Академическое искусство

Эта статья включает в себя список общих ссылок , но он остается в значительной степени непроверенным, поскольку в нем отсутствует достаточное количество соответствующих встроенных ссылок . Пожалуйста, помогите улучшить эту статью, добавив более точные цитаты. ( Февраль 2014 г. ) ( Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения )

Рождение Венеры , Александр Кабанель , 1863 г.

Жизненный класс в Датской королевской академии изящных искусств в 1826 году - Вильгельм Бендц

Академическое искусство , или академизм или академизм , это стиль живописи , скульптуры и архитектуры производства под влиянием европейских академий искусств . В частности, академическое искусство - это искусство и художники, находящиеся под влиянием стандартов Французской Академии изящных искусств , которые практиковались в рамках движений неоклассицизма и романтизма , и искусство, которое следовало за этими двумя движениями в попытке синтезировать оба их стиля. , что лучше всего отражено в картинах Вильгельма-Адольфа Бугро , Томаса Кутюра иГанс Макарт . В этом контексте его часто называют «академизмом», «академизмом», « напыщенным искусством » (уничижительно) и «эклектизмом» и иногда связывают с « историзмом » и « синкретизмом ».

Академии истории [ править ]

Первая академия искусств была основана во Флоренции в Италии Козимо I Медичи 13 января 1563 года под влиянием архитектора Джорджо Вазари, который назвал ее Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Академия и Компания искусств в Рисунок), так как он был разделен на две разные оперативные ветви. В то время как Компания была своего рода корпорацией, к которой мог присоединиться каждый работающий художник в Тоскане, Академия состояла только из самых выдающихся творческих личностей двора Козимо, и ей было поручено контролировать все художественное производство штата Медичи. В этом учебном заведении в Медичи студенты изучали «искусство дизайна» (термин, придуманный Вазари) и слушали лекции по анатомии игеометрия . Другая академия, Accademia di San Luca (названная в честь покровителя художников, Святого Луки ), была основана примерно десятью годами позже в Риме . Accademia di San Luca выполняла образовательную функцию и больше интересовалась теорией искусства, чем флорентийской. В 1582 году Аннибале Карраччи без официальной поддержки открыл свою очень влиятельную Академию Дезидерози в Болонье ; В некотором смысле это было больше похоже на традиционную мастерскую художника, но то, что он чувствовал необходимость обозначить ее как «академию», демонстрирует привлекательность идеи в то время.

Академия Сан-Лука позже послужила образцом для Королевской академии искусства и скульптуры, основанной во Франции в 1648 году и впоследствии ставшей Академией изящных искусств . Королевская академия искусства и скульптуры была основана с целью отличить художников, «джентльменов, практикующих свободное искусство», от мастеров, которые занимались ручным трудом. Этот упор на интеллектуальную составляющую художественного творчества оказал значительное влияние на предметы и стили академического искусства.

После того, как в 1661 году Людовиком XIV была реорганизована Королевская академия искусства и скульптуры , целью которой было контролировать всю художественную деятельность во Франции, среди ее членов возникли разногласия, которые доминировали в художественном отношении до конца века. Эта «битва стилей» была спором о том, подходящей ли моделью для подражания был Питер Пауль Рубенс или Николя Пуссен . Последователи Пуссена, которых называли «пуссинистами», утверждали, что линия (конструкция) должна доминировать в искусстве, поскольку она обращается к интеллекту, в то время как последователи Рубенса, называемые «рубенистами», утверждали, что цвет (цвет) должен доминировать в искусстве из-за своей обращение к эмоциям.

Дискуссия возродилась в начале 19 века, в рамках движений неоклассицизма, олицетворяемых произведениями Жана Огюста Доминика Энгра , и романтизма, олицетворяемых произведениями Эжена Делакруа . Также велись споры о том, что лучше изучать искусство, глядя на природу, или учиться, глядя на мастеров искусства прошлого.

Академии, использующие французскую модель, формировались по всей Европе и подражали учениям и стилям французской Академии. В Англии это была Королевская академия . Королевская датская академия изящных искусств , основанных в 1754 году, может быть принята в качестве успешного примера в меньшей страны, которая достигла своей цели создания национальной школы и сокращения зависимости от импорта художников. Почти все художники датского Золотого века примерно 1800-1850 гг. Прошли там обучение, и многие вернулись, чтобы преподавать, и история искусства Дании гораздо менее отмечена напряжением между академическим искусством и другими стилями, чем в других странах. .

Женщины [ править ]

Одним из следствий перехода в академии было затруднение обучения женщин-художников , которые были исключены из большинства академий до второй половины XIX века (1861 год для Королевской академии). ^{[1] [2]} Это было частично из-за опасений по поводу неприличия, представленного наготой. ^[1] До 20-го века для студенток иногда принимались специальные меры. ^[3]

Развитие академического стиля [ править ]

С момента возникновения дебатов Пуссиниста-Рубениста многие художники работали между двумя стилями. В 19 веке в возрожденной форме дискуссии внимание и цели мира искусства стали синтезировать линию неоклассицизма с красками романтизма . Критики утверждали, что один художник за другим добились синтеза, в том числе Теодор Шассерио , Ари Шеффер , Франческо Хайес , Александр-Габриэль Декамп и Томас Кутюр . Вильям-Адольф Бугро, более поздний академический художник, заметил, что для того, чтобы стать хорошим художником, нужно видеть «цвет и линию как одно и то же». Томас Кутюр продвигал ту же идею в своей книге по художественному методу, утверждая, что всякий раз, когда кто-то говорит, что картина имеет лучший цвет или лучшую линию, это ерунда, потому что всякий раз, когда цвет кажется ярким, это зависит от линии, чтобы передать это, и наоборот; и этот цвет был действительно способом говорить о «ценности» формы.

Еще одно событие этого периода включало принятие исторических стилей, чтобы показать эпоху истории, которую изображала картина, называемая историзмом . Лучше всего это видно в творчестве барона Яна Августа Хендрика Лейса , который позже оказал влияние на Джеймса Тиссо . Это также заметно в развитии стиля Neo-Grec . Историзм также предназначен для обозначения веры и практики, связанных с академическим искусством, что нужно включать и согласовывать нововведения различных традиций искусства из прошлого.

Мир искусства также вырос и стал уделять все больше внимания аллегории в искусстве. Теории о важности линии и цвета утверждали, что с помощью этих элементов художник контролирует среду, чтобы создавать психологические эффекты, в которых могут быть представлены темы, эмоции и идеи. Когда художники пытались синтезировать эти теории на практике, было подчеркнуто внимание к произведениям искусства как к аллегорическому или образному средству. Считалось, что изображения в живописи и скульптуре должны вызывать платонические формы или идеалы, в которых за обычными изображениями можно увидеть нечто абстрактное, некую вечную истину. Отсюда знаменитое размышление Китса «Красота - это правда, правда - красота». Желательно, чтобы картины были «идее», полной и законченной идеей.Известно, что Бугро сказал, что он не будет рисовать «войну», а будет писать «войну». Многие картины академических художников представляют собой простые аллегории природы с такими названиями, как « Рассвет» , « Сумерки» , « Видение» и « Дегустация» , где эти идеи воплощены в единственной обнаженной фигуре, составленной таким образом, чтобы выявить суть идеи.

Тенденция в искусстве также была к большему идеализму , что противоречит реализму , поскольку изображенные фигуры были сделаны более простыми и абстрактными - идеализированными - чтобы иметь возможность представлять идеалы, которые они отстаивали. Это потребует как обобщения форм, видимых в природе, так и подчинения их единству и теме произведения искусства.

Поскольку история и мифология рассматривались как пьесы или диалектика идей, благодатная почва для важных аллегорий, использование тем из этих предметов считалось наиболее серьезной формой живописи. Была оценена иерархия жанров , первоначально созданная в 17 веке, где историческая живопись - классические, религиозные, мифологические, литературные и аллегорические сюжеты - занимала первое место, затем жанровая живопись , затем портретная живопись , натюрморт и пейзаж. . Историческая живопись была также известна как «гранд жанр». Картины Ганса Макарта часто больше, чем жизненные исторические драмы, и он сочетал это с историзмом.в оформлении доминирует стиль венской культуры XIX века . Поль Деларош - типичный образец французской исторической живописи.

На все эти направления повлияли теории философа Гегеля , который считал, что история - это диалектика конкурирующих идей, которые в конечном итоге разрешились в синтезе.

К концу XIX века академическое искусство проникло в европейское общество. Выставки проводились часто, и самой популярной выставкой был Парижский салон, а с 1903 года - Осенний салон . Эти салоны были сенсационными событиями, которые привлекли толпы посетителей, как местных, так и зарубежных. Это не только художественное мероприятие, но и социальное, 50 000 человек могут посетить за одно воскресенье, и до 500 000 могут увидеть выставку в течение двух месяцев. Были выставлены тысячи картинок, подвешенных чуть ниже уровня глаз до потолка в манере, теперь известной как «салонный стиль». Успешный показ в салоне был знаком одобрения художника, сделав его работы доступными для растущих рядов частных коллекционеров.Бугро , Александр Кабанель и Жан-Леон Жером были ведущими фигурами этого мира искусства.

Во время господства академического искусства картины эпохи рококо , ранее пользовавшиеся низкой популярностью, снова приобрели популярность, а темы, часто используемые в искусстве рококо, такие как Эрос и Психея, снова стали популярными. Мир академического искусства также боготворил Рафаэля за идеальность его работ, фактически предпочитая его Микеланджело .

Академическое искусство в Польше процветало при Яне Матейко , который основал Краковскую академию изящных искусств . Многие из этих работ можно увидеть в Галерее польского искусства XIX века в Сукеннице в Кракове .

Академическое искусство не только имело влияние в Европе и США, но и распространило свое влияние на другие западные страны. Это было особенно верно для латиноамериканских стран, которые, поскольку их революции были смоделированы по образцу Французской революции , стремились подражать французской культуре. Примером латиноамериканского академического художника является Анхель Заррага из Мексики .

Академическая подготовка [ править ]

Молодые художники четыре года проходили серьезную подготовку. Во Франции в школу академии, École des Beaux-Arts, принимали только студентов, сдавших экзамен и имеющих рекомендательное письмо от известного профессора искусств . Рисунки и картины обнаженных тел, называемые «академиями», были основными строительными блоками академического искусства, и процедура их создания была четко определена. Сначала студенты копировали гравюры с классических скульптур, знакомясь с принципами контура, света и тени. Копия считалась важной для академического образования; копируя работы художников прошлого, можно усвоить их методы создания искусства. Чтобы перейти к следующему шагу, и к каждому последующему, ученики представляли рисунки для оценки.

В случае одобрения они будут рисовать по гипсовым слепкам известных классических скульптур. Только после приобретения этих навыков художникам разрешалось посещать классы, в которых позировала живая модель. Живопись не преподавалась в Школе изящных искусств до 1863 года. Чтобы научиться рисовать кистью, студент сначала должен был продемонстрировать навыки рисования, которые считались основой академической живописи. Только после этого ученик мог попасть в мастерскую академика и научиться рисовать. На протяжении всего процесса соревнования с заранее определенным предметом и определенным выделенным периодом времени измеряли успеваемость каждого ученика.

Самым известным художественным конкурсом для студентов был Prix ​​de Rome . Победитель Prix de Rome был удостоен стипендии на обучение в школе Французской академии на вилле Медичи в Риме на срок до пяти лет. Для участия в конкурсе артист должен быть французского происхождения, мужчиной до 30 лет и холостым. Он должен был соответствовать вступительным требованиям школы и иметь поддержку известного учителя рисования. Соревнование было изнурительным и включало несколько этапов перед финальным, в котором 10 участников были изолированы в студиях на 72 дня, чтобы написать свои последние исторические картины. По сути, победителю была обеспечена успешная профессиональная карьера.

Как уже отмечалось, успешный показ в Салоне стал знаком одобрения художника. Художники обратились в комитет по подвешиванию с просьбой об оптимальном размещении «на линии» или на уровне глаз. После открытия выставки художники жаловались на то, что их работы «завешиваются» или слишком высоко. Конечным достижением профессионального художника стало избрание в члены Французской академии и право называться академиком.

Критика и наследие [ править ]

Академическое искусство первой критики за ее использование идеализма , от реалистов таких художников, как Курб , как основанный на идеалистических клише и представляющая мифические и легендарные мотивы , в то время как современные социальные проблемы были проигнорированы. Еще одна критика со стороны реалистов заключалась в « фальшивой поверхности » картин - изображенные объекты выглядели гладкими, гладкими и идеализированными, - не показывая реальной текстуры. Реалист Теодюль Рибо боролся с этим, экспериментируя с грубыми, незаконченными текстурами в своих картинах.

Стилистически импрессионисты , которые выступали за быстрое рисование на открытом воздухе именно того, что видит глаз, а рука опускает, критиковали законченный и идеализированный стиль живописи. Хотя академические художники начинали рисовать, сначала рисовали, а затем писали масляные наброски своего предмета, высокая полировка, которую они придавали своим рисункам, казалась импрессионистам равносильной ложью. После масляного наброска художник создавал финальную картину с академическим «фини», изменяя картину в соответствии со стилистическими стандартами и пытаясь идеализировать изображения и добавить идеальные детали. Точно так же перспектива Построен геометрически на плоской поверхности и на самом деле не является продуктом зрения, импрессионисты отказались от приверженности механическим техникам.

Реалисты и импрессионисты также отказались от размещения натюрморта и пейзажа в нижней части иерархии жанров. Важно отметить, что большинство реалистов, импрессионистов и других представителей раннего авангарда, восставших против академизма, изначально были студентами академических мастерских . Клод Моне , Гюстав Курбе , Эдуард Мане и даже Анри Матисс были учениками академических художников.

По мере того как современное искусство и его авангард набирали силу, академическое искусство все больше очернялось и рассматривалось как сентиментальное, клишированное, консервативное, неинновационное, буржуазное и «бесстильное». Французы насмешливо называли стиль академического искусства L'art Pompier ( pompier означает «пожарный»), ссылаясь на картины Жака-Луи Давида (которого уважала академия), на которых часто изображались солдаты в касках, похожих на пожарные. . Картины назывались «грандиозными машинами», которые, как говорили, вызывали ложные эмоции с помощью уловок и уловок.

Это очернение академического искусства достигло своего пика в трудах искусствоведа Клемента Гринберга, который заявил, что все академическое искусство является « китчем ». Другие художники, такие как художники-символисты и некоторые из сюрреалистов , были добрее традиции ^{[ цитата необходима ]} . Как художники, которые стремились воплотить в жизнь воображаемые виды, эти художники были более склонны учиться у строго репрезентативной традиции. После того, как традиция стала считаться старомодной, аллегорические обнаженные тела и театрально поставленные фигуры казались некоторым зрителям причудливыми и сказочными.

С целью постмодернизма дать более полное, более социологическое и плюралистическое описание истории, академическое искусство было возвращено в учебники истории и дискуссии. С начала 1990-х академическое искусство даже пережило ограниченное возрождение благодаря движению ателье классического реализма . ^[4] Кроме того, искусство получает все более широкое признание широкой публики, и если раньше академические картины продавались на аукционах всего за несколько сотен долларов, то теперь за некоторые можно купить миллионы.

Крупные художники [ править ]

Ссылки [ править ]

Дальнейшее чтение [ править ]

• Искусство и Академия в девятнадцатом веке . (2000). Денис, Рафаэль Кардосо и Тродд, Колин (редакторы). Издательство Университета Рутгерса. ISBN 0-8135-2795-3 
• L'Art-Pompier . (1998). Лешарни, Луи-Мари, Que sais-je ?, Press Universitaires de France. ISBN 2-13-049341-6 
• Помпезное искусство: изображения, сигнификаты, презентация альтро Оттоценто, Франция (1860–1890) . (1997). Людерин, Пьерпаоло, Карманная библиотека этюдов по искусству, Ольшки. ISBN 88-222-4559-8 

Внешние ссылки [ править ]

• СМИ, связанные с академическим искусством, на Викискладе?