История анимации

История анимации началась задолго до развития кинематографии . Люди, вероятно, пытались изобразить движение еще в период палеолита . Намного позже игра теней и волшебный фонарь (примерно с 1659 года) предлагали популярные шоу с проецируемыми изображениями на экран, движущимися в результате манипуляции вручную и / или второстепенной механики. В 1833 году стробоскопический диск (более известный как фенакистископ ) представил стробоскопические принципы современной анимации., который спустя десятилетия также станет основой кинематографии. Между 1895 и 1920 годами, во время подъема кинематографической индустрии, было разработано несколько различных методов анимации, включая покадровую анимацию с объектами, марионетками, глиной или фигурками , а также рисованную или раскрашенную анимацию. Рисованная анимация, в основном анимация, нарисованная на кадрах , была доминирующей техникой на протяжении большей части 20-го века и стала известна как традиционная анимация .

На рубеже тысячелетий компьютерная анимация стала доминирующей техникой анимации в большинстве регионов (в то время как японское аниме и европейская рисованная продукция продолжают оставаться очень популярными). Компьютерная анимация в основном ассоциируется с трехмерным внешним видом с подробным затемнением, хотя многие различные стили анимации были созданы или смоделированы с помощью компьютеров. Некоторые произведения могут быть распознаны как Flash-анимация , но на практике компьютерная анимация с относительно двухмерным внешним видом, четкими контурами и небольшим затенением обычно считается «традиционной анимацией». Например, первый полнометражный фильм, снятый на компьютерах без фотоаппарата, - «Спасатели внизу».(1990), но его стиль сложно отличить от целой анимации.

В этой статье подробно рассказывается об истории анимации, которая выглядит как нарисованная или нарисованная анимация, независимо от базовой техники.

Ранние подходы к движению в искусстве [ править ]

Есть несколько примеров ранних последовательных изображений, которые могут показаться похожими на серии анимационных рисунков. Большинство из этих примеров допускают исключительно низкую частоту кадров при анимации, что приводит к коротким и грубым анимациям, которые не очень реалистичны. Однако маловероятно, что эти изображения предназначались для того, чтобы каким-то образом рассматривать их как анимацию. Можно представить себе технологии, которые могли использоваться в периоды их создания, но убедительных доказательств в артефактах или описаниях найдено не было. Иногда утверждают, что эти ранние последовательные изображения слишком легко интерпретируются как «до-кино» умами, привыкшими к фильмам, комиксам и другим современным последовательным изображениям, в то время как сомнительно, что создатели этих изображений предполагали что-то подобное. ^[1]Плавная анимация требует правильного разбиения движения на отдельные изображения очень коротких экземпляров, которые трудно было представить до наших дней. ^[2] Измерение экземпляров короче второго первого стало возможным с инструментами, разработанными в 1850-х годах. ^[3]

Ранние примеры попыток запечатлеть феномен движения в неподвижном изображении можно найти в палеолитических наскальных рисунках , где животные иногда изображаются с несколькими ногами в наложенных друг на друга положениях или в серии, что можно интерпретировать как одно животное в разных положениях. ^[4] Утверждалось, что эти наложенные друг на друга фигуры были предназначены для формы анимации с мерцающим светом пламени огня или проходящего факела, поочередно освещающих разные части окрашенной каменной стены, показывая разные части движения. . ^{[5] [6]}

Археологические находки небольших палеолитических дисков с отверстием посередине и рисунками на обеих сторонах были заявлены как своего рода доисторические тауматропы, которые показывают движение при вращении на веревке. ^{[5] [7]}

Керамическая чаша возрастом 5200 лет, обнаруженная в Шахр-э-Сухте , Иран, имеет пять последовательных изображений, нарисованных вокруг нее, которые, кажется, показывают фазы козы, прыгающей, чтобы укусить дерево. ^{[8] [9]}

Египетская Фреска приблизительно 4000 лет, найденная в могиле Khnumhotep в Бени Хасан кладбище, имеет очень длинную серию изображений , которые , по- видимому изображают последовательность событий в борьбе матче. ^[10]

Парфенон Фриз (около 400 г. до н.э.) был описан как отображение анализа движения и представляющая фазу движения, структурированной ритмичными и мелодический с контрапунктами как симфония. Утверждалось, что части на самом деле образуют связную анимацию, если фигуры снимаются кадр за кадром. ^[11] Хотя структура следует уникальному пространственно-временному континууму, у нее есть повествовательные стратегии. ^[12]

Римский поэт и философ Лукреций (ок. 99 г. до н. Э. - ок. 55 г. до н. Э.) Написал в своей поэме De rerum natura несколько строк, которые близки к основным принципам анимации: «... когда первое изображение исчезает, а второе - затем возникшие в другом положении, первые, кажется, изменили свою позу. Конечно, следует предположить, что это должно происходить очень быстро: так велика их скорость, так велик запас частиц в любой момент ощущения, чтобы позволить поставка должна появиться ". Это было в контексте образов снов, а не изображений, созданных с помощью реальной или воображаемой технологии. ^{[13] [14]}

Средневековый кодекс Сигенот (около 1470 г.) имеет последовательную иллюминацию с относительно короткими интервалами между фазами действия. На каждой странице есть изображение в рамке над текстом, с одинаковым размером и расположением по всей книге (с постоянной разницей в размере для лицевой и оборотной сторон каждой страницы). ^[15]

Страница чертежей ^[16] по Леонардо да Винчи (1452-1519) показывает анатомические исследования с четырьмя различными углами мышц плеча, руки и шея человека. Четыре рисунка можно рассматривать как вращательное движение.

Древние китайские записи содержат несколько упоминаний устройств, в том числе одно, сделанное изобретателем Дин Хуанем, которое , как утверждается, «создает впечатление движения» для ряда фигур людей или животных на них ^[17], но эти сообщения неясны и могут относиться только к к фактическому движению фигур в пространстве. ^[18]

Еще до 1000 г. н.э. у китайцев был вращающийся фонарь, на тонких бумажных сторонах которого проецировались силуэты, которые, казалось, преследовали друг друга. Это называлось «фонарь бегущей лошади» [走馬燈], так как он обычно изображал лошадей и всадников. Вырезанные силуэты прикреплялись внутри фонаря к валу с крыльчаткой из бумаги наверху, вращаемой нагретым воздухом, выходящим из лампы. В некоторых версиях добавлено дополнительное движение с соединенными головами, ногами или руками фигур, приводимых в движение поперечно соединенной железной проволокой. ^[19]

У Volvelles есть движущиеся части, но эти и другие бумажные материалы, которыми можно управлять в движении, обычно не рассматриваются как анимация.

Игра теней [ править ]

Игра теней имеет много общего с анимацией: люди смотрят движущиеся фигуры на экране как популярный вид развлечения, обычно это рассказ с диалогами, звуками и музыкой. Цифры могут быть очень подробными и четко сформулированными.

Самая ранняя проекция изображений, скорее всего, была сделана в примитивной теневой фотографии, относящейся к доисторическим временам. Он превратился в более изысканные формы теневого кукольного театра, в основном с плоскими сочлененными вырезанными фигурами, которые удерживаются между источником света и полупрозрачным экраном. Формы кукол иногда включают полупрозрачный цвет или другие виды деталей. История теневого кукольного театра сомнительна, но, похоже, зародилась в Азии, возможно, в 1 тысячелетии до нашей эры. Более четкие записи, кажется, относятся к 900 году нашей эры. Позже он распространился на Османскую империю и, похоже, не достиг Европы до 17 века. Он стал популярен во Франции в конце 18 века. Франсуа Доминик Серафинначал свои сложные теневые шоу в 1771 году и проводил их до своей смерти в 1800 году. Его наследники продолжали свою деятельность до закрытия своего театра в 1870 году. Серафин иногда использовал часовой механизм, чтобы автоматизировать представление.

Примерно в то время, когда развивался кинематограф , несколько театров на Монмартре показывали тщательно продуманные и успешные шоу «Ombres Chinoises». Знаменитый Le Chat Noir произвел 45 различных шоу в период с 1885 по 1896 год.

Волшебный фонарь [ править ]

Движущиеся изображения, возможно, проецировались с помощью волшебного фонаря с момента его изобретения Христианом Гюйгенсом в 1659 году. Его эскизы слайдов волшебного фонаря были датированы этим годом и являются старейшим известным документом, касающимся волшебного фонаря. ^[20] Один обведенный эскиз изображает Смерть, поднимающую руку от пальцев ног до головы, другой показывает, как он двигает правой рукой вверх и вниз от локтя, а третий снимает череп с шеи и кладет его обратно. Пунктирными линиями обозначены предполагаемые движения.

Методы добавления движения к окрашенным стеклянным слайдам для волшебного фонаря были описаны примерно с 1700 года. Обычно это были детали (например, конечности), нарисованные на одном или нескольких дополнительных кусках стекла, перемещаемых вручную, или небольшие механизмы по неподвижному слайду, который показывал остальная часть картины. ^[21] Популярные сюжеты для механических горок включали вращение парусов ветряной мельницы, процессию фигур, пьющего человека, опускающего и подносящего стакан ко рту, голову с движущимися глазами, очень длинный нос, прыгающие во рту крысы. спящего человека. На более сложном стеллажном слайде XIX века были показаны известные на тот момент восемь планет и их спутники, вращающиеся вокруг Солнца. ^[22]Два слоя нарисованных волн на стекле могут создать убедительную иллюзию того, что спокойное море превращается в штормовое море, бросающее несколько лодок, за счет увеличения скорости манипулирования различными частями.

В 1770 году Эдме-Жиль Гийо подробно описал, как проецировать изображение волшебного фонаря на дым, чтобы создать прозрачное мерцающее изображение парящего призрака. Эта техника использовалась в показах фантасмагории, которые стали популярными в некоторых частях Европы в период с 1790 по 1830 годы. Были разработаны и другие методы для создания убедительных призрачных переживаний. Фонарь был переносным, чтобы перемещать проекцию по экрану (который обычно был почти невидимым прозрачным экраном, за которым работал фонарь, скрытый в темноте). Может показаться, что призрак приближается к аудитории или становится больше, отодвигая фонарь от экрана, иногда с фонарем на тележке на рельсах. Несколько фонарей заставляли призраков двигаться независимо и иногда использовались для наложенияв композиции сложных сцен. ^[23]

Сливающиеся виды стали популярным шоу волшебных фонарей, особенно в Англии 1830-х и 1840-х годов. ^[23] Обычно в них пейзаж менялся с зимней версии на весеннюю или летнюю, медленно уменьшая свет от одной версии, одновременно добавляя выровненную проекцию другого слайда. ^[24] Другое использование показало постепенное превращение, например, рощ в соборы. ^[25]

Между 1840-ми и 1870-ми годами было разработано несколько абстрактных эффектов волшебных фонарей. Это включало хроматроп, который проецировал ослепительные красочные геометрические узоры, вращая два окрашенных стеклянных диска в противоположных направлениях. ^[26]

Иногда маленькие теневые марионетки использовались в представлениях фантасмагории. ^[23] Волшебные горки-фонарики с шарнирными фигурами, приводимыми в движение рычагами, тонкими стержнями или кулачками и червячными колесами, также производились коммерчески и были запатентованы в 1891 году. Популярная версия этих «горок Фанточчини» имела кувыркающуюся обезьяну с руками, прикрепленными к механизму. из-за этого он кувыркался с болтающимися ногами. Горки Fantoccini названы в честь итальянских кукол, таких как марионетки или прыгуны. ^[27]

Анимация перед фильмом [ править ]

Многочисленные устройства, успешно отображавшие анимированные изображения, были представлены задолго до появления кино. Эти устройства использовались, чтобы развлекать, удивлять, а иногда даже пугать людей. Большинство этих устройств не проецировали свои изображения и могли просматриваться только одним или несколькими людьми одновременно. Они считались оптическими игрушками, а не устройствами для крупномасштабной индустрии развлечений, такой как более поздняя анимация. ^{[ необходима цитата ]} Многие из этих устройств до сих пор создаются студентами-кинологами, изучающими основные принципы анимации, и для них.

Прелюдия [ править ]

Статья в Quarterly Journal of Science, Literature and The Arts (1821) ^[28] вызвала интерес к оптическим иллюзиям изогнутых спиц во вращающихся колесах, видимых через вертикальные отверстия. В 1824 году Питер Марк Роже предоставил математические подробности о появлении искривлений и добавил наблюдение, что спицы кажутся неподвижными. Роже утверждал, что иллюзия возникает из-за того, что «отпечаток, производимый пучком лучей на сетчатке, если он достаточно яркий, останется в течение определенного времени после того, как причина исчезнет». ^[29]Позже это было рассмотрено как основа теории «постоянства зрения» как принципа того, как мы видим фильм как движение, а не как последовательный поток неподвижных изображений, фактически представляемых глазу. Эта теория была отвергнута как (единственный) принцип эффекта с 1912 года, но остается во многих объяснениях истории кино. Однако эксперименты и объяснение Роже вдохновили Майкла Фарадея и Джозефа Плато на дальнейшие исследования, которые в конечном итоге привели к изобретению анимации.

Тауматроп (1825 г.) [ править ]

В апреле 1825 г. первый тауматроп был опубликован У. Филлипсом (при анонимной ассоциации с Джоном Айртоном Пэрис ) и стал популярной игрушкой. ^[30] Изображения по обе стороны небольшого картонного диска кажутся сливающимися в одно комбинированное изображение, когда он быстро вращается с помощью прикрепленных ниток. Это часто используется как иллюстрация того, что часто называют « постоянством зрения », предположительно имея в виду эффект, при котором сохраняется впечатление от одного изображения, хотя на самом деле два разных изображения представляются с перерывами. Неясно, какая часть эффекта связана с положительными остаточными изображениями.. Хотя тауматроп также может использоваться для двухфазной анимации, не было известно ни одного примера, который был бы создан с этим эффектом до тех пор, пока фенакистоп не установил принцип анимации.

Phénakisticope (1833) [ править ]

Phénakisticope (более известный под опечатка фенакистископ или фенакистископ) был первым устройством анимации с использованием быстрого последовательного замещения последовательных снимков. Картинки равномерно распределены по радиусу вокруг диска с небольшими прямоугольными отверстиями по краю диска. Анимацию можно было просматривать через прорези вращающегося диска перед зеркалом. Он был изобретен в ноябре или декабре 1832 года бельгийским плато Жозефом и почти одновременно австрийцем Симоном фон Штампфером . Плато впервые опубликовал о своем изобретении в январе 1833 года. Публикация включала иллюстративную пластину фантаскопа с 16 рамками, изображающими танцора, танцующего пируэт.

Phénakisticope был успешным в качестве новинки, и в течение года по всей Европе было опубликовано множество наборов стробоскопических дисков с почти таким же количеством различных названий устройства, включая Fantascope (Плато), Стробоскоп (Stampfer) и Phénakisticope (парижское издательство Giroux & Cie).

Zoetrope (1833/1866) [ править ]

В июле 1833 года Саймон Штампфер описал возможность использования принципа стробоскопа в цилиндре (а также на полосах с петлями) в брошюре, сопровождающей второе издание своей версии фенакистопы. ^[31] Британский математик Уильям Джордж Хорнер предложил цилиндрическую вариацию фенакистопы Плато в январе 1834 года. Хорнер планировал опубликовать этот Дедалеум вместе с оптиком Кингом-младшим в Бристоле, но он «натолкнулся на некоторые препятствия, вероятно, в набросках фигур». ^[32]

В 1865 году Уильям Энсин Линкольн изобрел точный зоотроп с легко заменяемыми полосами изображений. У него также был иллюстрированный бумажный диск на основе, который не всегда использовался в коммерческих версиях. ^[33] Линкольн передал лицензию на свое изобретение компании Milton Bradley and Co., которая впервые рекламировала его 15 декабря 1866 года. ^[34]

Раскладушка (1868) [ править ]

Джон Барнс Линнетт запатентовал первый флип книгу в 1868 году , как kineograph . ^[35]Раскладушка - это небольшая книга с относительно упругими страницами, каждая из которых имеет одно из серии анимационных изображений, расположенных рядом с ее свободным краем. Пользователь отгибает все страницы назад, обычно большим пальцем, а затем постепенным движением руки позволяет им освободиться по одной за раз. Как и в случае с фенакистоскопом, зоотропом и праксиноскопом, иллюзия движения создается очевидной внезапной заменой каждого изображения следующим в серии, но, в отличие от этих других изобретений, не требуется никаких прерывающих обзор шторок или сборки зеркал и никакого просмотра. устройство, отличное от руки пользователя, абсолютно необходимо. Аниматоры ранних фильмов вдохновлялись флип-книжками чаще, чем более ранние устройства, которые не достигли такой широкой аудитории. ^[36]

Старые устройства по своей природе сильно ограничивают количество изображений, которые могут быть включены в последовательность, не делая устройство очень большим или изображения непрактично маленькими. Формат книги по-прежнему накладывает физические ограничения, но можно легко разместить множество десятков изображений большого размера. Изобретатели расширили этот предел с помощью мутоскопа , запатентованного в 1894 году и иногда все еще используемого в игровых автоматах. Он состоит из большой перекидной книжки с круглым переплетом в корпусе, со смотровой линзой и кривошипной рукояткой, которая приводит в действие механизм, который медленно вращает набор изображений мимо фиксатора, размер которого соответствует времени воспроизведения всей катушки с пленкой.

Праксиноскоп (1877 г.) [ править ]

Французский изобретатель Шарль-Эмиль Рейно разработал праксиноскоп в 1876 году и запатентовал его в 1877 году. ^[37] Он похож на зоотроп, но вместо прорезей в цилиндре у него есть двенадцать прямоугольных зеркал, равномерно расположенных вокруг центра цилиндра. Каждое зеркало отражает другое изображение полосы изображения, расположенной напротив на внутренней стенке цилиндра. При вращении праксиноскоп показывает последовательные изображения одно за другим, что приводит к плавной анимации. Праксиноскоп позволял получить гораздо более четкое изображение движущегося изображения по сравнению с зоотропом, поскольку изображения зоэтропа фактически были в основном закрыты промежутками между его прорезями. В 1879 году Рейно зарегистрировал модификацию патента на праксиноскоп, включив в него театр Praxinoscope Théâtre., в котором использовался эффект призрака Перца для представления анимированных фигур на сменном фоне. Более поздние улучшения включали «Praxinoscope à projection» (продаваемый с 1882 г.), в котором использовался двойной волшебный фонарь для проецирования анимированных фигур на неподвижную проекцию фона. ^[38]

Зоопраксископ (1879) [ править ]

Эдвард Мейбридж нарисовал около 70 своих знаменитых хронофотографических последовательностей на стеклянных дисках для проектора зоопраксископа, который он использовал в своих популярных лекциях между 1880 и 1895 годами. В 1880-х годах изображения наносились на стекло темными контурами. На более поздних дисках, изготовленных между 1892 и 1894 годами, были нарисованы контуры Эрвина Ф. Фабера, которые были напечатаны фотографически на диске, а затем раскрашены вручную, но они, вероятно, никогда не использовались в лекциях. Нарисованные фигуры были в значительной степени перенесены с фотографий, но было сделано много причудливых комбинаций, а иногда и добавлялись воображаемые элементы. ^{[39] [40]}

1888–1908: Самые ранние анимационные фильмы в кино [ править ]

Театр Оптический [ править ]

Шарль-Эмиль Рейно усовершенствовал свой проекционный праксиноскоп в Театре Оптика с прозрачными красочными изображениями, нарисованными вручную в длинной перфорированной полосе, намотанной между двумя катушками, запатентованной в декабре 1888 года. С 28 октября 1892 года по март 1900 года Рейно дал в общей сложности более 12 800 шоу. более 500 000 посетителей в Музее Гревена в Париже. Его серия анимационных фильмов Pantomimes Lumineuses содержала от 300 до 700 кадров, перемещаемых вперед и назад, чтобы длиться от 10 до 15 минут на фильм. Отдельно проецировалась фоновая сцена. Фортепианная музыка, песни и некоторые диалоги исполнялись вживую, а некоторые звуковые эффекты синхронизировались с электромагнитом. В первую программу вошли три мультфильма: Pauvre Pierrot.(создан в 1892 году), Un bon bock (создан в 1892 году, ныне утерян) и Le Clown et ses chiens (создан в 1892 году, ныне утерян). Позже названия Autour d'une cabine (созданы в 1894 году) и A rêve au coin du feu будут частью спектаклей.

Стандартный кинофильм [ править ]

Несмотря на успех фильмов Рейно, прошло некоторое время, прежде чем анимация была адаптирована в киноиндустрии, что произошло после появления в 1895 году кинематографа Люмьера. Ранние фэнтезийные и трюковые фильмы Жоржа Мельеса (выпущенные между 1896 и 1913 годами) иногда были близки к включая анимацию с эффектами остановки , нарисованный реквизит или нарисованные существа, которые были перемещены на нарисованный фон (в основном с помощью проводов), и раскрашивание пленки вручную. Мельес также популяризировал трюк с остановкой , с одним изменением сцены между кадрами, который уже использовался в «Казни Марии Стюарт» Эдисона.в 1895 году и, вероятно, несколько лет спустя привел к развитию покадровой анимации. ^[41] Похоже, это длилось до 1906 года, пока в кинотеатрах не появились полноценные анимационные фильмы. Датировка более ранних фильмов с анимацией оспаривается, в то время как другие фильмы, которые могли использовать покадровую анимацию или другие методы анимации, теряются и не могут быть проверены.

Печатный анимационный фильм [ править ]

В 1897 году немецкий производитель игрушек Gebrüder Bing представил первый прототип своего кинематографа. ^[42]В ноябре 1898 года они представили этот игрушечный кинопроектор, возможно, первый в своем роде, на фестивале игрушек в Лейпциге. Вскоре аналогичные устройства начали продавать и другие производители игрушек, в том числе Ernst Plank и Georges Carette. Примерно в то же время французская компания Lapierre начала продавать аналогичный проектор. К игрушечным кинематографам были приспособлены игрушечные волшебные фонарики с одной или двумя маленькими катушками, на которых использовалась стандартная 35-миллиметровая пленка «перфорация Эдисона». Эти проекторы предназначались для того же рынка игрушек "домашних развлечений", который большинство этих производителей уже снабдили праксиноскопами и игрушечными волшебными фонарями. Помимо относительно дорогих игровых фильмов, производители производили много более дешевых фильмов путем печати литографированных рисунков. Эти анимации, вероятно, были сделаны в черно-белом режиме примерно с 1898 или 1899 года.но самое позднее к 1902 году они стали цветными. Картины часто были взяты из игровых фильмов (как в более позднихтехника ротоскопирования ). Эти очень короткие фильмы изображали простое повторяющееся действие и создавались для проецирования в виде цикла - бесконечного воспроизведения с соединенными концами фильма. Процесс литографии и формат петли следуют традициям, установленным зоотропом и праксиноскопом. ^{[43] [44]}

Кацудо Шашин , созданный неизвестным создателем, был обнаружен в 2005 году и считается старейшим произведением анимации в Японии , вместе с Нацуки Мацумото ^{[Примечание 1] [45]} , экспертом по иконографии в Университете искусств Осаки ^[46] и Историк анимации Нобуюки Цугата ^{[Примечание 2]} определил, что фильм, скорее всего, был снят между 1907 и 1911 годами. ^[47] Фильм состоит из серии мультипликационных изображений на пятидесяти кадрах целлулоидной ленты и длится три секунды при шестнадцати кадрах в секунду . ^[48] На нем изображен мальчик в матроске, который пишетиероглифы кандзи «活動 写真» ( кацудо шашин , или «движущееся изображение») затем поворачиваются к зрителю, снимают шляпу и салютуют. ^[48] Данные свидетельствуют о том, что он производился серийно для продажи состоятельным владельцам домашних проекторов. ^[49] По мнению Мацумото, относительно низкое качество и низкотехнологичная технология печати указывают на то, что это, вероятно, была от небольшой кинокомпании. ^[50]

Дж. Стюарт Блэктон [ править ]

Дж. Стюарт Блэктон был британско-американским кинорежиссером, соучредителем студии Vitagraph и одним из первых, кто использовал анимацию в своих фильмах. Его «Очарованный рисунок» (1900) можно считать первым театральным фильмом, записанным на стандартную кинопленку.включали анимированные элементы, хотя это касается всего лишь нескольких кадров изменения рисунков. На нем Блэктон делает «молниеносные наброски» лица, сигары, бутылки вина и бокала. Лицо меняет выражение, когда Блэктон наливает вино ему в рот и когда Блэктон берет свою сигару. Техника, использованная в этом фильме, была, по сути, уловкой остановки: единственным изменением в сценах была замена рисунка аналогичным рисунком с другим выражением лица. В некоторых сценах нарисованная бутылка и стакан заменены реальными предметами. Блэктон, возможно, использовал ту же технику в затерянном фильме с эскизом молнии 1896 года. ^[41]

Фильм Блэктона 1906 года « Юмористические фазы смешных рожиц» часто считается старейшей известной рисованной анимацией на стандартных фильмах. В нем есть последовательность, сделанная из рисунков на доске, которые меняются между кадрами, чтобы показать два лица, меняющие выражения, и немного вздымающегося сигарного дыма, а также две последовательности, которые имеют анимацию вырезания с аналогичным видом для более плавного движения.

Использование Блэктоном покадровой анимации в «Отеле с привидениями» (1907) оказало большое влияние.

Эмиль Коль [ править ]

Французский художник Эмиль Коль создал первый анимационный фильм с использованием того, что стало известно как традиционные методы анимации: Фантасмагория 1908 года . ^[51] Фильм в основном состоял из фигурки, которая двигалась и сталкивалась со всевозможными трансформирующимися объектами, такими как бутылка вина, которая превращается в цветок. Также были участки живого действия, где руки аниматора выходили на сцену. Пленка создавалась путем рисования каждого кадра на бумаге и последующей съемки каждого кадра на негативной пленке , что придавало изображению вид доски. Позже Коул отправился в Форт-Ли, штат Нью-Джерси. недалеко от Нью-Йорка в 1912 году, где он работал на французской студии Éclair и распространил ее анимационную технику в США.

1910-е: От оригинальных художников до производственных студий "конвейера" [ править ]

Уинзор Маккей [ править ]

Начиная с короткометражного фильма 1911 года о своем самом популярном персонаже, Маленьком Немо , успешный газетный карикатурист Уинзор Маккей дал гораздо больше деталей своим нарисованным от руки анимациям, чем любая анимация, которую раньше видели в кинотеатрах. Его фильм 1914 года « Герти-динозавр» показал ранний пример развития персонажей в рисованной анимации. ^[52]Это был также первый фильм, в котором кадры живых выступлений были объединены с анимацией. Первоначально Маккей использовал фильм в своем водевильном представлении: он стоял рядом с экраном и разговаривал с Герти, которая отвечала серией жестов. В конце фильма Маккей шел за проекционный экран, плавно заменяясь заранее записанным изображением, как он входит в экран, садится на спину мультяшного динозавра и выезжает из кадра. ^{[53] [54]} Маккей лично нарисовал вручную почти каждый из тысяч рисунков для своих фильмов. ^[55] Другими заслуживающими внимания названиями Маккея являются « Как действует комар» (1912) и «Затонувшая Лузитания» (1918).

Компания Cartoon Film - Бакстон и Дайер [ править ]

Между 1915 и 1916 годами Дадли Бакстон и Энсон Дайер создали серию из 26 тематических мультфильмов во время Первой мировой войны, используя в основном вырезанную анимацию, выпущенную в виде анимационного альбома Джона Брауна ^[56]. Среди эпизодов - обстрел Скарборо немецкими линкорами ^{[57]. ]} и «Затопление Лузитании», № 4 (июнь 1915 г.) ^[58]

Студия Барре [ править ]

В 1910-х годах крупномасштабные анимационные студии становились индустриальной нормой, и такие художники, как Маккей, исчезли из поля зрения публики. ^[55]

Приблизительно в 1913 году Рауль Барре разработал систему колышков, которая упростила выравнивание чертежей, перфорировав два отверстия под каждым чертежом и поместив их на два фиксированных стержня. Он также использовал технику «слэш и разрыв», чтобы не рисовать весь фон или другие неподвижные части для каждого кадра. Части, в которых нужно было что-то изменить для следующего кадра, были аккуратно вырезаны из чертежа и заполнены нужным изменением на листе ниже. ^[59] После того, как Барре начал свою карьеру в анимации в Edison Studios , он основал одну из первых киностудий, посвященных анимации, в 1914 году (первоначально вместе с Биллом Ноланом ). Студия Барредобился успеха благодаря экранизации популярного комикса « Матт и Джефф» (1916–1926). В студии работали несколько аниматоров, которые сделали бы заметную карьеру в анимации, в том числе Фрэнк Мозер , Грегори Ла Кава , Вернон Столлингс , Том Нортон и Пэт Салливан .

Bray Productions [ править ]

В 1914 году Джон Брэй открыл студию John Bray Studios , которая произвела революцию в способах создания анимации. ^[60] Эрл Херд , один из сотрудников Брея, запатентовал технику cel . ^[61] Это включало анимацию движущихся объектов на прозрачных целлулоидных листах. ^[62] Аниматоры сфотографировали листы поверх неподвижного фонового изображения, чтобы создать последовательность изображений. Это, а также новаторское использование Бреем метода конвейерной сборки, позволило John Bray Studios создать первый мультсериал « Полковник Хиза Лжец ». ^{[63] [64]} Многие начинающие карикатуристы начали свою карьеру в Bray, в том числе Пол Терри.(позже известность Хекла и Джекла ), Макс Флейшер (позже прославившийся Бетти Буп и Попай ) и Уолтер Ланц (позже прославившийся Вуди Дятлом ). Студия мультфильмов работала примерно с 1914 по 1928 год. Одними из первых звезд мультфильмов из студии Брея были Фермер Люцерна (Пол Терри) и Бобби Бампс (Эрл Херд).

Международная кинослужба Херста [ править ]

Газетный магнат Уильям Рэндольф Херст основал International Film Service в 1916 году. Херст переманил большинство аниматоров Barré Studio, а Грегори Ла Кава стал главой студии. Они подготовили адаптации многих комиксов из газет Heart's в довольно ограниченном виде, давая лишь небольшое движение персонажам, в основном используя диалоговые шары для передачи истории. Самая известная серия - Крейзи Кэт , вероятно, первая из многих антропоморфных персонажей мультяшных кошек и других забавных животных . До того, как студия остановилась в 1918 году, она наняла несколько новых талантов, в том числе Вернона Столлингса , Бена Шарпстина , Джека Кинга., Джон Фостер , Грим Натвик , Берт Джиллетт и Айседор Кляйн.

Fleischer Studios [ править ]

В 1915 году Макс Флейшер подал заявку на патент (выданный в 1917 году) ^[65] на технику, которая стала известна как ротоскопирование : процесс использования видеозаписей с живым действием в качестве ориентира для более простого создания реалистичных анимированных движений. Эта техника часто использовалась в сериале « Из чернильницы » (1918–1929) для John Bray Productions (и других). Сериал основан на экспериментальных ротоскопических изображениях Дэйва Флейшера, выступающего в роли клоуна, который превратился в персонажа, который стал известен как Коко Клоун .

Кот Феликс [ править ]

В 1919 году Отто Мессмер из Pat Sullivan Studios создал кота Феликса . Пэт Салливан , глава студии, взял на себя всю заслугу Феликса, что было обычной практикой на заре студийной анимации. ^[66] Кот Феликс был распространен Paramount Studios и привлек большую аудиторию, ^{[67] в} конечном итоге став одним из самых узнаваемых персонажей мультфильмов в истории кино. Феликс был первым мультфильмом, который поступил в продажу. ^{[ необходима цитата ]}

Квирино Кристиани: первые мультфильмы [ править ]

Первым известным анимационным фильмом был фильм Кирино Кристиани « Апостол » , выпущенный 9 ноября 1917 года в Аргентине . В этой успешной 70-минутной сатире использовалась техника вырезания из картона, как сообщается, с 58 000 кадров при 14 кадрах в секунду . Следующий полнометражный фильм Кристиани Sin dejar rastros был выпущен в 1918 году, но не получил освещения в прессе и не получил широкого распространения до того, как был конфискован полицией по дипломатическим причинам. ^[68] Ни один из художественных фильмов Кристиани не сохранился. ^{[69] [70] [71]}

1920-е: Абсолютный фильм, переход к синхронизированному звуку и расцвет Диснея [ править ]

Абсолютный фильм [ править ]

В начале 1920-х годов абсолютное движение кино с такими художниками, как Вальтер Руттманн , Ганс Рихтер , Викинг Эггелинг и Оскар Фишингер, создавало короткие абстрактные анимации, которые оказали влияние. Хотя некоторые более поздние абстрактные анимационные работы, например, Лена Лая и Нормана Макларена , получили бы широкое признание, этот жанр в значительной степени оставался относительно малоизвестной авангардной формой искусства, в то время как прямые влияния или аналогичные идеи иногда появлялись в основной анимации (например, в диснеевской Токкате и Фуге ре минор в Фантазии(1940) - над которым Фишингер первоначально сотрудничал до тех пор, пока его работа не была отменена, и частично вдохновлялся работами Лая - и в «Точка и линия» (1965) Чака Джонса).

Ранний синхронизированный звук: Song Car-Tunes и Sound Fables Эзопа [ править ]

С мая 1924 года по сентябрь 1926 года студия Дэйва и Макса Флейшеров Inkwell Studios выпустила 19 звуковых мультфильмов, являющихся частью серии Song Car-Tunes , используя процесс Phonofilm « звук на пленке ». В сериале также был представлен " прыгающий мяч " над словами, чтобы зрители подпевали музыке. «Мой старый дом в Кентукки», снятый в июне 1926 года, был, вероятно, первым фильмом, в котором были представлены синхронизированные анимированные диалоги, в которых в ранней версии Бимбо произносились слова «Следуй за мячом и присоединяйся ко всем». Характер Бимбо получил дальнейшее развитие в Talkartoons Флейшера (1929–1932).

« Время обеда» Пола Терри из его серии «Басни Эзопа (1921–1936)», премьера которой состоялась 1 сентября 1928 года, с синхронизированным саундтреком и диалогами. Новый владелец студии Ван Бойрен призвал Терри добавить новинку против его желания. Хотя сериал и его главный герой Фермер Аль Фальфа пользовались популярностью, этот первый эпизод со звуком не произвел на публику впечатления.

Лотте Райнигер [ править ]

Самый ранний из сохранившихся полнометражных анимационных фильмов - это силуэтная анимация 1926 года « Die Abenteuer des Prinzen Achmed» («Приключения принца Ахмеда») , в которой использовалась цветная пленка . ^[72] Это было направлено немкой Лотте Райнигер и ее мужем Карлом Кохом . Вальтер Руттманн создал визуальные фоновые эффекты. Французско-венгерский соавтор Бертольд Бартош и / или Райнигер создали глубину резкости, разместив сценографические элементы и фигуры на нескольких уровнях стеклянных пластин с подсветкой снизу и камерой вертикально сверху. Позже подобная техника легла в основу многоплоскостной камеры .

Ранний Дисней: Смех-О-Грамс, Алиса, Освальд и Микки [ править ]

Между 1920 и 1922 годами карикатуристы Уолт Дисней , Уббе Иуверкс и Фред Харман работали в Slide Company (вскоре переименованной в Kansas City Film Ad Company), которая производила вырезанные рекламные ролики. Дисней и Уббе изучали хронофотографию Мейбриджа и единственную книгу по анимации в местной библиотеке, а Дисней экспериментировал с техникой рисованной анимации в гараже своих родителей. Они смогли привнести в компанию некоторые инновации, но их работодатель не хотел отказываться от проверенной техники вырезания. Домашние эксперименты Диснея привели к созданию сериала, высмеивающего текущие местные темы, который ему удалось продать владельцу трех местных театров Ньюмана как еженедельник Newman Laugh-O-Grams.в 1921 году. При заключении сделки 19-летний Дисней забыл включить маржу прибыли, но он был счастлив, что кто-то заплатил за его «эксперимент» и получил местную известность благодаря показам. Дисней также создал своего первого повторяющегося персонажа, профессора Whosis, который появлялся в юмористических публичных объявлениях Ньюмана.

Дисней и Харман открыли свою собственную студию Kaycee Studio на стороне, экспериментируя с фильмами, воспроизводимыми задом наперед, но их попытки заработать на рекламе и кадрах кинохроники не увенчались успехом, и Харман ушел в 1922 году. Через газетную рекламу Дисней «нанял» Рудольфа Изинга. в обмен на обучение его тонкостям анимации. Вдохновленный « Баснями Эзопа» Терри , Дисней с помощью Изинга начал серию модернизированных семиминутных мультфильмов-сказок и новую серию сатирических реалий под названием « Лаффлеты ». После двух сказочных мультфильмов Дисней уволился с работы в Film Ad и с помощью инвесторов основал Laugh-O-Gram Films, Inc. Иверкс, брат Фреда Хью Харман иКарман Максвелл была среди аниматоров, которые должны были создать еще пять сказочных мультфильмов Laugh-O-Gram и спонсируемый «Зуб Томми Такера» в 1922 году. ^[73] Сериал не принес денег, и в 1923 году студия попробовала кое-что еще с живым действием. "Song-O-Reel" Марта ^[74] и Страна чудес Алисы . В 12-минутном фильме девушка ( Вирджиния Дэвис ) вживую взаимодействует с многочисленными героями мультфильмов, включая вдохновленного Феликсом кота Юлиуса (который уже появлялся в сказках Laugh-O-Gram без имени). Прежде чем Дисней смог продать картину, его студия обанкротилась.

Дисней переехал в Голливуд и сумел заключить сделку с нью-йоркским кинопрокатом Маргарет Дж. Винклер , которая только что потеряла права на «Кота Феликса» и « Из чернильницы» . Чтобы сниматься в сериале « Комедии Алисы » (1923–1927), Иуверкс также переехал в Голливуд, за ним последовали Изинг, Харман, Максвелл и коллега по кинорекламе Фриз Фреленг . Сериал был достаточно успешным, чтобы длиться 57 серий, но Дисней в конце концов предпочел создать новый полностью мультсериал.

Освальд, Счастливый Кролик, последовал за ним в 1927 году и стал хитом, но после неудачных переговоров о продолжении в 1928 году Чарльз Минц взял прямой контроль над производством, и Дисней потерял своего персонажа и большую часть своих сотрудников Минцу.

Дисней и Иверкс разработали Микки Мауса в 1928 году, чтобы заменить Освальда. Первый фильм под названием « Безумный самолет» не произвел впечатления на тестовую аудиторию и не вызвал должного интереса потенциальных дистрибьюторов. После того, как некоторые живые фильмы с синхронизированным звуком стали успешными, Disney отложила выпуск нового мультфильма Микки Мауса «Гаучо на галопе», чтобы начать работу над специальным звуковым продуктом, который должен был запустить сериал более убедительно. Большая часть действий в получившемся Steamboat Willie(Ноябрь 1928 г.) включает в себя создание звуков, например, когда Микки играет музыку, используя домашний скот на борту лодки. Фильм имел огромный успех, и Микки Маус вскоре стал самым популярным мультипликационным персонажем в истории.

Боско [ править ]

Bosko был создан в 1927 году Хью Харманом и Рудольфом Изингом специально для звуковых радиостанций . В то время они все еще работали на Disney, но в 1928 году они уехали, чтобы работать над мультфильмами Освальда-счастливого кролика в Universal около года, а затем в мае 1929 года продюсировали Боско, пилотную версию Talk-Ink Kid, чтобы сделать покупки для дистрибьютора. . Они подписали контракт с Леоном Шлезингером и начали серию Looney Tunes для Warner Bros.в 1930 году. Боско был звездой 39 мультфильмов Warner Bros. до того, как Харман и Изинг взяли Боско в MGM после ухода из Warner Bros. После двух мультфильмов MGM персонаж претерпел драматические изменения, которые не были оценены зрителями. Карьера Боско завершилась в 1938 году.

1930-е годы: цвет, глубина, суперзвезды мультфильмов и Белоснежка [ править ]

Литографические фильмы для домашнего использования, которые были доступны в Европе в первые десятилетия двадцатого века, были многоцветными, но эта техника, похоже, не применялась для театральных анимационных фильмов. В то время как в оригинальных репродукциях «Приключений принца Ахмеда» использовалась тонировка пленки , большинство анимационных фильмов, выпущенных в кинотеатрах до 1930 года, были черно-белыми. Эффективные цветовые процессы были долгожданным нововведением в Голливуде и казались особенно подходящими для мультфильмов.

Двухполосный цвет [ править ]

Отрезок мультфильма в художественном фильме « Король джаза» (апрель 1930 г.), снятом Уолтером Ланцем и Биллом Ноланом, был первым анимационным фильмом, представленным в двухцветном цвете.

«Фиддлстикс» , выпущенный вместе с « Королем джаза» , был первымфильмом « Переверни лягушку» и первым проектом, над которым работал Уб Иверкс после того, как покинул Дисней, чтобы создать собственную студию. В Англии мультфильм был выпущен вформатеHarris Color ^[75] , двухцветном , вероятно, как первый выпущенный в кинотеатрах автономный мультфильм, который может похвастаться как звуком, так и цветом.

Глупые разноцветные симфонии Диснея [ править ]

Когда сериал « Глупые симфонии », начатый в 1929 году, оказался менее популярным, чем ожидал Дисней, он обратился к новому техническому новшеству, чтобы улучшить воздействие сериала. В 1932 году он работал с компанией Technicolor над созданием первой полноцветной анимации « Цветы и деревья» , впервые применив технику трех полос (первое использование в фильмах с живыми актерами появилось примерно через два года). Мультфильм имел успех и получил премию Американской киноакадемии за короткие сюжеты и мультфильмы . ^[76] Disney временно заключила эксклюзивную сделку на использование полноцветной техники Technicolor в анимационных фильмах. Он даже немного подождал, прежде чем приступить к выпуску продолжающейся цветной серии Микки Мауса, так что«Глупые симфонии» особенно понравятся публике. После истечения срока действия эксклюзивной сделки в сентябре 1935 года полноцветная анимация вскоре стала отраслевым стандартом.

Глупый Симфонии вдохновил многие серии мультфильмов , которые хвастались различные другие цветовыми системами , пока Technicolor не был исключителен Дисней больше, в том числе Аб Айверкса ComiColor мультфильма (1933-1936), Ван Берен Studios ' Радуга Parade (1934-1936), Флейшер в Color Classics ( 1934–1941), Цветная рапсодия Чарльза Минца (1936–1949), Happy Harmonies MGM (1934–1938) Марионетки Джорджа Пала (1932–1948) и Свинговая симфония Уолтера Ланца (1941–1945).

Многоплоскостные камеры и стереоптический процесс [ править ]

Чтобы создать впечатление глубины , было разработано несколько техник. Наиболее распространенной техникой было перемещение персонажей между несколькими фоновыми и / или передними слоями, которые можно было перемещать независимо в соответствии с законами перспективы (например, чем дальше от камеры, тем медленнее скорость).

Лотте Рейнигер уже разработала тип многоплоскостной камеры для Die Abenteuer des Prinzen Achmed ^[77], а ее сотрудник Бертольд Бартош использовал аналогичную установку для своего замысловатого 25-минутного фильма L'Idée (1932).

В 1933 году Уб Иверкс разработал многоплановую камеру и использовал ее в нескольких эпизодах « Вилли Воппер» (1933–1934) и « Мультфильмы ComiColor» .

Флейшеры разработали совсем другой «стереоптический процесс» в 1933 году ^[78] для своих Color Classics . Он был использован в первом эпизоде Бетти Буп в «Бедной Золушке» (1934) и в большинстве следующих эпизодов. В процессе участвовали трехмерные декорации, созданные и вылепленные на большом поворотном столе. Цели были размещены в подвижном наборе, чтобы анимированные персонажи двигались вперед и назад по отношению к трехмерным элементам в сцене, когда поворотный стол вращался.

Сотрудник Disney Уильям Гэрити разработал многоплановую камеру, которая могла иметь до семи слоев изображения. Он был протестирован в отмеченной наградой Оскар " Глупой симфонии " Старая мельница " (1937) и широко использовался в" Белоснежке " и более поздних фильмах.

Новые красочные суперзвезды мультфильмов [ править ]

После того, как добавление звука и цвета имело огромный успех для Disney, последовали другие студии. К концу десятилетия почти все театральные мультфильмы были созданы в полном цвете.

Первоначально музыка и песни были в центре внимания многих сериалов, о чем свидетельствуют названия серий, такие как Song Car-Tunes , Silly Symphonies , Merrie Melodies и Looney Tunes , но именно узнаваемые персонажи действительно привлекали внимание публики. Микки Маус был первой мультипликационной суперзвездой, которая превзошла популярность Феликса Кота, но вскоре последовали десятки других мультипликационных суперзвезд, многие из которых оставались популярными на протяжении десятилетий.

У Warner Bros. была обширная музыкальная библиотека, которую можно было популяризировать с помощью мультфильмов, основанных на доступных мелодиях. В то время как Disney нужно было сочинять музыку для каждого мультфильма, легкодоступные ноты и песни в Warner Bros. послужили источником вдохновения для многих мультфильмов. Леон Шлезингер продал Warner Bros. вторую серию под названием Merrie Melodies , которая до 1939 года по контракту должна была содержать по крайней мере один рефрен из музыкального каталога. В отличие от Looney Tunes с Боско, в Merrie Melodies было всего несколько повторяющихся персонажей, таких как Фокси , Пигги и Гупи Гир, до ухода Хармана и Изинга в 1933 году. Боско был заменен на Бадди в сериале Looney Tunes, но просуществовал всего два года, в то время какИзначально веселые мелодии продолжались без повторяющихся символов. В конце концов, эти две серии стали неотличимы друг от друга, и появилось много новых персонажей, ставших популярными. Аниматор / режиссер Боб Клэмпетт разработал « Порки Пиг» (1935) и Даффи Дак (1937) и создал большую часть энергичной анимации и непочтительного юмора, связанных с сериалом. В 1930-х годах также были ранние анонимные воплощения персонажей, которые позже стали суперзвездами Элмером Фаддом (1937/1940), Багз Банни (1938/1940) и Сильвестром Котом (1939/1945). С 1937 года Мел Блан исполнял большинство голосов персонажей.

Дисней представил во вселенной Микки Мауса новых персонажей , которые стали очень популярными, чтобы вместе с Микки и Минни Маус сыграть вместе с Микки и Минни Маус (1928): Плутон (1930), Гуфи (1932) и персонаж, который вскоре стал новым фаворитом: Дональд Дак. (1934). Дисней понял, что успех анимационных фильмов зависит от рассказа эмоционально захватывающих историй; он разработал «отдел истории», где художники по раскадровке, отдельные от аниматоров, сосредоточились бы только на разработке сюжета, что доказало свою ценность, когда студия Disney выпустила в 1933 году первый короткометражный мультфильм с хорошо проработанными персонажами « Три поросенка» . ^{[79] [80][81]} Дисней расширял свою студию и начинал все больше и больше производственной деятельности, включая комиксы, товары и тематические парки. Большинство проектов основано на персонажах, созданных для короткометражных фильмов.

Студия Fleischer представила безымянного персонажа-собаки как подругу Бимбо в Dizzy Dishes (1930), которая превратилась в человеческую женщину Бетти Буп (1930–1939) и стала самым известным творением Флейшера. В 1930-х годах они также добавили в свой репертуар « Ханки и Спанки» (1938) и популярную анимационную адаптацию «Попай» (1933).

Код Хейса и Бетти Буп [ править ]

Hays " Motion Picture Производство Кодекс моральных принципов был применен в 1930 году и жестко контролировать между 1934 и 1968. Он имел большое влияние на создателей фильма , которые любили создавать относительно дерзкий материал. Печально известный пример: Бетти Буп сильно пострадала, когда ее пришлось превратить из беззаботной тряпки с невинной сексуальной привлекательностью в более здорового и гораздо более покорного персонажа в более пышной одежде. Исчезновение ее парня Бимбо, вероятно, было также результатом неодобрения кодексов межвидовых отношений.

Белоснежка и прорыв анимационного фильма [ править ]

По меньшей мере восемь полнометражных анимационных фильмов были выпущены до « Белоснежки и семи гномов» Диснея , а еще как минимум два более ранних анимационных проекта остались незавершенными. Большинство этих фильмов (из которых сохранилось только четыре) были сняты с использованием техники вырезания , силуэта или покадровой анимации . Среди утерянных анимационных фильмов были три полнометражных фильма Квирино Кристиани , который представил свой третий полнометражный фильм «Пелудополис» 18 сентября 1931 года в Буэнос-Айресе ^[82] со звуковой дорожкой, синхронизированной со звуком на диске Vitaphone. . Критика восприняла его весьма положительно, но не стала хитом и обернулась экономическим фиаско для режиссера. Вскоре Кристиани понял, что больше не может делать карьеру аниматора в Аргентине. ^[68] Только обзор мультфильмов Уолта Диснея, присуждаемый Оскаром, также был полностью нарисован вручную. Он был выпущен за семь месяцев до «Белоснежки» для продвижения предстоящего выпуска « Белоснежки» . ^{[ необходима цитата ]} . Многие не считают этот фильм настоящим художественным, потому что это пакетный фильм, который длится всего 41 минуту. Он делает соблюдение официальных определений художественного фильма в Британском институте кинематографии , темАкадемия кинематографических искусств и наук и Американский институт кино , согласно которым продолжительность фильма должна составлять более 40 минут.

Когда стало известно, что Дисней работает над полнометражным анимационным фильмом, критики регулярно называли проект «Диснеевским безумием», не веря, что зрители так долго выдерживают ожидаемые яркие краски и шутки. «Белоснежка и семь гномов», премьера которого состоялась 21 декабря 1937 года, имела мировой успех. Фильм продолжил традицию Диснея по использованию старых сказок и других историй (начатых с Laugh-O-Grams в 1921 году), как и большинство последующих фильмов Disney.

Студия Флейшера последовала примеру Диснея с фильмом «Путешествие Гулливера» в 1939 году, который имел незначительный успех в прокате.

Ранняя телевизионная анимация [ править ]

В апреле 1938 года, когда было подключено около 50 телевизоров, на канале NBC был показан восьмиминутный малобюджетный мультфильм «Червь Вилли» . Он был специально сделан для этой трансляции бывшим сотрудником Disney Чадом Гроткопфом, в основном с вырезами и небольшой анимацией.

Примерно год спустя, 3 мая 1939 года, фильм Диснея « Двоюродный брат Дональда Гас» был показан на экспериментальном канале NBC W2XBS за несколько недель до того, как он был выпущен в кинотеатрах. Мультфильм был частью первой полноценной вечерней программы. ^[83]

1940-е [ править ]

Пропаганда военного времени [ править ]

Несколько правительств уже использовали анимацию в фильмах для общественной информации, например, в фильмах GPO Film Unit в Великобритании и японских образовательных фильмах. Во время Второй мировой войны анимация стала обычным средством пропаганды. Лучшие студии США работали на войну.

Чтобы проинструктировать военнослужащих по всем военным предметам и поднять боевой дух, Warner Bros. заключила контракт на несколько короткометражных фильмов и специальный мультсериал Private Snafu . Персонаж создал известный кинорежиссер Фрэнк Капра , доктор Сьюз участвовал в написании сценариев, а режиссером сериала выступил Чак Джонс. Дисней также выпустил несколько поучительных короткометражек и даже лично профинансировал полнометражный фильм « Победа с помощью авиации» (1943), продвигавший идею бомбардировок на большие расстояния.

Многие популярные персонажи продвигали военные облигации , например, Багз Банни в Any Bonds Today? , Поросята Диснея в «Бережливой свинье» и целая группа персонажей Диснея в « Все вместе» . Даффи Дак попросила металлолом для военных действий в Scrap Happy Daffy . Минни Маус и Плутон предложили мирным жителям собрать свой кулинарный жир, чтобы его можно было использовать для изготовления взрывчатки в игре «Из сковороды на линию огня» . Было еще несколько короткометражных политических пропагандистских фильмов, таких как Warner Bros. Пятая колонна Маус , Дисней Цыпленок Цыпа и более серьезное образование для смерти и разум и эмоции (номинирован на премию Оскар).

Такие фильмы военного времени очень ценились. Багз Банни стал чем-то вроде национальной иконы, а пропагандистский короткометражный фильм Диснея « Лицо фюрера» (с Дональдом Даком) выиграл для компании десятую премию «Оскар» за короткометражные мультфильмы .

Первый полнометражный японский аниме-фильм桃 太郎 海 の 神兵 (Momotaro: Sacred Sailors) был снят в 1944 году по заказу Министерства военно-морского флота Японии . Он был разработан для детей и, частично вдохновленный Фантазией , призван вдохновлять мечты и надежду на мир. Главные герои - антропоморфная обезьяна, собака, медведь и фазан, которые становятся парашютистами (за исключением фазана, который становится пилотом), которым поручено вторгнуться в Целебес . Эпилог намекает на Америку как на цель для следующего поколения.

Художественная анимация 1940-х годов [ править ]

Высокие амбиции, неудачи и сокращения в американской художественной анимации [ править ]

Следующие полнометражные фильмы Диснея (« Пиноккио» и очень амбициозный фильм-концерт « Фантазия» , оба выпущенные в 1940 году) и второй анимационный полнометражный фильм Fleischer Studios « Мистер Баг идет в город» (1941/1942) были положительно восприняты критиками, но потерпели неудачу в прокате. их начальные театральные постановки. Основная причина заключалась в том, что Вторая мировая война отключила большинство зарубежных рынков. Эти неудачи отпугнули большинство компаний, у которых были планы на создание анимационных фильмов.

Дисней сократил расходы на следующие функции и сначала выпустил «Неохотный дракон» , в основном состоящий из живого тура по новой студии в Бербанке, частично в черно-белом цвете, с четырьмя короткими мультфильмами. Фильм имел небольшой успех в прокате по всему миру. Несколько месяцев спустя за ним последовал Дамбо (1941), всего 64 минуты и оживленный в более простом экономическом стиле. Это помогло обеспечить прибыль в прокате, и критики и зрители отреагировали положительно. Следующий полнометражный фильм Диснея « Бэмби» (1942) вернулся к большему бюджету и более роскошному стилю, но более драматичный сюжет, более мрачное настроение и отсутствие фэнтезийных элементов не получили одобрения во время первого показа и потеряли деньги в прокате.

Хотя все остальные восемь фильмов Диснея 1940-х годов были пакетными фильмами и / или комбинациями с живым действием (например, Saludos Amigos (1943) и The Three Caballeros (1944)), Дисней сохранял веру в анимационную анимацию. На протяжении десятилетий Disney была единственной американской студией, которая регулярно выпускала полнометражные театральные анимационные фильмы, хотя некоторым другим американским студиям удалось выпустить более чем несколько фильмов до начала 1990-х годов.

Неамериканские силы анимации [ править ]

Американские анимационные фильмы доминировали в мировом производстве и потреблении театральных анимационных фильмов с 1920-х годов. Особенно работы Диснея оказались очень популярными и самыми влиятельными во всем мире. Студии из других стран вряд ли могли составить конкуренцию американским постановкам. Относительно многие производители анимации за пределами США предпочитают работать с другими методами, кроме «традиционной» или целой анимации, такими как марионеточная анимация или вырезанная анимация. Однако несколько стран (в первую очередь Россия, Китай и Япония) создали свои собственные относительно крупные «традиционные» индустрии анимации. Союзмультфильм в РоссииАнимационная студия, основанная в 1936 году, насчитывала до 700 квалифицированных рабочих и в советский период производила в среднем 20 фильмов в год. Некоторые названия, отмеченные за пределами их соответствующих внутренних рынков, включают铁扇公主 (Принцесса Железный веер) ^[84] (Китай, 1941 год, влиятельный в Японии), Конёк-Горбуно́к (Конёк-Горбуно) (Россия, 1947 год, обладатель специальной награды жюри в Каннах в 1950 году) , I Fratelli Dinamite (Братья-динамиты) (Италия, 1949) и La Rosa di Bagdad (Роза Багдада) (Италия, 1949, английский дубляж 1952 года с Джули Эндрюс ).

Успешные театральные мультфильмы 1940-х годов [ править ]

Во время «Золотого века американской анимации» новые студии соревновались со студиями, которые пережили битвы за инновации в звуке и цвете предыдущих десятилетий. Веселые животные по- прежнему были нормой, а музыка оставалась актуальным элементом, но часто теряла свою главную сценическую привлекательность из-за мелодраматического повествования Диснея или дикого юмора в Looney Tunes и других мультфильмах.

Disney продолжила свои успехи в мультфильмах, добавив Дейзи Дак (1940) и Чипа и Дейла (1943/1947) во вселенную Микки Мауса , в то время как Warner Bros. разработали новых персонажей, чтобы присоединиться к их популярному составу Merrie Melodies / Looney Tunes, в том числе Твити ( 1941/1942), Хенери Хок (1942), Йосемити Сэм (1944/1945), Фогхорн Леггорн (1946), Барнярд Доуг (1946), Марвин Марсианин (1948) и Уайл Э. Койот и Road Runner (1949).

Другие новые популярные персонажи и серии были Terrytoons ' Mighty Mouse (1942-1961) и Heckle и Jeckle (1946) и Screen Gems ' The Ворона и лисица (1941-1948).

Fleischer / Famous Studios [ править ]

Флейшер запустил свою захватывающую адаптацию Супермена в 1941 году. Успех пришел слишком поздно, чтобы спасти студию от финансовых проблем, и в 1942 году Paramount Pictures переняла студию у уходящих в отставку Fleischer Brothers. Переименованные в Famous Studios продолжили серию « Попай» и « Супермен », разработали популярные адаптации Little Lulu (1943–1948, лицензия Gold Key Comics), дружелюбного призрака Каспера (1945) и создали новые серии, такие как Little Audrey (1947) и Baby Хьюи (1950).

Walter Lantz Productions [ править ]

Уолтер Ланц начал свою анимационную карьеру в студии Херста в возрасте 16 лет. Он также работал в Bray Studios и Universal Pictures , где в 1929 году получил контроль над мультфильмами Освальда Счастливого Кролика (как сообщается, выиграв персонажа и получив контроль над ним). студии в покере с президентом Universal Карлом Лэммлем ). В 1935 году студия Universal была преобразована в независимую Walter Lantz Productions , но осталась в партии Universal и продолжала выпускать мультфильмы для распространения Universal. Когда популярность Освальда пошла на убыль, и в 1938 году персонаж был окончательно ушел на пенсию, в постановках Ланца не было успешных персонажей, пока он не разработал Энди Панды.в 1939 году. Антропоморфная панда снялась в более чем двух десятках мультфильмов до 1949 года, но вскоре его затмил знаменитый Вуди Дятел , дебютировавший в мультфильме Энди Панды « Тук-тук» в 1940 году. Среди других популярных персонажей Ланца - Уолли Морж (1944), Базз Канюк (1948), Чилли Вилли (1953), Хикори, Дикори и Док (1959).

MGM [ править ]

После распространения мультфильмов Уба Иверкса « Переверните лягушку» и « Вилли Воппер», а также « Счастливые гармонии » Хармана и Изинга , Metro-Goldwyn-Mayer в 1937 году основала собственную студию мультфильмов . Студия имела большой успех с Барни Беаром (1939–1954), Ханной и Джозефом. Barbera «s Том и Джерри (1940) и Спайк и Тайк (1942).

В 1941 году Текс Эйвери покинул Warner Bros. и перешел в MGM и создал там Droopy (1943), Screwy Squirrel (1944) и George and Junior (1944).

УПА [ править ]

В то время как Disney и большинство других студий стремились к ощущению глубины и реализма в анимации, аниматоры UPA (включая бывшего сотрудника Disney Джона Хабли ) имели иное художественное видение. Они разработали гораздо более редкую и стилизованную анимацию, вдохновленную русскими примерами. Студия была образована в 1943 году и изначально работала по госконтрактам. Несколько лет спустя они подписали контракт с Columbia Pictures, переняли The Fox and the Crow у Screen Gems и заработали номинации на Оскар за свои первые два короткометражных фильма в 1948 и 1949 годах. В то время как в области анимации доминировали антропоморфные животные, когда студия разрешили создать нового персонажа, они придумали близорукого старика. Г-н Магу(1949) стал хитом и был показан во многих короткометражных фильмах. Между 1949 и 1959 годами UPA получила 15 номинаций на «Оскар», получив свою первую премию «Оскар» за экранизацию д-ра Сьюза Джеральда МакБоинг-Боинга (1950), за которой последовали еще две за « Когда летал Магу» (1954) и «Прыгун из лужи» Магу (1956). Самобытный стиль оказал влияние и даже повлиял на большие студии, включая Warner Bros. и Disney. Помимо эффективной свободы в художественном самовыражении, UPA доказала, что скудная анимация может быть оценена так же (или даже больше), как дорогие роскошные стили.

Телевизионная анимация 1940-х годов [ править ]

Бэк-каталог мультфильмов многих студий, изначально созданный для коротких театральных тиражей, оказался очень ценным для телевещания. Фильмы о маленьком мальчишке (1947), представленные « старшим братом» Бобом Эмери во вторник вечером на нью-йоркском телеканале WABD-TV, были одним из первых телесериалов для детей, в нем было много классических мультфильмов Van Beuren Studios. Это было продолжено на DuMont Television Network как ежедневное шоу Small Fry Club (1948–1951) с живой аудиторией в студии.

Многие классические сериалы от Уолтера Ланца , Warner Bros. , Terrytoons , MGM и Disney на протяжении десятилетий так же обрели новую жизнь в детских сериалах с многочисленными повторами. Вместо настройки студии и презентации в реальном времени на некоторых шоу будет представлена ​​новая анимация для представления или объединения старых мультфильмов.

Самый ранний американский мультсериал, специально созданный для телевидения, появился в 1949 году: Приключения Пау Вау (43 пятиминутных эпизода, транслируемых утром в воскресенье с января по ноябрь) и Джим и Джуди в Teleland (52 эпизода, позже также проданные Венузуэле и США). Япония).

1950-е: переход от классических театральных мультфильмов к ограниченной анимации в детских сериалах [ править ]

Большинство театральных мультфильмов были созданы для неспецифической аудитории. Динамичный экшн и шутки с забавными животными в четких стилях рисования и ярких цветах, естественно, привлекали маленьких детей, но мультфильмы регулярно содержали насилие и сексуальные намеки и часто показывались вместе с новостными роликами и художественными фильмами, не предназначенными для детей. На американском телевидении мультфильмы в основном показывались для детей в удобное время по утрам в выходные, днем ​​в будние дни или ранним вечером.

Ограничения планирования процесса американской телевизионной анимации 1950-х годов, в частности проблемы управления ресурсами (большее количество нужно было делать за меньшее время и с меньшим бюджетом по сравнению с театральной анимацией), привели к развитию различных методов, известных сейчас как ограниченная анимация . Более разреженный тип анимации, который изначально был художественным выбором стиля для UPA, был воспринят как средство сокращения времени и затрат на производство. Полнокадровая анимация («по одному») стала редкостью в Соединенных Штатах, за исключением ее использования в менее театральных постановках. Чак Джонс ввел термин «иллюстрированное радио» для обозначения дрянного стиля большинства телевизионных мультфильмов, который больше зависел от их саундтреков, чем визуальных эффектов. ^[85]Некоторые продюсеры также обнаружили, что ограниченная анимация лучше смотрелась на маленьких (черно-белых) экранах телевизоров того времени. ^[86]

Мультсериалы 1950-х [ править ]

Джей Уорд продюсировал популярный Кролик-крестоносец (испытанный в 1948 году, оригинальные передачи в 1949–1952 и 1957–1959 годах) с успешным использованием стиля ограниченной анимации.

В конце 1950-х годов начали конкурировать несколько студий, занимающихся производством телевизионной анимации. В то время как соревнования в области театральной анимации делали акцент на качестве и инновациях, теперь они переключились на быструю и дешевую анимацию. Критики отмечали, что качество многих шоу часто было низким по сравнению с классическими мультфильмами, с быстрой анимацией и заурядными историями. Руководители сети были довольны до тех пор, пока было достаточно зрителей ^[87], и огромное количество молодых зрителей не беспокоилось о недостатке качества, которое воспринималось критиками. Просмотр субботних утренних мультипликационных программ, продолжительностью до четырех часов, стал любимым занятием большинства американских детей с середины 1960-х годов и оставался основным занятием на протяжении десятилетий.

Дисней относительно рано начал производство телепрограмм, но десятилетиями воздерживался от создания новых мультсериалов. Вместо этого у Диснея была собственная серия антологий в эфире с 1954 года в трехчасовом режиме в прайм-тайм, начиная с серии Диснейленд Уолта Диснея (1954–1958), явно продвигая тематический парк Диснейленда, который открылся в 1955 году. в которых, помимо старых мультфильмов, были представлены фрагменты, например, закулисные исследования процессов создания фильмов или новых приключенческих фильмов.

Уильям Ханна и Джозеф Барбера (создатели «Тома и Джерри») продолжили роль Ханна-Барбера после того, как Metro-Goldwyn-Mayer закрыла свою анимационную студию в 1957 году, когда MGM посчитала, что их задний каталог достаточно для дальнейших продаж. ^[88] Хотя Ханна-Барбера сняла только один театрально выпущенный сериал с Loopy de Loop (1959–1965), они оказались самыми плодовитыми и успешными продюсерами мультсериалов за несколько десятилетий. Начиная с « Шоу Руффа и Редди» (1957–1960), они продолжили успешными сериалами, такими как « Шоу Гекльберри-хаунда» (1958, первая получасовая телевизионная программа, в которой использовалась только анимация) ^[89] и «Шоу МакГроу в быстрой игре». (1959–1961).

Другие интересные программы включают в себя UPA «s Gerald McBoing Boing (1956-1957), Soundac в полковника Bleep (1957-1960, первый анимационный сериал в цвете), Terrytoons » S Том Потрясающе (1958), и Джей Уорд Приключения Рокки и Буллвинкль и друзья (1959–1964).

В отличие от международного кинорынка (развитого в эпоху немого кино, когда языковые проблемы ограничивались титульными листами), телевизионное первенство в большинстве стран (часто связанное с радиовещанием) было сосредоточено на внутреннем производстве прямых трансляций. Вместо того, чтобы импортировать мультсериалы, которые обычно нужно дублировать, детские программы можно было бы проще и дешевле производить другими способами (например, с использованием кукольного театра). Одним из примечательных методов была «анимация» вырезанных фигур в реальном времени в Captain Pugwash (1957) на BBC . Один из немногих в начале анимационных серий для телевидения , который был замечен за границей был Belvision Studios ' Les Aventures де Тинтин, d'après Эрже (Эрже Приключения Тинтина) (Бельгия 1957-1964,режиссерRay Goossens ), переданный BBC в 1962 году и синдицированный в Соединенных Штатах с 1963 по 1971 год.

Театральные мультфильмы 1950-х годов [ править ]

Warner Bros. представила новых персонажей: Сильвестра-младшего (1950), Спиди Гонсалеса (1953), Ральфа Вулфа и Сэма Шипдога (1953) и Тасманского дьявола (1954).

Театральная анимация 1950-х годов [ править ]

Дисней [ править ]

После ряда пакетных функций и комбо-анимаций с живым действием и анимацией Дисней вернулся к полностью анимационным художественным фильмам с Золушкой в 1950 году (впервые после Бэмби ). Его успех практически спас компанию от банкротства. За ним последовала Алиса в стране чудес (1951), которая провалилась в прокате и была подвергнута критике. Питер Пэн (1953) и Леди и Бродяга (1955) были хитами. Амбициозная, отложенная и более дорогая " Спящая красавица"(1959) потерял деньги в прокате и вызвал сомнения в будущем анимационного отдела Уолта Диснея. Подобно «Алисе в стране чудес» и большинству провалов Диснея, позже он станет коммерчески успешным благодаря переизданиям и в конечном итоге станет настоящей классикой.

Не из США [ править ]

• Жанно l'intrépide (Джонни-убийца гигантов) (Франция, фильм 1950 года)
• Le Roi et l'Oiseau (Король и пересмешник) (Франция, незаконченный выпуск полнометражного фильма 1952 г., окончательный выпуск 1980 г., оказал влияние на Хаяо Миядзаки и Исао Такахата )
• Животноводческая ферма (Великобритания / США, фильм 1954 г.)
• 乌鸦 为什么 是 黑 的 (Why Is the Crow Black-Coated) (Китай, короткометражный фильм 1956 г., Венецианский кинофестиваль )
• Снежная королева (Снежная королева) (Советский Союз, художественный фильм 1957 года)
• Кртек (Крот) (Чехословакия, серия короткометражных фильмов 1956 г.)
• 白蛇 伝 (Панда и волшебный змей) (Япония, 1958 г.)
• 少年 猿 飛 佐 助 (Magic Boy) (Япония, 1959 г., первое аниме, выпущенное в США в 1961 г.)

1960-е [ править ]

Американские мультсериалы и специальные программы 1960-х годов [ править ]

Total Television была основана в 1959 году для продвижения продукции General Mills с оригинальными мультипликационными персонажами в рекламе Cocoa Puffs (1960–1969) и телесериала « Король Леонардо и его короткие сюжеты», спонсируемого General Mills (1960–1963, переупакованные шоу до 1969 года), Теннесси «Смокинг и его рассказы» (1963–1966, спектакли переупакованы до 1972 года), «Шоу андердога» (1964–1967, спектакли переупакованы до 1973 года) и «Бигли» (1966–1967). Анимация для всех серий производилась на студии Gamma Studios в Мексике. Total Television прекратили производство после 1969 года, когда General Mills больше не хотела их спонсировать.

Многие американские мультсериалы 1960–1980-х годов были основаны на персонажах и форматах, которые уже стали популярными в других средствах массовой информации. UPA произвела " Шоу Дика Трейси" (1961–1962) по мотивам комиксов. Filmation , действовавшая с 1962 по 1989 год, создала несколько оригинальных персонажей, но во многих адаптациях DC Comics , телесериалах с живыми боевыми действиями (включая Lassie's Rescue Rangers (1973–1975) и Star Trek: The Animated Series ) были созданы некоторые игровые фильмы ( в том числе « Путешествие к центру Земли» (1967–1969) и многое другое ). Grantray-Lawrence Animation была первой студией, адаптировавшей Marvel Comicsсупергерои в 1966 году поп - группы получили анимированные версии в The Beatles (1965-1966) и Rankin / Bass «s The Jackson 5ive (1971-1972) и The Osmonds (1972). Ханна-Барбера превратила комиков в героев мультфильмов с Лорел и Харди (1966–1967) и « Шоу Эббота и Костелло» (1967–1968). « Шоу Элвина» (1961–1962) от Format Films было побочным продуктом новой песни 1958 года и последующих комиксов с переработанными версиями « Элвина и бурундуков» . Остальные серии содержали нелицензионные ассигнования. Например, «Флинтстоуны» Ханны-Барбера(1960–1966) был явно вдохновлен ситкомом «Молодожены», и создатель Джеки Глисон собирался подать в суд на Ханну-Барбера, но он не хотел, чтобы его называли «парнем, который вытащил Фреда Флинтстоуна из эфира». ^[90]

«Флинтстоуны» были первым мультсериалом в прайм-тайм, который стал чрезвычайно популярным. Он оставался самым продолжительным сетевым мультсериалом, пока этот рекорд не был побит три десятилетия спустя. Ханна-Барбера записала больше хитов с «Шоу медведя йоги» (1960–1962), «Джетсоны» (1962–1963, 1985, 1987) и « Скуби-Ду, где ты!». (1969–1970, позже последовала другая серия Скуби-Ду).

Примерно с 1968 года, после убийства Мартина Лютера Кинга младшего , затем действия Роберта Ф. Кеннеди и других насильственных действий, которые сделали общественность менее непринужденной к насилию в развлечениях, сети нанимали цензоров, чтобы запретить все, что считалось слишком жестоким или наводящим на размышления, в детских программах. . ^[91]

Помимо обычных телесериалов, было несколько заслуживающих внимания анимационных (праздничных) телевизионных выпусков, начиная с рождественской песни UPA Mister Magoo's Christmas Carol (1962 г.), за которой через несколько лет последовали другие классические примеры, такие как серия специальных выпусков Билла Мелендеса « Арахис» (1965- 2011, по мотивам комикса Чарльза М. Шульца ) и « Как Гринч украл Рождество!» Чака Джонса. (1966, по рассказу доктора Сьюза ).

Cambria Productions [ править ]

Компания Cambria Productions лишь изредка использовала традиционную анимацию и часто прибегала к движениям камеры, движениям в реальном времени между кадрами переднего и заднего плана и интеграции видеоматериалов в реальном времени. Создатель Кларк Хаас объяснил: «Мы не делаем анимационные мультфильмы. Мы фотографируем« моторизованное движение »и - самый большой трюк - объединяем его с живым действием… Видеозаписи, которые Disney делает за 250 000 долларов, мы делаем за 18 000». ^[92] Самым известным их приемом была техника Syncro-Vox, заключающаяся в наложении говорящих губ на лица героев мультфильмов вместо анимированных ртов, синхронизированных с диалогами. Эта система оптической печати была запатентована в 1952 году партнером Cambria и оператором Эдвином Джиллеттом.и впервые был использован в популярных рекламных роликах "говорящих животных". Позже этот метод получил широкое распространение для создания комедийного эффекта, но Камбрия сразу же применила его в своих сериалах « Груз» (1959–1960), « Космический ангел» (1962) и « Капитан Фатом» (1965). Благодаря творческим историям Clutch Cargo стал неожиданным хитом. В их последней серии The New 3 Stooges (1965–1966) больше не использовался Syncro-Vox. Он содержал 40 новых сегментов живых выступлений с оригинальными « Трех марионеток», которые были распространены и повторены на протяжении 156 эпизодов вместе с новой анимацией (иногда заставляя людей выключать телевизор, когда повторялись кадры живых выступлений, убежденные, что они уже видели эпизод. ).

Американская театральная анимация в 1960-х [ править ]

Для « Сто один далматинец» (1961) производственные затраты были ограничены, чему способствовал процесс ксерографии, который устранил процесс нанесения краски. Хотя относительно поверхностный вид не понравился лично Уолту Диснею, он не беспокоил ни критиков, ни публику, и фильм стал еще одним хитом для студии. «Меч в камне» (1963) был еще одним финансовым успехом, но с годами он стал одной из наименее известных фильмов Диснея. За ним последовал хит « Мэри Поппинс» (1964), получивший 13 номинаций на премию Оскар, в том числе за лучший фильм. Самым большим анимационным фильмом Диснея 1960-х была Книга джунглей.(1967), который имел как критический, так и коммерческий успех. Это был также последний фильм, которым руководил Уолт Дисней перед его смертью в 1966 году. Без воображения и творческих усилий Уолта команды аниматоров не смогли бы снять много успешных фильмов в 1970-х и 1980-х годах. Так было до выхода «Русалочки» (1989), 22 года спустя.

UPA выпустили свой первый полнометражный фильм « 1001 арабскую ночь» (1959) (с мистером Магу в главной роли в роли дяди Алладина) для Columbia Pictures, но без особого успеха. Они попробовали еще раз с Gay Purr-ee в 1962 году, выпущенным Warner Bros. Он был хорошо принят критиками, но потерпел неудачу в прокате и стал последним фильмом, когда-либо созданным студией.

Закат театрального короткометражного мультфильма [ править ]

Постановление Верховного суда по голливудскому антимонопольному делу 1948 года запрещало "блочные заказы", при которых популярные художественные фильмы предлагались исключительно владельцам кинотеатров в пакетах вместе с кинохроникой и мультфильмами или короткометражными фильмами с живыми актерами. Вместо того, чтобы получать разумный процент от пакетной сделки, короткие мультфильмы приходилось продавать отдельно по ценам, которые владельцы кинотеатров были готовы за них платить. Короткометражные мультфильмы были относительно дорогими, и теперь их можно было исключить из программы, не теряя интереса к главному сюжету, что стало разумным способом сократить расходы, когда все больше и больше потенциальных кинозрителей, казалось, оставались дома, чтобы смотреть фильмы на своих телевизорах. . Большинство мультфильмов приходилось переиздавать несколько раз, чтобы окупить вложенный бюджет. ^{[93] [94]}К концу 1960-х большинство студий перестали выпускать театральные мультфильмы. Даже Warner Bros. и Disney, за редкими исключениями, перестали делать короткие театральные мультфильмы после 1969 года. Уолтер Ланц был последним из продюсеров классических мультфильмов, который сдался, когда закрыл свою студию в 1973 году.

Депати – Фреленг [ править ]

DePatie – Freleng Enterprises , основанная Фризом Фреленгом и Дэвидом Х. ДеПати в 1963 году после того, как Warner Bros. закрыла свой анимационный отдел, была единственной студией, которая после 1950-х годов добилась нового успеха с короткими сериалами театральных мультфильмов. Они создали « Розовую пантеру» в 1963 году для вступительных и заключительных титров сериала «Розовая пантера » с участием Питера Селлерса . Его успех привел к созданию серии короткометражных фильмов (1964–1980) и сериалов (1969–1980). За «Розовой пантерой» последовали спин-офф «Инспектор» (1965–1969), «Муравей и трубкозуб».(1969–1971) и несколько других театральных сериалов. «Собачий отец» (1974–1976) был последним новым сериалом, но мультфильмы «Розовая пантера» появлялись в кинотеатрах до 1980 года, незадолго до распада студии в 1981 году. С 1966 по 1981 год ДеПати-Фреленг также продюсировал множество сериалов и специальных программ.

Восстание аниме [ править ]

Япония была особенно плодотворной и успешной со своим собственным стилем анимации, который на английском языке сначала стал известен как Japanimation, а затем как аниме . В целом, аниме было разработано с использованием методов ограниченной анимации, в которых больше внимания уделялось эстетическому качеству, чем движению, по сравнению с американской анимацией. Он также применяет относительно "кинематографический" подход с масштабированием, панорамированием, сложными динамическими снимками и большим вниманием к фонам, которые играют важную роль в создании атмосферы.

Аниме впервые транслировалось по телевидению в 1960 году. Примерно в то же время начался экспорт театральных аниме-фильмов. В течение нескольких лет было снято несколько аниме-сериалов, которые также получили разную степень трансляции в США и других странах, начиная с очень влиятельного鉄 腕 ア ト ム (Astro Boy) (1963), за которым следуетジ ャ ン グ ル 大帝 (Кимба Белый Лев) (1965–1966),エ イ ト マ ン (8-й человек) (1965),魔法 使 い サ リ ー (Салли Ведьма) (1966–1967) иマ ッ ハ GoGoGo (Mach GoGoGo aka Speed ​​Racer) (1967).

Популярное внутри страныザ エ さ ん / Sazae-san началось в 1969 году и, вероятно, является самым продолжительным анимационным телешоу в мире, насчитывающим более 7700 серий.

Ранняя ориентированная на взрослых и контркультурная анимация [ править ]

До конца 1960-х годов практически не производилась анимация для взрослых . Заметным исключением был порнографический короткий Eveready Harton в клада (1928), предположительно сделанные известными аниматорами для частной вечеринки в честь Winsor Маккей, и не публично просеивают до конца 1970 - х годов. После 1934 года кодекс Хейса давал кинематографистам в Соединенных Штатах небольшую свободу действий при выпуске рискованных материалов, пока в 1968 году код не был заменен Системой рейтинга фильмов Американской ассоциации киноискусства . В то время как телевизионные программы анимации заставляли большинство людей думать об этом как о Средство для детей или семейного развлечения, новые театральные мультфильмы доказали обратное.

Можно утверждать, что философский, психологический и социологический подтекст рекламных роликов Peanuts TV был относительно ориентирован на взрослых, в то время как специальные передачи были интересны и для детей. В 1969 году режиссер Билл Менделес распространил успех сериала на кинотеатры с фильмом «Мальчик по имени Чарли Браун» . Последующий фильм « Снупи, возвращайся домой» (1972) имел кассовые сборы, несмотря на положительные отзывы. «Гонка за свою жизнь», «Чарли Браун» (1977) и « Бон Вояж», «Чарли Браун» (и «Не возвращайся !!» (1980)) были единственными театральными традиционными анимационными художественными фильмами для Peanuts , в то время как телешоу продолжались до 2011 года.

Бум контркультуры против истеблишмента в конце 1960-х повлиял на Голливуд на ранней стадии. В анимации антивоенные настроения явно присутствовали в нескольких короткометражных андеграундных фильмах, таких как « Эскалация» Уорда Кимбалла (1968) (снятого независимо от его работы в Disney) и пародия на Микки Мауса во Вьетнаме (1969). Менее политическая пародия на Бэмби и Годзиллу (1969) Марва Ньюленда, еще один андеграундный короткометражный фильм для взрослых, считается великой классикой и была включена в 50 величайших мультфильмов (1994) (на основе опроса 1000 человек, работающих в анимационной индустрии. ).

По сообщениям, популярность психоделии сделала переиздание « Фантазии Диснея» 1969 года популярным среди подростков и студентов колледжей, и фильм начал приносить прибыль. Точно так же « Алиса в стране чудес» Диснея стала популярной благодаря телевизионным показам в этот период и после ее театрального переиздания 1974 года.

Также под влиянием психоделической революции музыкальный анимационный фильм The Beatles « Желтая подводная лодка» (1968) показал широкой аудитории, как анимация может сильно отличаться от известных телевизионных мультфильмов и фильмов Диснея. Его оригинальный дизайн был разработан арт-директором Хайнцем Эдельманом . Фильм получил широкое признание и окажет влияние. Питер Макс популяризировал подобный визуальный стиль в своих произведениях.

Неамериканская анимация в 1960-х [ править ]

• わ ん ぱ く 王子 の 大蛇 退 治 (Маленький принц и восьмиголовый дракон) (Япония, художественный фильм 1963 года)
• 大 鬧天宮 (Havoc in Heaven) (Китай, 1963 г.)
• ガ リ バ ー の 宇宙 旅行 (Путешествие Гулливера за пределы Луны) (Япония, художественный фильм 1965 года)
• Калимеро (Италия / Япония 1963–1972, сериал)
• Belvision «s Пиноккио в космическом пространстве (Бельгия / США 1965, функция режиссер Рэй Гуссенс )
• West and Soda (Италия, 1965, первая особенность Бруно Бозцетто )

1970-е [ править ]

Прорыв художественной анимации, ориентированной на взрослых и контркультуры [ править ]

Ральф Бакши подумал, что идея о том, что «взрослые мужчины, сидящие в кабинах, рисуют бабочек, плавающих над полем цветов, в то время как американские самолеты сбрасывают бомбы во Вьетнаме, а дети маршируют по улицам, - абсурдна». ^[95] Поэтому он создал более социально-политический тип анимации, начав с Кота Фрица (1972), на основе комиксов Роберта Крамба и первого анимационного фильма, получившего X-рейтинг . X-рейтинг использовался для продвижения фильма, и он стал самым кассовым независимым анимационным фильмом всех времен. Успех Heavy Traffic(1973) сделал Бакши первым после Диснея, у которого подряд два финансово успешных анимационных фильма. В фильме использовалось художественное сочетание техник со статической фотографией в качестве фона по частям, сцена с живым действием моделей с раскрашенными лицами, визуализированная в негативной кинематографии, сцена, визуализированная в очень ограниченной отрывочной анимации, которая была лишь частично окрашена, подробный рисунок, архивный кадры, и большинство персонажей анимировано в едином мультяшном стиле на протяжении всего этого, за исключением последних десяти минут, которые были полностью сняты как стандартный боевик. Он продолжал экспериментировать с различными техниками в большинстве своих следующих проектов. Его следующие проекты Hey Good Lookin ' (завершены в 1975 году, но отложены Warner Bros. до выпуска в скорректированной версии в 1982 году) и CoonskinФильмы (1975 год, пострадавшие от протестов против предполагаемого расизма, но на самом деле высмеивающие его) были гораздо менее успешными, но позже получили большую оценку и стали культовыми.

Бакши обрел новый успех благодаря фантастическим фильмам « Волшебники» (1977) и «Властелин колец» (1978). Оба использовали ротоскопирование для массовых батальных сцен. Для Wizards эта техника использовалась в архивных материалах как решение бюджетных проблем и была выполнена в психоделическом и художественном стиле. Для «Властелина колец» это стало средством создания образа, который Бакши охарактеризовал как «настоящую иллюстрацию в отличие от мультфильмов» для фильма, который, как он хотел, соответствовал творчеству Толкина , со справочными материалами, снятыми с участием костюмированных актеров в Испании. Телевизионный фильм «Возвращение короля» (1979) Рэнкина / Басса и Топкрафта, более ориентированный на семью.иногда считается неофициальным продолжением после того, как предполагаемая вторая часть Бакши не была сделана, но они уже независимо начали свою адаптацию истории на телевидении с Хоббитом в 1977 году.

Творческий французско-чешский научно-фантастический фильм La Planète sauvage (1973) был удостоен специального приза жюри Гран-при на Каннском кинофестивале 1973 года ^[96], а в 2016 году он занял 36-е место в рейтинге лучших анимационных фильмов в истории журнала Rolling Stone . ^[97]

Британская постановка « Уотершип Даун» (фильм) (1978) имела огромный международный успех. В нем были изображены животные, которые выглядели более реалистично, чем антропоморфные, на акварельном фоне. Несмотря на мрачные и жестокие аспекты, он был признан подходящим для всех возрастов в Великобритании и получил рейтинг PG в США.

Аниме в Европе [ править ]

Импорт аниме предлагал относительно дешевые мультсериалы, но некоторые европейские вещатели думали об анимации как о чем-то для маленьких детей и слишком легко программировали аниме-сериалы соответственно. Это вызвало много критики, когда некоторые программы были сочтены слишком жестокими по отношению к детям. ^[98] Дружественные к детям адаптации европейских историй обеспечили гораздо больший успех в Европе, с такими популярными названиями, какア ル プ ス の 少女 ハ イ ジ (Хайди, Девушка из Альп) (1974) иみ つ ば ち マ ー ヤ の (Майя, медоносная пчела) (1975). ).

В Европе действовало всего несколько анимационных студий, и открытие новой студии требовало много времени, усилий и денег. Европейским производителям, интересующимся мультсериалами, имело смысл сотрудничество с японскими студиями, которые могли предоставить доступную анимацию в относительно высоком качестве. В результате были поставлены такие постановки, как Барбапапа (Нидерланды / Япония / Франция 1973–1977), Wickie und die starken Männer / 小 さ な バ ン グ ビ ッ ケ (Вики Викинг) (Австрия / Германия / Япония 1974), Il était une fois ... (Однажды в жизни) Время ...) (Франция / Япония, 1978) и Доктор Снагглз (Нидерланды / Западная Германия / Япония / США, 1979).

Основные моменты художественной короткометражной анимации [ править ]

Короткометражные анимационные фильмы в основном стали средством проведения кинофестивалей, на которых независимые аниматоры продемонстрировали свои таланты. Из-за того, что большие студии находились вне поля зрения, премия «Оскар» за лучший анимационный короткометражный фильм и номинации 1970-х и 1980-х годов обычно присуждались относительно неизвестным артистам.

La Linea (Италия, 1971, 1978, 1986) - популярный мультсериал, в котором главный герой состоит из части прямой белой линии, которая проходит горизонтально по экрану.

Советский / российский аниматор Юрий Норштейн «многими считается не просто лучшим аниматором своего времени, но и лучшим за все время». ^[99] В 1970-х он выпустил несколько отмеченных наградами короткометражных фильмов:

• Керженецкое сражение ( Сеча при Керженце , 1971), совместно с Иваном Ивановым-Вано
• Лиса и Заяц ( Лиса и заяц , 1973). ^[100]
• Цапля и журавль ( Цапля и журавль , 1974).
• Ежик в тумане ( Ёжик в тумане , 1975). ^[101]
• Сказка сказок ( Сказка сказок , 1979).

Он с 1981 года работает на Шинели ( шинель ) и участвовал в зимних дней (冬の日, 2003) .

Ранние анимированные музыкальные видеоклипы [ править ]

Хотя сочетание музыки и анимации имело давнюю традицию, прошло некоторое время, прежде чем анимация стала частью музыкальных клипов после того, как среда стала нормальным жанром в середине 1970-х годов.

Халас и Бэтчелор подготовили анимационный видеоролик для фильма Роджера Гловера « Любовь - это все» (1974), который десятилетиями транслировался по всему миру, часто как промежуточная программа .

Клип Pink Floyd 1977 года Welcome to the Machine , анимированный Джеральдом Скарфом, изначально использовался только в качестве фона для концертных выступлений.

« Несчастные случаи» Элвиса Костелло (1979) сняли Аннабель Янкель и Рокки Мортон, известные своими анимационными рекламными роликами. Несмотря на поначалу теплый прием, ^[102] видео с тех пор получило признание.

Роджер Mainwood и Джон Halas создали анимационный клип Kraftwerk «s автобан в 1979 г. ^[103] Короткие бессловесные документальном делают его двигаться ... показали производственный процесс. ^[104]

Оскар Грилло сделал мультфильм к фильму Линды Маккартни « Приморская женщина», получивший Золотую пальмовую ветвь за лучший короткометражный фильм на Каннском фестивале в 1980 году. ^[105]

1980-е [ править ]

Падение американской анимации (начало 1980-х) [ править ]

Анимация для телевизионных программ США стала шаблонной, часто основанной на персонажах, известных из других средств массовой информации, и большая часть фактической (ограниченной) анимационной работы была передана на аутсорсинг дешевым азиатским рабочим. Несколько популярных анимационных сериалов для детей может быть воспринято как немного больше , чем рекламе, так как они основаны на игрушечных линий, в том числе Mattell «s He-Man и Властелины Вселенной (1983-1985) и Hasbro » s GI Joe (1983 –1986), Трансформеры (1984–1987) и Мой маленький пони (1986–1987).

В основном, ретроспективно, художественные фильмы Диснея воспринимались как переживающие темную эпоху в первые десятилетия после смерти Уолта Диснея в 1966 году (несмотря на более стабильную череду кассовых сборов, чем в течение десятилетий, в которых Уолт был жив). Провал «Черного котла» (1985), снятого с амбициозным бюджетом, был явно новым минимумом.

Основные моменты анимации за пределами США [ править ]

По сравнению с американской анимацией начала 1980-х, аниме и международное совместное производство казались более творческими и многообещающими.

Одним из крупнейших телевизионных хитов за последние годы были «Смурфики» (1981–1989), спродюсированные бельгийским агентством SEPP International Фредди Монникендама в сотрудничестве с Ханной-Барбера. Они также успешно сотрудничали с Snorks (1984–1989) и Foofur (1986–1988). Производством Bibifoc (Seabert) Bzz Films (1984–1988) также занималась SEPP.

Среди других известных международных совместных проектов - « Инспектор Гаджет» (Франция / США, 1983 г.) и «Чудесный волшебник из страны Оз» (Канада / Япония, 1986–1987 гг.).

Новые японские аниме-сериалы, основанные на европейском материале, включалиニ ル ス の ふ し ぎ な 旅 (Чудные приключения Нильса) (1980–1981) иス プ ー ン お ば さ ん (Миссис Пеппер Пот) (1983–1984).

Аниме, вместе с печатной мангой , сформировало огромный фандом в Японии и стало большой частью основной культуры страны. Среди множества жанров аниме, меха (научная фантастика о гигантских роботах) стала особенно культовой. Относительно новый рынок домашнего видео стал очень большим, и оригинальная видео-анимация (OVA) стала высоко ценимым средством, часто с более качественной продукцией, чем та, которая предназначена для телевидения (в отличие от США, где прямая видео-анимациябыл главным образом средством для выпуска релизов, которые, как ожидалось, не были достаточно популярными, чтобы гарантировать театральный выпуск или телетрансляцию, и поэтому часто производились с гораздо меньшим бюджетом). Естественно, что ОВА среда подходит потребление эротического и порнографического анимации. Первым эротическим выпуском яйцеклеток была серияロ リ ー タ ア ニ メ (аниме Лолита) с февраля 1984 по май 1985 года, за которой вскоре последовала серия Cream Lemon (август 1984 - 2005). Жанр стал известен во всем мире как хентай и известен тем, что часто содержит извращенные сюжеты, в том числе секс несовершеннолетних, секс с монстрами и секс с щупальцами (изначально задуманный как средство обхода японских правил цензуры).

Эпические театральные постановки Хаяо Миядзаки « Навсикая в долине ветров» (1984), основанные на его собственной манге, и «天空 の 城 ラ ピ ュ» («Небесный замок») (1986) регулярно считаются одними из лучших анимационных фильмов. время . «Небесный замок» был первой особенностью студии Ghibli , основанной в 1985 году Миядзаки с Исао Такахатой и другими. Studio Ghibli продолжила свой успех с фильмом Такахаты о Второй мировой войне火 垂 る の 墓 (Могила светлячков) (1988) и культовыми фильмами Миядзакиと な り の ト ト ロ (Мой сосед Тоторо) (1988) и魔女 の 宅急便 (Служба доставки Кики) (1989).

Ренессанс американской анимации [ править ]

Дон Блат , который покинул Дисней в 1979 году вместе с девятью другими аниматорами, начал соревноваться со своим бывшим работодателем в кинотеатрах в 1982 году с «Секретом NIMH» . Фильм получил признание критиков, но имел скромный успех в прокате. В сотрудничестве с Стивена Спилберга «s Amblin Entertainment , An American Tail (1986) стал самым кассовым без Диснея анимационный фильм в то время. «Земля до начала времен» (1988) была столь же успешной, но следующие пять полнометражных фильмов Блута провалились.

Mighty Mouse: The New Adventures (1987–1989) был одним из первых анимационных телешоу, воссоздающих качество и оригинальность американских мультфильмов. Продюсером его выступил Ральф Бакши, а над первым сезоном курировал Джон Кричфалуси, что дало художникам большую свободу действий в своем собственном стиле. Вместо того, чтобы делать ностальгический переосмысление оригинальной серии Terrytoons, он попытался воссоздать качество и забавный юморклассики Looney Tunes .

В кинотеатрах живое действие / анимационный хит Роберта Земекиса « Кто подставил кролика Роджера» (1988) также восходит к качественной и нелепой комедии золотого века мультфильмов с камеями многих суперзвезд той эпохи, включая Микки и Минни. , Дональд, Гуфи, Бетти Буп, Друпи, Вуди Вудпекер и Мел Блан озвучивали Багз Банни, Даффи Дак, Порки Пиг, Твити и Сильвестр. Фильм получил несколько «Оскаров» и помог возродить интерес к театральной анимации и классическим мультфильмам. Полностью анимированный короткометражный фильм «Кролик Роджер» « Проблемы с животом» (1989) был затем упакован в семейную комедию с живым боевиком « Дорогая, я сжал детей», и, как полагают, помог ему быстро начать кассовые сборы этого фильма. ^[106]

Фильм Мэтта Грёнинга « Симпсоны» стартовал в апреле 1987 года как короткометражный комедийный сериал « Шоу Трейси Ульман» , а в декабре 1989 года получил свой собственный получасовой ситком в прайм-тайм. Он стал одним из самых больших мультфильмов в истории и - самый продолжительный телевизионный сериал в прайм-тайм в США .

В то время как успехи «Великого мышиного детектива» (1986) и « Оливер и компания» (1988) уже помогли вернуть студию Диснея в нужное русло, они стали рекордсменом по кассовым сборам «Русалочка» (1989). Кадр для радужной последовательности в конце «Русалочки» был первым фрагментом художественной анимации, созданной с помощью системы Computer Animation Production System (CAPS), которую Disney и Pixar совместно создали . Эта система цифровых чернил и красок заменила дорогостоящий метод рисования и раскрашивания вручную и предоставила создателям фильмов новые творческие инструменты.

К 1990 году бум анимационных хитов был объявлен возвращением, которое могло соперничать с золотым веком мультфильмов. ^[106]

Театральная анимация, ориентированная на взрослых в 1980-х [ править ]

Еще одним успехом стал рок-мюзикл Бакши « Американский поп» (1981), в основном сделанный с помощью техники ротоскопа в сочетании с акварелью, компьютерной графикой, живыми кадрами и архивными кадрами. Его следующий фильм « Огонь и лед» (1983) стал совместной работой с художником Фрэнком Фразеттой . Это был один из многих фильмов в жанре « меч и колдовство», выпущенных после успеха фильмов « Конан-варвар» (1982) и «Повелитель зверей» (1982). Критики оценили визуальные эффекты и боевые сцены, но не сценарий, и фильм потерпел неудачу в прокате. Не сумев запустить несколько проектов, Бакши ушел на пенсию на несколько лет.

Канадский хит-антология Heavy Metal (1981) был основан на комиксах, опубликованных в популярном журнале Heavy Metal и спродюсированных его основателем. Смешанные отзывы сочли фильм неровным, детским и сексистским. В конце концов, в 2000 году за ним последовал плохо принятый Heavy Metal 2000, переосмысленный как сериал Netflix Любовь, смерть и роботы в 2019 году.

Фильм о мрачной рок-опере Pink Floyd - The Wall (1982) содержал 15-минутные анимационные фрагменты британского карикатуриста Джеральда Скарфа , который уже разработал соответствующие изображения для альбома 1979 года и концертного тура 1980-81 годов . Часть анимационного материала фильма ранее использовалась для видеоклипа 1979 года на « Другой кирпич в стене: Часть 2 » и для тура. Скарф также делал анимации для тура Pink Floyd 1977 In the Flesh .

В успешном британском фильме о ядерной катастрофе « Когда дует ветер» (1986) изображены нарисованные от руки персонажи на реальном фоне с остановкой движущихся объектов.

Жестокое постапокалиптическое киберпанк- аниме « Акира» (1988) завоевало все большую популярность аниме за пределами Японии и теперь широко считается классикой.

MTV и анимационные ролики [ править ]

MTV было запущено в 1981 году и еще больше популяризировало музыкальное видео, которое позволяло относительно много художественного самовыражения и творческих приемов, поскольку все участники хотели, чтобы их видео выделялось. Многие из самых знаменитых музыкальных клипов 80-х годов содержат анимацию, часто созданную с использованием техник, отличных от стандартной анимации cel. Например, культовые видео для Питера Габриэля Кувалда (1986) признаков claymation , пикселизация и остановка движения по Aardman Animations и Brothers Quay .

В фильме A-ha « Take On Me » (1985) живое действие отлично сочетается с реалистичной карандашной анимацией Майкла Паттерсона . Режиссером видео выступил Стив Бэррон , который в том же году стал режиссером революционной компьютерной анимации Dire Straits « Деньги в обмен на ничего ». Видео a-ha было вдохновлено выпускным фильмом Алекса Паттерсона CalArts Commuter (1984), который привлек внимание руководителей Warner Bros. Records ^[102] и будет частично снова использован для видео A-ha Train of Thought .

Паттерсон также направил фильм Паулы Абдул «Притягивание противоположностей» (1989), в котором был показан его анимационный фильм MC Skat Kat .

" The Harlem Shuffle " группы The Rolling Stones (1986) включал в себя анимационные элементы, созданные Ральфом Бакши и Джоном Кричфалуси , созданные за несколько недель.

Оригинальные бамперы для посадки на Луну на MTV были сняты в начале 1986 года после катастрофы Challenger ^[107]. MTV затем продвигал свой дикий художественный постмодернистский образ с помощью множества экспериментальных идентификационных бамперов, большинство из которых были анимированными. ^[108] Аниматоры обычно не фигурировали в титрах, но могли работать в своем собственном стиле. Например, канадский аниматор Дэнни Антонуччи анонимно показал своего персонажа Лупо Мясника, которому было позволено произносить свои психотические бредни.

Примерно с 1987 года у MTV был специальный отдел анимации, и постепенно он начал вводить больше анимации в промежутках между музыкальными программами. Плимптон «s Microtoons является ранним примером.

1990-е [ править ]

« Красавица и чудовище» Диснея (1991) (первый анимационный фильм в истории, номинированный на премию « Оскар» за лучший фильм ), « Аладдин» (1992) и «Король Лев» (1994) побили рекорды кассовых сборов. Покахонтас (1995), Мулан (1998) и Тарзан (1999) не превзошли Короля Льва как самый кассовый (традиционно) анимационный фильм всех времен , но все они по-прежнему были очень успешными, собрав более 300 миллионов долларов по всему миру. Горбун из Нотр-Дама (1996) и Геркулес(1997) оба были успешными при выпуске, но с тех пор стали забытыми фильмами. Фильмы, выпущенные в этот период, считаются частью Возрождения Диснея или Второго Золотого века. Только продолжение The Rescuers Down Under (1990) не оправдало ожиданий. С 1994 года Disney продолжала выпускать полнометражные сиквелы успешных фильмов, но только в виде релизов прямо на видео.

Влиятельное шоу Джона Кричфалуси « Шоу Рен и Стимпи» (1991–1995) получило широкое признание. Какое-то время это было самое популярное кабельное телешоу в США. Запрограммированный как детский мультик, это было известно , спорным для своего темного юмора , сексуальных намеков , взрослые шутки, и значение ударной .

Огромный успех Симпсонов и Шоу Рена и Стимпи побудил к появлению более оригинальных и относительно смелых сериалов, включая Южный парк (с 1997 года), Царь горы (1997–2010 годы), Гриффины (с 1999 года) и Футураму (1999–2010 годы). 2003 г.).

Использование анимации на MTV увеличилось, когда канал начал давать все больше и больше шоу, которые не совсем соответствовали их прозвищу «музыкальное телевидение». Liquid Television (1991–1995) продемонстрировали работы, которые в основном были созданы независимыми аниматорами специально для шоу, и породили отдельные серии « Эон Флакс» и « Бивис и Батт-Хед» (1993–1997). Среди других мультсериалов 1990-х на MTV были «Голова» (1994–1996) и «Макс» (1995), оба под знаменем MTV «Странности» . К 2001 году MTV закрыла свой анимационный отдел, начала передавать свои мультсериалы на аутсорсинг и в конечном итоге импортировала шоу из связанных сетей.

24-часовой кабельный канал Cartoon Network был запущен в Соединенных Штатах 1 октября 1992 года, и вскоре за ним последовали его первые международные версии . Первоначально программирование состояло из классических мультфильмов из бэк-каталогов Warner Bros, MGM, Fleischer / Famous и Hanna-Barbera. С 1996 по 2003 год новая оригинальная серия работала как Cartoon Cartoons и представила популярные названия Dexter's Laboratory (1996–2003), Johnny Bravo (1997–2004), Cow and Chicken (1997–1999), I Am Weasel (1997–2000). , Крутые девчонки (1998–2005) и Эд, Эдд и Эдди (1999–2009).

Телевизионная анимация для детей также продолжала процветать в Соединенных Штатах на специализированных кабельных каналах, таких как Nickelodeon , Disney Channel / Disney XD , PBS Kids , а также во второй половине дня.

2000-е – 2010-е: В тени компьютерной анимации [ править ]

После успеха « Истории игрушек» от Pixar (1995) и « Шрек» от DreamWorks Animation (2001) компьютерная анимация стала доминирующей техникой анимации в США и многих других странах. Даже традиционная анимация все чаще создавалась полностью на компьютере. К 2004 году с использованием традиционных технологий все еще создавались лишь небольшие постановки.

В первые десятилетия 21 века 3D-фильмы также стали мейнстримом в кинотеатрах. Процесс производства и визуальный стиль CGI идеально подходят для 3D-просмотра, намного больше, чем традиционные стили и методы анимации. Однако многие традиционно анимационные фильмы могут быть очень эффективными в 3D. Дисней успешно выпустил 3D-версию «Короля-льва» в 2011 году, а затем « Красавицу и чудовище» в 2012 году. Запланированная 3D-версия «Русалочки» была отменена, когда « Красавица и чудовище» и две игры Pixar, преобразованные в 3D, оказались недостаточно успешными. Театральная касса. ^[109]

Disney-Pixar [ править ]

Дисней начал производство собственных компьютерных анимационных роликов в 3D-стиле с участием Динозавра и Цыпленка , но продолжал создавать анимационные ролики с традиционным оформлением: The Emperor's New Groove (2000), Atlantis: The Lost Empire (2001), Lilo & Stitch (2002). ), «Планета сокровищ» (2002 г.), « Брат Медведь» (2003 г.) и « Дом на хребте» (2004 г.).

«Планета сокровищ» и « Дом на хребте» были большим провалом для больших бюджетов, и казалось, что Дисней продолжит выпуск компьютерной 3D-анимации. Финансовый анализ в 2006 году показал, что Disney фактически потеряла деньги на своих анимационных проектах за предыдущие десять лет. ^[110] Между тем, CGI-функции Pixar показали себя очень хорошо. Чтобы изменить ситуацию, Disney приобрела Pixar в 2006 году и передала творческий контроль над Pixar и Walt Disney Animation Studios в руки Джона Лассетера из Pixar в рамках сделки. Студии останутся отдельными юридическими лицами . Под руководством Лассетера студия Disney разрабатывала анимационные проекты как в традиционном, так и в трехмерном стиле.

В короткометражном театральном фильме « Как подключить домашний кинотеатр» (2007) было проверено, можно ли использовать новые процессы безбумажной анимации для создания образа, похожего на мультфильмы 1940-х и 1950-х годов, когда Гуфи вернулся к своей роли « Обывателя » в своем первом сольном появлении в 42 годы.

Картина Рона Клементса и Джона Маскера « Принцесса и лягушка» (2009) имела умеренный коммерческий успех и успех у критиков, но не стала хитом возвращения традиционных функций, на который надеялась студия. Его предполагаемую неудачу в основном обвиняли в использовании слова «принцесса» в названии, заставляя потенциальных зрителей думать, что это было только для маленьких девочек и старомодно.

Винни Пух (2011) получил положительные отзывы, но потерпел неудачу в прокате и стал последней традиционной картиной Диснея на сегодняшний день. «Холодное сердце» (2013) изначально задумывался в традиционном стиле, но перешел на 3D CGI, чтобы обеспечить создание определенных необходимых визуальных элементов, и стал самым большим хитом Disney в то время, превзойдя «Король Лев» и «История игрушек 3» в качестве самых кассовых анимационных фильмов. фильм всех времен . Он получил первую премию студии «Оскар» за лучший анимационный фильм.

Аниме [ править ]

За пределами Северной Америки рисованная анимация продолжала пользоваться большей популярностью. В частности, в Японии, где традиционно стилизованное аниме все еще было доминирующей техникой. Популярность аниме продолжала расти внутри страны: в 2015 году по телевидению были показаны рекордные 340 аниме-сериалов, а также на международном уровне с выделенным блоком Toonami в Cartoon Network (1997–2008) и Adult Swim (с 2012 года), а также с потоковой передачей. такие сервисы, как Netflix и Amazon Prime, лицензирование и производство все большего количества аниме.

Ghibli продолжил свой огромный успех с фильмами Миядзаки « Унесенные призраками» (2001),ハ ウ ル の 動 く 城 (Ходячий замок Хаула) (2004),崖 の 上 の ポ ニ ョ (Понио) (2008) и風 立 ち ぬ (Ветер поднимается) (2013) и Хиромаса Ёнебаяси借 り ぐ ら し の ア リ エ ッ テ ィ (Тайный мир Арриетти) (2010), все собравшие более 100 миллионов долларов по всему миру и появляющиеся в 10 самых кассовых аниме-фильмах всех времен (по состоянию на 2020 год). Фильм Такахаты «や ぐ や の 物語» («Сказка о принцессе Кагуе») (2013) был номинирован на «Оскар» за лучший анимационный полнометражный фильм «Оскар» и многие другие награды.

Макото Синкай снял君 の 名 は。 (Твое имя) (2016, самый кассовый аниме-фильм всех времен в мире) и天 気 の 子 (Выветривание с тобой) (2019).

Сравнение с остановкой движения [ править ]

После новаторских работ таких авторов, как Дж. Стюарт Блэктон , Сегундо де Чомон и Артур Мельбурн-Купер , покадровая анимация стала отраслью анимации, которая была гораздо менее доминирующей, чем рисованная анимация и компьютерная анимация. Тем не менее, было много успешных фильмов и телесериалов. Среди аниматоров, чьи работы с анимированными куклами получили наибольшее признание, - Владислав Старевич , Джордж Пал и Генри Селик . Популярные названия с использованием анимированной глины : Gumby (1953), Mio Mao (1970), The Red and the Blue (1976), Pingu(1990-2000) и многие производства Aardman Animations ( Morph (1977) и Wallace and Gromit (1989)).

В руках таких влиятельных режиссеров, как Ян Сванкмайер и Brothers Quay , покадровая анимация стала высокохудожественным средством. Помимо абстрактной анимации, абсолютного кино и прямой анимации , (образная) рисованная анимация имеет относительно меньше ассоциаций с художественным использованием.

До тех пор, пока в значительной степени не были заменены компьютерными анимационными эффектами, покадровая съемка также была популярной техникой для создания спецэффектов в фильмах с живым действием. Пионер Уиллис О'Брайен и его протеже Рэй Харрихаузен анимировали множество монстров и существ для голливудских фильмов вживую, используя модели или куклы с арматурой. Для сравнения, рисованная анимация относительно часто сочетается с живым действием, но обычно очевидным образом и часто используется как удивительный трюк, объединяющий «реальный» мир и мир фантазий или грез. Лишь изредка рисованная анимация использовалась в качестве убедительных спецэффектов (например, в кульминации « Горец» (1986)).

Сравнение с вырезанной анимацией [ править ]

Техника вырезания относительно часто использовалась в анимационных фильмах, пока целая анимация не стала стандартным методом (по крайней мере, в Соединенных Штатах). Самые ранние полнометражные анимационные фильмы Квирино Кристиани и Лотте Рейнигер были анимационными вырезками.

До 1934 года японская анимация в основном использовала технику вырезания, а не целлулоид, потому что целлулоид был слишком дорогим. ^{[111] [112]}

Поскольку вырезы часто рисовались вручную, а некоторые постановки сочетают в себе несколько методов анимации, анимация вырезов иногда может выглядеть очень похожей на рисованную традиционную анимацию.

Хотя иногда она используется как простой и дешевый метод анимации в детских программах (например, в Ivor the Engine ), вырезанная анимация остается относительно художественной и экспериментальной средой в руках, например, Гарри Эверетта Смита , Терри Гиллиама и Джима Блашфилда .

Сегодня анимация в стиле вырезки часто создается с использованием компьютеров , при этом отсканированные изображения или векторная графика заменяют физически вырезанные материалы. Южный парк является ярким примером перехода, поскольку его пилотный эпизод был сделан с вырезками из бумаги до перехода на компьютерное программное обеспечение . Сходный стилистический выбор и смешение с различными техниками компьютерной анимации затруднили различие между «традиционными» стилями, стилями вырезания и Flash-анимации .

Компьютерная анимация [ править ]

Ранние эксперименты с компьютерами для создания (абстрактных) движущихся изображений проводились с 1940-х годов.

Самая ранняя известная интерактивная электронная игра была разработана в 1947 году, открыв путь для среды, которую можно рассматривать как интерактивную ветвь компьютерной анимации (которая сильно отличается от анимационных фильмов).

9 ноября 1961 года по шведскому национальному телевидению была показана короткая векторная анимация автомобиля, едущего по запланированному шоссе.

В 1968 году советские физики и математики создали математическую модель движения кошки, по которой сняли короткометражный анимационный фильм.

В 1971 году была продана первая коммерческая (монетная) видеоигра. В следующем году Pong от Atari, Inc. , с очень простой двухмерной графикой, имел огромный успех.

С 1970-х годов цифровая обработка изображений и компьютерные изображения, в том числе ранние 3D - анимации каркасных моделей , время от времени использовались в рекламных роликах, а также для представления футуристических компьютерных технологий в крупных голливудских постановках (включая « Звездные войны» ).

С 1974 года ежегодно проводятся конференции SIGGRAPH для демонстрации текущих разработок и новых исследований в области компьютерной графики.

3D-анимация начала оказывать большее влияние на культуру в 1980-х годах, что было продемонстрировано, например, в фильме 1982 года « Трон» и музыкальном клипе « Деньги в обмен на ничего» (1985) режиссера Dire Straits. Концепция даже породила популярный искусственную 3D-анимационный AI характер: Макс Headroom .

В течение 1990-х годов 3D-анимация становилась все более и более популярной, особенно в видеоиграх, и в конечном итоге в 1995 году произошел большой прорыв, когда Pixar выпустила художественный фильм «История игрушек» .

Более или менее фотореалистичная 3D-анимация используется для спецэффектов в рекламных роликах и фильмах с 1980-х годов. Эффекты прорыва были замечены в Терминаторе 2: Судный день (1991) и Парке Юрского периода (1993). С тех пор методы развились до такой степени, что разница между компьютерной графикой и реальной кинематографией редко бывает очевидной. Кинематографисты могут легко смешивать оба типа изображений с виртуальным кинематографом . «Матрица» (1999) и два ее продолжения обычно считаются прорывными фильмами в этой области.

Из-за сложности функций человеческого тела, эмоций и взаимодействий фильмы с важными ролями полностью 3D-анимированных реалистичных человеческих персонажей были редкостью. Чем более реалистичным становится компьютерный персонаж, тем сложнее создать нюансы и детали живого человека и тем больше вероятность того, что персонаж попадет в зловещую долину . Фильмы, в которых пытались создать реалистично выглядящих людей, включают Final Fantasy: The Spirits Within в 2001 году, Final Fantasy: Advent Children в 2005 году, The Polar Express в 2004 году, Beowulf в 2007 году и Resident Evil: Degeneration в 2009 году.

Создание виртуальных миров позволяет анимировать в реальном времени в виртуальной реальности , среде, с которой экспериментируют с 1962 года, и коммерческие развлекательные приложения начали появляться в 1990-х годах.

В первые десятилетия 21 века методы компьютерной анимации постепенно стали намного более распространенными, чем традиционная целая анимация. Чтобы воссоздать столь ценимый вид традиционной анимации для методов трехмерной анимации, были разработаны методы затенения . Правда в режиме реального времени чел-затенение была впервые введена в 2000 году Sega «s Jet Set Radio для их Dreamcast консоли.

Первые в анимации [ править ]

Этот раздел, возможно, содержит оригинальные исследования . Пожалуйста, улучшите его , проверяя сделанные утверждения и добавляя встроенные цитаты . Заявления, содержащие только оригинальные исследования, следует удалить. ( Сентябрь 2016 г. ) ( Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения )

Другие события в регионе [ править ]

Америка [ править ]

История кубинской анимации [ править ]

• 1970: Хуан Падрон создает персонажа Эльпидио Вальдеса , звезды многолетней серии короткометражных фильмов и двух фильмов.
• 1985: « Вампиры в Гаване» Хуана Падрона !
• 1992: Категория анимации добавлена ​​к Международному фестивалю кино в Латинской Америке .

История мексиканской анимации [ править ]

• 1935: Альфонсо Вергара продюсирует короткометражный анимационный фильм Paco Perico en premier .
• 1974: Фернандо Руис продюсирует «Los tres reyes magos» , первый в Мексике полнометражный анимационный фильм.
• 1977: Ануар Бадин создает фильм Los supersabios , основанный на комиксе.
• 1983: Рой дель Эспасио
• 2003: Ánima Estudios выпускает полнометражный мексиканский анимационный фильм Magos y gigantes после многолетнего перерыва в работе индустрии страны.

Современная анимация в Соединенных Штатах (с 1986 года по настоящее время)

• Успех мультсериала Диснея: Дисней днем (1985–1997).
• Сотрудничество Стивена Спилберга с Warner Bros. Animation (1990–1999).
• Упадок субботних мультфильмов в 1990-е годы.
• Ночной анимационный блок « Adult Swim» от Cartoon Network становится чрезвычайно популярным и приводит к возрождению короткой анимации для взрослых.
• Фильмы «Возрождение Диснея» (2009-2018).

Европа [ править ]

История эстонской анимации [ править ]

Эстонская анимация началась в 1930-х годах и продолжается до наших дней. ^[119]

• 1931 - Приключения собаки Юку , первый эстонский короткометражный анимационный фильм
• 1950 - е годы - основателями из кукольного анимационного подразделения Tallinnfilm по Элберт Туганова
• 1970 - е - основание рисованной анимации деление, Joonisfilm , по Rein Raamat

История итальянской анимации [ править ]

• 1914: Первое использование покадровой анимации в качестве спецэффектов в Cabiria.
• 1936: Приключения Пиноккио , неоконченные, считаются потерянными
• 1949: Выпуск первых двух итальянских мультфильмов: «Багдадская роза» режиссера Антона Джино Доменегини и «Братья- динамиты » режиссера Нино Пагота.
• 1962: Рождение итальянского мультипликационного искусства и индустрии ( La Linea , Mio Mao , Calimero ...).
• 1977: Анимационный классический итальянский фильм « Allegro non troppo» является одновременно пародией на « Фантазию Диснея» и данью уважения к ней ; это самая амбициозная работа режиссера Бруно Бозцетто и его третья полнометражная анимация после « Веста и соды» , анимационного спагетти-вестерна и VIP, мой брат Супермен , пародии на супергероев, хотя он также снял несколько заметных более коротких работ, в том числе « Мистер Мистер». Росси и номинированные на «Оскар» кузнечики (Каваллетт) . ^[120]
• 2001: Волшебный Блум , пилот Винкс Клуба
• 2004: Клуб Винкс , продюсер Rainbow SpA
• 2009: Хунтик: Секреты и искатели
• 2016: Королевская академия

История анимации в Хорватии (в бывшей Югославии) [ править ]

• 1953: Zagreb Film открывает школу анимации в Загребе .
• 1975: Škola Animiranog Filma Čakovec (ŠAF) открывает школу анимации Čakovec .

Азия [ править ]

Океания [ править ]

История австралийской анимации [ править ]

См .: Animal Logic , Йорам Гросс , Flying Bark Productions.

• 1977: Точка и кенгуру
• 1979: Маленький заключенный
• 1982: Седьмой матч (также известный как Сара )
• 1984: Мальчик-верблюд
• 1984: Эпический: Дни динозавров (также известный как EPIC )
• 1991: Волшебная загадка
• 1992: Блинки Билл: озорная коала
• 1992: FernGully: Последний тропический лес
• 2000: Волшебный пудинг (2000)
• 2006: Happy Feet (совместное производство с Америкой)

История новозеландской анимации [ править ]

Смотрите: Weta Digital

• 1986: Footrot Flats: Собачья сказка
• 2015: 25 апреля

СМИ [ править ]

• Воспроизвести медиа

  Продолжение 1921 года к фильму Винзор Маккей « Герти-динозавр », 1914 год, первый мультфильм с анимацией личности.

Примечания [ править ]

Ссылки [ править ]

Цитаты [ править ]

Цитированные работы [ править ]

Внешние ссылки [ править ]

• Ллевеллин, Ричард (2013). «Хронология анимационного введения» . Анимированные Дивоты Ричарда .
• «Список анимационных фильмов, произведенных в Европе» . Анимация Европа .
• Герберт, Стивен. «Анимация перед фильмом» . Колесо жизни .