделаны женщинами как выражение их собственного тела. ^[19] Другие репрезентативные произведения этого периода - Человек из Брно ^[20] и Венера из Брассемпуи . ^[21]

Функция палеолитического искусства была магической, использовавшейся в ритуалах. Художники палеолита были особыми людьми, уважаемыми в обществе, потому что их произведения были связаны с религиозными верованиями. Таким образом, артефакты были символами определенных божеств или духов. ^[22]

• Возможно, это «самый старый известный рисунок, сделанный руками человека», обнаруженный в пещере Бломбос в Южной Африке . Возраст - 73 000 лет. ^[8]

• Фигурка человека-льва или Löwenmensch ; c. 35-40 тыс. До н.э. ( ориньяк - верхний палеолит ); бивень мамонта; Музей Ульм (Германия)

• Лошадь фогельхерд ; c. 34 000–31 000 лет до нашей эры; бивень мамонта; длина: 5 см; Протоистория и средневековая археология, Тюбингенский университет (Германия) ^[23]

• Наскальные рисунки из пещер Ласко ( Монтиньяк, Дордонь , Франция)

• Венера Виллендорфская ; c. 26000 г. до н.э. ( граветтианский период ); известняк с охристой окраской; Музей естествознания ( Вена , Австрия)

• Венера из Долних Вестониц ; c. 26000 г. до н.э .; обожженная глина; высота: 11,5 см; Моравский музей ( Брно , Чехия ) ^[23]

• Венера Брассемпуи ; c. 23000 г. до н.э .; бивень мамонта; высота: 3,5 см; Национальный археологический музей Франции ( Сен-Жермен-ан-Ле , Франция) ^[23]

• Укус насекомого-лизунца ; 15 000–13 000 до н. Э .; рог ; Национальный музей предыстории ( Les Eyzies-de-Tayac-Sireuil , Франция)

Мезолит [ править ]

В археологии Старого Света мезолит ( греч . Μέσος, mesos «средний»; λίθος, lithos «камень») - это период между верхним палеолитом и неолитом . Термин эпипалеолит часто используется как синоним, особенно за пределами Северной Европы и для соответствующего периода в Леванте и на Кавказе . Мезолит имеет разные временные рамки в разных частях Евразии. Он относится к последнему периоду развития культур охотников-собирателей в Европе и Западной Азии, между концом последнего ледникового максимума и неолитической революцией.. В Европе он охватывает примерно от 15 000 до 5 000 лет до нашей эры, в Юго-Западной Азии ( эпипалеолит Ближний Восток ) примерно от 20 000 до 8 000 лет до нашей эры. Этот термин реже используется в районах дальше на восток, а не за пределами Евразии и Северной Африки.

Неолит [ править ]

Период неолита начался около 10 000 лет до нашей эры. Рок - искусство Пиренейского средиземноморского бассейна -dated между мезолита и неолита Eras-содержали небольшие, схематические картины человеческих фигур, с известными примерами в Когуль , Вальторта, Alpera и Minateda.

Неолитическая живопись похожа на картины, найденные в северной Африке ( Атлас , Сахара) и в районе современного Зимбабве . Неолитическая живопись часто схематична, выполнена базовыми мазками (мужчины в виде креста и женщины в форме треугольника ). Есть также наскальные рисунки на реке Пинтурас в Аргентине , особенно на Куэва-де-лас-Манос . В портативном искусстве был создан стиль под названием керамика Кардиума , украшенный оттисками морских ракушек . В искусстве использовались новые материалы: янтарь , хрусталь , яшма.. В этот период появились первые следы городского планирования, такие как останки в Телль-ас-Султане ( Иерихон ), Ярмо ( Ирак ) и Чатал-Хююк ( Анатолия ). ^[24] В Юго-Восточной Европе появилось много культур, таких как культура Кукутень-Триполье (из Румынии , Республики Молдова и Украины ) и культура Хамангия (из Румынии и Болгарии ). Другими регионами со многими культурами являются Китай, наиболее известными из которых являются культура Яншао иКультура Луншань ; и Египет , с бадарийской , в Naqada I , II и III культур.

Обычные материалы неолитических скульптур из Анатолии - слоновая кость, камень, глина и кость. Многие из них антропоморфны , особенно женские, зооморфные встречаются редко. Женские фигурки бывают и толстыми, и стройными. И зооморфные, и антропоморфные резные фигурки были обнаружены в Сибири , Афганистане , Пакистане и Китае . ^[25]

• Urfa Человек ; из современной Турции ; c. 9000 г. до н.э .; песчаник ; высота: 1,8 м; Музей археологии и мозаики Шанлыурфа ( Урфа , Турция)

• Фрагмент чаши; от Халаф культуры из Месопотамии ; 5600-5000 гг. До н.э .; цермаик; 8,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Шаровидная банка; по Димини культуры из Греции; 5300-4800 гг. До н.э .; керамический; высота: 25 см (9 ³ / ₄ в.), диаметр у обода: 12 см (4 ³ / ₄ , в.) Национальный археологический музей ( Афины )

• Мыслитель ; по Хаманджия из Румынии; c. 5000 г. до н.э .; терракота; Высота: 11,5 см (4 ¹ / ₂ , в) . Национальный музей истории Румынии ( Бухарест )

• Женская фигура; по Винча из Сербии ; 4500-3500 гг. До н.э .; обожженная глина с краской; габаритные: 16,1 см; Кливлендский музей искусств ( Огайо , США)

• Фигурка бородатого мужчины; по Naqada I культуры из Египта; 3800-3500 гг. До н.э .; брекчия ; из Верхнего Египта ; Musée des Confluences ( Лион , Франция)

• Судно типа «пламя»; из периода Дзёмон в Японии; c. 2750 г. до н.э .; фаянсовая посуда с резным и накладным декором; высота: 61 см, диаметр: 55,8 см; Кливлендский музей искусств ( Огайо , США)

• Керамический горшок из точек, полугорный; по культуре Yangshao из Китая; 2700–2300 гг. До н. Э .; Провинциальный музей Ганьсу ( Ланьчжоу , Китай)

Metal Age [ править ]

Последней доисторической фазой является металлический век (или система трех веков ), в течение которого использование меди , бронзы и железа изменило древние общества. Когда люди могли плавить и ковать, металлические орудия можно было использовать для изготовления новых инструментов, оружия и предметов искусства.

В энеолите (медный век) возникли мегалиты . Примеры включают дольмен , менгир и английский кромлех , которые можно увидеть в комплексах Ньюгрейнджа и Стоунхенджа . ^[26] В Испании сформировалась культура Лос-Мильярес , для которой характерна культура кубков . В Мальте , в храмовые комплексы состоят из Хагар Ким , Мнайдры , Tarxien и Гжантии были построены. На Балеарских островахбыли развиты известные мегалитические культуры с различными типами памятников: навета - могила в форме усеченной пирамиды с удлиненной погребальной камерой; Таула , два больших камней, один положил вертикально , а другая горизонтально друг над другом; и талайот , башня с крытой камерой и ложным куполом . ^[27]

В железный век в Европе возникли культуры Гальштата ( Австрия ) и Ла Тена ( Швейцария ). Первый был построен между VII и V веками до нашей эры, он отличался некрополями с курганными гробницами и деревянной погребальной камерой в форме дома, часто сопровождаемой четырехколесной повозкой. Глиняная посуда была полихромной , с геометрическим орнаментом и аппликациями металлических орнаментов. Ла-Тен был основан между V и IV веками до нашей эры и более известен как раннее кельтское искусство . Он производил много железных предметов, таких как мечи и копья., которые не дожили до 2000-х годов из-за ржавчины. ^{[ необходима цитата ]}

Бронзовый век относится к периоду , когда бронза был лучший материал , доступный. Бронза использовалась для украшенных щитов , фибул и других предметов на разных этапах развития стиля. На оформление повлияло греческое , этрусское и скифское искусство . ^[28]

Античность [ править ]

В первый период письменной истории искусство совпало с письмом . Возникли великие цивилизации Ближнего Востока : Египет и Месопотамия . В глобальном масштабе именно в этот период возникли первые крупные города у крупных рек: Нила , Тигра и Евфрата , Инд и Хуанхэ .

Одним из величайших достижений этого периода было письмо, которое возникло из традиции общения с помощью изображений. Первой формой письма были символы Цзяху из неолитического Китая , но первым настоящим письмом было клинопись , появившееся в Месопотамии c. 3500 г. до н.э., написано на глиняных табличках. Она была основана на пиктографических и идеографические элементах, в то время как более поздние Шумеры разработали слоги для написания, отражая фонологии и синтаксис в шумерском языке . В Египте иероглифическое письмобыл разработан с использованием изображений, появляющихся в таких произведениях искусства, как Палитра Нармера (3100 г. до н.э.). Цивилизация долины Инда скульптурные пломбы с короткими текстами и украшены изображениями животных и людей. Тем временем ольмеки лепили колоссальные головы и украшали другие скульптуры своими иероглифами . В те времена письменность была доступна только избранным.

Месопотамия [ править ]

Месопотамское искусство развивалось в районе между реками Тигр и Евфрат на территории современной Сирии и Ирака, где с 4-го тысячелетия до нашей эры существовало множество различных культур, таких как Шумер , Аккад , Аморея и Халдея . Месопотамская архитектура характеризовалась использованием кирпича , перемычек и мозаики конусов . Яркие примеры - зиккураты , большие храмы в виде ступенчатых пирамид . Гробница представляла собой камеру, покрытую ложным куполом , как в некоторых примерах, найденных вУр . Были также дворцы, обнесенные стенами с террасой в виде зиккурата, где сады были важной особенностью. В висячие сады Семирамиды был одним из семи чудес древнего мира .

Рельефная скульптура разработана из дерева и камня . Скульптура изображала религиозные, военные и охотничьи сцены, включая фигуры людей и животных. В шумерский период изготавливались небольшие статуи людей. Эти статуи имели угловую форму и были изготовлены из цветного камня. У фигур обычно была лысина со сложенными на груди руками. В аккадском период , статуи изображены фигуры с длинными волосами и бородами, такие как стелы из Нар-Сина . В аморейский период (или неосумерианский ) статуи представляли королей из Гудеа из Лагаша.в мантии и тюрбанах на головах, а руки на груди. Во время вавилонского правления стела Хаммурапи имела большое значение, так как на ней изображался великий царь Хаммурапи над письменной копией введенных им законов. Ассирийская скульптура отличается своим антропоморфизмом скота и крылатым джинном , который изображен летящим во многих рельефах , изображающих военный и охотничьи сцены, например, в Черном Обелиске из Салманасар III . ^[29]

• Стоящий прихожанин, одна из двенадцати статуй в кладе Телль Асмар ; 2900-2600 гг. До н.э .; гипсовый алебастр, ракушечник, черный известняк и битум; 29,5 × 12,9 × 10 см; Метрополитен-музей

• Шумерские статуи поклонников (мужчин и женщин); 2800-2400 гг. До н.э. ( раннединастический период ); Национальный музей Ирака ( Багдад )

• Голова быка из лиры; 2600-2350 гг. До н.э .; бронза, инкрустированная ракушкой и лазуритом ; высота: 13,3 см, ширина: 10,5 см; Метрополитен-музей

• Рама в чаще ; 2600–2400 гг. До н.э .; золото, медь, ракушечник, лазурит и известняк ; высота: 45,7 см (1 фут 6 дюймов); Британский музей (Лондон)

• Стандартный Ур ; 1600–1400 до н.э. (раннединастический период III); ракушка, красный известняк, лазурит на дереве; высота: 21,7 см, длина: 50,4 см; обнаружен на Королевском кладбище в Уре ( провинция Ди Кар , Ирак); британский музей

• Статуя Ebih-Il ; c. 2400 г. до н.э .; гипс , сланец , ракушки и лазурит; высота: 52,5 см; Лувр (Париж)

• Печать Хаш-хамера с изображением восседающего на троне царя Ур-Намму в современном стиле; около 2100 г. до н.э .; гринстоун; высота: 5,3 см; Британский музей (Лондон)

• Ассирийский рельеф с крылатым джинном с ведром и конусом ; 713-706 гг. До н. Э .; высота: 3,3 м, ширина: 2,1 м; Лувр

Египет [ править ]

Одна из первых великих цивилизаций возникла в Египте , в которой были тщательно продуманные и сложные произведения искусства, созданные профессиональными художниками и мастерами. Искусство Египта было религиозным и символическим. Учитывая, что культура имела высокоцентрализованную структуру власти и иерархию, было создано много произведений искусства в честь фараона , включая великие памятники. Египетское искусство и культура подчеркивали религиозную концепцию бессмертия. Позднее египетское искусство включает коптское и византийское искусство.

Архитектура характеризуются монументальными сооружениями, построенных с большими каменными блоками, перемычками и твердыми колоннами . Среди погребальных памятников - мастабы , гробницы прямоугольной формы; пирамиды , в состав которых входили ступенчатые пирамиды ( Саккара ) или гладкие пирамиды ( Гиза ); и гипогей , подземные гробницы ( Долина царей ). Другими великими постройками были храмы , которые, как правило, представляли собой монументальные комплексы, которым предшествовала аллея сфинксов и обелисков . В храмах использовались пилоны и трапециевидные стены сhypaethros и гипостильные залы и святыни . Храмы Карнака , Луксора , Филы и Эдфу являются хорошими примерами. Другой тип храма - это каменный храм в форме гипогея в Абу-Симбеле и Дейр-эль-Бахари .

В живописи египетской эпохи использовалось сопоставление перекрывающихся плоскостей. Изображения были представлены иерархически, то есть фараон крупнее обычных предметов или врагов, изображенных рядом с ним. Египтяне рисовали контур головы и конечностей в профиль, а туловище, руки и глаза - спереди. В Египте были развиты прикладные искусства , в частности изделия из дерева и металла . Есть великолепные примеры , такие как кедровая мебель инкрустация с черным деревом и слоновой костью , которую можно увидеть в гробницах на египетском музее . Другие примеры включают части, найденные в Тутанхамоне.Могилы, которые представляют большую художественную ценность. ^[30]

• Сидящий писец ; 2613–2494 гг. До н. Э .; крашеный известняк и инкрустированный кварц ; высота: 53,7 см; Лувр

• Стела принцесса Нефершиастет еду; 2589–2566 гг. До н. Э .; известняк и краска; высота: 37,7 см, длина: 52,5 см, глубина: 8,3 см; из Гизы ; Лувр (Париж)

• Пектораль и ожерелье принцессы Ситатхориунет ; 1887–1813 гг. До н.э .; золото, сердолик , лазурит , бирюза , гранат и полевой шпат ; высота грудной клетки: 4,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Ушебти из Аменхотепа II ; 1427–1400 гг. До н. Э .; змеевик ; 29 × 9 × 0,65 см, 1,4 кг; Британский музей (Лондон)

• Игровая доска для Amenhotep III с отдельным выдвижным ящиком; 1390–1353 гг. До н. Э .; глазированный фаянс; 5,5 × 7,7 × 21 см; Бруклинский музей (Нью-Йорк)

• Статуэтка дамы Тийе ; 1390-1349 гг. До н.э .; дерево, сердолик , золото, стекло, египетский синий и краска; высота: 24 см; Метрополитен-музей

• Маска Тутанхамона ; c.  1327 г. до н.э . ; золото, стекло и полудрагоценные камни; высота: 54 см; Египетский музей ( Каир )

• Рельеф царской семьи: Эхнатона , Нефертити и трех дочерей; 1352–1336 гг. До н.э .; крашеный известняк ; 25 × 20 см; Египетский музей Берлина (Германия)

• Нефертити Бюст ; 1352–1332 гг. До н.э .; крашеный известняк ; высота: 50 см; Новый музей (Берлин)

• Вход Великого Храма из храмов Абу - Симбел , основанный около 1264 г. до н.э.

• Стела из Пепи , главного гончара; 8 век до нашей эры; крашеный известняк; Эрмитаж ( Санкт-Петербург , Россия)

• Иллюстрация различных типов капителей, нарисованная египтологом Карлом Ричардом Лепсиусом

Цивилизация долины Инда (Хараппан) [ править ]

Обнаруженная намного позже современных цивилизаций Месопотамии и Египта , цивилизация долины Инда или цивилизация Хараппа (около 2400–1900 гг. До н.э.) теперь признана чрезвычайно развитой, во многом сопоставимой с этими культурами.

На раскопках были найдены различные скульптуры, печати, керамические изделия из бронзовых сосудов , золотые украшения и анатомически детализированные фигурки из терракоты , бронзы и стеатита. ^[31]

Ряд золотых, терракотовых и каменных фигурок девушек в танцевальных позах свидетельствует о наличии какой-то танцевальной формы. Эти терракотовые фигурки изображали коров, медведей, обезьян и собак. Животное, изображенное на большинстве тюленей на участках зрелого периода, четко не идентифицировано. Наполовину бык, наполовину зебра с величественным рогом, это было источником предположений. Пока нет достаточных доказательств для подтверждения утверждений о том, что изображение имело религиозное или культовое значение, но преобладание изображения поднимает вопрос о том, являются ли животные на изображениях цивилизации религиозными символами. ^[32]

Реалистичные статуэтки были найдены на месте цивилизации долины Инда. Одна из них - знаменитая бронзовая статуэтка танцующей девушки с тонкими конечностями, украшенная браслетами, найденная в Мохенджо-Даро . Две другие реалистичные статуэтки были найдены в Хараппе при надлежащих многослойных раскопках, которые демонстрируют почти классическую трактовку человеческого облика: статуэтка танцора, который кажется мужчиной, и мужской торс из красной яшмы , обе сейчас находятся в Национальном музее Дели. . Археолог сэр Джон Маршалл с удивлением отреагировал, когда увидел эти две статуэтки из Хараппы: ^[33]

Когда я впервые увидел их, мне было трудно поверить, что они были доисторическими; они, казалось, полностью опровергли все устоявшиеся представления о раннем искусстве и культуре. Подобное моделирование было неизвестно в древнем мире вплоть до эллинистической эпохи Греции, и поэтому я подумал, что наверняка была допущена некоторая ошибка; что эти фигуры попали на уровни примерно на 3000 лет старше, чем те, к которым они принадлежали ... Теперь, в этих статуэтках, именно анатомическая истина поражает; Это заставляет нас задаться вопросом, могли ли скульпторы далекой эпохи с берегов Инда предвосхитить греческое искусство в этом важнейшем деле. ^[33]

Эти статуэтки остаются спорными из-за их передовой техники. Что касается туловища из красной яшмы, то первооткрыватель Ватс утверждает, что это Хараппа, но Маршалл счел, что эта статуэтка, вероятно, историческая, относящаяся к периоду Гупта , сравнивая ее с гораздо более поздним туловищем Лоханипура . ^{[34] [35]} Вторая довольно похожая статуэтка танцующего мужчины из серого камня была также найдена примерно в 150 метрах от безопасного слоя зрелых хараппанцев. В целом, антрополог Грегори Поссель склонен считать, что эти статуэтки, вероятно, являются вершиной искусства Инда в период зрелого Хараппа. ^[34]

В Мохенджо-даро были найдены печати, изображающие фигуру, стоящую на голове, и еще одну, сидящую, скрестив ноги, в позе, которую некоторые называют йогой, такой как так называемая поза Пашупати . Эта фигура была идентифицирована по-разному. Сэр Джон Маршалл определил сходство с индуистским богом Шивой . ^[36] Если это будет подтверждено, это будет свидетельством того, что некоторые аспекты индуизма предшествуют самым ранним текстам, Ведам . ^{[ необходима цитата ]}

• Церемониальный сосуд; 2600-2450 гг. До н.э .; терракота с черной краской; 49,53 × 25,4 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)

• Штемпельная печать и современный оттиск: единорог и курильница (?); 2600-1900 гг. До н.э .; обожженный стеатит ; 3,8 × 3,8 × 1 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Жрец-Король ; 2400–1900 гг. До н. Э .; стеатит слабого обжига; высота: 17,5 см; Национальный музей Пакистана ( Карачи )

• Мужской танцующий торс; 2400-1900 гг. До н.э .; известняк; высота: 9,9 см; Национальный музей ( Нью-Дели , Индия)

Древний Китай [ править ]

Во время китайского бронзового века (династии Шан и Чжоу ) придворные ходатайства и общение с миром духов проводились шаманом (возможно, самим королем). В династии Шан (ок. 1600–1050 до н. Э.) Верховным божеством был Шангди , но аристократические семьи предпочитали контактировать с духами своих предков. Они готовили для них изысканные трапезы с едой и напитками, нагревали и подавали в бронзовых ритуальных сосудах.. Бронзовые сосуды использовались в религиозных ритуалах, чтобы укрепить авторитет Дханга, и когда столица Шан пала примерно в 1050 г. до н.э., его завоеватели, Чжоу (ок. 1050–156 до н. Э.), Продолжали использовать эти сосуды в религиозных ритуалах, но в основном для еды. а не пить. Суд Шан был обвинен в чрезмерном пьянстве, а Чжоу, продвигая имперский Тянь («Небеса») как главную духовную силу, а не предков, ограничивали вино в религиозных обрядах в пользу еды. Использование ритуальной бронзы продолжалось в раннюю династию Хань (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.).

Одним из наиболее часто используемых мотивов был таоти , стилизованное лицо, разделенное по центру на две почти зеркальные половины, с ноздрями, глазами, бровями, челюстями, щеками и рогами, окруженными резными узорами. Невозможно определить, представляли ли даоты реальных, мифологических или полностью вымышленных существ.

Загадочные изделия из бронзы в Саньсиндуи , недалеко от Гуанхана (в провинции Сычуань ), являются свидетельством таинственной религиозной системы жертвоприношений, не похожей ни на что другое в древнем Китае, и сильно отличающейся от искусства современного Шан в Аньяне . В ходе раскопок в Саньсиндуи с 1986 года было обнаружено 4 ямы, содержащих артефакты из бронзы , нефрита и золота . Там была найдена большая бронзовая статуя человеческой фигуры, стоящая на постаменте, украшенном абстрактными головами слона. Помимо стоящей фигуры, первые 2 ямы содержали более 50 бронзовых голов, некоторые в головных уборах и 3 с фронтальным покрытием из сусального золота..

• Стоящая статуя короля и вождя шаманов; c. 1200–1000 гг. До н.э .; вероятно бронза; общая высота: 2,62 м; Музей Саньсиндуи ( Гуанхань , провинция Сычуань , Китай)

• Houmuwu ding , самая большая древняя бронза из когда-либо найденных; 1300–1046 гг. До н.э .; бронза; Национальный музей Китая (Пекин)

• Алтарь; конец 11 века до нашей эры; бронза; габарит (стол): высота: 18,1 см, ширина: 46,4 см, глубина: 89,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Один из воинов Терракотовой армии , знаменитая коллекция терракотовых скульптур, изображающих армии Цинь Шихуана , первого императора Китая.

Греческий [ править ]

Даже в древности искусство Греции признавалось другими культурами как выдающееся. Латинский поэт Гораций , писавший в эпоху римского императора Августа (1 век до н.э. - 1 век нашей эры), как известно, заметил, что, хотя и побеждена на поле битвы, «плененная Греция победила своего дикого завоевателя и принесла искусство в деревенский Рим». Сила греческого искусства заключается в том, что оно изображает человеческую фигуру и сосредотачивается на людях и антропоморфных богах как главных предметах. В классический период(V-IV вв. До н.э.), реализм и идеализм были тонко сбалансированы. Для сравнения, работы более ранних геометрических (9-8 вв. До н.э.) и архаических (7-6 вв. До н.э.) эпох иногда кажутся примитивными, но у этих художников были разные цели: натуралистическое изображение не обязательно было их целью. Ценители римского искусства коллекционировали древнегреческие оригиналы, римские копии греческого искусства или недавно созданные картины и скульптуры, выполненные в различных греческих стилях, таким образом сохраняя для потомков произведения искусства, которые иначе были бы утеряны. Настенные и панно, скульптуры и мозаики украшали общественные пространства и зажиточные частные дома. Греческие изображения также появлялись на римских украшениях, сосудах из золота, серебра, бронзы и терракоты и даже на оружии и торговых грузах. С эпохи Возрожденияискусство Древней Греции, переданное через Римскую империю , послужило основой западного искусства. ^[37]

Доклассический [ править ]

Греческие и этрусские художники опирались на художественные основы Египта, развивая искусство скульптуры, живописи, архитектуры и керамики. Греческое искусство началось как меньше и проще, чем египетское искусство, и влияние египетского искусства на греков началось на Кикладских островах между 3300 и 3200 годами до нашей эры. Кикладские статуи были простыми, без черт лица, кроме носа.

• Арфистка , самое культовое произведение искусства Киклад ; 2750-2200 до н.э .; мрамор; высота: 29,5 см; говорят, что он из Кероса ( Киклады ); Национальный археологический музей ( Афины )

• Женская кикладская фигурка; 2700–2600 гг. До н. Э .; мрамор; высота: 37,1 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Камарес посуду кувшин с клювом; 1850–1675 гг. До н.э .; керамический; высота: 27 см; из Феста ( Крит , Греция); Археологический музей Ираклиона (Греция)

• « Маска Агамемнона» , самое культовое произведение микенского искусства; 1675-1600 гг. До н.э .; золото; высота: 25 см, ширина: 27 см, вес: 169 г; Национальный археологический музей (Афины)

• Минойская фреска назвал таврокатапсия Fresco ; 1675-1460 гг. До н.э .; известковая штукатурка; высота: 0,8 м, ширина: 1 м; из Кносского дворца (Крит); Археологический музей Ираклиона

• Минойская богиня змей ; 1460-1410 гг. До н.э. (из минойского нео-дворцового периода); фаянс ; высота: 29,5 см; из Храмового хранилища в Кноссе; Археологический музей Ираклиона

• Три микенские женские фигуры; 1400-1300 гг. До н.э .; терракота; рост: 10,8 см, 10,8 см и 10,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Микенское ожерелье; 1400-1050 гг. До н.э .; позолоченная терракота; диаметр розеток: 2,7 см, с вариациями около 0,1 см, длина кулона 3,7 см; Метрополитен-музей

Геометрический [ править ]

После краха микенского общества возник стиль греческого искусства, который ясно иллюстрирует разрыв в культуре и искусстве между бронзовым веком и последующим железным веком . Protogeometric (около 1050-900 до н.э.) и последующий геометрического (около 900-700 до н.э.) стили характеризуются их абсолютной простотой отделки, как и старые цветочные и морские мотивы были заменены абстрактными узорами. В новых стилях узор был строго применен к форме, каждый декоративный элемент подчинялся целому, но усиливал его. Поверхности были украшены треугольниками, линиями и полукругами и концентрическими кругами, сделанными с помощью множественной кисти, прикрепленной к циркулю. Меандр (греческий ключ) шаблонбыли популярны, как и шахматные доски, бриллианты, шевроны и звезды. Геометрические фигуры, нарисованные или вылепленные, соответствуют абстрактной эстетике. Несмотря на то, что они имеют узнаваемые формы, люди и животные состоят из комбинации кругов, треугольников и прямоугольников, а не из органических, реалистичных форм. ^[38]

• Кратер с крышкой, увенчанной небольшой гидрией ; 750-740 гг. До н.э .; терракота; высота: 114,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Кратер; 750-735 гг. До н.э .; терракота; высота: 108,3 см, диаметр: 72,4 см; Метрополитен-музей

• Статуэтка лошади; 750-700 гг. До н.э .; бронза; габаритные: 11,5 × 10 × 2,6 см; Кливлендский музей искусств ( Кливленд , Огайо , США)

• Статуэтка лошади; около 740 г. до н.э .; бронза; высота: 6,5 см; Лувр

Классический и эллинистический [ править ]

Человеческая фигура оставалась самым значительным изображением в греческой скульптуре классического периода (V-IV вв. До н.э.). Художники стремились уравновесить идеализированную красоту тела и все более реалистичную анатомию, имитируя природу, точно передавая связки, мускулатуру и изгибы человеческого тела. ^[39]

• На призе амфорных Юфилтос Пейнтера Panathenaic ; около 530 г. до н.э .; крашеная терракота; высота: 62,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Artemision бронза ; 460-450 гг. До н.э .; бронза; высота: 2,1 м; Национальный археологический музей ( Афины )

• Парфенон на афинском Акрополе , наиболее знаковых дорический греческий храм , построенный из мрамора и известняка между около 460-406 г. до н.э., посвященный богине Афине ^[40]

• Зеркало с подставкой в ​​виде драпированной женщины; середина V века до нашей эры; бронза; высота: 40,41 см; Метрополитен-музей

• Чашечник- кратер ; 400–375 гг. До н. Э .; керамический; высота: 27,9 см, диаметр: 28,6 см; из Фив (Греция); Лувр

• Граве рельеф Трэшос и Euandria ; 375–350 гг. До н.э .; Пентелийский мрамор ; высота: 160 см, ширина: 91 см; Пергамский музей ( Берлин )

• Спиральный кратер; 320–310 гг. До н. Э .; керамический; высота: 1,1 м; Художественный музей Уолтерса ( Балтимор , США)

• Статуэтка драпированной женщины; 2 век до нашей эры; терракота; высота: 29,2 см; Метрополитен-музей

• Венера Милосская ; 130–100 гг. До н. Э .; мрамор; высота: 203 см (80 дюймов); Лувр

• Лаокоон и его сыновья ; начало первого века до нашей эры; мрамор; высота: 2,4 м; Музеи Ватикана ( Ватикан )

• Мозаика, представляющая Богоявление Диониса ; 2 век нашей эры; с виллы Диониса ( Дион, Греция ); Археологический музей Диона

• Иллюстрации образцов древнегреческих орнаментов и узоров, нарисованные в 1874 г.

Финикийский [ править ]

Финикийскому искусству не хватает уникальных характеристик, которые могли бы отличить его от современников. Это связано с тем, что он находится под сильным влиянием иностранных художественных культур: в первую очередь Египта , Греции и Ассирии . Финикийцы, получившие образование на берегах Нила и Евфрата, приобрели обширный художественный опыт и, наконец, пришли к созданию своего собственного искусства, которое представляло собой смесь иностранных моделей и перспектив. ^[41] В статье из New York Times, опубликованной 5 января 1879 г., финикийское искусство описывалось следующим образом:

Он участвовал в трудах других людей и максимально использовал свое наследие. Сфинкс Египта стал азиатский , и его новая форма была пересаживают в Ниневии с одной стороны , и в Греции , с другой стороны . Розетки и другие узоры вавилонских цилиндров были введены в дело рук Финикии и прошли на Запад, в то время как герой древнего халдейского эпоса стал первым Tyrian Мелькартой , а затем Геракл из Эллады .

• Декоративная доска с изображением битвы человека и грифона ; 900–800 до н.э .; Слоновая кость Нимруда ; Кливлендский музей искусств ( Огайо , США)

• Маска; 4 век до нашей эры; найден в могиле в Сан-Сперате ( Сардиния , Италия); Национальный археологический музей Кальяри ( Кальяри , Сардиния, Италия)

• Бусинка лицевая; середина IV – III вв. до н. э .; стекло; высота: 2,7 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Серьги из пары, каждая с четырьмя рельефными гранями; конец IV – III вв. до н. э .; золото; габаритные: 3,5 × 0,6 см; Метрополитен-музей

Этрусский [ править ]

Этрусское искусство было создано этрусской цивилизацией в центральной Италии между IX и II веками до нашей эры. Примерно с 600 г. до н.э. он находился под сильным влиянием греческого искусства , которое было импортировано этрусками, но всегда сохраняло отличительные черты. Особенно сильными в этой традиции были фигурная скульптура из терракоты (особенно в натуральную величину на саркофагах или храмах), настенная живопись и обработка металла, особенно из бронзы. Изготовлены украшения и драгоценные камни с гравировкой высокого качества. ^[42]

Этрусская скульптура из литой бронзы была известна и широко экспортировалась, но сохранилось относительно немного крупных экземпляров (материал был слишком ценным и был переработан позже). В отличие от терракоты и бронзы, этрусских скульптур в камне было относительно мало, несмотря на то, что этруски контролировали прекрасные источники мрамора, включая каррарский мрамор , который, кажется, не использовался до римлян .

Подавляющее большинство уцелевших вещей происходило из гробниц, которые обычно были забиты саркофагами и инвентарем , а также терракотовыми фрагментами архитектурных скульптур, в основном вокруг храмов. В гробницах есть все фрески , на которых изображены сцены пира и некоторые сюжеты мифологической истории.

• Монтелеоне колесница ; 2-я четверть VI века до нашей эры; бронза и слоновая кость; общая высота: 130,9 см, длина шеста: 209 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Саркофаг супругов ; 530–520 гг. До н. Э .; терракота ; 111 × 194 × 69 см; Лувр

• Кувшин для воды с Гераклом и Гидрой ; около 525 г. до н.э .; чернофигурная керамика ; высота: 44,5 см, диаметр: 33,8 см; Вилла Гетти ( Калифорния , США)

• Аполлон Вейский ; c. 510 г. до н. Э .; крашеная терракота; высота: 1,81 м; Национальный этрусский музей ( Рим )

• Фреска с танцорами и музыкантами; c. 475 г. до н.э .; фреска секко; высота (стены); 1,7 м; Могила леопардов ( некрополь Монтероцци , Лацио , Италия)

• Вульчи набор ювелирных изделий ; начало 5 века; золото, стекло, горный хрусталь, агат и сердолик ; различные размеры; Метрополитен-музей

• Основание штатива для тимиатериона (курильницы) ; 475–450 гг. До н. Э .; бронза; высота: 11 см; Метрополитен-музей

• Серьга в виде дельфина; 5 век до нашей эры; золото; 2,1 × 1,4 × 4,9 см; Метрополитен-музей

Дакиан [ править ]

Искусство даков - это искусство, связанное с народами, известными как даки или северные фракийцы (геты) ; Даки создали художественный стиль, в котором прослеживается влияние скифов и греков. Они были высококвалифицированными в обработке золота и серебра, а также в гончарном деле. Керамика была белой с красными украшениями с цветочными, геометрическими и стилизованными мотивами животных. Подобные украшения были выполнены из металла, особенно фигура лошади, которая была обычна на дакийских монетах. ^[43] Сегодня большая коллекция дачических шедевров находится в Национальном музее истории Румынии ( Бухарест ), одним из самых известных является Шлем Кочофенешти .

Гето-даки жили на очень большой территории, простирающейся от Балкан до северных Карпат и от Черного моря и реки Тирас до Тисской равнины, иногда даже до Среднего Дуная . ^[44] Между 15 и 12 веками культура даков-гетов находилась под влиянием курганов бронзового века - воинов урнфилдов . ^[45]

• Браслет; V-IV вв. До н. Э .; золото; Национальный исторический музей Румынии ( Бухарест , Румыния)

• Шлем Coţofeneşti ; 4 век до нашей эры; Национальный исторический музей Румынии

• Ритон ; IV-III вв. До н.э .; возможно из золота и серебра; Национальный исторический музей Румынии

• Шлем Перету ; 310–290 гг. До н. Э .; позолоченное серебро; из Перету ( графство Телеорман , Румыния); Национальный исторический музей Румынии

Доримский иберийский [ править ]

Доримское иберийское искусство относится к стилям, разработанным иберами с бронзового века до римского завоевания . По этой причине его иногда называют «иберийским искусством».

Почти все дошедшие до нас произведения иберийской скульптуры явно отражают греческие и финикийские влияния, а также ассирийские , хеттские и египетские влияния, от которых они произошли; все же у них есть свой уникальный характер. В рамках этого сложного стилистического наследия отдельные работы могут быть помещены в спектр влияний - некоторые из них имеют более очевидное финикийское происхождение, а некоторые настолько похожи на греческие произведения, что они могли быть напрямую импортированы из этого региона. В целом степень влияния коррелирует с регионом происхождения произведения, и поэтому они классифицируются на группы на этом основании.

• Bicha из Баласота ; 6 век до нашей эры; вырезан из двух блоков известняка ; высота: 73 см; Национальный археологический музей Испании (Мадрид)

• Дама из Эльче ; c. 450 г. до н.э .; известняк ; Национальный археологический музей Испании

• Лев от Нуэва Carteya ; 4 век до нашей эры; известняк; высота: 60 ​​см; Археологический и этнологический музей Кордовы (Испания)

• Фигурка стоящего мужчины; III-II века до нашей эры; литая бронза; высота: 6,8 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)

Хетты [ править ]

Хеттское искусство было создано хеттской цивилизацией в древней Анатолии , в современной Турции , а также простиралось до Сирии в течение второго тысячелетия до нашей эры с девятнадцатого века до двенадцатого века до нашей эры. Этот период попадает под анатолийский бронзовый век . Для него характерна давняя традиция канонизированных образов и мотивов, перестраиваемых, но при этом узнаваемых, художниками, чтобы донести смысл до в значительной степени неграмотного населения:

Из-за ограниченного словаря фигуральных типов [и мотивов] изобретение хеттского художника обычно сводилось к объединению единиц и манипулированию ими для формирования более сложных композиций. ^[46]

Многие из этих повторяющихся изображений вращаются вокруг изображения хеттских божеств и ритуальных практик . Также преобладают сцены охоты в хеттских рельефах и изображениях животных. Большая часть произведений искусства происходит из таких поселений, как Алаца Хёюк или хеттской столицы Хаттуса недалеко от современного Богазкале . Ученые действительно испытывают трудности с датированием значительной части хеттского искусства, ссылаясь на тот факт, что там нет надписей, а большая часть найденного материала, особенно из мест захоронения, была перемещена с их первоначальных мест и распределена между музеями в девятнадцатом веке.

• Поилка в форме кулака; 1400-1380 гг. До н.э .; серебро; из Центральной Турции; Музей изящных искусств ( Бостон , США)

• Сосуд, оканчивающийся носовой частью оленя; c. 14–13 вв. До н. Э .; серебро с золотой инкрустацией; высота: 18 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Печать Таркаснавы , царя Миры ; около 1220 г. до н.э .; серебро; высота: 1 см, диаметр: 4,2 см; Художественный музей Уолтерса ( Балтимор , США)

• Три рельефа из Археологического музея Аданы (Турция)

Бактриан [ править ]

Бактрия-Маргиана археологический комплекс (ака Окс цивилизации) является современным археологическим обозначением для бронзового века цивилизации в Центральной Азии , от -с. 2300–1700 гг. До н.э., на территории современного северного Афганистана , восточного Туркменистана , южного Узбекистана и западного Таджикистана , с центром в верховьях Амударьи (река Оксус). Его памятники были открыты и названы советским археологом Виктором Сарианиди (1976). ^{[ необходима цитата ]}Были обнаружены монументальные городские центры, дворцы и культовые сооружения, особенно в Гонур-депе в Туркменистане.

Материалы BMAC были обнаружены в цивилизации долины Инда , на Иранском плато и в Персидском заливе . ^[47] Находки на сайтах BMAC служат дополнительным свидетельством торговых и культурных контактов. Среди них цилиндрическая печать эламитского типа и хараппанская печать со слоном и индским письмом, найденное на Гонур-депе. ^[48] Отношения между Алтын-Депе и долиной Инда, кажется, были особенно крепкими. Среди находок были две харапские печати и предметы из слоновой кости. Хараппанское поселение Шортугай в Северном Афганистане на берегу рекиАмударья, вероятно, служила торговой станцией. ^[49]

Известным типом бактрийских произведений искусства являются «Бактрийские принцессы» (также известные как «дамы Оксуса»). В больших стилизованных платьях с рукавами-фонариками, а также в головных уборах, сливающихся с волосами, они олицетворяют высокопоставленную богиню, персонаж среднеазиатской мифологии, которая играет регулирующую роль, умиротворяя необузданные силы. Эти статуэтки созданы путем комбинирования и сборки материалов контрастных цветов. Предпочтительными материалами являются хлорит (или аналогичные темно-зеленые камни), беловатый известняк или крапчатый алебастр или морские раковины из Индийского океана . ^[50] Различные элементы тела и костюма были вырезаны отдельно и соединены, как в головоломке, с помощью шипа и пазового клея.

• Топор с орлиным демоном и животными; конец 3-го тысячелетия - начало 2-го тысячелетия до нашей эры; позолоченное серебро ; длина: 15 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Фигурка верблюда; конец 3 - начало 2 тыс. до н. э .; медный сплав; 8,89 см; Метрополитен-музей

• Чудовищная мужская фигура; конец 3 - начало 2 тыс. до н. э .; хлорит , кальцит , золото и железо; высота: 10,1 см; Метрополитен-музей

• Женская фигурка типа "Бактрийская царевна"; 2500–1500 до н.э .; хлорит (платье и головной убор) и известняк (голова, руки и нога); высота: 13,33 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)

Кельтский [ править ]

Кельтское искусство связано с народами, известными как кельты ; те, кто говорил на кельтских языках в Европе с доисторических времен до наших дней. Это также относится к искусству древних народов, чей язык неопределен, но имеет культурное и стилистическое сходство с носителями кельтских языков.

Кельтское искусство - это трудный термин для определения, охватывающий огромное пространство времени, географии и культур. Артистическая преемственность в Европе была доказана начиная с бронзового века и даже с предшествующего неолита ; однако археологи обычно используют слово «кельтский» для обозначения культуры европейского железного века примерно с 1000 г. до н.э., до завоевания Римской империей большей части территории, о которой идет речь, а историки искусства обычно начинают говорить только о «кельтском искусстве». начиная с периода Ла Тена (примерно с 5-го по 1-й века до нашей эры) и далее. ^[51] Раннее кельтское искусство - еще один термин, используемый для этого периода, простирающийся в Британии примерно до 150 г. н.э. ^[52]Раннесредневековое искусство Британии и Ирландии, в результате которого была создана Келлская книга и другие шедевры, и является тем, что «кельтское искусство» вызывает у большей части широкой публики в англоязычном мире, в истории искусства называется островным искусством. Это наиболее известная часть, но не все кельтское искусство раннего средневековья, которое также включает пиктское искусство Шотландии. ^[53]

• Шлем Амфревиль ; от латенской культуры ; конец 4 века до нашей эры; бронза, железо, сусальное золото и эмаль; высота: 21,4 см; Национальный археологический музей Франции ( Сен-Жермен-ан-Ле , Франция)

• Деталь щита Баттерси ; С 4 по 3 век до н.э .; медный сплав и эманель; высота: 77,5 см; Британский музей (Лондон)

• Zehrovice Руководитель Mšecké ; 150-50 гг. До н. Э .; мергель ; высота: 23,4 см, ширина: 17,4 см; Национальный музей Чехии ( Прага )

• Зеркало Десборо ; 20 г. до н.э. - 20 г. н.э .; медный сплав; высота (с ручкой): 35 см; британский музей

Ахеменид [ править ]

Искусство Ахеменидов включает в себя фризовые рельефы, изделия из металла, украшение дворцов, кладку из глазурованного кирпича, тонкое мастерство (кладка, столярные изделия и т. Д.) И садоводство. Большинство пережитков придворного искусства - это монументальные скульптуры, прежде всего рельефы , персидские капители колонн с двумя головами животных и другие скульптуры Персеполя . ^[54]

Хотя персы брали художников с их стилями и техниками из всех уголков своей империи, они создали не просто сочетание стилей, но синтез нового уникального персидского стиля. ^{[55] [56]} Кир Великий фактически имел обширное древнеиранское наследие; богатая работа с ахеменидским золотом, которая, как предполагают надписи, могла быть специальностью мидийцев , была, например, в традициях более ранних мест.

Существует ряд очень тонких украшений или инкрустаций из драгоценных металлов, также в основном с изображениями животных, и сокровище Oxus имеет широкий выбор типов. Небольшие предметы, обычно из золота, пришивались к одежде элитой, и сохранилось несколько золотых факелов . ^[54]

• Рельеф из Персеполя ( Иран ), изображающий людей, несущих миски и амфоры.

• Фриз лучников; c. 510 г. до н. Э .; кирпичи; из дворца Дария в Сузах ; Лувр

• Золотой браслет, часть Сокровища Оксуса ; 5-4 века до нашей эры; золото; ширина: 11,6 см; Британский музей (Лондон)

• Столбец капитель; 5-4 века до нашей эры; камень; высота: 1,75 м; из Персеполя ; Национальный музей Ирана ( Тегеран )

Рим [ править ]

Римское искусство иногда рассматривается как производное от греческих прецедентов, но оно также имеет свои отличительные особенности. Римская скульптура часто менее идеализирована, чем греческие прецеденты, будучи очень реалистичной. В римской архитектуре часто использовался бетон , и были изобретены такие элементы, как круглая арка и купол . Роскошные предметы из металла , гравировки драгоценных камней , резьбы по слоновой кости и стекла иногда рассматриваются в современных терминах как второстепенные формы римского искусства ^[57], хотя это не обязательно было так для современников.

На римское искусство повлияло взаимодействие национального государства с другими людьми, такими как древняя Иудея . Главный памятник - Арка Тита , воздвигнутая императором Титом . Сцены разграбления римлянами еврейского храма в Иерусалиме изображены на барельефах по периметру арки.

Древнеримская керамика не была предметом роскоши, но огромное количество произведений «изящных изделий» в terra sigillata было украшено рельефами, отражающими новейший вкус, и обеспечило большую группу общества стильными предметами по, очевидно, доступной цене. Римские монеты были важным средством пропаганды и сохранились в огромных количествах.

• Бронзовая статуэтка философа на лампе; конец I века до нашей эры; бронза; общая: 27,3 см; вес: 2,9 кг; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Август Прима Порта ; около 20 г. до н. э .; белый мрамор ; высота: 2,06 м; Музеи Ватикана ( Ватикан )

• Реставрация фрески спальни старинной виллы; 50-40 гг. До н. Э .; размеры помещения: 265,4 × 334 × 583,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Алтарь с фестонами ; около 50 г. н.э .; мрамор; высота: 99,5 см, ширина: 61,5 см, глубина: 47 см; Лувр

• Помощь преторианцам ; около 51–52; мрамор; 163 × 134 × 28 см; Лувр-Ланс ( Ланс , Франция)

• Чашечка-кратер с рельефами девушек и танцующих менад; 1 век нашей эры; Пентелийский мрамор ; высота: 80,7 см; Метрополитен-музей

• Панорамный вид на Пантеон (Рим), построенный между 113 и 125 годами.

• Голова богини в диадеме ; 1-2 века; мрамор; высота: 23 см; Метрополитен-музей

• Диван и табурет; 1–2 века нашей эры; дерево, кость и стекло; диван: 105,4 × 76,2 × 214,6 см; Метрополитен-музей

• Саркофаг с Аполлоном , Минервой и музами ; около 200 г. н.э .; от Виа Аппиа ; Antikensammlung Берлин (Берлин)

• Морская мозаика (центральное панно из трех панелей от пола); 200–230; мозаика (каменные и стеклянные тессеры); высота: 2915 мм, ширина: 2870 мм; Музей изящных искусств ( Бостон , США)

• Тесей Мозаика ; 300–400; мраморная и известняковая галька; 4,1 × 4,2 м; Художественно-исторический музей ( Вена , Австрия)

Ольмеки [ править ]

Ольмеки были самой ранней известной крупной цивилизацией в Мезоамерике после прогрессивного развития в Соконуско . Ольмеки - первая, разработанная как доколумбовая цивилизация Мезоамерики (ок. 1200–400 до н. Э.), Которая, как считается, установила многие из фундаментальных моделей, проявленных более поздними культурами американских индейцев Мексики и Центральной Америки, в частности Майя и ацтеки.

Они жили в тропических низинах на юге центральной части Мексики, в современных штатах Веракрус и Табаско . Было высказано предположение, что ольмеки частично происходят из соседних Мокая или Миксе-Зоке . Ольмеки процветала в течение Мезоамерики «s формирующего периода , начиная примерно с еще в 1500 г. до н.э. до 400 г. до н. Доольмекские культуры процветали в этом районе примерно с 2500 г. до н.э., но к 1600–1500 гг. До н.э. возникла ранняя культура ольмеков, сосредоточенная на месте Сан-Лоренцо Теночтитлан недалеко от побережья на юго-востоке Веракруса. ^[58] Они были первой мезоамериканской цивилизацией и заложили многие основы для последующих цивилизаций.

Культура ольмеков сначала была определена как художественный стиль, и он продолжает оставаться отличительной чертой культуры. ^[59] Выполнено в большом количестве материалов - нефрите, глине, базальте и зеленом камне среди других - большая часть ольмекского искусства, такого как Рестлер , носит натуралистический характер. Другое искусство изображает фантастических антропоморфных существ, часто сильно стилизованных, с использованием иконографии, отражающей религиозный смысл. ^[60] Общие мотивы включают в себя опущенные рты и расщелину головы, которые можно увидеть на изображениях оборотней-ягуаров . ^[59]

• Колоссальная голова № 1 Сан-Лоренцо , 1200–900 гг. До н.э., 2,9 метра (9 футов 6 дюймов) в высоту и 2,1 метра (6 футов 11 дюймов) в ширину. Исторический человек, вероятно, лидер ольмеков, изображен на этой монументальной скульптуре, найденной в Сан-Лоренцо (в Табаско , Мексика ), главном центре ольмеков.

• Сидящая статуэтка; 12–9 века до н.э .; крашеная керамика; высота: 34 см, ширина: 31,8 см, глубина: 14,6 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Сосуд в форме птицы; 12–9 века до н.э .; керамика с красной охрой ; высота: 16,5 см; Метрополитен-музей

• Кунц топор ; 1200–400 гг. До н. Э .; шлифованный зеленый кварц ( авантюрин ); высота: 29 см, ширина: 13,5 см; Британский музей (Лондон)

Ближний Восток [ править ]

Доисламская Аравия [ править ]

Искусство доисламской Аравии связано с искусством соседних культур. Доисламский Йемен производил стилизованные алебастровые головы с большим эстетическим и историческим шармом. Большинство доисламских скульптур выполнено из алебастра .

Археология выявила некоторые ранние оседлые цивилизации в Саудовской Аравии : цивилизация Дильмун на востоке Аравийского полуострова, Тамуд к северу от Хиджаза , а также королевство Кинда и цивилизация Аль-Магар в центральной части Аравийского полуострова. Самые ранние известные события в арабской истории - это миграции с полуострова в соседние районы. ^[61] В древности роль южноаравийских обществ, таких как Саба ( Шеба ), в производстве ароматических углеводородов и торговле ими не только принесла этим королевствам богатство, но и связала Аравийский полуостров. в торговые сети, что привело к широкому художественному влиянию.

Кажется вероятным, что примерно до 4000 г. до н.э. аравийский климат был несколько более влажным, чем сегодня, благодаря системе муссонов, которая с тех пор сместилась на юг. ^{[ необходима цитата ]} В конце четвертого тысячелетия до нашей эры начали появляться постоянные поселения, и жители приспосабливались к новым условиям суши. На юго-западе Аравии (современный Йемен ) более влажный климат поддерживал несколько королевств во втором и первом тысячелетиях до нашей эры. Наиболее Famos из них Sheba , царство библейской царицы Савской . Эти общества использовали сочетание торговли специями и природных ресурсов региона, включая ароматические вещества, такие как ладан и мирра, для построения богатых королевств. Мариб, столица Сабея , имела хорошие возможности для торговли со Средиземным морем, а также с Ближним Востоком, а в королевствах на востоке, на территории современного Омана , были возможны торговые связи с Месопотамией , Персией и даже Индией. Этот регион никогда не был частью Ассирийской или Персидской империй , и даже вавилонский контроль над северо-западной Аравией, кажется, был относительно недолгим. Позже попытки Романа контролировать прибыльную торговлю в регионе провалились. Эта непроницаемость для иностранных армий, несомненно, увеличивала переговорную силу древних правителей в торговле пряностями и благовониями.

Несмотря на внешние влияния, Южная Аравия сохранила свои особенности. Человеческая фигура, как правило, основана на сильных квадратных формах, тонкое моделирование деталей контрастирует со стилизованной простотой формы.

• Стела мужчины в перевязи ; 4 тысячелетие до нашей эры; песчаник; высота: 92 см; из Алулы ( Саудовская Аравия ); на временной выставке в Национальном музее Кореи ( Сеул ) «Дороги Аравии: археологические сокровища Саудовской Аравии»

• Стоящая женская фигура в ремне и колье; 3–2 тыс. До н. Э .; песчаник и кварцит ; высота: 27,5 см, ширина: 14,3 см, глубина: 14,3 см; из Мареба ( Йемен ); Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Курильница; середина I тысячелетия до нашей эры; бронза; высота: 27,6 см, ширина: 23,7 см; глубина: 23,3 см; из Юго-Западной Аравии; Метрополитен-музей

• Южноаравийская голова; 300–1 гг. До н. Э .; алебастр; высота: 20,5 см, длина: 11 см, глубина: 8,5 см; Лувр

• Украшенная капитель колонны из королевского дворца Шабва ; стратиграфический контекст: первая половина III в. до н.э .; Национальный музей Йемена ( Аден )

• Погребальная стела; 1–3 вв. Н.э .; алебастр; высота: 55 см, ширина: 29 см, глубина: 8 см; Лувр

• Горелка для духов с горным козлом; 1–3 века нашей эры; известняк; из Йемена ; высота: 30 см, ширина: 24 см, глубина: 24 см; Лувр

• Бахрейнская фигуративная погребальная стела; примерно 2-3 века; павильон Бахрейна ЭКСПО 2015 ( Милан , Италия)

Исламский [ править ]

Некоторые ветви ислама запрещают изображение людей и других живых существ, поскольку их можно неправильно использовать как идолов. Таким образом, религиозные идеи часто выражаются в геометрических рисунках и каллиграфии . Тем не менее, есть много исламских картин, которые отображают религиозные темы и сцены историй, общих для трех авраамических монотеистических религий: ислама , христианства и иудаизма .

Влияние китайской керамики следует рассматривать в более широком контексте значительного значения китайской культуры для исламского искусства в целом. ^[62] Изник керамик (названный в честь Изника , города из Турции ) является одним из лучших известных типов исламской керамики. Его знаменитая комбинация синего и белого является результатом того османского двора в Стамбуле, который высоко ценил китайский бело-голубой фарфор .

• Страница рукописи; 950–1000; бумага, тушь, золото, акварель и кожа; высота: 55 см, ширина: 38 см; Коллекция Аль-Сабах ( Кувейт )

• Коробка с куфической надписью на крышке, предлагающей пожелания и дату; 966; резная слоновая кость и гравированное серебро; Лувр

• Мангал; вторая половина 13 века; латунь, литая, чеканная, инкрустированная серебром и черным компаундом; высота: 35,2 см, ширина: 39,4 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Светильник мечети; вскоре после 1285 г .; эмалированное и позолоченное стекло; высота: 26,4 см; Метрополитен-музей

• Михраб (молитвенная ниша); 1354–1355; мозаика из полихромной глазурованной резной плитки по массе каменной пасты, вделанной в раствор; 343,1 × 288,7 см, вес: 2041,2 кг; из Исфахана ( Иран ); Метрополитен-музей

• Персидская миниатюра из Mi'raj Пророка по Султану Мухаммеду , показывая китаец влияния облаков и ангел; 1539–1543; бумага, гуашь, тушь; высота: 28,7 см; Британская библиотека (Лондон)

• Блюдо изник ; 16-ый век; паста для камня, полихромная роспись под прозрачной глазурью; высота: 6 см, диаметр: 27,9 см; Метрополитен-музей

• Ковер; 17-го века; хлопок (основа и уток) и шерсть (ворс), ворс несимметрично завязанный; длина: 247,65 см, ширина: 142,87 см; Метрополитен-музей

Сибирско-эскимосский [ править ]

Искусство эскимосов из Сибири выполнено в том же стиле, что и искусство инуитов с Аляски и северной Канады. Это потому, что коренные американцы путешествовали через Сибирь на Аляску, а затем и в остальные части Америки. ^{[ необходима цитата ]}

На Дальнем Востоке России население Сибири составляет чуть более 40 миллионов человек. В результате русского завоевания Сибири в 17-19 веках и последующих перемещений населения в советское время в демографии Сибири сегодня преобладают носители русского языка . Остается значительное количество коренных народов , составляющих менее 10% от общей численности населения Сибири, которые также генетически связаны с коренными народами Северной и Южной Америки .

Америка [ править ]

История искусства в Америке начинается в доколумбовые времена с культур коренных народов . Историки искусства уделяли особое внимание Мезоамерике в эту раннюю эпоху, потому что здесь возник ряд многослойных культур, которые построили величественную архитектуру и создали предметы тонкой работы , сопоставимые с искусством Западной Европы.

Preclassic [ править ]

Художественная традиция мезоамериканцев началась с ольмеков около 1400 года до нашей эры, в доклассическую эпоху . Эти люди наиболее известны изготовлением колоссальных голов, а также резьбой из нефрита , возведением монументальной архитектуры, созданием небольших скульптур и созданием мозаичных полов. Двумя наиболее хорошо изученными с художественной точки зрения достопримечательностями являются Сан-Лоренцо Теночтитлан и Ла-Вента . После того, как культура ольмеков пришла в упадок, цивилизация майя стала заметной в регионе. Иногда описывается переходный эпи-ольмекский период, представляющий собой гибрид ольмеков и майя. Особенно хорошо изученным эпи-ольмекским памятником является Ла Мохарра., который включает иероглифические изображения, которые были частично расшифрованы.

Классический [ править ]

К концу доклассической эры, начиная примерно с 400 г. до н.э., культура ольмеков пришла в упадок, но процветали и центрально-мексиканские народы, и народы майя. На протяжении большей части классического периода в Центральной Мексике город Теотиуакан процветал, как и Шочикалько и Эль-Тажин . Эти места славились великолепной скульптурой и архитектурой. Другие центрально-мексиканские народы включали микстеков , сапотеков и людей из долины Оахака . Искусство майя было на пике в «классический» период - название, которое отражает классическую европейскую античность - и который начался примерно в 200 году нашей эры. Основные памятники майя этой эпохи включают Копан, где были вырезаны многочисленные стелы, и Киригуа, где расположены крупнейшие стелы Мезоамерики и зооморфные алтари. Была разработана сложная система письма , и иллюстрированные рукописи майя были выпущены в большом количестве на бумаге, сделанной из коры деревьев . Многие сайты «рухнули» около 1000 г. н.э.

Постклассический [ править ]

Во время испанского завоевания Юкатана в 16-17 веках майя все еще были могущественны, но многие общины отдали дань уважения обществу ацтеков . Последняя культура процветала и включала такие виды искусства , как скульптура, живопись и мозаика из перьев. Пожалуй, самым известным произведением ацтекского искусства является календарный камень , ставший национальным символом штата Мексика . Во время испанского завоевания Империи ацтеков многие из этих художественных объектов были отправлены в Европу, где они были помещены в шкафы для диковинок , а затем перераспределены в западные художественные музеи. Империя ацтеков базировалась в городеТеночтитлан, который был в значительной степени разрушен в колониальную эпоху. То, что от него осталось, было похоронено под Мехико . Несколько зданий, таких как фундамент Темпло Майор , с тех пор были обнаружены археологами, но они находятся в плохом состоянии.

Искусство в Америке [ править ]

Искусство в Америке с момента завоевания характеризуется смесью местных и иностранных традиций, в том числе европейских, африканских и азиатских поселенцев. После завоевания процветали многочисленные местные традиции. Например, индейцы Равнин создавали гусиные изделия , вышивки из бисера , зимние счета , бухгалтерские книги и типи в эпоху до резервации, а затем были ассимилированы в мир современного искусства через такие учреждения, как Индийская школа Санта-Фе, которая поощряла студентов разработать уникальный индейский стиль. Многие картины этой школы, которые теперь называются «Студийный стиль», выставлялись вМузей искусств Филбрука во время его ежегодного индийского ежегодного мероприятия, проводимого с 1946 по 1979 год

Ацтеки [ править ]

Происходя из самых простых кочевых групп «нецивилизованных» странников, ацтеки создали самую большую империю в истории Мезоамерики, просуществовавшей с 1427/1428 по 1521 год. Дань завоеванных государств предоставила экономические и художественные ресурсы для преобразования их столицы Теночтитлан (0ld Мехико ) в одно из чудес света. Художники со всей Мезоамерики создавали потрясающие произведения искусства для своих новых мастеров, создавая изящные золотые предметы личного украшения и грозные скульптуры свирепых богов.

Ацтеки вошли в долину Мексики (территория современного Мехико ) в 1325 году и в течение столетия взяли под свой контроль этот пышный регион, наполненный могущественными городами-государствами. Их сила была основана на непоколебимой вере в видение своего божества-покровителя Уицилопочтли , бога войны, и на их несравненной военной доблести.

Грандиозность ацтекского государства отражалась в поведении знати и воинов, отличившихся в сражениях. Их тонко сотканная и богато украшенная одежда подчеркивалась переливающимися перьями тропических птиц и декоративными украшениями из золота, серебра, полудрагоценных камней и редких ракушек.

Искусство ацтеков может быть прямым и драматичным или тонким и деликатным, в зависимости от функции произведения. Лучшие изделия, от монументальных скульптур до масок и золотых украшений, демонстрируют выдающееся мастерство и эстетическую изысканность. Эта же изощренность характеризует ацтекскую поэзию, славившуюся своей лирической красотой и духовной глубиной. Праздники ацтеков не обходились без соревновательного обмена словесным артистизмом между хорошо одетыми знатными гостями.

• Маска Шиутекутли; 1400–1521; древесина цедрела, бирюза, сосновая смола, перламутр, ракушка, киноварь ; высота: 16,8 см, ширина: 15,2 см; Британский музей (Лондон)

• Маска Тескатлипоки ; 1400–1521; бирюза, пирит , сосна , лигнит , человеческая кость, шкура оленя, раковины и агава ; высота: 19 см, ширина: 13,9 см, длина: 12,2 см; британский музей

• Двуглавый змей ; 1450–1521; в качестве клея используется древесина кедра ( Cedrela odorata ), бирюза , ракушка, следы позолоты и 2 смолы (сосновая смола и смола Bursera); высота: 20,3 см, ширина: 43,3 см, глубина: 5,9 см; британский музей

• Страница 12 Борбонского кодекса (на большой площади): Тескатлипока (ночь и судьба) и Кецалькоатль (пернатый змей); до 1500; лубяная бумага; высота: 38 см, длина всей рукописи: 142 см; Bibliothèque de l'Assemblée nationale (Париж)

• Ацтекский календарный камень ; 1502–1521; базальт ; диаметр: 358 см; толщина: 98 см; обнаружен 17 декабря 1790 года во время ремонта собора Мехико ; Национальный музей антропологии ( Мехико )

• Чучело сосуд тлалока ; 1440–1469; расписной фаянс; высота: 35 см; Museo del Templo Mayor (Мехико)

• Стоящая на коленях женская фигура; 15 - начало 16 века; крашеный камень; габаритные: 54,61 × 26,67 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Орнаменты ожерелий в виде лягушек; 15 - начало 16 века; золото; высота: 2,1 см; Метрополитен-музей

Майя [ править ]

Древнее искусство майя относится к материальному искусству цивилизации майя , восточной и юго-восточной мезоамериканской культуры, которая сформировалась в течение более позднего доклассического периода (500 г. до н.э. - 200 г. н.э.). Его величайший художественный расцвет пришелся на семь веков классического периода (ок. 200–900 гг. Н. Э.). Затем искусство древних майя прошло длительную постклассическую фазу, прежде чем потрясения XVI века разрушили придворную культуру и положили конец художественной традиции майя. Существовало множество региональных стилей, которые не всегда совпадали с изменяющимися границами политик майя. Ольмеки , Теотиуаканы и тольтекивсе оказали влияние на искусство майя. Традиционные формы искусства сохранились в основном в ткачестве и дизайне крестьянских домов.

Произведения искусства из нефрита считаются одними из самых замечательных произведений искусства, которые оставили нам майя. Большинство найденных предметов относятся к классическому периоду , но обнаруживается все больше и больше артефактов, относящихся к доклассическому периоду . К самым ранним из них относятся простые бусы без украшений, найденные в захоронениях в Куэлло ( Белиз ) между 1200 и 900 годами до нашей эры. В то время обработка камня была уже высоко развита у ольмеков , которые работали с нефритом еще до майя. В Мезоамерике нефрит встречается исключительно как жадеит ; нефритдругой разновидности, известной как нефрит, там не существует. Однако в этой области Мезоамерики «нефрит» - собирательный термин для ряда других зеленых или синих камней. Нефритовые предметы помещали в погребения, использовали в ритуалах и, конечно же, в качестве украшений. Помимо того, что они использовались для изготовления бус, которые часто нанизывали вместе, чтобы сделать богато украшенные подвески и ожерелья, они также использовались для катушек для ушей, браслетов для рук, голеней и ступней, ремней, грудных мышц (нагрудных украшений) и для украшения одежды и головных уборов. .

Искусство древних майя славится своей эстетической красотой и повествовательным содержанием. Из всех средств массовой информации, в которых работали художники майя, их картины на керамике являются одними из самых впечатляющих из-за их технической и эстетической изысканности. Эти сложные живописные сцены, сопровождаемые иероглифическими текстами, рассказывают об исторических событиях классического периода и раскрывают религиозную идеологию, на которой майя построили великую цивилизацию.

• Сидящая курильница в форме короля; 4 век; керамический; высота: 80 см, ширина: 31,1 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Нефритовая мемориальная доска короля майя; 400-800 (классический период); высота: 14 см, ширина: 14 см; найден в Теотиуакане ; Британский музей (Лондон)

• Статуя связанного узника; 600-900 гг. Нашей эры; известняк; из Тонины (Мексика); Музей на набережной Бранли - Жак Ширак (Париж)

• Портрет Кинич Джанааб Пакаля I; 615–683; лепнина; высота: 43 см; Национальный музей антропологии (Мехико)

• Ваза в стиле кодекса с мифологической сценой; VII – VIII века; керамический; высота: 19 см, диаметр: 11,2 см; Метрополитен-музей

• Сосуд с тронной сценой; конец VII – VIII вв .; керамический; 21,59 см; Метрополитен-музей

• Одна из перемычек Йашчилана, на которой изображен ритуал кровопускания, совершенный королем Яшчилана и его женой, леди К'аб'ал Зук; 723–726; известняк; высота: 108 см, ширина: 78 см; британский музей

• Рельеф, на котором Ай Чак Маакс представляет пленников правителю Ицамнаджа Б'аламу III из Яшчилана ; 22 августа 783 г .; известняк со следами пигмента; высота: 1,15 м; Художественный музей Кимбелла ( Форт-Уэрт , Техас, США)

Коста-Рика и Панама [ править ]

Долгое время считавшиеся заводью культуры и эстетического самовыражения, динамичные общества Центральной Америки теперь признаны надежными и новаторскими участниками искусства древней Америки. Народ доколумбовой Никарагуа , Коста-Рики и Панамыразработали свои собственные отличительные стили, несмотря на то, что регион тысячелетиями был перекрестком дорог. Его народы не подвергались влиянию извне, а вместо этого создавали, принимали и адаптировали всевозможные идеи и технологии в соответствии со своими потребностями и темпераментом. Самобытные культурные традиции, религиозные верования и социально-политические системы региона отражены в уникальных произведениях искусства. Фундаментальным духовным принципом был шаманизм, центральный принцип которого гласил, что в состоянии транса, трансформировавшись в форму своего духовного спутника, человек может войти в сверхъестественное царство и получить особую силу, чтобы влиять на мирские дела. Художники из Центральной Америки изобрели изобретательные способы изобразить эту трансформацию, объединив в одну фигуру характеристики человека и животного; ягуара , змей и птичий рапорт (сокол, орел или гриф) были основными формами духа.

• Кулон Птица; 1–5 века; жадеит ; высота: 6,7 см, ширина: 1,9 см, глубина: 4,7 см; из Коста-Рики ; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Грудной; 5-10 века; золотой сплав; габаритные: 25,1 × 26,7 см; из Ситио Конте ( Панама ); Кливлендский музей искусств ( Огайо , США)

• Сосуд в форме панциря черепахи; 11-14 века; крашеная керамика; габаритные: 22,9 × 29,2 см; из Панамы; Кливлендский художественный музей

• Кулон с двумя воинами-летучими мышами, несущими копья; 11–16 века; золото; общий: 7,62 см (3 дюйма); из провинции Чирики ( Панама ); Метрополитен-музей

Колумбия [ править ]

Золото - неизменно блестящий металл статуса, богатства и власти - вдохновляло испанцев на исследование земного шара и было важным атрибутом престижа, авторитета и религиозной идеологии среди народов Центральной Америки и Колумбии.

В Колумбии золото было важно из-за его связи с божественной силой солнца. Это было частью сложной идеологии универсальных бинарных противоположностей: мужской и женский, светлый и темный, земной и духовный миры. Золотые украшения для тела были отлиты в сложной форме, их иконография передавала социальную, политическую и духовную мощь через изображения могущественных шаманов-правителей, тотемов родословной и сверхъестественных духов-защитников.

• Кулон Yotoco в виде головы животного; I – VII века; золото; высота: 6,35 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Контейнер для лайма Quimbaya ; V – IX века; золото; высота: 23 c; Метрополитен-музей

• Muisca мужская фигура ( tunjo ); X – середина XVI века; золото; высота: 14,9 см; Метрополитен-музей

• Кулон Tairona ; 10–16 века; золото; высота: 14 см; Метрополитен-музей

Андские регионы [ править ]

Древние цивилизации Перу и Боливии лелеяли уникальные художественные традиции, в том числе одну из самых эстетически впечатляющих традиций волоконного искусства в мире, которую можно увидеть на артефактах, от одежды до погребальных пелен и архитектурных украшений. Истоки Андской цивилизации восходят к 3000 г. до н.э. Осваивая сложные природные условия, включая самую засушливую прибрежную пустыню в мире, пустынные, продуваемые ветрами высокогорья и грозные горы, жители Анд преуспели в сельском хозяйстве, морской рыбной ловле и животноводстве. К 1800 г. до н.э. ритуальные и общественные здания, возведенные на массивных глинобитных платформах, преобладали в крупных поселениях, особенно в прибрежных долинах рек. Две из первых важных культур этой земли - это чавин.и культура Паракас .

Моче контролировал речные долины на северном побережье, в то время как Наска в южной части Перу властвовали вдоль прибрежных пустынь и прилегающих гор, наследуя технологические достижения - в области сельского хозяйства и архитектуры - а также художественные традиции предыдущих Паракас людей . Обе культуры процветали примерно в 100–800 годах нашей эры. Керамика моче - одна из самых разнообразных в мире. Использование пресс-форм очевидно. Это позволило бы массовое производство определенных форм. После упадка Моче в регионе Анд возникли две большие сосуществующие империи. На севере Вари(или Хуари) Империя. Вари известны своей каменной архитектурой и скульптурными достижениями, но наибольшим мастерством они занимались керамикой. Вари производили великолепные большие керамические изделия, многие из которых изображали изображения Бога Посоха .

Чиму предшествовал простой керамический стиль, известный как Сикан (700–900 гг. Н.э.), который становился все более декоративным, пока не стал узнаваемым как Чиму в начале второго тысячелетия. Чиму создавали прекрасные портретные и декоративные работы из металла, особенно золота, но особенно серебра. Чиму также известны своей работой с перьями, изготовив множество эталонов и головных уборов из различных тропических перьев, которые были сделаны в виде запеканок и рыб, оба из которых были в почете у чиму.

• Раймонди Стела ; по Чавин культуры ; V-III века до нашей эры; гранит; высота: 1,95 м; Национальный музей археологии, Антропология и история Перу ( Лима , Перу)

• Аэрофотоснимок одной из линий Наски , сделанный в июле 2015 года. На этой фотографии видна линия с названием «Обезьяна».

• Парадная мантия с изображениями сверхъестественных существ; по Паракас ; 100 г. до н.э. - 100 г. н.э .; вышитая гладкая хлопковая ткань; высота: 12,8 см, ширина: 12,9 см; Художественный музей Лимы ( Лима , Перу)

• Моче портретный сосуд правителя; по Моче культуры ; 100 г. до н.э.-500 г. н.э .; керамика и пигмент; Институт искусств Чикаго (США)

• Антропоморфная фигура; из империи Вари ; 7-10 века; обожженная глина; из долины Мантаро; Музей Ритберга ( Цюрих , Швейцария )

• Погребальная маска; по Сикана культура ; 900–1100; золото, серебро и киноварь ; высота: 29,2, ширина: 49,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Церемониальный нож ( туми ); сиканской культурой; 10–13 века; золото, бирюза, зелень и ракушка; высота: 33 см (1 фут 1 дюйм); Метрополитен-музей

• Фигурки мужчины и ламы ; из империи инков ; 1400–1532; золото; Кливлендский музей искусств ( Огайо , США)

Амазония и Караибы [ править ]

Тропический климат Карибских островов и тропических лесов Амазонки не благоприятствует сохранению артефактов, сделанных из дерева и других материалов. То, что сохранилось, показывает сложные общества, люди которых создавали искусство, богатое мифологическим и духовным смыслом.

Люди таино , которые оккупировали острова Карибского моря, когда прибыли испанцы, были земледельцами, чье общество было сосредоточено на потомственных вождях, называемых касиками . В их городах были впечатляюще построенные церемониальные площади, на которых играли в мяч и проводились религиозные ритуалы, связывающие их культуру с культурой майя с полуострова Юкатан . Большая часть искусства таино была связана с шаманскими ритуалами и религией, включая ритуал, в котором шаман или касик входит в гипнотическое состояние, вдыхая галлюциногенный порошок кохоба . Скульптуры, изображающие бога-творца Йокаху, часто изображают обнаженную мужскую фигуру в сидячем положении.со слегка вогнутой тарелкой на макушке, чтобы держать порошок кохоба . Другие фигуры (всегда мужчины) стоят прямо перед собой, демонстративная демонстрация их гениталий явно свидетельствует о важности плодородия. Целью этих ритуалов было общение с предками и духовным миром. Вожди и шаманы (часто один и тот же человек) иногда заступались за духовных существ со скульптурного стула, или духо .

Тем временем культура марахоара процветала на острове Мараджо в устье реки Амазонки в Бразилии. Во время раскопок на острове археологи нашли изысканную керамику . Эти большие предметы тщательно расписаны и вырезаны изображениями растений и животных. Это стало первым свидетельством существования сложного общества на Мараджо. Свидетельства строительства курганов также свидетельствуют о том, что на этом острове возникли густонаселенные, сложные и сложные поселения, поскольку считалось, что только такие поселения пригодны для таких масштабных проектов, как крупные земляные работы. ^[65]Керамика, которую они сделали, украшена абстрактными линиями и спиралями, что наводит на мысль, что они, вероятно, употребляли галлюциногенные растения. Культура Марахоара произвела множество видов сосудов, включая урны, кувшины, бутылки, чашки, миски, тарелки и тарелки.

• Шпатель; 10-15 века; кость ламантина ; габаритные: 19,1 × 3,2 × 11 см; Кливлендский музей искусств ( Огайо , США)

• Фигура божества таино ( Земи ); 15–16 вв. Н. Э .; дерево и ракушка; вероятно из Доминиканской республики ; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Цилиндрический сосуд Marajoara ; 400–1000 CE; керамика с кремово-белой накладкой под красновато-коричневой краской; высота: 38,5 см; с острова Мараджо (Бразилия)

• Большой погребальный сосуд; 400–1400; керамика с кремово-белой накладкой под красновато-коричневой краской; высота: 89 см; с острова Мараджо

США и Канада [ править ]

Самый известный стиль искусства коренных американцев из Соединенных Штатов и Канады - стиль Северо-Западного побережья , известный своими тотемами и цветовыми сочетаниями.

Искусство хайда , тлинкитов , хейлцук , цимшиан и других более мелких племен, проживающих в прибрежных районах штата Вашингтон , Орегон и Британской Колумбии , характеризуется чрезвычайно сложной стилистической лексикой, выраженной в основном в технике резьбы по дереву. Известные примеры включают тотемные столбы , маски трансформации и каноэ. В дополнение к изделиям из дерева, двумерная живопись и украшения с гравировкой из серебра, золота и меди стали важными после контакта с европейцами.

Восточная Woodlands , или просто лесные массивы, культуры населяли районы Северной Америки к востоку от реки Миссисипи , по крайней мере , так как 2500 г. до н. Хотя существовало много разных культур, между ними была обычная торговля, и у них была общая практика хоронить своих мертвецов в земляных холмах, что сохранило большую часть их искусства. Из-за этой черты культуры все вместе известны как строители курганов .

• Тотем кваквака'вакв в Оттаве (Канада)

• Чаша- моголлон с геометрическим рисунком и вилорогой антилопой ; 1000–1150; фаянсовая посуда; диаметр: 31,2 см, общий: 12,5 × 32 см; Кливлендский музей искусств ( Огайо , США)

• Фигурка кита кваквака'вакв ; 19 век; кедровое дерево , кожа, хлопковый шнур, гвозди и пигмент; 60 × 72,4 × 206 см; Бруклинский музей (Нью-Йорк)

• Маска трансформации Thunderbird; 19 век; кедр, пигмент, кожа, гвозди и металлическая пластина; 121,9 × 180,3 × 38,1 см; Бруклинский музей

• Модель каноэ с аксессуарами; до 1845 г .; береста, дерево, растительное волокно, птичье перо и шелк; высота: 6,4 см, ширина: 8,3 см, длина: 40,6 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Сумка для патронташей; 1880-е годы; шерстяные и хлопчатобумажные торговые ткани, шерстяная пряжа, стекло и металл; высота: 87,6 см, ширина: 30,5 см; Метрополитен-музей

• Маска Komokwa; 1880–1890; дерево и пигмент; высота: 38,1 см, ширина: 30,5 см; Метрополитен-музей

• Погремушка; начало 1900-х годов; дерево и пигмент; общие: 31,8 × 9,3 × 11,2 см; Кливлендский музей искусств ( Огайо , США)

Инуиты [ править ]

Искусство инуитов относится к произведениям искусства, созданным инуитами , то есть людьми Арктики, ранее известными как эскимосы , термин, который теперь часто считается оскорбительным за пределами Аляски . Исторически их предпочтительным материалом была слоновая кость моржа , но с момента создания южных рынков для инуитского искусства в 1945 году гравюры и фигурные работы, вырезанные на относительно мягком камне, таком как мыльный камень , серпентинит или аргиллит , также стали популярными. Цветовая гамма холодная, чаще всего встречаются: черный, коричневый, серый, белый и серо-голубой.

Художественная галерея Виннипега имеет большую общественную коллекцию современного искусства инуит. ^[66] В 2007 году в Торонто открылся Музей инуитского искусства , ^[67] но закрылся из-за нехватки ресурсов в 2016 году. ^[68] Carvings Nunavut, принадлежащий Инуку Лори Идлаут, открылся в 2008 году и вырос до самого большого частная коллекция в Нунавуте. Галерея, принадлежащая и управляемая инуитами, включает широкий выбор произведений искусства инуитов, инвентарь которых насчитывает миллионы. ^[69]

• Голова Старого Берингова моря ; 2–4 века; слоновая кость (морж); Высота: 6,35 см (2 ¹ / ₂ , в) . Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Ручка ножа пунук ; 11–12 века; моржовая кость; высота: 3,8 см, ширина: 14 см; Метрополитен-музей

• Маска юпика с духом тюленя или калана; конец 19 века; дерево, краска, кишки и перья; Художественный музей Далласа ( Техас , США)

• Юпик-лодка-маска шамана; 1883; Этнологический музей Берлина (Германия)

Азиатский [ править ]

Восточная цивилизация широко включает Азию, а также сложную традицию создания искусства. Один из подходов к истории восточного искусства разделяет сферу по нациям, уделяя особое внимание индийскому , китайскому и японскому искусству . Из-за размеров континента можно ясно увидеть различие между Восточной Азией и Южной Азией в контексте искусства. В большей части Азии гончарное дело было распространенным видом искусства. Керамика часто украшается геометрическими узорами или абстрактными изображениями животных, людей или растений. Другими очень распространенными видами искусства были скульптура и живопись.

Центральная Азия [ править ]

Искусство древней и средневековой Средней Азии отражает богатую историю этой обширной территории, где проживает огромное количество народов, религий и образов жизни. Художественные остатки региона демонстрируют замечательное сочетание влияний, которое иллюстрирует мультикультурный характер центральноазиатского общества.

С конца второго тысячелетия до нашей эры и до самого недавнего времени луга Центральной Азии - от Каспийского моря до центрального Китая и от юга России до северной Индии - были домом для мигрирующих пастухов, которые вели смешанную экономику на окраинах оседлых обществ. Доисторическое искусство «звериного стиля» этих кочевников-скотоводов не только демонстрирует их зооморфную мифологию и шаманские традиции, но и их гибкость в включении символов оседлого общества в их собственные произведения искусства.

Центральная Азия всегда была перекрестком культурного обмена, центром так называемого Шелкового пути - сложной системы торговых путей, простирающихся от Китая до Средиземного моря. Уже в бронзовом веке (3-е и 2-е тысячелетия до нашей эры) растущие поселения составляли часть обширной торговой сети, связывающей Центральную Азию с долиной Инда , Месопотамией и Египтом. ^[70]

• Женская статуэтка, образец « Бактрийской царевны»; конец 3 - начало 2 тыс. до н. э .; стеатит или хлорит и алебастр ; 9 × 9,4 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Лицо со шрамом; 2200-1700 гг. До н.э .; хлорит, кальцит, метеоритное железо и ракушечник; высота: 12 см; Лувр ^[70]

• Финал (кулан); 6-5 век до н.э .; бронза; 14,5 × 9 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)

• Пряжка ремня; III-I вв. До н. Э .; золото; длина: 7,9 см; Метрополитен-музей

• Дева; 4-5 века нашей эры; лепнина ; высота: 55 см; Музей Гиме (Париж) ^[71]

• Богиня и небесный музыкант, Кызылские пещеры , V век; пигменты на гипсе; высота: 2,03 м; Музей азиатского искусства ( Берлин , Германия) ^[71]

• Статуя воина; 8-10 века; из Кош-Агачского района ( Алтай ); Эрмитаж ( Санкт-Петербург , Россия)

• Сузани (церемониальное повешение); конец 1700-х годов; хлопок; 92 × 63; из Узбекистана ; Художественный музей Индианаполиса (США)

Индийский [ править ]

Ранние буддисты в Индии разработали символы, связанные с Буддой . Основные остатки буддийского искусства начинают в период после Маурьева , в Северной Индии Кушанского искусства , то греко-буддийское искусство из Гандхара и , наконец, «классический» период Гупта искусства . Большое количество скульптур сохранилось с некоторых ключевых мест, таких как Санчи , Бхархут и Амаравати , некоторые из которых остаются на месте , а другие - в музеях Индии или по всему миру. Ступы были окружены церемониальными оградами с четырьмя обильно вырезанными торанами.или орнаментальные ворота, обращенные по сторонам света. Они выполнены из камня, но явно принимают формы, созданные из дерева. Они и стены самой ступы могут быть сильно украшены рельефами, в основном иллюстрирующими жизнь Будды. Постепенно вылеплялись фигуры в натуральную величину, сначала в глубоком рельефе, но затем отдельно стоящие. ^[72] Искусство Матхуры было самым важным центром в этом развитии, которое относилось как к индуистскому, так и к джайнскому искусству, а также к буддийскому. ^[73] Фасады и интерьеры высеченных в скале молитвенных залов чаитя и монастырских вихар сохранились лучше, чем аналогичные отдельно стоящие конструкции в других местах, которые долгое время были в основном деревянными. Пещеры в Аджанте , Карле, Бхаджа и другие места содержат ранние скульптуры, которых часто меньше, чем более поздние работы, такие как иконические фигуры Будды и бодхисаттв , которые не встречаются по крайней мере до 100 года нашей эры.

• Голова и грудь льва; около 5 века; песчаник ; высота: 61 см, ширина: 35,6 см; Музей изящных искусств ( Бостон , США)

• Сидящий Будда; около 475; песчаник; высота: 1,6 м; Музей Сарнатха (Индия)

• Идол Чаумуха ; около 600; песчаник; 58,42 × 43,18 × 44,45 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)

• Бодхисаттва Падмапани ; 450–490; пигменты на камне; высота: около 1,2 м; Пещеры Аджанты (Индия)

• Четырехглавый бог Харихара ; 9 век; мыльный камень ; из Кашмира (Индия); Этнологический музей Берлина (Германия)

• Бодхисаттва Локешвара (как «Владыка мира»); 9 век; базальт ; Музей Ритберга ( Цюрих , Швейцария)

• Модель сикхары буддийского храма; 900-е годы; каолинит ; 28 × 9 × 9 см; Кливлендский музей искусств ( Кливленд , США)

• Натараджа ; около 11 века; медный сплав; высота: 68,3 см, диаметр: 56,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Статуя Ганеша ; 11 век; песчаник; Музей Ритберга

• Охота на слонов Махараджи Ануп Сингха из Биканера; 1690–1700; бумага непрозрачная акварель, золото и серебро; высота: 31,1 см, ширина: 39,4 см; Художественный музей Цинциннати ( Цинциннати , США)

• Портрет Шаха Джахана на Павлиньем троне; 19 век; высота страницы: 37,2 см, высота картины: 16,5 см; Метрополитен-музей

• Крашеная дверь; 1815; цвет по дереву; общие: 190 × 88,9 × 43,7 см; Кливлендский художественный музей

Непальский, бутанский и тибетский [ править ]

Более тысячи лет тибетские художники играли ключевую роль в культурной жизни Тибета. Их усилия пронизали практически все аспекты жизни на Тибетском плато, от дизайна расписной мебели до сложных фресок в религиозных зданиях . Подавляющее большинство сохранившихся произведений искусства, созданных до середины 20 века, посвящено изображению религиозных предметов, основными формами которых являются тханка , рисунки темперой на ткани, тибетские буддийские настенные росписи и маленькие статуи из бронзы или большие из глины. , лепнина или дерево. Они были заказаны религиозными учреждениями или благочестивыми людьми для использования в практикеТибетский буддизм и были изготовлены в больших мастерских монахами и мирскими художниками, которые в большинстве своем неизвестны.

Искусство Тибета можно изучать с точки зрения влияний, которые на протяжении веков внесли в него другие китайские , непальские , индийские и священные стили. Считается, что многие изделия из бронзы в Тибете, свидетельствующие о влиянии Палы , были изготовлены индийскими скульпторами или привезены из Индии. ^[74]

Бутанское искусство похоже на искусство Тибета . Оба основаны на буддизме Ваджраяны с его пантеоном божественных существ. Основные направления буддизма в Бутане - Друкпа Кагью и Ньингма . Первая является ответвлением школы Кагью и известна картинами, документирующими линию передачи буддийских мастеров и 70 Дже Кхенпо (лидеров бутанского монашеского истеблишмента). Орден Ньингма известен изображениями Падмасамбхавы , которому приписывают введение буддизма в Бутан в 7 веке. Согласно легенде, Падмасамбхава спрятал священные сокровища для будущих буддийских мастеров, особенно Пема Лингпа., найти. В кладе Искатели ( тертон ) также частые предметы Ньингмы искусства.

• Фигурка; 14–15 века; позолоченно-медный сплав; высота: 13,5 см, ширина: 9,8 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Алтарь; 1700–1899; металл, камни и филигрань; длина: 130,7 см; Британский музей (Лондон)

• Горжет; 18-ый век; серебро и различные драгоценные камни; габарит: 8,9 см, цепочка: 13,7 см; из Тибета; Кливлендский музей искусств ( Кливленд , США)

• Нарисованная мандала Будды медицины с богиней Праджняпарамитой в центре; 19 век; Музей искусств Рубина (Нью-Йорк)

Китайский [ править ]

В Восточной Азии живопись возникла из практики каллиграфии, а портреты и пейзажи писались на шелковой ткани. Большинство картин представляют собой пейзажи или портреты. Самыми впечатляющими скульптурами являются ритуальные бронзовые скульптуры и бронзовые скульптуры из Саньсиндуй . Очень известный пример китайского искусства - Терракотовая армия , изображающая армии Цинь Шихуанди , первого императора Китая. Это форма погребального искусства, похороненного вместе с императором в 210–209 гг. До н.э., целью которого была защита императора в его загробной жизни.

Китайское искусство является одним из старейших непрерывных традиционных искусств в мире и отличается необычайной степенью преемственности и осознания этой традиции, не имеющей эквивалента западному краху и постепенному возрождению классических стилей. Средства массовой информации, которые с эпохи Возрождения обычно классифицируются на Западе как декоративное искусство , чрезвычайно важны в китайском искусстве, и большая часть лучших работ была произведена в больших мастерских или фабриках практически неизвестными художниками, особенно в китайской керамике . Ассортимент и качество товаров, которыми украшали китайские дворцы и дома, а также их жителей, поражают воображение. Материалы поступали со всего Китая и далеко за его пределы: золото и серебро, перламутр., слоновая кость и рог носорога, дерево и лак , нефрит и мыльный камень , шелк и бумага.

• Вотивная стела с изображением Будды Шакьямуни ; датируется 542 годом ( династия Восточная Вэй ); известняк; Музей Ритберга ( Цюрих , Швейцария)

• Статуэтки танцоров; 8 век ( Империя Тан ); керамический; Исторический музей Берна (Швейцария)

• Ван Сичжи наблюдает за гусями ; по Qian Сюанет ; 1235 - до 1307 г .; ручная прокрутка (бумага, тушь, цвет, золото); Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Крытая коробка с беседкой и фигурками; 1300-е годы ( династия Юань ); резной лак; Токийский национальный музей (Токио)

• В Дэвид Вазоны ; 1351 год (династия Юань); фарфор, кобальтовый синий декор под глазурь; высота: 63,8 см; Британский музей (Лондон)

• Две фляги с драконами; 1403–1424; подглазурный голубой фарфор; высота (левая) 47,8 см, высота (правая) 44,6 см; британский музей

• Фляга-паломник, украшенная персиками и гранатами, выполненная в технике перегородчатой кишки ; 1-я половина 17 века ( династия Мин ); Музей Ритберга

• Мирное начало нового года ; по Дин Гванпенг ; 1748; бумага, тушь и цвет; рост: 179,3 см; Национальный дворец-музей ( Тайбэй , Тайвань )

Японский [ править ]

Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и средств массовой информации, включая древнюю керамику , скульптуру , живопись тушью и каллиграфию на шелке и бумаге, картины укиё-э и гравюры на дереве , керамику, оригами и, совсем недавно, мангу - современные японские карикатуры и комиксы - наряду с множеством других типов.

Первые поселенцы Японии, Дзёмон люди (с. 11,000-300 до н.э.). Они создавали богато украшенные сосуды для хранения керамики , глиняные фигурки, называемые догу . Япония стала объектом внезапных нашествий новых идей, за которыми последовали длительные периоды минимальных контактов с внешним миром. Со временем японцы развили способность впитывать, подражать и, наконец, ассимилировать те элементы иностранной культуры, которые дополняли их эстетические предпочтения. Самое раннее сложное искусство в Японии было создано в VII и VIII веках в связи с буддизмом.. В 9 веке, когда японцы начали отворачиваться от Китая и развивать местные формы самовыражения, светское искусство становилось все более важным; до конца 15 века процветало как религиозное, так и светское искусство. После Онинской войны (1467–1477) Япония вступила в период политических, социальных и экономических потрясений, который длился более века. В государстве, которое возникло под руководством сёгуната Токугава , организованная религия играла гораздо менее важную роль в жизни людей, а сохранившиеся искусства были в основном светскими.

• Фудо Мью (Акала), царь мистических знаний; конец XII века (период Фудзивара); древесина кипариса с остатками цветного каркаса; Музей Ритберга ( Цюрих , Швейцария)

• Угадайка благовоний; 1615–1868; лак ; общий: 23 × 25,4 × 16,6 см; Кливлендский музей искусств ( Кливленд , Огайо , США)

• Халат; начало 1700-х годов; шелковая и парчовая металлическая нить; габаритные: 139,7 × 133,3 см; Кливлендский художественный музей

• Японский сундук с картушем, изображающим фигуры на ослах в пейзаже; 1750–1800; резной красный лак на деревянной основе с металлической фурнитурой и нефритовым замком; 30,64 × 30,16 × 12,7 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)

• Три красавицы современности ; от Китагава Утамаро ; около 1793 г .; высота: 3,87 см (15,23 дюйма), ширина: 2,62 см (10,31 дюйма); Художественный музей Толедо ( Толедо , Огайо , США)

• Пластина; 1800-е годы; надглазурный эмалированный фарфор; диаметр: 48,3 см, общий: 5,7 см; Кливлендский художественный музей

• Inr ; 19 век; дерево, лак и золото; Исторический музей Берна (Швейцария)

• Раскрашенный веер; по Ямамото Baiitsu ; 1832; бумага, тушь и цвет; Изображение: 17 × 47,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Корейский [ править ]

Корейское искусство включает традиции каллиграфии, музыки, живописи и гончарного дела, часто отмеченные использованием природных форм, украшения поверхностей и ярких цветов или звуков.

Самые ранние образцы корейского искусства - это работы каменного века, датируемые 3000 годом до нашей эры. В основном они состоят из вотивных скульптур и, совсем недавно, петроглифов , которые были обнаружены заново. За этим ранним периодом последовали художественные стили различных корейских королевств и династий. Корейские художники иногда изменяли китайские традиции, отдавая предпочтение простой элегантности, непосредственности и цениванию чистоты природы.

Династия Корё (918–1392) была одним из самых плодотворных периодов для широкого круга дисциплин, особенно гончарного. Рынок корейского искусства сконцентрирован в районе Инсадон в Сеуле, где проходят выставки более 50 небольших галерей, а иногда и аукционы изобразительного искусства. Галереи создаются совместно, они небольшие и часто содержат тщательно продуманные и тщательно продуманные экспонаты. В каждом городе есть небольшие региональные галереи с местными художниками, показывающими традиционные и современные средства массовой информации. В художественных галереях обычно используются разные средства массовой информации. Попытки вывести на передний план западное концептуальное искусство обычно имели наибольший успех за пределами Кореи в Нью-Йорке, Сан-Франциско, Лондоне и Париже.

• Статуя Майтрейи в медитации; 6-7 века; позолоченная бронза; высота: 83,2 см; Национальный музей Кореи ( Сеул )

• Водяная луна Квансеумам; начало 14 века; развешивание свитка, туши и красок на шелке; 1,14 × 0,55 м; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Семья тигров; 17-го века; бумага, тушь и цвет; высота: 584,20 мм, ширина: 371,47 мм; Денверский художественный музей ( Денвер , Колорадо , США)

• Будда Сокгамони (Шакьямуни) проповедует собранию на вершине стервятника; 1755; без оправы, тушь и цвет на шелке; примерно 335,28 × 406,4 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес

Юго-Восточная Азия [ править ]

Искусство Юго-Восточной Азии, региона, простирающегося от Бирмы (она же Мьянма) и индонезийского острова Суматра на западе до Папуа-Новой Гвинеи и Филиппин на востоке, необычайно богато и разнообразно, во многом благодаря культурному влиянию Индия, которая пришла с введением индуизма и буддизма в первые века нашей эры. Здесь живут популяции самого разного этнического происхождения, говорящие на сотнях разных языков и существующие на разных этапах культурной эволюции. За немногими исключениями, эти народы в течение своей долгой истории подвергались внешнему культурному влиянию различной интенсивности, начиная сИсламский мир , Китай и Запад, а также Индия. Большая часть искусства Юго-Восточной Азии носит религиозный характер. Проникновение индуистских и буддийских влияний из Индии было особенно глубоким в материковых странах Бирме , Таиланде , Камбодже и Лаосе . Христианские влияния преобладают на Филиппинах и в Тиморе-Лешти . Китайское влияние было более ограниченным, за исключением Вьетнама , который находился под китайской гегемонией со 2 века до нашей эры до десятого века нашей эры.

Ранние правители Юго-Восточной Азии строили государственные храмы, чтобы утвердить свою легитимность и материально выразить свою власть и власть. Они часто украшались рельефными скульптурами большой живости и оригинальности, которые, тем не менее, всегда соответствовали установленным иконографическим традициям изображения индуистских и буддийских тем.

Художники Юго-Восточной Азии издавна преуспели в фресковой живописи и росписи по лаку, особенно в буддийских странах материка и на индуистском Бали . Фрески и вообще расписаны на внутренних стенах галерей, окружающих ограды храма, в то время как крашеный лак в основном наносится на деревянные предметы: панели, шкафы, сундуки, двери и ставни. Сюжет обеих форм живописи обычно ограничивается изображениями индуистских божеств; рассказы из индуистских эпосов, Рамаяны и Махабхараты ; эпизоды из жизни исторического Будды и рассказы из его прошлых жизней ( джатаки ); и другие индуистские и буддийские темы.

• Сидящее божество; конец 9-го; песчаник ; из Чампа ( провинция Куангнам , храмовый комплекс Донг-ду'онг); Музей Ритберга ( Цюрих , Швейцария )

• Фронтон Толлитама ; из Камбоджи; 976; розовый песчаник; 196 × 269 см; Musée Guimet (Париж)

• Статуя Шивы ; 10-12 вв .; песчаник ; высота: 150 см; Музей Гиме ^[75]

• Статуя богини; 1775–1825; дерево, стекло, краска и позолота; высота: 41,2 см, ширина: 18,5 см, глубина: 12,0 см, вес: 1,5 кг; Рейксмузеум ( Амстердам , Нидерланды )

• Страница манускрипта Пхра Малай ; бумага непрозрачная акварель и тушь; обложки: бумага позолоченная и лакированная; c. 1860–1880 годы; 13,97 × 68,26 × 6,35 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)

• Каин саронг прада (ткань для церемониальной юбки); из Индрамайи (Ява, Индонезия); конец 19 века; хлопок, сусальное золото , полотняное переплетение, батик (окрашенный резист); Художественный музей Гонолулу ( Гавайи , США)

• Агусан образ божества; 9-10 века; золотая статуя; из Филиппин ; Полевой музей естественной истории (Чикаго)

• Статуя Мадонны с младенцем; 1600-е годы; слоновая кость с серебром ; из Филиппин ; Севильский кафедральный собор (Испания)

• Маска Прабу Девакусумы, принца Дженггала; около 1890 г .; крашеное дерево; с восточной Явы; Музей Ритберга

• Ваянг Кулит, также известный как Ваджанг Коэлит, представляет собой разновидность кукольного театра на Яве, в Индонезии и в других частях Юго-Восточной Азии.

Африка [ править ]

Африканское искусство включает в себя как скульптуру , олицетворяемую латунным литьем народа Бенина , так и народное искусство . Одновременно с европейским средневековьем в XI веке нашей эры в Великом Зимбабве была основана страна, которая создавала величественную архитектуру, золотые скульптуры и замысловатые украшения . Впечатляющая скульптура была одновременно отлита из латуни народом йоруба на территории нынешней Нигерии. Такая культура росла и в конечном итоге преобразовалась в Королевство Бенин., где были созданы изящные алтарные бивни, латунные головы, латунные бляхи и дворцовая архитектура. Королевство Бенин было уничтожено британцами в 1897 году, и в Нигерии осталось немного искусства культуры. Сегодня самым значительным местом проведения искусства в Африке является Йоханнесбургская биеннале .

Африка к югу от Сахары отличается высокой плотностью культур. Известны догоны из Мали ; Эдо , йоруба , люди игбо и цивилизация нок из Нигерии ; Народы куба и люба из Центральной Африки ; Люди ашанти из Ганы ; Зулусы из южной части Африки ; и клыки из Экваториальной Гвинеи (85%), Камеруна и Габона; в Сан - цивилизационные люди из Чада; Квеле людииз восточного Габона, Республики Конго и Камеруна.

Множество форм африканского искусства являются компонентами некоторых из самых ярких и отзывчивых художественных традиций в мире и являются неотъемлемой частью жизни африканцев. Произведения искусства, созданные для определенных целей, могут раскрыть свою непреходящую важность посредством физических преобразований, которые улучшают как их внешний вид, так и их силу. Многие традиционные африканские формы искусства создаются как проводники в мир духов и меняют внешний вид по мере добавления материалов, которые усиливают их красоту и силу. Чем больше используется и благословляется произведение, тем более абстрактным оно становится из-за нарастания жертвенного материала и стирания оригинальных деталей.

• Сидящая фигура; по культуре Нок ; V век до нашей эры - V век нашей эры; терракота; высота: 38 см; Musée du quai Branly (Париж)

• Голова короля или сановника; людьми йоруба ; 12–15 века нашей эры; терракота; обнаружен в Ифе (Нигерия); Этнологический музей Берлина (Германия)

• Сидящая фигура; 13 век; терракота; высота: 29,9 см; из Дженне-Дженно ( Мали ); Метрополитен-музей ( Нью-Йорк )

• Бенинская маска из слоновой кости с изображением Идиа ; из Королевства Бенин ; начало 16 века; слоновая кость с инкрустацией из железа; высота: 23,8 см, вес: 12,7 см, глубина: 8,3 см; Метрополитен-музей

• Мемориальная доска с воинами и служителями; из Королевства Бенин; 16–17 века; латунь; высота: 47,6 см; Метрополитен-музей

• Престижное кресло; от Babanki людей ; около 1800 г .; дерево; общие: 80,7 × 53,3 × 44,5 см; Кливлендский музей искусств ( Огайо , США)

• Подголовник; от Любы людей ; 19 век; дерево; высота: 18,5 см (7,2 дюйма), ширина: 19 см (7,4 дюйма), толщина: 8 см (3,1 дюйма); Музей на набережной Бранли

• Маска; людьми Fang ; около 1895 г .; дерево, окрашенное каолином ; высота: 78 см; Этнологический музей Берлина (Германия)

• Маска; людьми квеле ; начало 20 века; крашеное дерево; высота: 63 см; Muséum d'Histoire naturelle de La Rochelle ( Ла-Рошель , Франция)

• Маска; людьми яка ; начало 20 века; дерево, рафия и цветные пигменты; Музей Ритберга ( Цюрих , Швейцария)

• Маска буйвола; возможно людьми Bwa ; начало-середина 1900-х годов; волокна и крашенная древесина; Кливлендский художественный музей

• Традиционный дом тата-сомба в Бенине

Океания [ править ]

Искусство Океании включает географические области Микронезии , Полинезии , Австралии, Новой Зеландии и Меланезии . Один из подходов рассматривает эту область тематически, с акцентом на происхождение , войну, тело, пол, торговлю, религию и туризм . К сожалению, от Океании сохранилось немного древнего искусства. Ученые полагают, что это вероятно потому, что художники использовали скоропортящиеся материалы, такие как дерево и перья, которые не выжили в тропическом климате, и нет никаких исторических записей, относящихся к большей части этого материала. Таким образом, понимание художественной культуры Океании начинается с ее документирования западными людьми, такими как капитан Джеймс Кук., в 18 веке. На рубеже 20-го века французский художник Поль Гоген провел значительное количество времени на Таити, живя с местными жителями и создавая современное искусство - факт, который до сих пор неразрывно связан с визуальной культурой Таити. ^{[ необходима цитата ]} Искусство коренных народов Австралии часто выглядит как абстрактное современное искусство, но оно имеет глубокие корни в местной культуре.

Искусство Океании - последняя великая традиция искусства, которую оценил весь мир. Несмотря на то, что это одна из самых давних традиций искусства в мире, насчитывающая не менее пятидесяти тысячелетий, она оставалась относительно неизвестной до второй половины 20 века.

Часто эфемерные материалы искусства аборигенов Австралии затрудняют определение древности большинства форм искусства, практикуемых сегодня. Самые прочные формы - это множество наскальных рисунков и наскальных рисунков, которые можно найти по всему континенту. Свидетельства свидетельствуют о том, что в откосе Арнемленда картины были созданы пятьдесят тысяч лет назад, до палеолитических наскальных рисунков Альтамиры и Ласко в Европе.

• Голова; 9–11 века; везикулярный базальт ; высота: 19,7 см, ширина: 15,5 см; с Гавайев ; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

• Моаис в Рано Рараку ( остров Пасхи ). Моаи - это монолитные человеческие фигуры, вырезанные народом Рапа Нуи на острове Пасхи между 1250 и 1500 годами ^{[76] [77]}

• Таурапа ( штанга каноэ маори); конец 18 - начало 19 века; дерево и брус; рост: 148 см; Музей на набережной Бранли (Париж) ^[78]

• Маори часть сундука с сокровищами; около 1850 г .; из Новой Зеландии ; Musée du quai Branly (Париж)

• Фигура Ули ; около 19 века; крашеное дерево, улитка каури, шапка из турбоулитки и лубяные волокна; из провинции Новая Ирландия (Папуа-Новая Гвинея); Музей Ритберга ( Цюрих , Швейцария)

• Боевой щит; 19 - начало 20 веков; дерево, трава и рафия ; из Камбрамбо (регион Нижний Сепик, Папуа-Новая Гвинея); Музей Ритберга

• Маси (ткань из коры); 20 век; из Фиджи ; Художественный музей Гонолулу (Гавайи, США)

• Дом мужского клуба, 1907 год, из Палау , сейчас в этнологическом музее Берлина (Германия)

• Фрагмент церемониального дома снабжения из Папуа-Новой Гвинеи , сейчас находится в этнологическом музее Берлина.

• Ожерелье; до 1909 г .; позвонки акулы, панцирь (Cassis rufa), стеклянные бусины, волокно; диаметр: около 35 см; из Увулу (Папуа-Новая Гвинея); Музей пяти континентов ( Мюнхен , Германия) ^[79]

• Ожерелье; до 1912 г .; колючки морского ежа, клетчатка; диаметр: около 30 см; Музей пяти континентов ^[79]

• Картина с изображением тотемного предка кенгуру; 1915; роспись по коре; 92,5 × 35,5 × 5,5 см; Аллигатор Риверс ( Арнемленд , Австралия ); Musée du quai Branly (Париж)

Европейский [ править ]

Средневековый [ править ]

С упадком Римской империи началась эпоха средневековья , продолжавшаяся тысячелетие. Раннехристианское искусство начинает этот период, за ним следуют византийское искусство , англосаксонское искусство , искусство викингов , оттонское искусство , романское искусство и готическое искусство , а исламское искусство доминирует в восточном Средиземноморье.

В византийском и готическом искусстве средневековья господство церкви привело к появлению большого количества религиозного искусства. В картинах широко использовалось золото, в которых фигуры изображались в упрощенной форме.

Византийский [ править ]

Византийское искусство относится к совокупности христианских греческих художественных произведений Восточной Римской (Византийской) империи ^[80], а также к нациям и государствам, которые в культурном отношении унаследовали от империи. Хотя сама империя возникла из упадка Рима и просуществовала до падения Константинополя в 1453 году ^[81], дата начала византийского периода в истории искусства более ясна, чем в политической истории, хотя и неточна. Многие восточно-православные государства в Восточной Европе, а также в некоторой степени мусульманские государства восточного Средиземноморья сохранили многие аспекты культуры и искусства империи на протяжении столетий после этого.

Иконы (от греческого εἰκών eikōn «образ», «сходство») - важнейшие визуальные элементы византийской религиозной практики, занимающие центральное место в православном богослужении с конца иконоборчества в девятом веке. Согласованные в своем формате, чтобы сохранить ощущение портретной живописи и близость любимых изображений, они, тем не менее, со временем трансформировались. Необычной чертой византийского искусства являются золотые задники. Прозрачное стекло часто покрывали сусальным золотом, чтобы создать богатый мерцающий эффект.

Священные книги, которые несли патриархи в восточных процессиях, читали монахи в уединенных пещерах и держали императоры на важных церемониях, часто прекрасно иллюстрировали, занимали центральное место в византийской вере и ритуалах. Похоже, что в ранневизантийский период между шестым и восьмым веками нашей эры было создано немного рукописей, но после окончания иконоборчества в девятом веке был расцвет расписных книг.

Ювелирные изделия, которые носили мужчины, женщины и дети, были явным показателем положения и богатства в византийском обществе. Стили варьировались от смелой, тяжелой работы из золота с яркими крупными камнями кабошон до необычайно тонкой золотой филиграни и зернистости. Орнамент варьировался от декоративных узоров до растительных и животных мотивов и сложной христианской иконографии. Часто украшения прикрепляли к парадным платьям, которые не часто требовали чистки. Популярной техникой с 3 по 7 век был opus interrasile или diatrita., в котором протыкались тонкие тонкие листы золота, создавая эффект кружева, который одновременно красив и экономичен, поскольку снижает вес используемого золота. К V веку, стимулированные торговлей с Востоком, были включены цветные драгоценные и полудрагоценные камни, полированные, а не ограненные. Декоративные узоры были выбраны из произведений с ценой на золото, выделенных темной чернью (сульфид серебра, контрастирующей с золотом и серебром) или из IX века, изображенных на эмали . ^[82]

• Плита с рельефом, изображающим Рождество Иисуса ; 4 - начало 5 века; мрамор; Византийский и христианский музей ( Афины )

• Апсида церкви Санта-Мария-Маджоре в Риме , украшенная в V веке этой гламурной мозаикой.

• Собор Святой Софии , вероятносамый ранний христианский соборпостроенный 542-547 в Константинополе при императоре Юстиниане . После падения Византии в 15 в. он стал мечетью, а с 1934 года - музеем.

• Корзина столицы из Собора Святой Софии ( Стамбул , Турция)

• Мозаики на потолке и некоторых стенах базилики Сан-Витале в Равенне (Италия), около 547 г.

• Маленький Метрополис в Афинах , построенный на неизвестных даты, между 9 - м веком до 13 - го века

• Icon with Saint Demetrios; 950–1000; ivory; overall: 19.7 × 12.1 × 1 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• Cameo; 10th-11th centuries; jasper, almandine, emerald and chrysoprase; from Constantinopol; Moscow Kremlin Museums (Russia)

• Gospel lectionary; circa 1100; tempera, gold, and ink on parchment, and leather binding; overall: 36.8 × 29.6 × 12.4 cm, folio: 35 × 26.2 cm; Metropolitan Museum of Art

• Medallion with Christ from an icon frame; circa 1100; gold, silver, and enamel worked in cloisonné; diameter: 8.3 cm; Metropolitan Museum of Art

• Icon of the New Testament Trinity; circa 1450; tempera and gold on wood panel (poplar); Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, US)

• Page of an Armenian illuminated manuscript; 1637–1638; tempera colors, gold paint, and gold leaf on parchment; height: 25.2 cm; Getty Center (Los Angeles)

Anglo-Saxon[edit]

Anglo-Saxon art covers art produced within the Anglo-Saxon period of English history, beginning with the Migration period style that the Anglo-Saxons brought with them from the continent in the 5th century, and ending in 1066 with the Norman Conquest of a large Anglo-Saxon nation-state whose sophisticated art was influential in much of northern Europe. The two periods of outstanding achievement were the 7th and 8th centuries, with the metalwork and jewellery from Sutton Hoo and a series of magnificent illuminated manuscripts, and the final period after about 950, when there was a revival of English culture after the end of the Viking invasions. By the time of the Conquest the move to the Romanesque style is nearly complete. The important artistic centres, in so far as these can be established, were concentrated in the extremities of England, in Northumbria, especially in the early period, and Wessex and Kent near the south coast.

• Buckle of Sutton Hoo; 580–620; gold and niello; length: 13.1 cm; British Museum (London)

• The helmet of Sutton Hoo; early 7th century AD; coppery alloy, iron, gold and garnet; height: 31.8 cm; British Museum

• Shoulder-clasps from Sutton Hoo; early 7th century; gold, glass & garnet; length: 12.7 cm; British Museum

• The Incipit to Matthew from the Book of Lindisfarne; late 7th century; ink and pigments on vellum; 34 × 25 cm; British Library (London)

Ottonian[edit]

Ottonian art is a style in pre-romanesque German art, covering also some works from the Low Countries, northern Italy and eastern France. It was named by the art historian Hubert Janitschek after the Ottonian dynasty which ruled Germany and northern Italy between 919 and 1024 under the kings Henry I, Otto I, Otto II, Otto III and Henry II.^[83] With Ottonian architecture, it is a key component of the Ottonian Renaissance (c. 951–1024). However, the style neither began nor ended to neatly coincide with the rule of the dynasty. It emerged some decades into their rule and persisted past the Ottonian emperors into the reigns of the early Salian dynasty, which lacks an artistic "style label" of its own.^[84] In the traditional scheme of art history, Ottonian art follows Carolingian art and precedes Romanesque art, though the transitions at both ends of the period are gradual rather than sudden. Like the former and unlike the latter, it was very largely a style restricted to a few of the small cities of the period, and important monasteries, as well as the court circles of the emperor and his leading vassals.

• Book-shaped reliquary; circa 1000; ivory, gilded silver, pearls, rubies, emeralds, crystals, onyx, cornelian and oak; overall: 31.6 × 24.4 × 7.5 cm; Cleveland Museum of Art (US)

• Gospel Book of Henry II; circa 1020; illumination on parchment; Vatican Library (Rome)

• The Cross of Mathilde; 11th century; oak, gold sheets, glass, bronze, enamel and other materials; height: 45 cm, width: 30.5 cm; Essen Cathedral Treasury (Germany)

• The Bernward Column; 1000–1200; copper alloy; height: 3.8 m; Hildesheim (Lower Saxony, Germany)

Viking art[edit]

Viking art, also known commonly as Norse art, is a term widely accepted for the art of Scandinavian Norsemen and Viking settlements further afield—particularly in the British Isles and Iceland—during the Viking Age of the 8th–11th centuries CE. Viking art has many design elements in common with Celtic, Germanic, the later Romanesque and Eastern European art, sharing many influences with each of these traditions.^[85]

• One of the Stora Hammars stones; circa 750; limestone; height: 3.7 m; Lärbro (Sweden)

• Plaque decorated with confronted monster heads; 8th-late 9th century; whale bone; 22 × 18.3 × 0.8 cm; Walters Art Museum (Baltimore, US)

• Animal head post; circa 820; wood; height: 51 cm; Viking Ship Museum (Oslo, Norway)

• Terminal for an open ring brooch; circa 950; silver, gold and niello; overall: 5 × 3.7 × 3.6 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

Romanesque[edit]

The Romanesque was the first pan-European style to emerge after the Roman Empire, spanning the mid-tenth century to the thirteenth. The period saw a resurgence of monumental stone structures with complex structural programmes.

Romanesque churches are characterized by rigid articulation and geometric clarity, incorporated into a unified volumetric whole. The architecture is austere but enlivened by decorative sculpting of capitals and portals, as well as frescoed interiors. Geometric and foliate patterning gives way to increasingly three-dimensional figurative sculpture.

From the mid-eleventh to the early thirteenth centuries, Romanesque paintings were two-dimensional, defined by bold, linear outlines and geometry, particularly in the handling of drapery; symmetry and frontality were emphasised. Virtually all Western churches were painted, but probably only a few wall painters were monks; instead, itinerant artists carried out most of this work. Basic blocking out was done on wet plaster with earth colours. A limited palette, dominated by white, red, yellow ochres and azure, was employed for maximum visual effect, with dense colouring forming a backdrop of bands, a practice that originated in late Classical art as an attempt to distinguish earth and sky.

During the later eleventh and twelfth centuries, the great age of Western monasticism, Europe experienced unprecedented economic, social and political change, leading to burgeoning wealth among landowners, including monasteries. There was increasing demand for books, and economic wealth allowed many manuscripts to be richly illuminated.

One of the outstanding artefacts of the age is the 70m long Bayeux Tapestry.^[86][87][88] It depicts the events leading up to the Norman conquest of England with protagonists William, Duke of Normandy, and Harold, Earl of Wessex, later King of England, and culminating in the Battle of Hastings. It is thought to date from the 11th century. It tells the story from the point of view of the conquering Normans, but is now agreed to have been made in England most likely by women, although the designer is unknown. It is housed in France.

• Maria Laach Abbey (near Andernach, Germany), one of the most iconic Romanesque churches

• Stone bas-relief of Jesus, from the Vézelay Abbey (Burgundy, France)

• Miniature of Saint John the Evangelist; before 1147; illumination on parchment; 35.5 cm; Avesnes-sur-Helpe (France)

• The stoning of Saint Stephen; 1160s; fresco; height: 1.3 m; Saint John Abbey (Val Müstair, Canton of Grisons, Switzerland)

Gothic[edit]

Gothic art developed in Northern France out of Romanesque in the 12th century AD, and led by the concurrent development of Gothic architecture. It spread to all of Western Europe, and much of Southern and Central Europe, never quite effacing more classical styles in Italy. In the late 14th century, the sophisticated court style of International Gothic developed, which continued to evolve until the late 15th century.

The imposing Gothic cathedrals, with their sculptural programmes and stained glass windows, epitomize the Gothic style.^[89] It differs from Romanesque through its rib-shaped vaults, and the use of ogives. Instead of the thick Romanesque walls, Gothic buildings are thin and tall. Spiral stairs in towers are specific to Gothic architecture.^[90]

Gothic painting, much of it executed in tempera and, later, oils on panel, as well as fresco, and with an increasingly broad palette of secondary colours, is generally seen as more 'naturalistic' than Romanesque. The humanity of religious narrative was highlighted, and the emotional state of the characters individualized.^[91] The increased urbanity of the medieval economy and the rise of the clerical and lay patron saw a change in the nature of the art market, which can be seen in developments in Gothic manuscript illumination. Workshops employed specialists for different elements of the page, such as figures or marginal vine motifs.^[92]

• Part of the Royal Portal; 1145–1155; limestone; Chartres Cathedral (Chartres, France)

• North transept windows; circa 1230–1235; stained glass; diameter (rose window): 10.2 m; Chartres Cathedral

• French diptych with the coronation of the Virgin and the Last Judgment; 1260–1270; elephant ivory with metal mounts; overall: 12.7 × 13 × 1.9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• German diptych with religious scenes; 1300–1325; silver gilt with translucent and opaque enamels; overall (opened): 6.1 × 8.6 × 0.8 cm; Metropolitan Museum of Art

• Page of Très Riches Heures du Duc de Berry depictic the funeral of Raymond Diocrès; 1411-1416 and 1485–1486; tempera on vellum; height: 29 cm, width: 21 cm; Condé Museum (Chantilly, France)

• The Lady and the Unicorn, the title given to a series of six tapestries woven in Flanders, this one being called À Mon Seul Désir; late 15th century; wool and silk; 377 × 473 cm; Musée de Cluny (Paris)

• Austrian statue of Enthroned Virgin; 1490–1500; limestone with gesso, painted and gilded; 80.3 × 59.1 × 23.5 cm; Metropolitan Museum of Art

• Entrance in Jerusalem; circa 1500; painting; Museum of Fine Arts of Lyon (Lyon, France)

Russian and Ukrainian[edit]

The architectural history of Russia is conditioned by Orthodox Eastern Europe: unlike the West, yet similarly, if tenuously, linked with the traditions of classical antiquity (through Byzantium). It has experienced from time to time westernising movements that culminated in the comprehensive reforms of Peter the Great (around 1700). From prehistoric times the material of vernacular Russian architecture was wood. Byzantine churches and the architecture of Kievan Rus were characterized by broader, flatter domes without a special framework erected above the drum. In contrast to this ancient form, each drum of a Russian church is surmounted by a special structure of metal or timber, which is lined with sheet iron or tiles. Russian architecture used the dome shape not only for churches but also for other buildings. Some characteristics taken from the Slavic pagan temples are the exterior galleries and the plurality of towers.

The use and making of icons entered Kievan Rus' following its conversion to Orthodox Christianity from the Eastern Roman (Byzantine) Empire in 988 CE. As a general rule, these icons strictly followed models and formulas hallowed by usage, some of which had originated in Constantinople. As time passed, the Russians—notably Andrei Rublev and Dionisius—widened the vocabulary of iconic types and styles far beyond anything found elsewhere. The personal, improvisatory and creative traditions of Western European religious art are largely lacking in Russia before the seventeenth century, when Simon Ushakov's painting became strongly influenced by religious paintings and engravings from Protestant as well as Catholic Europe.

• Entrance of the Dormition Cathedral from the Moscow Kremlin (Russia)

• Front of a temple pendant with two birds flanking a tree of life; 11th–12th century; cloisonné enamel & gold; overall: 5.4 × 4.8 × 1.5 cm; made in Kyiv (Ukraine); Metropolitan Museum of Art (New York City)

• Saint Basil's Cathedral from the Red Square (Moscow). Its extraordinary onion-shaped domes, painted in bright colors, create a memorable skyline, making St. Basil's a symbol both of Moscow and Russia as a whole

• Holy Trinity, Hospitality of Abraham; by Andrei Rublev; c. 1411; tempera on panel; 1.1 × 1.4 m; Tretyakov Gallery (Moscow)

• The miracle of the icon «The Sign of Our Lady» (battle between warriors of Novgorod and Suzdal); 1st half-mid 15th century; tempera on wood; 133 × 90 cm; Tretyakov Gallery

• Fraternity drinking bowl (endova); 1560–1577; partially gilded silver; height: 15.2 cm, width: 26 cm; Walters Art Museum (Baltimore, USA)

• Genealogy of the state of Muscovy; by Simon Ushakov; 1668; tempera on wood; height: 105 cm, width: 62 cm; Tretyakov Gallery

• Ukrainian diptych; 1736; silver frame (oclaid), partially gilded; overall: 7.8 × 5.4 × 3.8 cm; Metropolitan Museum of Art

Renaissance[edit]

Starting in the 13th century, Italy began to experience a period of great artistic flowering. It is difficult, if not futile, to identify a single impetus for the changes that took place, but a number of factors contributed: a new awareness of antiquity and its distinctiveness, economic prosperity and a coincident sense of competition among patrons and artists, and a newfound awareness of the natural and secular world.

Medieval Europeans didn't perceive a fundamental difference between their own time and antiquity. People were largely indifferent to the scattered vestiges of the past around them, for ancient monuments were familiar to the point of being invisible. Some of these were seen as `marvels’ because of their size or fine carving, but that only made them suspect. The Pantheon in Rome, for example, was said to have been built by demons, and it only survived because it was converted into a church.

The renewed attention to the past as distinct from the present and, more importantly, a desire to revive it, occurred in a series of waves. In the 13th century the Holy Roman Emperor Frederick II (reign 1220–1250), who ruled southern Italy, sought to revive the glories of imperial Rome, including its arts. The sculptor Nicola Pisano learned his craft in that environment before moving north to Tuscany and inspiring local sculptors. In the 14th century the Italian poet Petrarch (1304–1374) postulated a definitive break between the golden age of antiquity and his own time of cultural decline. In the 15th century Leon Battista Alberti (1404–1472), in his treatise On Painting, wrote of the talented artists of antiquity, in comparison to whom living painters and sculptors were `in no way inferior’. This sense of distance inspired Italians to view the Roman past with fresh eyes, to learn from the accomplishments of the ancients. Competition was also a crucial motivator, as cities, rulers and private individuals strove to outdo one another in their patronage of public and private artworks.^[93]

• Pulpit; by Nicola Pisano; 1265–1268; marble; height: 4.6 m; Pisa Baptistery (Italy)^[93]

• The Florence Cathedral, built between 1296 and 1436 in Florence (Italy)

• The Arnolfini Portrait; by Jan van Eyck; 1434; oil on panel; 82.2 × 60 cm; National Gallery (London)

• The Last Judgement; by Fra Angelico; 1435–1450; poplar wood; 103 × 65.3 cm; Gemäldegalerie (Berlin)

• Pietà by Michelangelo; 1498–99; marble; 517 cm × 199 cm; St Peter's Basilica Vatican City

• Mona Lisa; by Leonardo da Vinci; c. 1503–1506, perhaps continuing until c. 1517; oil on poplar panel; 77 cm × 53 cm; Louvre

• The Garden of Earthly Delights; by Hieronymus Bosch; c. 1504; oil on panel; 2.2 × 1.95 m – the central panel; Museo del Prado (Madrid, Spain)

• The School of Athens; by Raphael; 1509–1510; fresco; 5.8 × 8.2 m; Apostolic Palace (Vatican City)

• Basin or bowl with a lady named Laura Bella; circa 1510; maiolica (tin-glazed earthenware); overall: 6 × 27.3 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• The Rhinoceros; by Albrecht Dürer; 1515; woodcut; 23.5 cm × 29.8 cm; National Gallery of Art (Washington, D.C.)

• Italian altar enframement; circa 1530–1550; marble; height: 4.2 m, width: 3.3 m; probably from Tuscany; Metropolitan Museum of Art

• The Ambassadors; by Hans Holbein the Younger; 1533; oil on panel; 2.07 × 2.09; National Gallery (London)

• Pair of pharmacy bottles; circa 1550; maiolica (tin-glazed earthenware); overall: 38.4 × 24.9 × 21 cm; Metropolitan Museum of Art

• Fragment; 16th century; silk and metal thread; 33.7 × 34.3 cm; Metropolitan Museum of Art

• Cassone (chest), with gadroonings; mid 16th century; walnut, carved and partially gilded, coniferous wood; height: 73.6 cm, width: 1.7 m, depth: 63.5 cm; Metropolitan Museum of Art

• Oval basin or dish with subject from Amadis of Gaul; circa 1559–1564; maiolica; overall: 6 × 67.3 × 52.4 cm; Metropolitan Museum of Art

• Summer; by Giuseppe Arcimboldo; 1563; oil on panel; 67 × 50.8 cm; Kunsthistorisches Museum (Vienna, Austria)

• The Tower of Babel; by Pieter Bruegel the Elder; 1563; oil on panel: 1.14 × 1.55 cm; Kunsthistorisches Museum

• French dresser (dressoir aux harpies); circa 1570–1590; carved walnut with interior elements of oak, pine, and some iron accessories; height: 144.8 cm, width: 137.8 cm, depth: 50.8 cm; Metropolitan Museum of Art

• Inkstand with Apollo and the Muses; 1584; maiolica (tin-glazed earthenware); overall: 48.3 × 52.1 × 37.8 cm; Metropolitan Museum of Art

Baroque[edit]

Baroque appeared at the end of the Renaissance (the 16th century), as a reaction to Classical canons in the next two centuries, the 17th and the 18th. The 17th century was a period of volatile change. Astronomical breakthroughs and scientific inventions such as the telescope and microscope were matched by developments in geography, exploration, natural history and philosophy. Religious upheaval added to the mix, as the Catholic Counter-Reformation contested the growing popularity of Protestant faith. During the Renaissance and Baroque eras, the highest goal of painting was to provide moral exemplars by depicting instructive events from literature, history and mythology. These works are known as history paintings. 17th century history painters were preoccupied with rendering emotion at the most significant moment of a story. This process involved the use of gesture and facial expressions to convey the `passion of the soul’. This was often combined with a concern for narrative clarity and dramatic concentration, especially in the case of Nicolas Poussin. By such means painters intensified the dramatic impact of narrative scenes, as in Poussin's Abduction of the Sabine Women, in which the horror and fear displayed by the women in contrasted with the aggression and determination of the men, resulting in images of power and terrible beauty.^[94]

In decorative and applied arts, Baroque appeared first in the area of present-day Italy, and spread in all Europe. It was a highly ornate and often extravagant style of architecture, music, dance, painting, sculpture and other arts.^[95] Main decorative motives include: horns of plenty, festoons, baby angels, lion heads holding a metal ring in their mouths, female faces surrounded by garlands, cartouches, acanthus leaves, classical columns, pediments and other elements of Classical architecture sculpted on some parts of pieces of furniture.^[96]

• The Calling of St Matthew; by Caravaggio; 1599–1600; oil on canvas; 3.2 × 3.4 m; Church of St. Louis of the French (Rome)

• Judith Slaying Holofernes; by Artemisia Gentileschi; 1614–1620; oil on canvas; 199 × 162.5 cm; Uffizi (Florence, Italy)

• The Four Continents; by Peter Paul Rubens; circa 1615; oil on canvas; 209 × 284 cm; Kunsthistorisches Museum (Vienna, Austria)

• Apollo and Daphne; by Gian Lorenzo Bernini; 1622–1625; marble; height: 2.43 m; Louvre

• Dutch wardrobe; 1625–1650; oak with ebony and rosewood veneers; overall: 244.5 × 224.3 × 85.2 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, US)

• Charles I at the Hunt; by Anthony van Dyck; circa 1635; oil on canvas; 2.66 × 2.07 m; Louvre^[97]

• Église Saint-Paul-Saint-Louis from Paris, by Étienne Martellange and François Derand, completed in 1641

• The Night Watch; by Rembrandt; 1642; oil on canvas; 363 × 437 cm; Rijksmuseum (Amsterdam, the Netherlands)

• Interior of the Fara Church from Poznań (Poland), 1651-1701

• Las Meninas; by Diego Velázquez; 1656–1657; oil on canvas; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado (Madrid, Spain)

• The Palace of Versailles, the most iconic Baroque building; by Louis Le Vau, Jules Hardouin-Mansart and others; started in 1623 (hunting lodge)-1710 (with completion of the chapel); brick, white ashlar stone and marble; area: 63,154 m²; in Versailles (France)^[98]

• The Bust of Louis XIV; by Gian Lorenzo Bernini; 1665; marble; 105 × 99 × 46 cm; Palace of Versailles

• The Art of Painting; by Johannes Vermeer; 1666–1668; oil on canvas; 1.3 × 1.1 m; Kunsthistorisches Museum

• Carpet with fame and fortitude; 1668–1685; knotted and cut wool pile, woven with about 90 knots per square inch; 909.3 × 459.7 cm; Metropolitan Museum of Art

• The Portrait of Louis XIV; by Hyacinthe Rigaud; 1701; oil on canvas; 277 × 194 cm; Louvre

• Commode; by André Charles Boulle; 1710–1720; ebony, gilt-bronze mounts and other materials; 87.6 × 128.3 × 62.9 cm; Metropolitan Museum of Art

• The façade of Palais Rohan (Strasbourg, France) which faces the river, 1732-1742

• Attributes of Music; by Anne Vallayer-Coster; 1770; oil on canvas; 116 × 88 cm; Louvre

Rococo and Rocaille[edit]

Delicacy, gaiety, youthfulness and sensuality were the ideals of French Rococo painting. Frivolity was a virtue, and portrait painting was increasingly in demand in a society in which a charming likeness was an essential part of seduction. Primarily a style of surface ornament, the Rococo relegated sculpture and painting to secondary roles and used gilding to compartmentalise walls, mirrors and ornamental panels. This style spread quickly throughout Europe and as far as Ottoman Turkey and China, thanks to ornament books featuring cartouches (curvilinear, often asymmetrical, panels), arabesques (sinuous, interlacing plant-like forms) and shell work, as well as designs for wall panels and fireplaces.^[100] French Rococo developed during the Régence (1715-1723), when Louis XV (reign between 1715 and 1774) was a child and the country was governed by Philippe d'Orléans. It grew out of the heavier Baroque style of the court of Louis XIV, incorporating lighter elements, more delicate curves, asymmetry and playfulness.^[101] In decorative arts and architecture, it can be recognised by its huge quantity of curves and C-shaped volutes, lightness in colour and weight, or low relief work of ribbons, scrolls, shells, flower wreaths, birds and animals.^[102] In France, it enters through the style known as Louis Quinze, here being also known as Pompadour. Unlike Baroque, Rococo abandoned symmetry.^[103] This style is seen first in decorative arts and design, but by its height around 1730 it had spread to painting and sculpture. Pan and Venus replaced Apollo and Hercules in a rebirth of gods, goddesses and heroes, and in contrast to the sometimes brooding darkness associated with the Baroque style, a light palette was empolyed. Three French painters with whom the term Rococo is most often associated are François Boucher, Jean-Antoine Watteau and Jean-Honoré Fragonard.^[101]

The term "rococo" comes from the French rocaille, which means "pebble", referring to the organic images that decorate walls and panels, some interiors having a cave-like aspect, like an oval salon in the Hôtel de Soubise from Paris.^[104]

The interior of the Hôtel de Soubise in Paris are among the most characteristically elegant and refined examples of the Rococo decorative style. The house is one of the most beautiful 18th-century city mansions in Paris. It was built for the Prince and Princess of Soubise in 1375 and remodelled in 1704 under the instructions of François de Rohan, Prince de Soubise. The building, which is divided into two apartments – that of the Prince on the ground floor and that of the Princess on the upper floor, or piano nobile – features on both floors oval salons that overlook the garden. the salons were created between 1735 and 1739 by Germain Boffrand, a pupil of the French architect François Mansart. Boffrand softened the lines of the Salon Oval de la Princesse with sinuous curves, multiplying the mirror reflection. The walls melt into the vaults, and irregular niches for sculpture are separated by rocaille shells. Architecture, sculpture and painting combine to create a rich and harmonious atmosphere. Eight ceiling canvases painted by Charles-Joseph Natoire between 1737 and 1739 illustrate the story of Cupid and Psyche. Before his return from Italy in 1730, Natoire had spent several years in Rome at the Académie de France, where he had studied the works of Paolo Veronese, Antonio Correggio and, especially, Pietro da Cortona, a 17th-century painter of decorative frescos. Their influence is evident in the supple and elegant compositions, the lighting effects, and the way the figures are adapted to the constraints of the decor. The palette of pinks, blues and greens creates a charming arcadian effect, encapsulating the mature Rococo.^[99]

The Portuguese were the first Europeans to trade directly with the nations of East Asia, shortly after finding a direct route around Africa in 1498. Britain and Holland followed suit just over a century later with the foundation of their East India companies – Protestant challenges to Portugal's power and Chinese porcelains, Indian textiles and Japanese lacquers flooded the markets of Amsterdam and London. These items were sought after as objects of prestige, symbolic not only for personal wealth but also of the influence of the nations able to import them. European imaginations were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the breach, creating a blend of Rococo forms and authentic Asian figures, motifs and techniques. The vogue for Chinoiserie was ubiquitous: Asian-inspired interiors swept over Europe from Sweden to Sicily and flourished in the Americas from New England to New Spain (Mexico), Brazil to Argentina.^[105]

• The Chinese House, by Johann Gottfried Büring,^[106] a chinoiserie garden pavilion in Sanssouci Park, from Potsdam (Germany)

• The amazing interior of the Wilhering Abbey (Wilhering, Austria). This interior has a trompe-l'œil on its ceiling, surrounded of highly decorated stuccos

• Boiserie from the Hôtel de Varengeville; circa 1736–1752; various materials, including carved, painted, and gilded oak; height: 5.58 m, width: 7.07 m, length: 12.36 m; in the Metropolitan Museum of Art (New York City)

• Design of a salon; by Juste-Aurèle Meissonnier; 1738–1749; etching; 31.3 × 50.5 cm; Rijksmuseum (Amsterdam, the Netherlands)

• Title print by Juste Aurele Meissonnier; 1738–1749; etching on paper; 51.6 × 34.9 cm; Rijksmuseum

• Wall elevation with a secretaire, from 'Schreibtische'; by Johann Georg Hertel; 1748–1770; etching; 29.7 × 19.1 cm; Metropolitan Museum of Art

• Rococo chest of drawers; circa 1750; oak, tulipwood marquetry, gilt metal mounts and marble; overall: 88 × 156.5 × 69.9 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, US)

• Pair of candelabrums; 18th century; soft-paste porcelain; heights (the left one): 26.8 cm, (the right one): 26.4 cm; by the Chelsea porcelain factory; Metropolitan Museum of Art

• Mr and Mrs Andrews; by Thomas Gainsborough; circa 1750; oil on canvas; 69.8 × 119.4 cm; National Gallery (London)

• Cartonnier with a clock of Frederick the Great; 1752–1753; various types of wood, gilt and enamel on bronze; 242.5 × 90 × 49 cm; National Museum in Warsaw (Warsaw, Poland)

• Madame de Pompadour; by François Boucher; 1756; oil on canvas; 2.01 × 1.57 m; Alte Pinakothek (Munich, Germany)

• The Ark of the Covenant, from Book of Cartouches; by François Boucher; mid-18th century; etching and engraving (reverse copy); sheet (trimmed): 30 × 19.8 cm; Metropolitan Museum of Art

• Covered tureen (terrine du roi); 1756; soft-paste porcelain with enamel and gilt decoration; overall: 24.2 cm, the container: 15.9 × 22.6 × 16.5 cm; Cleveland Museum of Art

• Fan with the garden of the Chiswick villa; 1757; kid and ivory; 26.4 × 47.9 cm; Metropolitan Museum of Art

• The Swing; by Jean-Honoré Fragonard; 1767–1768; oil on canvas; height: 81 cm, width: 64 cm; Wallace Collection (London)

• Pair of Chinese vases with French mounts; (the porcelain): early 18th century, (the mounts): 1760–1770; hard-paste porcelain with gilt-bronze mounts; (each) height: 32.4 cm; Metropolitan Museum of Art

• The coiffure; made by the Ludwigsburg Porcelain Manufactory; circa 1770; hard-paste porcelain; overall: 12.4 × 9.8 × 7 cm; Metropolitan Museum of Art

• Portrait of Marie-Antoinette of Austria; by Jean-Baptiste André Gautier-Dagoty; 1775; oil on canvas; 160 × 128 cm; Palace of Versailles (Versailles, France)

• Lady in Blue; by Thomas Gainsborough; late 1770s-early 1780s; oil on canvas; 76 × 64 cm; Hermitage Museum (Sankt Petersburg, Russia)

• Personifications of the continents (from left to right): America, Europe, Africa and Asia; 1780–1788; hard-paste porcelain; various dimensions; Metropolitan Museum of Art

Neoclassicism[edit]

The revival of Classical styles in the second half of the 18th century was in some ways a reaction against the perceived frivolity and decadence of the Rococo. It was stimulated by the rediscovery of the ancient sites of Pompeii and Herculaneum, which inspired a fascination with Greek and Roman antiquity and influenced all the arts, from painting and sculpture to architecture, fashion, literature and music.

The most original phase of Neoclassicism can be associated with the French Revolution of 1789–1799, when artists and architects drew overt comparisons between their desire for Liberté, Egalité et Fratenité and what they understood to be the political principles of Classical Rome and Greece.^[107] The Empire style is representative of the new French society emerging from the revolution that set the tone in all areas of life, including art. This style has introduced the concept of industrial production in decorative art. Other Neoclassical styles include: Adam (English) and the Federal (American). Motifs widely used in Neoclassical applied art are: pediments, acanthus leaves, palmettes, festoons, cartouches, ancient trophies and musical instruments, griffins, chimeras, sphinxes, horns of abundance, lion heads holding a metal ring in their mouths and sometimes winged women.^[108] Most of them are taken from Greek, Etruscan or Roman objects, interiors and architecture; but some of them, like the cartouche are from the Renaissance.

• Château de Bagatelle from Paris, a small Neoclassical château

• The Judgment of Paris; by Angelica Kauffman; circa 1781; oil on canvas;100.9 × 80 cm; Museo del Ponce (Puerto Rico)

• Sybil Temple, Izabela Czartoryska's first museum at Pulawy; by Piotr Aigner (Poland); circa 1775;

• Vases with covers; 1784–1795; soft-paste porcelain; height (with cover): 47.6 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• Oath of the Horatii; by Jacques-Louis David; 1784; oil on canvas; height: 330 cm, width: 425 cm; Louvre

• The Death of Socrates; by Jacques-Louis David; 1787; oil on canvas; 129.5 cm × 196.2 cm; Metropolitan Museum of Art

• Girl with a dove; by Anna Rajecka; 1789–1790; pastel on paper; 64 × 53 cm; National Museum (Warsaw, Poland)

• Double door, with Greek and Roman ornaments on it; by Pierre Rousseau; 1790s; oil on panel; framed: 287 × 154 × 6 cm, unframed: 274 × 63 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, US)

• Coffee cup with saucer; circa 1790; jasper ware with relief decoration; diameter: 13.6 cm; by the Wedgwood Factory (England); Cleveland Museum of Art

• Perseus with the head of Medusa; by Antonio Canova; 1804–1806; marble; height: 242.6 cm, width: 191.8 cm, depth: 102.9 cm; Metropolitan Museum of Art

• Venus Victrix; by Antonio Canova; 1805–1808; marble; Galleria Borghese (Rome)

• Desk chair (fauteuil de bureau); 1805–1808; mahogany, gilt bronze and satin-velvet upholstery; 87.6 × 59.7 × 64.8 cm; Metropolitan Museum of Art

• Clock with Mars and Venus; circa 1810; gilded bronze and patina; height: 90 cm; Louvre

• Leonidas at Thermopylae; by Jacques-Louis David; 1814; oil on canvas; 395 × 531 cm; Louvre

• Saint Isaac's Cathedral in Saint Petersburg (Russia), completed in 1858

• Dining room of the Centralhotel (Berlin), designed in 1881 by von der Hude & Hennicke

Western art after 1770[edit]

Many art historians place the origins of modern art in the late 18th century, others in the mid 19th century. Art historian H. Harvard Arnason stated "a gradual metamorphosis took place in the course of a hundred years."^[109] Events such as the age of enlightenment, revolutions and democracies in America and France, and the Industrial Revolution had far reaching affects in western culture. People, commodities, ideas, and information could travel between countries and continents with unprecedented speed and these changes were reflected in the arts. The invention of photography in the 1830s further altered certain aspects of art, particularly painting. By the dawn of the 19th century, a long and gradual paradigm shift was complete, from the Gothic when artists were viewed as craftsmen in the service of the church and monarchies, to the idea of art for art's sake, where the ideas and visions of the individual artist were held in the high regard, with patronage from an increasingly literate, affluent, and urban middle and upper class population that had been emerging for 200 years (particularly in Paris and London). A dichotomy begin in the late 18th century between neoclassicism and romanticism that subdivided and continued to run through virtually every new movement in modern art: "Spreading like waves, these "isms" defy national, ethnic, and chronological boundaries; never dominant anywhere for long, they compete or merge with each other in endlessly shifting patterns. "^[110]

Modern art has consistently moved toward international influences and exchanges, from the exotic curiosity of Orientalism, the deeper influence of Japonisme, to the arts of Oceania, Africa, and the Americas. Conversely modern art has increasingly extended beyond western Europe. In Russia and the USA the arts were developing to a degree that rivaled the leading European countries by the end of the 19th century. Many of the major movements appeared in Latin America, Australia, and Asia too and geography and nationality became increasingly insignificant with each passing decade. By the 20th century important and influential artist were emerging around the world: e.g. Foujita (Japan), Arshile Gorky (Armenia), Diego Rivera and Frida Kahlo (Mexico), Wifredo Lam (Cuba), Edvard Munch (Norwegian), Roberto Matta (Chilean), Mark Rothko (Lithuanian-American), Fernando Botero Angulo (Colombia), Constantin Brâncuși and Victor Brauner (Romania).^{[111][112][113][114][115]}

• Newton's Cenotaph, exterior by night; by Étienne-Louis Boullée; 1784; ink and wash, 40.2 × 63.3 cm.; Bibliothèque Nationale, Paris

• The Dog; Francisco de Goya; ca. 1819–1823; Oil mural on plaster, transferred to canvas, 131.5 × 79.3 cm.; Museo del Prado, Madrid

• Death on a Pale Horse; J. M. W. Turner; c. 1830; oil on canvas, 60 × 76 cm.; Tate Britain, London

• Toothless Man Laughing, Charles Philipon form Célébrités du Juste milieu; Honoré Daumier; 1832–33; painted clay, 6.12 high; Musée d'Orsay (Paris)

• Still life with statue of Jupiter Tonans; by Louis Jacques Daguerre; c. 1839; daguerreotype

19th century[edit]

Romanticism (c. 1770–1860)[edit]

Romanticism emerged in the late 18th century and flourished in the first half of the 19th century with significant and international manifestations in music, literature, poetry, and architecture, as well as the visual arts. One of the earliest expressions of romanticism was in the English landscape garden, carefully designed to appear natural and standing in dramatic contrast to the formal gardens of the time. The concept of the "natural" English garden was adopted throughout Europe and America in the following decades. In architecture, the romantics frequently turned to alternative sources other than the Greek and Roman examples admired by the neo-classicist. Romantic architecture often revived Gothic forms and other styles such as exotic eastern models. The Palace of Westminster (Houses of Parliament), London is an example of romantic architecture that is also referred to as Gothic Revival.^[110] In painting romanticism is exemplified by the paintings of Francisco Goya in Spain, Eugène Delacroix and Théodore Géricault in France, William Blake, Henry Fuseli, Samuel Palmer, and William Turner in England, Caspar David Friedrich and Philipp Otto Runge in Germany, Francesco Hayez in Italy, Johan Christian Claussen Dahl in Norway, and Thomas Cole in America. Examples of sculptors of the romantic period include Antoine-Louis Barye, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Préault, and Francois Rude. As romanticism ran its course, some aspects of the movement evolved into symbolism.^{[114][116][117]}

"Neoclassicism is a new revival of classical antiquity.....while Romanticism refers not to a specific style but to an attitude of mind that may reveal itself in any number of ways."^[110] Romanticism often attempts to address the viewer through the heart and psyche, evoking passions and emotions, often reflecting on mankind's relationship and place in nature in the industrial revolution; in contrast to the symmetry, rational, "cult of reason"^[118] of Neoclassicism.^[116][114]

• English landscape garden at Stourhead, England (designed ca. 1744-1765 / photographed 1993) Henry Flitcroft (designer), Henry Hoare (owner, planner).

• Landscape with Boar Hunt; by Philippe Jacques de Loutherbourg; circa 1780; oil on canvas; 144.1 × 155.6 cm; Museum of Fine Arts, Houston (US)

• Newton; by William Blake; 1795; color print, pen & ink, watercolor; 46 × 60 cm; Tate Britain (London)

• The Rev Robert Walker Skating on Duddingston Loch; by Sir Henry Raeburn; 1790s; oil on canvas; 25in × 30in; National gallery of scotland (Edinburgh)

• Madame de Staël as Corinne at Cape Miseno; by Elizabeth Vigée-Lebrun; 1807–09; oil on canvas; 140 cm × 118 cm; Musée d'Art et d'Histoire (Geneva) Switzerland

• Morning; by Philipp Otto Runge; 1808; oil on canvas; 106 × 81 cm; Kunsthalle Hamburg (Hamburg, Germany)

• The Third of May 1808; by Francisco Goya; 1814; oil on canvas; 2.6 × 3.4 m; Museo del Prado

• Le tre Grazie (The Three Graces); by Antonio Canova; 1815–1817; marble; 173 × 97.2 × 57 cm; Victoria and Albert Museum (London)

• The Raft of the Medusa; Théodore Géricault; 1818–1819; oil on canvas; 491 × 716 cm; Louvre

• The Sea of Ice; by Caspar David Friedrich; 1823–1824; oil on canvas; 97 × 127 cm; Kunsthalle Hamburg

• The Death of Sardanapalus; by Eugène Delacroix; 1827; oil on canvas; 3.9 × 14.9 m; Louvre

• The Vale of Dedham; by John Constable; 1828; oil on canvas; 145 cm × 122 cm; National Gallery of Scotland

• The Goethe Monument; by Carl Gustav Carus; 1832; oil on canvas; 71 × 52.2 cm; Kunsthalle Hamburg

• Python Killing a Gnu; by Antoine-Louis Barye; 1834–39; bronze; 21.6 × 29.2 × 24.1 cm; Walters Art Museum (Baltimore, USA)

• Houses of Parliament; by Sir Charles Barry and A. Welby Pugin; begun in 1836; London

• Orszaghaz Houses of Parliament; by Imre Steindl; Gothic Revival; begun in 1885; Budapest

• The Course of Empire: The Savage State; by Thomas Cole; 1836; oil on canvas; 100 × 161 cm; New York Historical Society (New York City)

• Slave Ship (Slavers Throwing Overboard the Dead and Dying, Typhoon Coming On); by J. M. W. Turner; 1840; oil on canvas (90.8 × 122.6 cm.); Museum of Fine Arts Boston (Massachusetts, USA)

• The Destruction of Sodom and Gomorrah; by John Martin; 1852; oil on canvas; 136.3 × 212.3 cm; Laing Art Gallery (Newcastle upon Tyne, England)

• Ugolino and His Sons; by Jean-Baptiste Carpeaux; 1857–60; Marble; 197.5 × 149.9 × 110.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

Realism (c. 1840–1880)[edit]

Realism emerged in the mid-nineteenth century, circa 1840, and had counterparts in sculpture, literature, and drama, often referred to as Naturalism in literature. In nineteenth-century painting, the term Realism refers more to the subject matter depicted than to the style or technique. Realist paintings typically represent ordinary places and people engaged in everyday activities, as opposed to grand, idealized landscapes, mythological gods, biblical subjects, and historical figures and events that had often dominated painting in western culture. Courbet said "I cannot paint an angel because I have never seen one".^[110] Realism was also in part a reaction to the often dramatic, exotic, and emotionally charged work of romanticism. The term realism is applied relative to the idealized imagery of neo-classicism and the romanticized imagery of romanticism. Artists such as Jean-Baptiste-Camille Corot and Honoré Daumier had loose associations with realism, as did members of the Barbizon School, particularly Jean-François Millet, but it was perhaps Gustave Courbet who was the central figure in the movement, self identifying as a realist, advocating realism, and influencing younger artists such as Édouard Manet. One significant aspect of realism was the practice of painting landscapes en plein air and its subsequent influence on impressionism. Beyond France, realism is exemplified by artists such as Wilhelm Leibl in Germany, Ford Madox Brown in England, and Winslow Homer in the United States. Art historian H. H. Arnason wrote, "The chronological sequence of neo-classicism, romanticism, and realism is, of course, only a convenient stratification of movements or tendencies so inextricably bound up with one another and with the preceding movements that it is impossible to tell where one ended and another began",^[109] and this becomes even more pertinent and complex as one follows all of the movements and "isms" into the late 19th and early 20th centuries.^{[119][120][121][122]}

• Saint-André-en-Morvan; by Jean-Baptiste-Camille Corot; 1842; oil on canvas; 31 × 59 cm; Louvre

• Pool in the Forest; by Théodore Rousseau; early 1850s; oil on canvas; 39.4 × 57.4 cm; Museum of Fine Arts (Boston, US)

• The Last of England; by Ford Madox Brown; 1852–1855; oil on panel; height: 82.5 cm, width: 75 cm; Birmingham Museum and Art Gallery (England)

• The Meeting ("Bonjour, Monsieur Courbet"); 1854; oil on canvas; Musée Fabre Montpellier

• Third Class Carriage; by Honorè Daumier; 1856–1858; oil on panel; 26 × 33.9 cm; Museum of Fine Arts (San Francisco, US)

• The Absinthe Drinker; by Édouard Manet; 1859; oil on canvas; 18.05 × 10.56 mm; Ny Carlsberg Glyptotek (Copenhagen, Denmark)

• The Goosegirl; by Jean-François Millet; 1866–67; oil on canvas; 45.7 × 55.9 cm; Tokyo Fuji Art Museum (Hachiōji, Tokyo, Japan)

• Artists Sketching in the White Mountains; by Winslow Homer; 1868; oil on panel; 24.1 cm × 40.3 cm; Portland Museum of Art (Maine, US)

• The Death of Cleopatra; by Edmonia Lewis; 1876; marble; Smithsonian Museum for American Art

• Four-in-hand on the Steppes; by Jozef Chelmonski; 1881; oil on canvas; 275 cm × 660 cm National Museum, Kraków

• Three Women in Church; by Wilhelm Leibl; 1882; oil on mahogany wood; height: 113 cm, width: 77 cm; Kunsthalle Hamburg (Germany)

• Feast of Trumpets; by Aleksander Gierymski; 1884; oil on canvas; 47 × 64.5 cm; National Museum, Warsaw

• A Negress; by Anna Bilińska-Bohdanowicz; 1884; oil on canvas; 63 × 48.5 cm; National Museum (Warsaw)

• Fisherman with his Nets; by Leon Wyczółkowski; 1890s; oil on millboard; Gdansk Museum (Poland)

Impressionism (c. 1860–1890)[edit]

Impressionism emerged in France, under the influences of Realism, the Barbizon School, and en plein air painters like Eugène Boudin, Camille Corot, Charles- Francois Daubigny, and Johan Barthold Jongkind. Starting in the late 1850s, several of the impressionists had made acquaintances and friendships as students in Paris, notably at the free Académie Suisse and Charles Gleyre's studio. Their progressive work was frequently rejected by the conservative juries of the prestigious Académie des Beaux Arts salons, a forum where many artist turned to establish their reputations, and many of the young artist were included in a highly publicized, but much ridiculed Salon des Refusés in 1863. In 1874 they formed the Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, independent of the academy, and mounted the first of several impressionist exhibitions in Paris, through to 1886 when their eighth and final exhibition was held. Important figures in the movement included Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte, Mary Cassatt, Paul Cézanne, Edgar Degas, Armand Guillaumin, Édouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, and Alfred Sisley. Although impressionism was primarily a movement of painters, Degas and Renoir also produced sculptures and others like Auguste Rodin and Medardo Rosso are sometimes linked to impressionism. By 1885 impressionism had achieved some prominence, and yet a younger generation were already pushing the limits beyond impressionism. Artist from Russia, Australia, America and Latin America soon adopted impressionist styles. A few of the original impressionist continued producing significant work into the 1910s and 1920s.^{[123][124][125]}

Although not unprecedented, many of the techniques used were in contrast to traditional methods. Paintings were often completed in hours or days with wet paint applied to wet paint (opposed to wet on dry paint, completed in weeks and months). Rather than applying glazes and mixed colors, pure colors were often applied side by side, in thick, opaque, impasto strokes; blending in the eye of the viewer when observed from a distance. Black was used very sparingly, or not at all, and defining lines replaced with nuanced strokes of color forming the subjects, contours, and shapes. Art historian H. W. Janson said "instead of adding to the illusion of real space, it strengthens the unity of the actual painted surface."^[110] Impressionist paintings typically depict landscapes, portraits, still lifes, domestic scenes, daily leisure and nightlife, all treated in a realist manner. Compositions were often based on unusual perspectives, appearing spontaneous and candid. The paintings were usually void of didactic, symbolic, or metaphoric meanings, and rarely addressed the biblical, mythological, and historical subjects that were so highly regarded by the academies or the darker and psychological interest explored by the symbolist. The nuances of light, shadow, atmosphere, and reflections of colors from surfaces were examined, sometimes emphasizing changes of these elements in time. The painting itself was the subject of the painting. It was art for art's sake, an idea that had been floating around for a few of decades but it perhaps reached a new high and consistency in impressionism.^{[113][123][124][125]}

• Dancers in Pink; Edgar Degas; 1867; oil on canvas; 59 × 74 cm; Hill–Stead Museum (Farmington, Connecticut, USA)

• View of the Village; by Frédéric Bazille; 1868; oil on canvas, 130 × 89 cm.; Musée Fabre (Montpellier, France)

• Soleil couchant à Ivry; by Armand Guillaumin; 1873; oil on canvas, 65 × 81,0 cm.; Musée d'Orsay, Paris

• Claude Monet Painting in his Studio; by Édouard Manet; 1874; oil on canvas; 80 × 98 cm; Neue Pinakothek (Munich, Germany)

• The Railway Bridge at Argenteuil; by Claude Monet; 1874; oil on canvas; 60 × 80 cm; Musée d'Orsay (Paris)

• Mademoiselle Boissière Knitting; by Gustave Caillebotte; 1877; oil on canvas; 65 × 80 cm; Museum of Fine Arts (Houston, USA)

• Bowl with Apples; by Paul Cézanne; 1878–79; oil on canvas; 45.5 × 55 cm; Annenberg Collection (Palm Springs, USA)

• Summer-day: Lake in the Bois de Boulogne; by Berthe Morisot; 1879; oil on canvas; 45.7 × 75.2 cm; National Gallery (London)

• Banks of the Seine at By; by Alfred Sisley; ca. 1880–81; oil on canvas; 54.3 × 73.3 cm; Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts, USA)

• Autumn, Lydia Cassatt; Mary Cassatt; 1880; oil on canvas; 92.5 × 65.5 cm; Petit Palais (Paris)

• The Loge; by Pierre-Auguste Renoir; 1881; oil on canvas; 127 × 92 cm; Courtauld Institute of Art (London)

• A Bar at the Folies-Bergère; by Édouard Manet; 1881–82; oil on canvas, 96 × 130 cm.; Courtauld Institute of Art

• Bordighera; by Claude Monet; 1884; oil on canvas, 81 × 65 cm.; Art Institute of Chicago (US)

• Rue Saint-Honoré, dans l'après-midi. Effet de pluie; by Camille Pissarro; 1898; oil on canvas, 73.6 × 91.4 cm.; Minneapolis Institute of Art (USA)

• Water Lilies, Morning; by Claude Monet; ca. 1914–24; oil on canvas, 2,000 × 12,750 mm; Musée de l'Orangerie (Paris)

Symbolism (c. 1860–1915)[edit]

Symbolism emerged in France and Belgium in the 3rd quarter of the nineteenth century and spread throughout Europe in the 1870s, and later to America to a lesser extent. It evolved from romanticism without a clear or defining demarcation point, although poetry, literature, and specifically the publication of Charles Baudelaire's Les Fleurs du mal (The Flowers of Evil) in 1857 were significant in the development of symbolism. It had international expression in poetry, literature, drama, and music. In architecture, the applied arts, and decorative arts symbolism closely paralleled and overlapped into Art Nouveau. Symbolism is often inextricably linked to other contemporary art movements, surfacing and finding expression within other styles like Post-Impressionism, Les Nabis, the Decadent Movement, the Fin-de Siecle, Art Nouveau, The Munich Secession, The Vienna Secession, Expressionism, and even the Pre-Raphaelites, which had formed before and influenced symbolism as well. Artist as diverse as James McNeill Whistler, Eugène Carrière, Ferdinand Hodler, Fernand Khnopff, Giovanni Segantini, Lucien Lévy-Dhurmer, Jean Delville, and James Ensor all had varying degrees of association with symbolism. Art historian Robert L. Delevoy wrote "Symbolism was less a school than the atmosphere of a period."^[126] It quickly began to fade with the onset of Fauvism, Cubism, Futurism and had largely dissipated by the outbreak of the First World War, however it did find some sustained development and relevance in the metaphysical school, which in turn had a profound influence on surrealism.^{[126][113][127]}

The subjects, themes, and meanings of symbolist art are frequently veiled and obscure, but at its best still manage to resonate deeply on psychological or emotional levels. The subjects are often presented as metaphors or allegories, aiming to evoke highly subjective, personal, introspective emotions and ideas in the viewer, without clearly defining or addressing the subject directly. The poet Stéphane Mallarmé wrote "depict not the thing but the effect it produces"^[128] and "To name an object is to suppress three quarters of the pleasure of the poem which is made to be understood little by little".^[127] The English painter George Frederic Watts stated "I paint ideas, not things."^{[126][113][127]}

• The Carrier Pigeon; by Pierre Puvis de Chavannes; 1871; oil on canvas; 136.7 × 86.5 cm; Musée d'Orsay (Paris)

• Pornocrates; by Félicien Rops; 1878; watercolor, gouache and pastel; 75 × 48 cm; Musée Félicien Rops (Namur, Belgium)

• Entführung [Abduction]; by Max Klinger; 1891; etching and aquatint; 11,9 × 26,9 cm; Albertina (Vienna, Austria)

• Chimera; by Odilon Redon; 1883; charcoal and black chalk on paper; 50,4 × 34 cm; Kröller-Müller Museum (Otterlo, the Netherlands)

• Andromeda (previous title Danaid); by Auguste Rodin; 1886; marble; 29 × 32 × 20 cm; Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina)

• Isle of the Dead (5th. version); by Arnold Böcklin; 1886; oil on panel (80.7 × 150 cm.); Museum der bildenden Künste (Leipzig)

• O grave, where is thy Victory; Jan Toorop; 1892; pencil and chalk; 60.4 × 75.3 cm; Rijksmuseum (Amsterdam)

• The Sin; by Franz von Stuck; 1893; oil on canvas; 94.5 × 59.5 cm; Neue Pinakothek (Munich, Germany)

• Love and Pain; by Edvard Munch; 1894; oil on canvas; 100 × 110 cm; Munch Museum (Oslo, Norway)

• The Race Track (Death on a Pale Horse); by Albert Pinkham Ryder; from 1896 to 1908; oil on canvas; 70.5 × 90 cm; Cleveland Museum of Art (USA)

• Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going?; by Paul Gauguin; 1897; oil on canvas; 141 × 376 cm; Museum of Fine Arts (Boston, USA)

• Medusa; by Fernand Khnopff; 1900; bronze, marble base; Fin de Siècle Museum (part of the Royal Museums of Fine Arts of Belgium, in Bruxelles)

• The Lady on the Horse; by Alfred Kubin; 1901; pen, ink, wash and spray; 39.7 × 31 cm

• The Demon Downcast; by Mikhail Vrubel; 1902; State Tretyakov Gallery (Moscow)

• Dorelia in a Black Dress; by Gwen John; 1903–04; Tate Britain (London)

• The Three Ages of Woman; by Gustav Klimt; 1905; oil on canvas; 180 × 180 cm; Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea (Rome)

Arts and Crafts movement (c. 1860–1915)[edit]

The Arts and Crafts movement mostly worked in architecture and the decorative arts, where it promoted traditional craftsmanship, the use of locally available materials, and integrity in the way in which things were made. It began in the late-19th century Britain, when writers such as John Ruskin and William Morris rejected mass-production and the often poor quality, machine-made items that were found in many homes and shops. Morris, in particular, believed in the importance of the individual craftsman, and advocated a return to hand craftsman, which, he argued, would not only produce better furniture, pottery, textiles, and other items, but would also help people to lead better, more fulfilling lives. Mass-production, he maintained, was responsible for a decline in values. Many Arts and Crafts designers drew upon the influence of medieval craftsmanship, and their objects and interiors exploited the distinctive qualities of natural materials, from beautifully finished oak to hand-woven tapestries. Others, however, looked further afield for inspiration, incorporating vivid colours inspired by Islamic art, or ancient Egyptian motifs in their work. Knots, swirls, Celtic crosses, and entrelac (interlanced designs) inspired by ancient Celtic art featured in the work of many Arts and Craftsdesigners, notably Archibald Knox, especially on metalwork.

Widely exhibited in Europe, the Arts and Crafts style's simplicity inspired artists such as Carl Larsson and wife, Karin Bergöö Larsson, designers like Henry van de Velde and styles such as Art Nouveau, the Dutch De Stijl group, Vienna Secession, and eventually the Bauhaus style. Nikolaus Pevsner regarded the style as a prelude to Modernism, which used simple forms without ornamentation.^[129] The Vienna Secession encouraged in part Central European artists and writers under Habsburg rule to return to their national and folk roots. In Poland this gave rise to the flowering of "Młoda Polska" (Young Poland), whose noted exponents included Jacek Malczewski, Jan Stanisławski, Józef Mehoffer, Józef Pankiewicz, Leon Wyczółkowski, Olga Boznańska, Stanisław Wyspiański, Wojciech Gerson and Wojciech Kossak.^[130]

• Girl on garden bench; by Olga Boznańska; 1896; oil on cardboard; 65.5 cm × 42.5 cm; National Museum of Poland (Warsaw)

• The Well at the World's End; by William Morris and Edward Burne-Jones; 1896; illustrations: woodcuts; one of eight vellum bound copies; 28.9 × 21 × 5.1 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• Villa pod Jedlami; designed by Stanisław Witkiewicz; 1890s; timber and glass; Zakopane Style Zakopane (Poland)

• Self-portrait; by Stanisław Wyspiański; 1902; pastel on paper; 37.5 cm × 36.8 cm; National Museum of Poland

• Nietzsche Archive Extension; by Henry van de Velde; 1903; Weimar (Germany)

• Dropfront desk; by Gustav Stickley; circa 1903; oak with copper hardware; 130.8 × 65.4 × 27.6 cm; Brooklyn Museum

• Azalea; by Carl Larsson; 1906; Thiel Gallery (Sweden)

• Sun in May; by Józef Mehoffer; 1911; oil on canvas; 95 cm × 78 cm; National Museum of Poland

Post-Impressionism (c. 1885–1905)[edit]

Post-Impressionism is a rather imprecise term applied to a diverse generation of artists. In its strictest sense, it pertains to four highly influential artists: Paul Cézanne,^[131][132] Paul Gauguin,^[133][134] Georges Seurat,^[135][136] and Vincent van Gogh.^[137][138] Each passed through an impressionist phase, but ultimately emerged with four very original but different styles. Collectively, their work anticipated, and often directly influenced, much of the avant-garde art that appear before the First World War including fauvism, cubism, expressionism, and early abstraction. Cézanne (particularly influential on cubism) and Van Gogh worked in relative isolation, away from Paris, at critical points in their careers, while Seurat and Gauguin worked in groups, more collaboratively, at key points in their development. Another important artist of the period is Toulouse-Lautrec, an influential painter as well as graphic artist.^[139][140] In a broader sense, post-impressionism includes a generation of predominantly French and Belgian artist who worked in a range of styles and groups. Most had come under the sway of impressionism at some point, but pushed their work beyond it into a number of factions as early as the mid 1880s, sometimes as a logical development of impressionism, other times as a reaction against it. Post-Impressionists typically depicted impressionist subjects, but the work, particularly synthetism, often contained symbolism, spiritualism, and moody atmospheres that rarely appeared in impressionism. Unnatural colors, patterns, flat plains, odd perspectives and viewpoints pushed to extremes, all moved the center of modernism a step closer to abstraction with a standard for experimentation.^{[109][141][115]}

Neo-Impressionism (Divisionism or Pointillism, c. 1884–1894) explored light and color based on scientific color theories, creating mosaics of brush strokes in pure colors, sometimes laid out in rhythmic patterns with lines influenced by Art Nouveau. The leading artists were Georges Seurat and Paul Signac, others include Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, Albert Dubois-Pillet, and for a period Pissarro and Van Gogh. It was influential on fauvism, and elements of the style appeared in expressionism, cubism, and early abstraction. Synthetism (Cloisonnism c. 1888–1903) Cloisonnism was conceived by Émile Bernard and immediately taken up and developed by Paul Gauguin and others while at an artists' colony in Pont-Aven (Brittany, France). The style resembled cloisonné enamel or stained glass, with flat, bold colors outlined in black or dark colors. Synthetism, exemplified in the work of Gauguin and Paul Sérusier, is slightly a broader term with less emphasis on dark outlines and cloisonné qualities. Other artist include Cuno Amiet, Louis Anquetin, Charles Filiger, Jacob Meyer de Haan, Charles Laval, and Armand Seguin. Their work greatly influenced fauvism and expressionism. Les Nabis (c. 1890–1905: Hebrew for prophets or illuminati) was a larger movement in France and Belgium that eclectically drew on progressive elements in synthetism, neo-impressionism, symbolism, and Art Nouveau. Perhaps more influential than the art, were the numerous theories, manifestoes, and infectious enthusiasm for the avant-garde, setting the tone for the proliferation of movements and "isms" in the first quarter of the 20th century. La Revue Blanche often published Les Nabis and symbolist content. The work of Édouard Vuillard^[142][143] and Pierre Bonnard^[144][145] ca. 1890–1910 is exemplary of Les Nabis, though both evolved in their styles and produced significant work into the 1940s. Other artist include Maurice Denis, Maxime Dethomas, Meyer de Haan, Henri-Gabriel Ibels, Georges Lacombe, Aristide Maillol, Paul Ranson, Ker-Xavier Roussel, Armand Séguin, Paul Sérusier, Félix Vallotton, Jan Verkade, and others.^{[109][141][115]}

• Models (Les Poseuses); by Georges Seurat; 1886–1888; oil on canvas; 200 × 249.9 cm; Barnes Foundation (Philadelphia, US)

• Sunset, Herblay, Opus 206; by Paul Signac; 1889; oil on canvas, 57 × 90 mm.; Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow, Scotland

• Mont Sainte-Victoire; by Paul Cezanne; 1904–06; oil on canvas, 65 × 81 cm.; Philadelphia Museum of Art

• The Starry Night; by Vincent van Gogh; 1889; oil on canvas; height: 73.7 cm; Museum of Modern Art (New York City)

• Landscape at Le Pouldu; by Paul Sérusier; 1890; oil on canvas, 74 × 92 cm; Museum of fine Arts, Houston

• Ia Orana Maria (We Greet Thee, Mary); by Paul Gauguin; 1891; oil on canvas, 114 × 89 cm.; Metropolitan Museum of Art, New York

• The Green Trees 'or' The Beeches of Kerduel; by Maurice Denis; 1893; oil on canvas, 46 × 43 cm.; Musée d'Orsay, Paris, France

• Figures in the Street; by Pierre Bonnard; ca. 1894; oil on paper, 24 × 25.5 cm.; Private collection

• Madame Vuillard Cousant or Old Lady Examining her Needlework; by Edouard Vuillard; 1893; oil on board, 29.2 × 27.9 cm.; Private collection, Paris

• The Mediterranean; by Aristide Maillol; 1902–03; bronze, 104 cm. high; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam, The Netherlands.

Early 20th century[edit]

The history of 20th-century art is a narrative of endless possibilities and the search for new standards, each being torn down in succession by the next. The art movements of Fauvism, Expressionism, Cubism, abstract art, Dadaism and Surrealism led to further explorations of new creative styles and manners of expression. Increasing global interaction during this time saw an equivalent influence of other cultures into Western art, such as Pablo Picasso being influenced by Iberian sculpture, African sculpture and Primitivism. Japonism, and Japanese woodcuts (which had themselves been influenced by Western Renaissance draftsmanship) had an immense influence on Impressionism and subsequent artistic developments. The influential example set by Paul Gauguin's interest in Oceanic art and the sudden popularity among the cognoscenti in early 20th century Paris of newly discovered African fetish sculptures and other works from non-European cultures were taken up by Picasso, Henri Matisse, and many of their colleagues. Later in the 20th century, Pop Art and Abstract Expressionism came to prominence.

• Russian Revival sideboard; by Dimitri Petrovitch Soukhov; 1903; Musée d'Orsay (Paris)

• The Assan House from Bucharest (Romania), 1906–1914, built to the design of the architect Ion D. Berindey, in the French Neoclassical style

• Portrait of Adele Bloch-Bauer I, an Art Nouveau masterpiece; by Gustav Klimt; 1907; oil, silver, and gold on canvas; 140 × 140 cm; Neue Galerie New York

• The Kiss; by Constantin Brâncuși; 1907; stone; height: 28 cm; Craiova Art Museum (Romania)

• The Dream; by Henri Rousseau; 1910; oil on canvas; 204.5 × 298.5 cm; Museum of Modern Art (New York City)

• Female head; by Amedeo Modigliani; 1912; limestone; height: 68.3 cm, width: 15.9 cm, depth: 24.1 cm; Metropolitan Museum of Art

• The Violinist; by Marc Chagall; 1912–1913; oil on checked tablecloth; 1.88 × 1.58 m; Stedelijk Museum Amsterdam (The Netherlands)

• Baroque Revival house in Bucharest, built in 1920

Art Nouveau (c. 1890–1915)[edit]

Art Nouveau is an international style of art, architecture and applied art, especially the decorative arts, characterised by its two main sources of inspiration: use of plant-shaped ornaments (sinuous curves); and historical art styles (like Gothic, Celtic, Byzantine, Rococo and Baroque), especially Japanese art.

The cult of nature, with its sinuous curves and tendrils of ivy that almost appear to take root within an item of furniture or decorative arts, was a popular theme for Art Nouveau. It was through this medium that women were most often portrayed as stylised objects rather than people. Through the use of nature as an idiom, designers hoped to incorporate all aspects of life into a single object or interior: the outside was brought inside and the human relationship with the environment was explored.

In Spain, Italy, Russia and the US artists and designers added to the novel and fascinating interpretations of Art Nouveau. Every culture drew on different sources of inspiration including Gothic, Celtic, Byzantine, Rococo and Baroque. While historical influences were present they could not be justified unless they were approached with innovation rather than tradition. The portrayal of women in art at the turn of the century highlights another important challenge to contemporary societies. In many instances women were depicted as fantasy figures, interplaying with nature, united with it. By contrast, the gritty realism of paintings by Henri de Toulouse-Lautrec demonstrated that women could be portrayed as genuine people involved in mundane aspects of their daily lives.^[146]

The earliest influences of Art Nouveau began to emerge in England among figures such as John Ruskin, the Pre-Raphaelite Brotherhood, Edward Burne-Jones, William Morris and the Arts and Crafts Movement, which paralleled some aspects of symbolist sensibilities in France and Belgium at that time. Art Nouveau is closely allied and intermingled with symbolism. The term Art Nouveau is most often applied to architecture, crafts, and decorative arts, while symbolism is more commonly used for fine arts like painting and sculpture as well as poetry and literature, however there are no hard, defining lines between the two. Art Nouveau was an international movement that spread throughout Europe and North America reaching its peak around 1890–1905. It perhaps found its greatest expressions in architecture, influenced by theorist and historian Eugène Viollet-le-Duc, and seen in the work of Victor Horta, Hector Guimard, Louis Sullivan, and Antoni Gaudí. However extraordinary examples of the style appeared in interior design, furniture, wallpaper, textiles, mosaics, ceramics, metalworking, jewelry, art glass, stain glass windows, and other decorative and applied arts produced by Charles Rennie Mackintosh, Peter Carl Fabergé, Émile Gallé, René Lalique, Louis Comfort Tiffany, and many others. Japanese art, particularly the woodcut prints, with design concepts that were new to Europeans began to appear and found receptive audiences there, where graphic artist such as Aubrey Beardsley, Jules Chéret, Walter Crane, Eugène Grasset, Alphonse Mucha, and Henri de Toulouse-Lautrec designed innovative posters, advertising, fashions, book binding, frontispieces, and illustrations.^[147][148]

Art Nouveau often abandoned geometric forms and angles in favor of arabesque lines suggestive of vegetation, winding vines, and other elements of nature. Many artisans sought to breakdown the divide between fine art, applied art, and decorative art and merge them all into every aspect of daily life. Individual artist frequently moved back and forth between various disciplines and worked in several media. It was not unusual for architects to produce the furniture and other furnishings for the houses and building they designed, for painters to design advertising posters and book illustrations, or jewelers to produce art glass, and stain glass windows.^[147][148]

• The Climax, illustration for Oscar Wilde's Salome; by Aubrey Vincent Beardsley; 1893; line block print; 34 × 27 cm; private collection ^[149]

• Divan Japonais; by Henri de Toulouse-Lautrec; circa 1893–1894; litograph; 81 × 62.3 cm; Museum of Fine Arts (Boston, USA)

• Loie Fuller Dancing; by Pierre Roche; 1894 (bronze, 1901); Musée des Arts Décoratifs (Paris)

• Gate of the Castel Béranger (an apartment building); by Hector Guimard; 1895–1898; Paris

• Hôtel Solvay; by Victor Horta; 1895–1898; Brussels (Belgium)

• Masque; by Louis Welden Hawkins; 1895–1905; black chalk and pencil on light brown paper; 43.2 × 23.8 cm; Museum of Fine Arts (Houston, USA)

• Vase; by Émile Gallé; 1896; glass; height: 17.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• Biscuits Lefèvre-Utile, advertisement; by Alfons Mucha; 1897; lithograph; 62 × 43.5 cm; private collection

• The Dragonfly brooch; by René Lalique; circa 1897–1898; gold, vitreous enamel, chrysoprase, chalcedony, moonstone and diamond; height: 23 cm, width: 26.5 cm; Calouste Gulbenkian Museum (Lisboa, Portugal)

• Cabinet-vitrine; by Gustave Serrurier-Bovy; 1899; red narra wood, ash, copper, enamel and glass; height: 248.9 cm, width: 213.4 cm, depth: 63.5 cm; Metropolitan Museum of Art

• Le Jeu de l'echarpe (Dancer with scarf); by Agathon Leonard; before 1901; gilt bronze; Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Darmstadt, Germany)

• Hair ornament; by René Lalique; circa 1902; gold, emeralds and diamonds; Musée d'Orsay (Paris)

• The Casa Batlló; by Antoni Gaudí; Barcelona

• Cabinet; Eugene Vallin in collaboration with Victor Prouvé; circa 1903–1906; probably made of mahogany; Musée de l'École de Nancy (Nancy, France)

• Balcony with a relief under it, on the façade of the Hôtel Brion from Strasbourg (France), completed in 1904

• The top of a tiled stove from the George Severeanu Museum (Bucharest, Romania)

Fauvism (c. 1898–1908)[edit]

Fauvism emerged from post-impressionism, gradually developing into the first major movement of the 20th century. Its genesis was in 1895 when Henri Matisse, the oldest and central figure, entered the studio of Gustave Moreau at the Ecole des Beaux-Arts. There he met Georges Rouault, Charles Camoin, Henri Manguin, and Albert Marquet. Marquet said "As early as 1898 Matisse and I were working in what was later to be called the Fauve manner. The first exhibitions at the Indepéndants in which we were, I believe, the only ones to paint in pure tones, go back to 1901."^[150] By 1902–03 the circle of like-minded artist had grown to include Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Othon Friesz, Jean Metzinger, Jean Puy, Louis Valtat, Kees van Dongen, and Maurice de Vlaminck. During this period a number of influential retrospective exhibitions were held in Paris: Seurat (1900, 1905), Van Gogh (1901, 1905), Toulouse-Lautrec (1902), Gauguin (1906), Cezanne (1907), all relatively unknown to the public at that time. Matisse and Derain collected African carvings, a novel but growing curiosity of the time. Matisse spent the summer of 1904 in Saint-Tropez painting with the neo-impressionist Paul Signac and Henri-Edmond Cross, followed in1905 by Camoin, Manguin, and Marquet. The artist exhibited regularity at the Salon des Indepéndants and the Salon d'Automne 1903–1908 and in 1905 their work created a sensation and a scandal. Matisse stated "We were exhibiting at the Salon d'Automne, Derain, Manguin, Marquet, Puy, and a few others were hung together in one of the larger galleries. In the center of this room the sculptor Marque exhibited a bust of a child very much in the Italian style. Vauxcelles [art critic for Gil Blas] entered the room and said, Well! well! Donatello in the mist of wild beasts! [Donatello chez les fauves]."^[151] The movement had not been perceived as an entity by the public, but once published the name stuck. Unlike the impressionist and their long struggle for acceptance, the avant-garde had an eager audience by 1906–1907 and the fauvist were attracting collectors from America to Russia. However fauvism largely dissolved in 1908, as cubism appeared, most of the artist began exploring other styles and moving in different directions. Only Matisse and Dufy continued to explore fauvism into the 1950s.^{[150][151][152][153][154]}

The fauvist painted landscapes en plein air, interiors, figures, and still lifes, following examples of realism, impressionism, and post-impressionism. They applied paint with loose brushstrokes, in thick, unnatural, often contrasting, vibrant colors, at times straight from the tube. Gauguin's influence, with his exploration of the expressive values and spatial aspects of patterning with flat, pure colors, as well as his interest in primitivism were significant, as was neo-impressionism. Matisse explained – for a long time color served as a complement of design, the painters of the Renaissance constructed the picture by line, adding local color afterwards – writing: "From Delacroix to Van Gogh and chiefly to Gauguin, by way of the Impressionist, who cleared the ground, and Cézanne, who gave the final impulse and introduced colored volumes, we can follow this rehabilitation of color's function, this restoration of its emotive power"^[150] Fauvism was the culmination in a shift, from drawing and line as the fundamental foundations of design in painting to color, and they depicted their subjects on the verge of abstraction.^{[150][151][152][153][154]}

• Le bonheur de vivre, by Henri Matisse; 1905–1906; oil on canvas; 175 × 241 cm; Barnes Foundation

• Houses at Chatou; by Maurice de Vlaminck; ca. 1905; oil on canvas, 81 × 101 cm; Art Institute of Chicago (USA)

• Fauve Landscape; by Louis Valtat; 1905–1906; oil on canvas; Speed Art Museum, Louisville, Kentucky

• Charing Cross Bridge, London; by André Derain; 1906; oil on canvas, 80.3 × 100.3 cm.; National Gallery of Art, Washington, DC.

• La Ciotat; by Othon Friesz; 1907; oil on canvas, 65.7 by 81 cm.; collection unknown

Expressionism (c. 1905–1933)[edit]

Expressionism was an international movement in painting, sculpture, the graphic arts, poetry, literature, theater, film, and architecture. Some associate the Second Viennese School and other music of the period with the movement. Most historians place the beginning of expressionism in 1905 with the founding of the Die Brücke. However, several artist were producing influential work that was in the spirit of expressionism circa 1885–1905 including Lovis Corinth, James Ensor, Käthe Kollwitz, Paula Modersohn-Becker, Edvard Munch, Emil Nolde, and Christian Rohlfs among others. Many of these artist later exhibited and associated with various expressionist groups. Expressionist painting is characterized by loose, spontaneous, frequently thick, impasto brushwork. It often conveyed how the artist felt about their subject, opposed to what it looked like, putting intuition and gut feelings over realistic representations or art theories. Expressionism was frequently infused with an angst or joy, and an overall engagement with contemporary life and social issues that was often absent from fauvism's focus on design and color applied to neutral subjects. Woodcut prints are particularly noteworthy in expressionism. Expressionism can sometimes overlap and integrate with other styles and movements, such as symbolism, fauvism, cubism, futurism, abstraction, and dada. Several groups and factions of expressionist appeared at various times and places.^{[109][115][155][156][157]}

Die Brücke (The Bridge: 1905 -1913) aspired to connect "all revolutionary and surging elements."^[156] It was founded by four architectural students Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, and Fritz Bleyl. Sharing a studio in Dresden they produced paintings, carvings, prints, and organized exhibitions, separating in the summer to work independently. Their first exhibit was in 1905, later joined by Emil Nolde and Max Pechstein in 1906, and Otto Mueller in 1910 among others. Influences included Gothic art, primitivism, Art Nouveau, and developments in Paris, particularly Van Gogh and fauvism. The group shifted to Berlin in 1911 and later dissolved in 1913. Der Blaue Reiter (The Blue Rider: 1911–1914), founded by Wassily Kandinsky and Franz Marc, was a relatively informal group that organized exhibitions of art from Paris and Europe, as well their own. It was one in a series of increasingly progressive groups splitting from the Art Academy in Munich including The Munich Secession in 1892 (realist & impressionist), Phalanx in 1901 (postimpressionist), Neue Kunstler Vereiningung in 1909, and The Blue Rider in 1911. Artist associated with the latter two groups included the Burliuk brothers, Heinrich Campendonk, Alexej von Jawlensky, Paul Klee, August Macke, Gabriele Münter, and Marianne von Werefkin. The euphonious almanac Der Blaue Reiter, a collection of influential essays, and Kandinsky's Concerning the Spiritual in Art with his ideas on non-objective art were both published in 1912. The Blue Rider ended with the outbreak of World War I in which Macke and Marc both died.^{[109][115][155][156][157]}

Other artists such as Oskar Kokoschka, Egon Schiele, and Richard Gerstl emerged in Austria. French artist Georges Rouault and Chaim Soutine had affinities with the movement. Sculptors include Ernst Barlach, Wilhelm Lehmbruck, Gerhard Marcks, and William Wauer. Architects associated with expressionism include Max Berg, Hermann Finsterlin, Johann Friedrich Höger, Michel de Klerk, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hans Scharoun, Rudolf Steiner, and Bruno Taut. Der Sturm (The Storm 1910–1932) was a magazine with much expressionist content founded by Herwarth Walden, with an associated gallery in Berlin opened in 1912 and a theater company and school in opened 1918. Films regarded as expressionistic, some considered as classics, include The Cabinet of Dr. Caligari (Robert Wiene, 1920), Nosferatu (F. W. Murnau,1922), and Metropolis (Fritz Lang, 1927).^{[109][115][155][156][157]}

After World War I a tendency to withdraw from the avant-garde by many artist occurred, seen in the work of the original fauvists during the 1920s, Picasso and Stravinsky's neoclassical periods, and De Chirico's late work. This tendency was called New Objectivity (ca. 1919–1933) in Germany, and in contrast to the nostalgic nature of this work elsewhere, it was characterized by disillusionment and ruthless social criticisms. New objectivity artists mostly emerged from expressionist and dada milieus including Otto Dix, Christian Schad, Rudolf Schlichter, Georg Scholz, and Jeanne Mammen. Max Beckmann and George Grosz also had some association with new objectivity for a period. Although not intrinsically expressionistic, the Staatliches Bauhaus (School of Building: 1919–1933) was an influential German school merging crafts, decorative, and fine arts. Moving from Weimar, to Dessau, to Berlin, it changed and evolved in focus with time. Directors included architects Walter Gropius (1919–1928), Hannes Meyer (1928–1930), and Ludwig Mies van der Rohe (1930–1933). At various points the faculty included Josef Albers, Theo van Doesburg, Lyonel Feininger, Johannes Itten, Paul Klee, Wassily Kandinsky, El Lissitzky, Gerhard Marcks, László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer. Bauhaus architects greatly influenced the International Style, which was characterized by simplified forms, a lack of ornamentation, a union of design and function, and the idea that mass production could be compatible with personal artistic vision. As the Nazi Party rose to power, modern art was dubbed "degenerate art" and the Bauhaus was closed in 1933, subduing modernism in Germany for several years.^{[109][115][155][156][157]}

• Skeletons Fighting for the Body of a Hanged Man; by James Ensor; 1891; oil on canvas; 59 × 74 cm; Royal Museum of Fine Arts Antwerp, Belgium

• In the Slaughterhouse; by Lovis Corinth; 1893; oil on canvas, 78 × 89 cm.; Staatsgalerie Stuttgart, Germany

• The Scream; by Edvard Munch; 1893; oil, tempera and pastel on cardboard, 91 × 73 cm; National Gallery of Norway, Oslo, Norway

• The Cossacks; by Wassily Kandinsky; 1910–11; oil on canvas, 94 × 130 cm.; Tate Modern, London

• The Yellow Cow; by Franz Marc; 1911; oil on canvas, 140.5 × 189.2 cm.; Solomon R. Guggenheim Museum, New York

• The Avenger; by Ernst Barlach; 1914; bronze, 58.4 cm. width; National Gallery of Art, Washington, D.C

• Self-portrait as a Soldier; by Ernst Ludwig Kirchner; 1915, 69.2 × 60.9 cm.; Allen Memorial Art Museum, Oberlin College, Ohio (USA)

• Death and the Maiden; by Egon Schiele; 1915; oil on canvas, 150 × 180 cm; Österreichische Galerie Belvedere, Vienna, Austria.

• The Fallen; by Wilhelm Lehmbruck; 1915–16; plaster 29.5 × 94.5; Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg

• The Night; by Max Beckmann; 1918–19; oil on canvas, 133 × 154 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

• Still Life with Rayfish; by Chaim Soutine; ca. 1924; oil on canvas, 81.3 × 100 cm.; Metropolitan Museum of Art, New York

• Grosses Schauspielhaus (Grand Theatre); by Hans Poelzig; 1919; Berlin, Germany

• Einstein Tower; by Erich Mendelsohn; 1920. Potsdam, Germany

• Cabinet of Dr. Caligari; by Atelier Ledl Bernhard; 1920; promotional poster for the film directed by Robert Wiene

• Fish Magic; by Paul Klee; 1925; oil & watercolor on canvas on panel, 77 × 98 cm.; Philadelphia Museum of Art, Pennsylvania

Cubism[edit]

Cubism consisted in the rejection of perspective, which leads to a new organisation of space where viewpoints multiply producing a fragmentation of the object that renders the predilection for form over the content of the representation obvious. Pablo Picasso, Georges Braque and other Cubist artists were inspired by the sculptures of Iberia, Africa and Oceania exhibited in the Louvre and the ethnographic museum in the Trocadéro, and which were being offered at flee markets and in sale rooms.

`A Picasso studies an object the way a surgeon dissects a corpse,’ wrote the critic and poet Guillaume Apollinaire in 1913. Five years earlier, Pablo Picasso and Georges Braque – friends, colleagues and rivals – had begun to reject perspectival realism for a form of artistic autopsy: an utterly revolutionary painting style that looked inside and around objects, presenting them analytically, objectively and completely impersonally.^[158]

• Les Demoiselles d'Avignon; by Pablo Picasso; 1907; oil on canvas; 244 × 234 cm; Museum of Modern Art (New York City)

• Houses at l'Estaque; by Georges Braque; 1908; oil on canvas; 73 × 59.5 cm; Lille Métropole Museum of Modern, Contemporary and Outsider Art (Villeneuve-d'Ascq, France)

• Glass of Beer and Playing Cards; by Juan Gris; 1913; oil and collage on canvas; 52.5 × 36.5 cm; Columbus Museum of Art (Columbus, Ohio, USA)

• Unique Forms of Continuity in Space; by Umberto Boccioni; 1913; bronze; height: 1.09 m; Museum of Modern Art (New York City)

Surrealism (c. 1924–1950)[edit]

Surrealism emerged as a faction of Dada, formally announcing its inception in 1924 with André Breton's Manifesto of Surrealism.^[159] Originally a literary group of poets and writers in Paris, it soon developed into an international movement that included painters, sculptors, photographers, and filmmakers. A Second Manifeste du Surréalisme was published in 1929.^[160] Surrealism did not have significant expression in applied or decorative arts, architecture, or music, although a few isolated examples could be identified (e.g. chess sets, furniture, and Las Pozas). The small and short lived Metaphysical School (ca. 1910–1921), with Giorgio de Chirico as its principal figure, was highly influential on surrealism. The surrealist explored a myriad of innovative techniques, some had recently been developed in Cubism and Dada, others were new, including collage, found objects, assemblage, random chance, rayographs (photograms), painting on sand, dripping and flinging paint, decalcomania, frottage, fumage, and raclage. Two fundamental approaches predominate surrealist art. Automatism dominated in the early years which can be seen in the work of artist like André Masson and Joan Miró. Other artist, swayed by work of Giorgio de Chirico, used more traditional methods and mediums to illustrate unfiltered thoughts and incongruous juxtapositions, including Salvador Dali and René Magritte. Significant artist include Jean Arp, Hans Bellmer, Victor Brauner, Luis Buñuel, Joseph Cornell, Óscar Domínguez, Max Ernst, Wifredo Lam, Yves Tanguy, Man Ray, Alberto Giacometti, Méret Oppenheim, and Roberto Matta. Other important artist informally accosted with surrealism include Marcel Duchamp, Pablo Picasso, and Frida Kahlo. Surrealist ideas and theories were discussed in a successive series of journals, La Révolution Surréaliste (1924–1929), Le Surrealisme au service de la revolution (1930–1933), Minotaure (1933–1939), VVV (1942–1944). The automatic paintings produced by André Masson and Juna Miró, as well as latecomers to surrealism like Roberto Matta and Arshile Gorky had a considerable influenced on the abstract expressionist in the late 1940s.^{[161][162][163][164][165][166]}

With a measure of Dada's irreverence and contempt for the traditional political, religious, and bourgeois values of western culture that they believed had led the world into the First World War (Breton and other founding members were veterans); the surrealist explored the possibilities that had been opened up by Sigmund Freud regarding the subconscious mind: "Pure psychic automatism, by which one intends to express verbally, in writing or by any other method, the real functioning of the mind. Dictation by thought, in the absence of any control exercised by reason, and beyond any aesthetic or moral preoccupation." ^[159] Surrealism sought to express pure thought, unfiltered and uncensored by political, religious, moral, or rational principles.^{[161][162][163][164][165][166]}

• The Seer; by Giorgio de Chirico; 1914–15; oil on canvas; 89.6 × 70.1 cm; Museum of Modern Art (New York City)

• The Burning Giraffe; by Salvador Dalí; 1937; oil on panel; 35 × 27 cm; Kunstmuseum Basel (Basel, Switzerland)

• Time Transfixed; by René Magritte; 1938; oil on canvas; 147 × 98.7 cm.; Art Institute of Chicago (Chicago, USA)

• Signe (Le vent), by Victor Brauner; 1942; white marble; 31 cm; Cimetière de Montmartre (Paris)

Mid-20th century[edit]

Pop Art[edit]

The term 'Pop' first appeared in print in an article by English critic Lawrence Alloway in 1958, but the new interest in popular culture, and the attempt to make art out of it, was a feature of the Independent Group in London from the early 1950s. Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi and other discussed the growing mass culture of movies, advertising, science fiction, consumerism, media and communications, product design and new technologies originating in America, but now spreading through the west. They were particularly fascinated by advertising, and graphic, and product design, and wanted to make art and architecture that had a similarly seductive appeal. Hamilton's collage Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? (1956), made from American magazine advertisements, was the first work to achieve iconic status. The next generation of students in London, including Patrick Caulfield and David Hockney, also incorporated popular culture into their collages and assemblages, and in the period between 1059 and 1962 achieved public notoriety.

In the early 1960s, in the United States themselves, the public saw for the first time the works that since have become famous: Andy Warhol's Marilyn Monroe, Roy Lichtenstein's comic-strip oils, Claes Oldenberg's gigantiv vinyl burgers and ice cream cones, and Tom Wesselmann's nudes set in domestic settings that incorporate real shower curtains, telephones and bathroom cabinets. Public attention culminated in a large international exhibition mounted at the Sidney Janis Gallery in New York in 1962. Works by British, French, Italian, Swedish and American artists were grouped around the themes of the 'daily object', 'mass media', and the 'repetition' or 'accumulation' of mass-produced objects. It was a defining moment. Sidney Janis was the leading dealer in blue-chip European moderns and Abstract Expressionists, and his exhibition consecrated the work as the next art historical movement to be discussed and collected.^[167]

• I Saw the Figure 5 in Gold; by Charles Demuth; 1928; 90.2 × 76.2 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

• Drowning Girl; by Roy Lichtenstein; 1963; oil and synthetic polymer paint on canvas; 171.6 × 169.5 cm; Museum of Modern Art (New York City)

• Love; by Robert Indiana; 1966; painted aluminium; height: 1.7 m; Shinjuku (Tokyo, Japan)^[168]

Late 20th and early 21st centuries[edit]

Rapid advances in science and technology led to the late Modern and Postmodern period. In these periods, the art and cultures of the world went through many changes, and there was a great deal of intermixture between cultures, as new communications technologies facilitated the national and even global dissemination of music, art and style. The separation of regional cultures that had marked the 19th century was replaced by a global culture. Postmodernism describes a broad movement that developed in the mid- to late-20th century across philosophy, the arts, architecture, and criticism which marked a departure from modernism.^{[169][170][171]} One contemporary view of Postmodern art shows that it can be understood as an expansion of technology-based media enabling multiple new forms of art simultaneously.^[172] The transition from linear art movements of the early 20th century modern era to multiple simultaneous movements of the last 20th century Postmodern is shown in a Timeline of 20th.C Art and New Media.^[173] Art movements specific of the late 20th and early 21st centuries include land art, video art, photorealism, hyperrealism, and digital art.

• Dona i Ocell; by Joan Miró; 1983; Parc Joan Miró (Barcelona, Spain)

• Pencils; by Guerrino Boatto; 1 August 1986; acrylic on scholler; 70 × 50 cm; private collection

• Rose; by Isa Genzken; 1993; in front of Neue Leipziger Messe (Leipzig, Germany)

• L'Ange Protecteur; by Niki de Saint Phalle; inception in 1997; Zürich Hauptbahnhof (Zürich, Switzerland)

• Maman; by Louise Bourgeois; bronze and glass; inception late 1990s; Guggenheim (Bilbao, Spain)

• Chinese guardian lion; by Ai Weiwei; 2014; ice; Stockholm International Film Festival 2014

See also[edit]

References[edit]

Works cited[edit]

• Gardner, Helen; Kleiner, Fred S. (2009). Gardner's Art through the Ages: A Global History (13th ed.). Australia: Thomson/Wadsworth.
• Haidle, M.N. (2014). "Examining the evolution of artistic capacities: searching for mushrooms?" (PDF). In Sütterlin, Christa; Schiefenhövel, Wulf; Lehmann, Christian; Forster, Johanna; Apfelauer, Gerhard (eds.). Art as behaviour. An ethological approach to visual and verbal art, music and architecture. Oldenburg: Bis-Verlag der Carl von Ossietzky Universität Oldenburg. pp. 237–251.
• Onians, John (2004). Atlas of World Art. London: Laurence King Publishing. ISBN 978-1-85669-377-6.

Further reading[edit]

External links[edit]

Wikimedia Commons has media related to Art history.

Wikiquote has quotations related to: History of art

Wikibooks has a book on the topic of: Art History

• "Art: The history of ideas in literature and the arts in aesthetic theory and literary criticism" – The Dictionary of the History of Ideas
• Art History resources
• Ars Summum Project

Timelines[edit]

• Timeline of Art History from Metropolitan Museum of Art