Исполнительское искусство

Эта статья требует дополнительных ссылок для проверки . Пожалуйста, помогите улучшить эту статью , добавив цитаты из надежных источников . Материал, не полученный от источника, может быть оспорен и удален. Поиск источников:  «Исполнительское искусство»  -  новости  · газеты  · книги  · ученый  · JSTOR ( май 2018 г. ) ( Узнайте, как и когда удалить это сообщение-шаблон )

Танец - это вид исполнительского искусства, практикуемый во всем мире.

Исполнительское искусство - это такие виды искусства, как музыка, танец и драма, которые исполняются для публики. ^[1] Это отличается от изобразительного искусства , когда художники используют краску, холст или различные материалы для создания физических или статических арт-объектов . Исполнительское искусство включает в себя ряд дисциплин, которые исполняются перед живой аудиторией, стимулируя театр, музыку и танцы.

Театр, музыка, танцы, манипулирование объектами и другие виды представлений присутствуют во всех человеческих культурах. История музыки и танец дата доисторических времен , тогда как цирковые навыки дата , по крайней мере , Древний Египет . Многие исполнительские виды искусства выполняются профессионально. Представления могут проводиться в специально построенных зданиях, таких как театры и оперы, на открытых сценах фестивалей, на сценах в палатках, таких как цирки, и на улице.

Живые выступления перед публикой - это форма развлечения. Развитие аудио- и видеозаписи сделало возможным частное потребление исполнительского искусства.

Исполнительское искусство часто направлено на выражение своих эмоций и чувств. ^[2]

Исполнители [ править ]

Артисты, которые участвуют в исполнительских видах искусства перед публикой, называются исполнителями. Примеры включают актеров, комиков, танцоров, фокусников , артистов цирка , музыкантов и певцов. Исполнительское искусство также поддерживаются работниками в смежных областях, таких как сочинения песен, хореография и сценическое .

Исполнителя, который преуспевает в актерском мастерстве, пении и танцах, обычно называют тройной угрозой . ^[3] Известные примеры исторических художников с тройной угрозой включают Джина Келли , Фреда Астера , Джуди Гарланд , Сэмми Дэвиса-младшего , ^[3] Мадонну , Леди Гагу и Дженнифер Лопес .

Артисты часто адаптируют свою внешность , например, с помощью костюмов и сценического макияжа , сценического освещения и звука.

Типы [ править ]

Исполнительское искусство может включать танец, музыку, оперу, театр и музыкальный театр, магию , иллюзию , пантомиму , устную речь , кукольный театр , цирковое искусство , перформанс.

Существует также специализированная форма изобразительного искусства, в которой художники исполняют свои работы вживую для публики. Это называется перформансом. Большинство исполнительских искусств также включает в себя некоторые формы пластического искусства, возможно, в создании реквизита . Танец часто называют пластику во время современного танца эпохи. ^[4]

Театр [ править ]

Театр - это отрасль исполнительского искусства, связанная с разыгрыванием историй перед аудиторией с использованием комбинации речи, жеста, музыки, танца, звука и зрелища. Любой один или несколько из этих элементов считается исполнительским искусством. В дополнение к стандартному повествовательному диалоговому стилю пьес театр принимает такие формы, как пьесы, мюзиклы, опера, балет, иллюзия , пантомима , классический индийский танец , кабуки , пьесы ряженых , импровизационный театр , комедия, пантомима и нетрадиционные или современные формы, такие как постмодернистский театр , постдраматический театр или перформанс.

Танец [ править ]

В контексте исполнительского искусства танец обычно относится к человеческому движению , обычно ритмическому и музыкальному, используемому в качестве формы развлечения публики во время выступления. Определения того, что составляет танец, зависят от социальных , культурных , эстетических , артистических и моральных ограничений и варьируются от функциональных движений (таких как народный танец ) до кодифицированных виртуозных приемов, таких как балет. ^[5]

Есть еще одна современная форма танца, возникшая в 19-20 веках под названием Free-Dance. Эта форма танца была построена так, чтобы создать гармоничную личность, которая включала такие качества, как физическая и духовная свобода. Айседора Дункан была первой танцовщицей, которая спорила о «женщине будущего» и разработала новый вектор хореографии, используя идею Ницше о «высшем разуме в свободном уме». ^[6]

Танец - это мощный импульс, но искусство танца - это импульс, который искусные исполнители направляют во что-то, что становится чрезвычайно выразительным и может радовать зрителей, которые не испытывают желания танцевать сами. Эти две концепции искусства танца - танец как мощный импульс и танец как искусно поставленное искусство, практикуемое в основном немногими профессионалами, - являются двумя наиболее важными связующими идеями, проходящими через любое рассмотрение предмета. В танце связь между двумя концепциями сильнее, чем в некоторых других искусствах, и ни одно из них не может существовать без другого. ^[5]

Хореография - это искусство создания танцев, и человека, который занимается этим искусством, называют хореографом.

Музыка [ править ]

Музыка - это искусство, сочетающее высоту , ритм и динамику для создания звука. Он может исполняться с использованием различных инструментов и стилей и делится на такие жанры, как фолк , джаз , хип-хоп , поп, рок и т. Д. Как вид искусства, музыка может исполняться в живом или записанном формате и может быть спланирована. или импровизированный.

Поскольку музыка - это разностороннее искусство, она легко согласуется со словами в песнях, как физические движения в танце. Более того, он способен формировать человеческое поведение, поскольку влияет на наши эмоции. ^[7]

История [ править ]

Западное исполнительское искусство [ править ]

Начиная с VI века до нашей эры, в Греции начался классический период исполнительского искусства, который был начат благодаря трагическим поэтам, таким как Софокл . Эти поэты писали пьесы, которые в некоторых случаях включали танец (см. Еврипид ). В эллинистический период началось широкое распространение комедии.

Однако к 6 веку нашей эры западное исполнительское искусство в значительной степени прекратилось, поскольку начались темные века . Между 9-м и 14-м веками исполнительское искусство на Западе ограничивалось религиозно-историческими постановками и моральными представлениями , организованными Церковью в честь праздников и других важных событий.

Ренессанс [ править ]

В 15 веке исполнительское искусство, наряду с искусством в целом, пережило возрождение, поскольку Ренессанс начался в Италии и распространился по всей Европе, пьесы, некоторые из которых включали танец, который исполнялся, и Доменико да Пьяченца приписывают первое использование этого термина Балло (в De Arte Saltandi и др Choreas Ducendi ) вместо Danza (танец) для его baletti или Балли . Термин в конечном итоге стал балетом . Первым балетом как таковым считается Balthasar de Beaujoyeulx 's Ballet Comique de la Reine (1581).

К середине 16 века комедия дель арте стала популярной в Европе, представив импровизацию . В этот период также были введены елизаветинские маски , в которых участвовали музыка, танцы и изысканные костюмы, а также выступали профессиональные театральные труппы Англии. Пьесы Уильяма Шекспира конца 16 века выросли из этого нового класса профессионального исполнения.

В 1597 году была исполнена первая опера « Дафне», и на протяжении 17 века опера быстро стала любимым развлечением аристократии большей части Европы и, в конечном итоге, для большого количества людей, живущих в больших и малых городах по всей Европе.

Современная эпоха [ править ]

Внедрение арки авансцены в Италии в 17 веке установило традиционную театральную форму, которая сохраняется и по сей день. Тем временем в Англии пуритане запретили актерское мастерство, что привело к прекращению исполнительского искусства, которое длилось до 1660 года. После этого женщины стали появляться как в французских, так и в английских пьесах. Французы ввели официальное обучение танцам в конце 17 века.

Также в это время в американских колониях были поставлены первые пьесы .

В течение 18 века с появлением популярной оперы-буффа опера стала доступной для масс. Моцарт «s Женитьба Фигаро и Дон Жуан являются вехами в конце 18 -го века оперы.

На рубеже 19-го века Бетховен и романтическое движение открыли новую эру, которая привела сначала к зрелищам большой оперы, а затем к музыкальным драмам Джузеппе Верди и Gesamtkunstwerk (полное произведение искусства) из опер Ричарда. Вагнера ведет непосредственно к музыке 20 века.

XIX век был периодом роста исполнительского искусства для всех социальных слоев, технических достижений, таких как введение газового света в театры, бурлеск , танцы менестрелей и варьете. В балете женщины добиваются больших успехов в искусстве, в котором раньше доминировали мужчины.

Современный танец зародился в конце 19-го и начале 20-го веков в ответ на ограничения традиционного балета.

Станиславский «s „Система“ революция действуя в начале 20 - го века, и продолжает оказывать значительное влияние на актер сцены и экрана на текущий день. В этот период на сцене появились и импрессионизм, и современный реализм.

Приход Сергей Дягилев «s балета (1909-1929) произвела революцию балета и сценическое искусство в целом по всему западному миру, что самое главного через упор Дягилева о сотрудничестве, в котором принял хореограф, танцор, декораторы / художник, композитор и музыкант вместе возродить и революционизировать балет. Это очень сложно.

С изобретением кино в конце 19 века Томасом Эдисоном и ростом киноиндустрии в Голливуде в начале 20 века кино стало доминирующим средством представления на протяжении 20 и 21 веков.

Ритм-энд-блюз , культурный феномен черной Америки, стал популярным в начале 20 века; оказав влияние на ряд более поздних стилей популярной музыки на международном уровне.

В 1930-х годах Жан Розенталь представил то, что впоследствии стало современным сценическим освещением , изменив природу сцены, поскольку бродвейский мюзикл стал явлением в Соединенных Штатах.

Послевоенное [ править ]

Исполнительское искусство после Второй мировой войны ознаменовалось возрождением балета и оперы в западном мире.

Постмодернизм в исполнительском искусстве в значительной степени доминировал в 1960-х годах. ^{[ необходима цитата ]}

Восточное исполнительское искусство [ править ]

Ближний Восток [ править ]

Самое раннее записанное театральное событие датируется 2000 годом до нашей эры и связано с пьесами о страсти Древнего Египта . Эта история бога Осириса ежегодно исполнялась на фестивалях по всей цивилизации, что знаменует начало долгих отношений между театром и религией.

Самыми популярными формами театра в средневековом исламском мире были кукольный театр (в который входили ручные куклы, пьесы теней и постановки марионеток ) и пьесы с живой страстью, известные как тазия , где актеры воспроизводят эпизоды из мусульманской истории . В частности, шиитское исламское играет вращалась вокруг шахидов (мученичество) от Али «s сыновья Хасан ибн Али и Хусайна ибн Али . Живые светские пьесы были известны как ахраджа , записанные в средневековом адабе.литература, хотя они были менее распространены, чем кукла и театр тазия . ^[8]

Иран [ править ]

В Иране есть и другие формы театральных мероприятий, такие как Нагали (рассказывание историй), ٰ Ру-Хаузи , Сиах-Бази , Парде-Хани , Марекэ гири .

Индия [ править ]

Фольклорный театр и сценическое можно отнести к религиозной обрядности из ведических народов в 2 - ом тысячелетии до нашей эры . Этот народный театр туманного прошлого был смешан с танцами, едой, ритуализмом, а также с изображением событий из повседневной жизни. Последний элемент сделал его источником классического театра более поздних времен. Многие историки, в частности Д.Д. Косамби, Дебипрасад Чаттопадхьяя, Адья Рангачарая и др., Ссылались на преобладание ритуализма среди индоарийских племен, в котором некоторые члены племени действовали так, как будто они были дикими животными, а некоторые другие были охотниками. Тех, кто выступал в роли млекопитающих, таких как козы, буйволы, северные олени, обезьяны и т. Д., Преследовали те, кто играл роль охотников.

Бхарата Муни (fl. V – II вв. До н.э.) был древним индийским писателем, наиболее известным написанием Натья Шастры Бхараты , теоретического трактата по индийскому исполнительскому искусству, включая театр, танец, актерское мастерство и музыку, который сравнивают с Аристотелем. «S Поэтика . Бхарату часто называют отцом индийского театрального искусства. Его Натья Шастра кажется первой попыткой систематического развития техники или, скорее, искусства драмы. Натья Шастра говорит нам не только о том, что должно быть изображено в драме, но и о том, как это должно быть показано. Драма, как говорит Бхарата Муни, - это подражание людям и их поступкам ( лока-вритти). Как мужчин и их поступки нужно уважать на сцене, драма на санскрите также известна под термином рупака , что означает изображение.

« Рамаяна» и « Махабхарата» можно считать первыми признанными пьесами, возникшими в Индии. Эти эпосы послужили источником вдохновения для первых индийских драматургов, и они делают это даже сегодня. Индийские драматурги, такие как Бхаса, во 2 веке до нашей эры писали пьесы, в значительной степени вдохновленные Рамаяной и Махабхаратой .

Калидаса, живший в I веке до нашей эры, возможно, считается величайшим драматургом древней Индии . Три известные романтические пьесы , написанные Калидасом являются Малавикагнимитра ( малавик и Агнимитр ), Викраморваш ( Имеющее отношение к Викраму и Урваш ) и Abhijñānaśākuntala ( Признание Шакунталы ). Последний был вдохновлен историей из Махабхараты и является самым известным. Это был первый перевод на английский и немецкий языки. По сравнению с Бхасой, который в значительной степени опирался на эпосы, Калидаса можно считать оригинальным драматургом.

Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути (ок. 7 в.). Говорят, что он написал следующие три пьесы: Малати-Мадхава , Махавирачарита и Уттар Рамачарита . Среди этих троих последние два покрывают между собой всю эпопею Рамаяны . Считается, что могущественный индийский император Харша (606–648) написал три пьесы: комедию « Ратнавали» , « Приядаршика» и буддийскую драму « Нагананда» . В средние века за ним последовали многие другие драматурги .

В южной части Индии было много форм исполнительского искусства, Керала - это такой штат с различными такими формами искусства, как Кудияттам , Нангьяркуту , Катхакали , Чакьяр куту , Тираяттам, и было много выдающихся художников, таких как Пейнкулам Раман Чакьяр и другие.

Китай [ править ]

Есть упоминания о театральных развлечениях в Китае еще в 1500 году до нашей эры во времена династии Шан ; они часто включали музыку, клоунаду и акробатические представления.

Династию Тан иногда называют «веком развлечений». В это время император Сюаньцзун основал актерскую школу, известную как «Дети грушевого сада», чтобы создать форму драмы, которая была в первую очередь музыкальной.

Во времена династии Хань теневой кукольный театрвпервые возник как признанная форма театра в Китае. Существовали две различные формы теневого кукольного театра: южный кантонский и северный пекинесский. Эти два стиля различались способом изготовления кукол и расположением стержней на куклах, в отличие от типа игры, выполняемой куклами. Оба стиля обычно ставили пьесы, изображающие великие приключения и фэнтези, редко этот стилизованный театр использовался для политической пропаганды. Кантонские теневые марионетки были более крупными из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более сильные тени. Символический цвет также был очень распространен; Черное лицо олицетворяло честность, красное - храбрость. Стержни, используемые для управления кантонскими марионетками, прикреплялись перпендикулярно головам марионеток. Таким образом,они не были замечены публикой, когда создавалась тень. Марионетки пекинеса были более нежными и меньшими. Они были созданы из тонкой полупрозрачной кожи, которую обычно снимают с живота осла. Они были написаны яркими красками, поэтому отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, которые контролировали их движения, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее марионетки. Стержни проходили параллельно телам марионетки, а затем поворачивались под углом девяноста градусов, чтобы соединиться с шеей. Хотя эти стержни были видны при отбрасывании тени, они лежали вне тени марионетки; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни прикреплены к шее, чтобы облегчить использование нескольких головок на одном корпусе. Когда головы не использовались, их хранили в муслиновой книжке или ящике с тканевой подкладкой.Головы всегда снимали на ночь. Это соответствовало старому суеверию, согласно которому марионетки, если их не трогать, оживали ночью. Некоторые кукловоды зашли так далеко, что поместили головы в одну книгу, а тела в другую, чтобы еще больше уменьшить возможность реанимации кукол. Говорят, что теневое кукольное искусство достигло высшей точки художественного развития в 11 веке, прежде чем стать инструментом правительства.Говорят, что теневое кукольное искусство достигло высшей точки художественного развития в 11 веке, прежде чем стать инструментом правительства.Говорят, что теневое кукольное искусство достигло высшей точки художественного развития в 11 веке, прежде чем стать инструментом правительства.

В династии Сун было много популярных пьес с участием акробатики и музыки. В династии Юань они развились в более сложную форму с четырех- или пятиактной структурой. Юаньская драма распространилась по Китаю и приняла множество региональных форм, самая известная из которых - Пекинская опера, популярная до сих пор.

Таиланд [ править ]

В Таиланде со времен средневековья было традицией ставить пьесы, основанные на сюжетах индийских эпосов. В частности, театральная версия таиландского национального эпоса Рамакиен , версия индийской Рамаяны , остается популярной в Таиланде даже сегодня.

Камбоджа [ править ]

В Камбодже надписи, относящиеся к VI веку нашей эры, указывают на то, что танцоры в местном храме использовали куклы в религиозных пьесах. В древней столице Ангкор-Ват истории из индийских эпосов Рамаяна и Махабхарата высечены на стенах храмов и дворцов. Подобные рельефы можно найти в Боробудуре в Индонезии.

Япония [ править ]

В XIV веке в Японии существовали небольшие труппы актеров, которые исполняли короткие, иногда вульгарные комедии. У директора одной из этих компаний, Канами (1333–1384), был сын Зэами Мотокиё (1363–1443), который считался одним из лучших детей-актеров Японии. Когда труппа Канами выступала для Асикага Ёсимицу (1358–1408), японского сёгуна , он умолял Дзэами получить придворное образование для своего искусства. После того, как Дзэами сменил своего отца, он продолжил выступать и адаптировать свой стиль к сегодняшнему Но . Смесь пантомимы и вокальной акробатики, этот стиль очаровывал японцев на протяжении сотен лет.

Япония после длительного периода гражданских войн и политических беспорядков была объединена и пребывала в мире, в первую очередь благодаря сёгуну Токугаве Иэясу (1600–1668). Однако, встревоженный возрастающим ростом христианства, он прекратил контакты Японии с Европой и Китаем и объявил христианство вне закона. Когда наступил мир, расцвет культурного влияния и рост торгового сословия потребовали своего собственного развлечения. Первой формой расцвета театра была Нингё дзёрури (обычно называемая Бунраку ). Основатель и главный участник Нингё дзёрури, Чикамацу Монзаэмон(1653–1725) превратил свой театр в настоящее искусство. Нингё дзёрури - это сильно стилизованная форма театра с куклами, которые сегодня составляют около 1/3 размера человека. Мужчины, которые управляют марионетками, тренируются всю свою жизнь, чтобы стать мастерами-кукловодами, когда они затем могут управлять головой и правой рукой марионетки и открывать свои лица во время представления. Другие кукловоды, управляющие менее важными конечностями марионетки, закрывают себя и свои лица черным костюмом, чтобы показать свою невидимость. Диалогом занимается один человек, который использует разные тона голоса и манеры речи для имитации разных персонажей. Чикамацу написал тысячи пьес при жизни, большинство из которых используются до сих пор.

Кабуки возник вскоре после Бунраку, по легенде, актрисой по имени Окуни, жившей примерно в конце 16 века. Большая часть материала Кабуки пришла от Но и Бунраку, и его беспорядочные танцевальные движения также являются следствием Бунраку. Однако Кабуки менее формален и более отдален, чем Но, но все же очень популярен среди японской публики. Актеров обучают разным вещам, включая танцы, пение, пантомиму и даже акробатику. Кабуки сначала исполняли молодые девушки, затем - мальчики, а к концу 16 века компании Кабуки состояли только из мужчин. Мужчины, изображавшие женщин на сцене, были специально обучены раскрывать сущность женщины в своих тонких движениях и жестах.

История африканского исполнительского искусства [ править ]

История исполнительского искусства в Америке [ править ]

История исполнительского искусства в Океании [ править ]

См. Также [ править ]

• План исполнительского искусства
• Исполнительское искусство
• Исполнительское искусство
• Ведущие исполнительского искусства
• Закон США об авторском праве в исполнительских видах искусства
• Памела Д., Культурный центр исполнительских искусств Франклина

Ссылки [ править ]

Внешние ссылки [ править ]

• Библиография исполнительских видов искусства на Востоке
• Европейская библиотека исполнительских искусств