Флорентийская живопись или флорентийская школа относится к художникам в натуралистическом стиле, развитом во Флоренции в 14 веке, в основном благодаря усилиям Джотто ди Бондоне , а в 15 веке - ведущей школе западной живописи , из него или под его влиянием . Некоторые из самых известных художников ранней флорентийской школы - Фра Анджелико , Боттичелли , Филиппо Липпи , семья Гирландайо , Мазолино и Мазаччо .
Флоренция была колыбелью Высокого Возрождения , но в начале 16 века наиболее важных художников, в том числе Микеланджело и Рафаэля, были привлечены в Рим, где тогда были самые большие комиссии. Отчасти это произошло после Медичи, некоторые из которых стали кардиналами и даже папой. Подобный процесс коснулся и более поздних флорентийских художников. К периоду барокко многие художники, работавшие во Флоренции, редко были крупными фигурами.
До 1400 года [ править ]
Самые ранние самобытные тосканские произведения искусства, созданные в 13 веке в Пизе и Лукке , легли в основу более позднего развития. Никола Пизано продемонстрировал свою высокую оценку классических форм, как и его сын Джованни Пизано , который привнес новые идеи готической скульптуры в тосканский язык, образуя фигуры беспрецедентного натурализма. Это нашло отражение в творчестве пизанских художников XII и XIII веков, особенно Джунты Пизано , который, в свою очередь, оказал влияние на таких великих людей, как Чимабуэ , а через него - на Джотто и флорентийских художников начала XIV века .
Самый старый из дошедших до нас крупномасштабных флорентийских живописных проектов - это мозаичное украшение интерьера купола баптистерия Святого Иоанна , начатое около 1225 года. Хотя в этом проекте принимали участие венентские художники, тосканские художники создавали выразительные, живые сцены, демонстрирующие эмоциональные эмоции. содержание в отличие от преобладающей византийской традиции. Говорят, что Коппо ди Марковальдо отвечал за центральную фигуру Христа и является первым флорентийским художником, участвовавшим в этом проекте. Подобно панно с изображением Богородицы с младенцем, написанным для сервитских церквей в Сиене и Орвието , иногда приписываемым Коппо, фигура Христа имеет ощущение объема.
Подобные работы были заказаны для флорентийских церквей Санта-Мария-Новелла , Санта-Тринита и Огниссанти в конце 13 - начале 14 века. Панно Дуччо около 1285 года « Мадонна с младенцем на троне и шестью ангелами или Мадонна Ручеллаи» для Санта-Мария-Новелла, теперь находящаяся в галерее Уфици , демонстрирует развитие натуралистического пространства и формы и, возможно, изначально не предназначалось для запрестольных образов. Панели Богородицы были использованы на вершине лекторий, как у базилики Сан - Франческо Ассизского , который имеет панель в фреске в проверке стигматыв цикле " Житие святого Франциска" . Мадонна Санта-Тринита Чимабуэ и Мадонна Ручеллаи Дуччо, тем не менее, сохраняют прежний стилистический стиль, показывающий драпировку в виде сети линий.
На восприятие света Джотто повлияли фрески, которые он видел во время работы в Риме, а в его повествовательных настенных росписях, особенно выполненных по заказу семьи Барди , его фигуры помещены в натуралистическое пространство и обладают измерением и драматическим выражением. Подобный подход к свету использовался его современниками, такими как Бернардо Дадди , их внимание к натурализму поощрялось предметами, заказанными для францисканцев и доминиканцев XIV века.церквей и оказал влияние на флорентийских художников в последующие века. В то время как некоторые из них были традиционными композициями, например, посвященными основателю ордена и ранним святым, другие, такие как сцены недавних событий, людей и мест, не имели прецедентов, что позволяло их изобретать.
В 13 веке наблюдался рост спроса на религиозную роспись панно, особенно алтарей, хотя причина этого неясна, тосканские художники и мастера по дереву в начале 14-го века создавали алтари, которые были более сложными, многопанельными предметами со сложным обрамлением. В контрактах того времени отмечается, что клиенты часто имели в виду форму изделий из дерева, когда нанимали художника, и обсуждали с художниками изображения религиозных деятелей. Однако содержание повествовательных сцен на панелях пределла редко упоминается в контрактах и, возможно, было оставлено на усмотрение соответствующих художников. Флорентийские церкви поручили многим сиенским художникам создать алтарь, например Уголино ди Нерио , которого попросили нарисовать крупномасштабную работу для алтаря дляБазилика Санта-Кроче , возможно, самый ранний полиптих на флорентийском алтаре. Гильдии, осознавая стимулы, которые приносило внешнее мастерство, облегчили художникам из других областей работу во Флоренции. У скульпторов была своя собственная гильдия, имевшая второстепенный статус, а к 1316 году художники были членами влиятельного Arte dei Medici e Speziali . Сами гильдии стали значительными покровителями искусства, и с начала 14 века различные крупные гильдии наблюдали за поддержанием и улучшением отдельных религиозных построек; все гильдии участвовали в восстановлении Орсанмикеле .
Натурализм, развитый ранними флорентийскими художниками, пришел в упадок в третьей четверти XIV века, вероятно, вследствие чумы. Основные заказы, такие как запрестольный образ семьи Строцци (примерно 1354-57 гг.) В Санта-Мария-Новелла, были поручены Андреа ди Чионе , чьи работы и работы его братьев являются более знаковыми в их обращении с фигурами и фигурами. имеют более раннее ощущение сжатого пространства.
Раннее Возрождение, после 1400 г. [ править ]
Флоренция продолжала оставаться важнейшим центром итальянской живописи эпохи Возрождения . Самые ранние изображения эпохи Возрождения во Флоренции датируются 1401 годом, первым годом века, известным по-итальянски как Quattrocento , синонимом раннего Возрождения; однако это не картины. В этот день был проведен конкурс, чтобы найти художника, который создаст пару бронзовых дверей для баптистерия Святого Иоанна , самой старой сохранившейся церкви в городе. Баптистерий - большое восьмиугольное здание в романском стиле. Внутренняя часть его купола украшена огромной мозаичной фигурой Христа в величии, созданной, как полагают, Коппо ди Марковальдо.. В нем есть три больших портала, центральный в то время был заполнен дверями, созданными Андреа Пизано восемьдесят лет назад.
Двери Пизано были разделены на 28 четырехлистниковых отсеков, содержащих сцены из жизни Иоанна Крестителя . Каждый из участников конкурса, среди которых было семь молодых художников, должен был разработать бронзовое панно аналогичной формы и размера, представляющее Жертвоприношение Исаака . Сохранились две панели: Лоренцо Гиберти и Брунеллески.. Каждая панель демонстрирует несколько строго классических мотивов, указывающих направление, в котором развивались искусство и философия в то время. Гиберти использовал обнаженную фигуру Исаака для создания небольшой скульптуры в классическом стиле. Он становится на колени на могиле, украшенной свитками аканта, которые также являются отсылкой к искусству Древнего Рима. На панели Брунеллески одна из дополнительных фигур, включенных в сцену, напоминает хорошо известную римскую бронзовую фигуру мальчика, вытаскивающего шип из своей ноги. Творчество Брунеллески бросает вызов своей динамичной насыщенности. Менее элегантный, чем у Гиберти, он больше о человеческой драме и надвигающейся трагедии. [1]
Гиберти выиграл соревнование. На создание его первого набора дверей баптистерия потребовалось 27 лет, после чего ему было поручено изготовить еще один. За 50 лет, в течение которых Гиберти работал над ними, двери стали тренировочной площадкой для многих художников Флоренции. Будучи повествовательной по сюжету и использовав не только навыки построения фигуративных композиций, но и растущее мастерство линейной перспективы , двери должны были оказать огромное влияние на развитие флорентийского изобразительного искусства. Они были объединяющим фактором, источником гордости и товарищества как для города, так и для его художников. Микеланджело должен был называть их вратами рая .
Часовня Бранкаччи [ править ]
В 1426 году два художника приступили к написанию цикла фресок «Житие святого Петра» в часовне семьи Бранкаччи в церкви кармелитов во Флоренции. Их обоих звали по имени Томмазо и прозвали Мазаччо и Мазолино , по-словенски Том и Маленький Том.
Больше, чем любой другой художник, Мазаччо осознавал значение работы Джотто. Он продолжил практику рисования с натуры. Его картины демонстрируют понимание анатомии, ракурса, линейной перспективы, света и исследования драпировки. Среди его работ фигуры изгнанных из Эдема Адама и Евы , нарисованные на стороне арки в часовне, известны своим реалистичным изображением человеческого облика и человеческих эмоций. Они контрастируют с нежными и красивыми фигурами, нарисованными Масолино на противоположной стороне Адама и Евы, получающих запретный плод . Роспись капеллы Бранкаччи осталась незавершенной, когда Мазаччо умер в 26 лет. Позднее работа была законченаФилиппино Липпи . Работы Мазаччо стали источником вдохновения для многих более поздних художников, включая Леонардо да Винчи и Микеланджело . [2]
Развитие линейной перспективы [ править ]
В первой половине 15-го века достижение эффекта реалистичного пространства в картине с использованием линейной перспективы было главной заботой многих художников, а также архитекторов Брунеллески и Альберти, которые теоретизировали по этому поводу. Брунеллески, как известно, провел ряд тщательных исследований площади и восьмиугольного баптистерия за пределами Флорентийского собора, и считается, что он помог Мазаччо в создании его знаменитой ниши trompe-l'œil вокруг Святой Троицы, которую он нарисовал в Санта-Мария-Новелла . [2]
По словам Вазари, Паоло Уччелло был настолько одержим перспективой, что он мало о чем думал и экспериментировал с ней на многих картинах, наиболее известными из которых являются три картины битвы при Сан-Романо, на которых изображено сломанное оружие на земле и поля на далеких холмах. чтобы создать впечатление перспективы.
В 1450-х годах Пьеро делла Франческа в таких картинах, как «Бичевание Христа» , продемонстрировал свое мастерство в линейной перспективе, а также в науке о свете. Существует еще одна картина - городской пейзаж, написанная неизвестным художником, возможно, Пьеро делла Франческа, которая демонстрирует своего рода эксперимент, который проводил Брунеллески. С этого времени линейная перспектива стала понятной и регулярно использовалась, например, Перуджино в его « Христе, дающем ключи святому Петру в Сикстинской капелле» . [1]
Понимание света [ править ]
Джотто использовал тональность для создания формы. Таддео Гадди в своей ночной сцене в часовне Барончелли продемонстрировал, как можно использовать свет для создания драмы. Паоло Уччелло сто лет спустя экспериментировал с драматическим эффектом света на некоторых из своих почти монохромных фресок. Некоторые из них он сделал in terra verde или «зеленая земля», оживив свои композиции красными оттенками. Наиболее известен его конный портрет Джона Хоквуда на стене Флорентийского собора.. И здесь, и на четырех головах пророков, которые он нарисовал вокруг внутреннего циферблата в соборе, он использовал сильно контрастирующие тона, предполагая, что каждая фигура освещалась естественным источником света, как если бы источник был настоящим окном в соборе. . [3]
Пьеро делла Франческа продолжил изучение света. В « Бичевании» он демонстрирует знание того, как свет распространяется пропорционально от точки его происхождения. На этой картине есть два источника света: один внутри здания, а другой - снаружи. Хотя сам источник света невидим, его положение можно вычислить с математической точностью. Леонардо да Винчи должен был продолжить работу Пьеро о свете. [4]
Мадонна [ править ]
Пресвятая Дева Мария , почитаются католическая церковь во всем мире, особенно вызвали во Флоренции, где было чудесным образом ее на колонке на рынке кукурузы и где оба собора «Богоматерь цветов» и большой Dominican Церковь Санта-Мария-Новелла была названа в ее честь.
Чудесный образ на кукурузном рынке был уничтожен пожаром, но заменен новым изображением в 1330-х годах Бернардо Дадди , помещенным в тщательно спроектированный и богато выполненный навес от Orcagna . Открытый нижний этаж здания был огорожен и посвящен Орсанмикеле .
Изображения Мадонны с младенцем были очень популярным видом искусства во Флоренции. Они принимали любую форму: от небольших терракотовых бляшек массового производства до великолепных алтарей, таких как работы Чимабуэ , Джотто и Мазаччо . Маленькие мадонны для дома были основной работой большинства малярных мастерских, часто в основном создавались младшими членами по образцу мастера. Общественные здания и правительственные учреждения также часто содержали те или иные религиозные картины.
Среди тех, кто рисовал религиозные Мадонны в эпоху Раннего Возрождения, были Фра Анджелико , Фра Филиппо Липпи , Верроккьо и Давиде Гирландайо . Позже ведущим поставщиком был Боттичелли и его мастерская, которые изготовили большое количество мадонн для церквей, жилых домов, а также общественных зданий. Он представил большой круглый формат тондо для больших домов. Мадонны и святые Перуджино известны своей сладостью. Сохранилось несколько небольших Мадонн, приписываемых Леонардо да Винчи , таких как Мадонна Бенуа . Даже Микеланджело, который в первую очередь был скульптором, убедили написатьДони Тондо , в то время как для Рафаэля они являются одними из самых популярных и многочисленных его работ.
Подносы для родов [ править ]
Флорентийским фирменным блюдом был круглый или 12-сторонний desco da parto или поднос для родов, на котором молодая мать подавала сладости подругам, которые приходили к ней после родов. В остальное время они, кажется, висели в спальне. Обе стороны нарисованы, одна со сценами, чтобы ободрить мать во время беременности, часто показывая обнаженного малыша мужского пола; Считалось, что просмотр положительных изображений способствует изображенному результату.
Живопись и эстамп [ править ]
Примерно с середины века Флоренция стала ведущим центром новой индустрии гравюры в Италии , поскольку некоторые из многих флорентийских ювелиров занялись изготовлением пластин для гравировки . Они часто копировали стиль художников или предоставленные ими рисунки. Боттичелли был одним из первых, кто экспериментировал с рисунками для книжных иллюстраций, в случае с Данте . Антонио дель Поллайоло был не только печатником, но и ювелиром, и сам написал свою « Битву обнаженных» ; Благодаря своему размеру и изысканности он поднял итальянский принт на новый уровень и остается одним из самых известных принтов эпохи Возрождения.
Патронаж и гуманизм [ править ]
Во Флоренции в конце 15 века большинство произведений искусства, даже те, которые выполнялись для украшения церквей, обычно заказывались и оплачивались частными покровителями. Большая часть покровительства исходила от семьи Медичи или тех, кто был тесно связан с ними или был связан с ними, таких как Сассетти, Ручеллаи и Торнабуони.
В 1460-х годах Козимо Медичи Старший назначил Марсилио Фичино своим постоянным философом- гуманистом и способствовал его переводу Платона и его учению о платонической философии , которая фокусировалась на человечестве как центре естественной вселенной, на личных отношениях каждого человека с Бога, а также о братской или «платонической» любви как о наиболее близком к человеку способе подражания или понимания любви Бога. [5]
В период Средневековья все, что относилось к классическому периоду, воспринималось как связанное с язычеством. В эпоху Возрождения он стал все больше ассоциироваться с просвещением. Фигуры классической мифологии начали играть новую символическую роль в христианском искусстве, и, в частности, богиня Венера взяла на себя новое усмотрение. Рожденная полностью сформировавшейся в результате своего рода чуда, она была новой Евой , символом невинной любви или даже, в более широком смысле, символом самой Девы Марии . Мы видим Венеру в обеих этих ролях в двух известных темперных картинах, которые Боттичелли написал в 1480-х годах для племянника Козимо, Пьерфранческо Медичи, « Примавера» и « Рождение Венеры».. [6]
Тем временем Доменико Гирландайо , скрупулезный и аккуратный рисовальщик и один из лучших портретистов своего времени, выполнил два цикла фресок для сотрудников Медичи в двух больших церквях Флоренции, капелле Сассетти в Санта-Трините и капелле Торнабуони в Санта-Мария-Новелла. . В этих циклах Жития Святого Франциска и Жития Девы Марии и Жития Иоанна Крестителя было место для портретов покровителей и покровителей покровителей. Благодаря покровительству Сассетти, есть портрет самого человека с его работодателем, Лоренцо иль Маньифико.и трое сыновей Лоренцо со своим наставником, поэтом-гуманистом и философом Аньоло Полициано . В капелле Торнабуони находится еще один портрет Полициано в сопровождении других влиятельных членов Платонической академии, включая Марсилио Фичино. [5]
Фламандское влияние [ править ]
Примерно с 1450 года, с прибытием в Италию фламандского художника Рогира ван дер Вейдена и, возможно, раньше, художники познакомились с масляной краской . Несмотря на то, что и темпера, и фреска подходили для изображения узора, ни один из них не представлял собой успешного способа реалистичного представления естественных текстур. Очень гибкая среда из масел, которую можно было сделать непрозрачной или прозрачной и допускать изменения и дополнения в течение нескольких дней после того, как она была заложена, открыла новый мир возможностей для итальянских художников.
В 1475 году во Флоренцию прибыл огромный алтарь Поклонения пастухов . Расписанный Хуго ван дер Гусом по просьбе семьи Портинари, он был доставлен из Брюгге и установлен в часовне Сант-Эджидио в больнице Санта-Мария-Нуова. Алтарь светится яркими красными и зелеными оттенками, контрастируя с глянцевыми черными бархатными одеяниями жертвователей Портинари. На переднем плане натюрмортцветов в контрастных контейнерах, один из глазурованной керамики, а другой из стекла. Одной стеклянной вазы было достаточно, чтобы привлечь внимание. Но наиболее важным аспектом триптиха была чрезвычайно естественная и реалистичная картина трех пастухов с короткими бородками, изношенными руками и выражениями лица, варьирующимися от восхищения до удивления и непонимания. Доменико Гирландайо сразу же написал свою версию, с красивой итальянской Мадонной вместо длиннолицой фламандской, а сам, театрально жестикулируя, как один из пастухов. [1]
Папская комиссия в Риме [ править ]
В 1477 году Папа Сикст IV заменил заброшенную старую часовню в Ватикане, в которой проводились многие папские службы. Интерьер новой часовни, названной в его честь Сикстинской капеллой , по всей видимости, изначально планировался так, чтобы между пилястрами на среднем уровне располагалась серия из 16 больших фресок, а над ними - серия нарисованных портретов пап.
В 1480 году работа была заказана группе художников из Флоренции: Боттичелли, Пьетро Перуджино , Доменико Гирландайо и Козимо Росселли . Этот цикл фресок должен был изображать Истории из жизни Моисея с одной стороны часовни и Истории из жизни Христа с другой, причем фрески дополняли друг друга по тематике. Рождество Иисуса и Обретение Моисея соседствовали на стене позади алтаря, с алтарем из Успения Богородицы между ними. Эти картины, все работы Перуджино, были позже уничтожены, чтобы нарисовать Страшный суд Микеланджело .
Остальные 12 картин показывают виртуозность, которой достигли эти художники, и очевидное сотрудничество между людьми, которые обычно использовали очень разные стили и навыки. Картины раскрывали весь спектр их возможностей, поскольку они включали большое количество фигур мужчин, женщин и детей, а также персонажей, от ангелов-проводников до разъяренных фараонов и самого дьявола. Каждая картина требовала пейзажа . Из-за масштаба фигур, о котором договорились художники, на каждой картине пейзаж и небо занимают всю верхнюю половину сцены. Иногда, как в сцене Боттичелли « Очищение прокаженного» , в пейзаже происходят дополнительные небольшие повествования, в данном случаеИскушения Христа .
Сцена Перуджино « Христос дает ключи Святому Петру» примечательна ясностью и простотой композиции, красотой фигуративной живописи, включающей автопортрет среди зрителей, и особенно перспективным городским пейзажем, включающим ссылки на Петра в Риме благодаря наличию двух триумфальных арок и расположенного в центре восьмиугольного здания, которое могло быть христианским баптистерием или римским мавзолеем . [7]
Высокое Возрождение [ править ]
Флоренция была колыбелью Высокого Возрождения , но в начале 16 века наиболее значимые художники были привлечены в Рим, где начали поступать самые большие заказы. Отчасти это произошло после Медичи, некоторые из которых стали кардиналами и даже папой.
Леонардо да Винчи [ править ]
Леонардо , из-за размаха его интересов и необычайной степени таланта, который он продемонстрировал во многих различных областях, считается архетипом « человека эпохи Возрождения ». Но прежде всего как художник, которым он восхищался в свое время, и как художник он опирался на знания, которые он почерпнул из всех других своих интересов.
Леонардо был научным наблюдателем. Он учился, глядя на вещи. Он изучал и рисовал цветы полей, водовороты реки, формы скал и гор, то, как свет отражался от листвы и сверкал в драгоценном камне. В частности, он изучал человеческую форму, рассекая тридцать или более невостребованных трупов из больницы, чтобы понять мышцы и сухожилия.
Больше, чем любой другой художник, он продвинул исследование «атмосферы». В своих картинах, таких как « Мона Лиза» и « Дева в скалах» , он использовал свет и тень с такой тонкостью, что, за неимением лучшего слова, это стало известно как «сфумато» Леонардо или «дым».
Одновременно с приглашением зрителя в таинственный мир движущихся теней, хаотических гор и кружащихся потоков Леонардо достиг определенной степени реализма в выражении человеческих эмоций, прообразом которой был Джотто, но неизвестной со времен « Адама и Евы» Мазаччо . « Тайная вечеря» Леонардо , написанная в трапезной монастыря в Милане, стала эталоном религиозной повествовательной живописи на следующие полвека. Многие другие художники эпохи Возрождения рисовали версии Тайной вечери , но только Леонардо суждено было воспроизводиться бесчисленное количество раз из дерева, алебастра, гипса, литографии, гобелена, вязания крючком и настольных ковров.
Помимо прямого воздействия самих работ, исследования Леонардо в области света, анатомии, пейзажа и человеческого выражения были распространены частично благодаря его щедрости среди свиты студентов. [8]
Микеланджело [ править ]
В 1508 году папе Юлию II удалось добиться от скульптора Микеланджело согласия на продолжение декоративной схемы Сикстинской капеллы. Сикстинская капелла потолок был построен таким образом , что было двенадцать скошенные парусов , поддерживающие свод , что образованные идеальные поверхности , на которых рисовать Двенадцать Апостолов . Микеланджело, который без особого изящества уступил требованиям Папы, вскоре разработал совершенно иную схему, гораздо более сложную как по дизайну, так и по иконографии. Масштаб работы, которую он выполнял в одиночку, за исключением ручной помощи, был титаническим, и на ее выполнение ушло почти пять лет.
План Папы для апостолов тематически образовал бы наглядную связь между ветхозаветными и новозаветными повествованиями на стенах и папами в галерее портретов. [7] Это является двенадцатью апостолами , а их лидер Петра первым епископом Рима, что делает этот мост. Но план Микеланджело пошел в противоположном направлении. Тема потолка Микеланджело - не великий Божий план спасения человечества. Тема о позоре человечества. Это о том, почему человечество и вера нуждались в Иисусе. [9]
На первый взгляд потолок - гуманистическая конструкция. Фигуры имеют сверхчеловеческое измерение и, в случае Адама , такой красоты, что, по словам биографа Вазари , действительно кажется, что фигуру создал сам Бог, а не Микеланджело. Но, несмотря на красоту отдельных фигур, Микеланджело не прославил человеческое государство и, конечно же, не представил гуманистический идеал платонической любви . Фактически, предки Христа, которых он нарисовал вокруг верхней части стены, демонстрируют все худшие аспекты семейных отношений, демонстрируя дисфункцию в столь же разных формах, как и семьи. [9]
Вазари похвалил, казалось бы, бесконечную изобретательность Микеланджело в создании поз для фигур. Рафаэль , который был дан предварительным просмотр по Браманту после Микеланджело опрокинул свою кисть и штурмовал в Болонью сгоряча, окрашен по крайней мере , две фигуре в подражании пророков Микеланджело, один в церкви Санта Агостино , а другой в Ватикане , его портрет самого Микеланджело в Афинской школе . [7] [10] [11]
Рафаэль [ править ]
С Леонардо да Винчи и Микеланджело , Рафаэль именем «s является синонимом Высокого Возрождения, хотя он был моложе Микеланджело 18 лет и Леонардо почти 30. Он не может сказать о нем , что он сильно выдвинутой состояние живописи , как его два известные современники сделали. Скорее, его творчество было кульминацией всех достижений Высокого Возрождения.
Рафаэлю посчастливилось родиться сыном художника, поэтому его карьера, в отличие от Микеланджело, сына мелкой знати, была решена без ссор. Через несколько лет после смерти отца он работал в умбрийской мастерской Перуджино , превосходным художником и превосходным техником. Его первая подписанная и датированная картина, выполненная в возрасте 21 года, - « Обручение Богородицы» , которая сразу же обнаруживает свое происхождение в картине Перуджино « Христос, дающий ключи Петру» . [12]
Рафаэль был беззаботным персонажем, который без зазрения совести использовал навыки известных художников, чья продолжительность жизни была такой же, как и у него. В его работах соединились индивидуальные качества многих художников. Округлые формы и светящиеся цвета Перуджино, реалистичные портреты Гирландайо, реализм и освещение Леонардо и мощное рисование Микеланджело объединились в картинах Рафаэля. За свою короткую жизнь он выполнил ряд больших запрестольных образов, впечатляющую классическую фреску с изображением морской нимфы, Галатеи, выдающиеся портреты с двумя папами и известным писателем среди них, и, пока Микеланджело расписывал потолок Сикстинской капеллы , серию стен фрески в камерах Ватикана поблизости, из которых Афинской школы уникально значимо.
Эта фреска изображает собрание всех самых ученых древних афинян, собравшихся в величественной классической обстановке вокруг центральной фигуры Платона , которого Рафаэль создал по образцу Леонардо да Винчи . Задумчивая фигура Гераклита , сидящего у большой каменной глыбы, является портретом Микеланджело и является отсылкой к его картине пророка Иеремии в Сикстинской капелле. Его собственный портрет находится справа, рядом с его учителем Перуджино. [13]
Но главным источником популярности Рафаэля были не его главные произведения, а его маленькие флорентийские картины Мадонны и Младенца Христа. Снова и снова он рисовал одну и ту же пухленькую блондинку с спокойным лицом и череду ее пухлых младенцев, наиболее известной из которых, вероятно, была «Бель Жардиньер» («Мадонна в прекрасном саду»), которая сейчас находится в Лувре . Его более крупная работа, Сикстинская Мадонна , использованная в качестве дизайна для бесчисленных витражей , появилась в 21 веке, чтобы обеспечить культовое изображение двух маленьких херувимов, которое было воспроизведено на всем, от бумажных салфеток до зонтиков. [14] [15]
Ранний маньеризм [ править ]
Ранние маньеристы Флоренции, особенно ученики Андреа дель Сарто, такие как Якопо да Понтормо и Россо Фьорентино , отличались удлиненными формами, ненадежно сбалансированными позами, свернутой перспективой, иррациональным окружением и театральным освещением. Будучи лидером Первой школы Фонтенбло , Россо сыграл важную роль в распространении стиля Возрождения во Франции.
Пармиджанино (ученик Корреджо ) и Джулио Романо (главный помощник Рафаэля) двигались в сходно стилизованных эстетических направлениях в Риме. Эти художники созрели под влиянием Высокого Возрождения, и их стиль был охарактеризован как реакция на него или его преувеличенное расширение. Вместо непосредственного изучения природы молодые художники начали изучать эллинистическую скульптуру и картины мастеров прошлого. Поэтому этот стиль часто называют «антиклассическим» [16], но в то время он считался естественным продолжением Высокого Возрождения. Самая ранняя экспериментальная фаза маньеризма, известная своими «антиклассическими» формами, продолжалась. примерно до 1540 или 1550 года. [17]Марсия Б. Холл, профессор истории искусств Университета Темпл, отмечает в своей книге « После Рафаэля», что преждевременная смерть Рафаэля положила начало маньеризму в Риме.
Поздний маньеризм [ править ]
Бронзино (ум. 1572), ученик Понтормо, был в основном придворным портретистом при дворе Медичи в несколько холодном формальном стиле маньеризма. В том же поколении Джорджо Вазари (ум. 1574) гораздо лучше запомнился как автор « Жизни выдающихся художников, скульпторов и архитекторов» , оказавших огромное и прочное влияние на укрепление репутации флорентийской школы. Но он был ведущим художником исторической живописи при дворе Медичи, хотя его работы сейчас обычно рассматриваются как напряженные после воздействия, которое оказывает работа Микеланджело, и неспособность достичь его. Это стало общей ошибкой флорентийской живописи к десятилетиям после 1530 года, поскольку многие художники пытались подражать гигантам Высокого Возрождения.
Барокко [ править ]
К периоду барокко Флоренция уже не была самым важным центром живописи в Италии, но, тем не менее, имела важное значение. Ведущие художники, родившиеся в городе, и которые, в отличие от других, провели там большую часть своей карьеры, включают Кристофано Аллори , Маттео Росселли , Франческо Фурини и Карло Дольчи . Пьетро да Кортона родился в Великом герцогстве Тоскана и много работал в городе.
См. Также [ править ]
- Венецианская школа
- Болонская школа
- Луккезская школа
- Школа Феррары
- Сиенская школа
Ссылки [ править ]
- ^ a b c R.E. Вольф и Р. Миллен, Искусство Возрождения и маньеризма , (1968)
- ^ a b Орнелла Касацца, Мазаччо и часовня Бранкаччи , (1990)
- ^ Аннарита Паольери, Паоло Уччелло, Доменико Венециано, Андреа дель Кастаньо , (1991)
- ^ Питер Мюррей и Пьер Луиджи Векки, Пьеро делла Франческа, (1967)
- ^ a b Хью Росс Уильямсон, Лоренцо Великолепный , (1974)
- ^ Умберто Бальдини, Primavera , (1984)
- ^ a b c Джакометти, Массимо (1986). Сикстинская капелла .
- ^ Джорджио Вазари, Жизни художников , (1568), издание 1965 года, транс Джордж Булл, Пингвин, ISBN 0-14-044164-6
- ^ a b Т.Л. Тейлор, Видение Микеланджело , Сиднейский университет, (1982)
- ^ Габриэль Барц и Эберхард Кениг, Микеланджело , (1998)
- ^ Людвиг Гольдшидер, Микеланджело , (1962)
- ^ Дайана Дэвис, «Рафаэль», Иллюстрированный словарь искусства и художников Харрапа (1990)
- ↑ Некоторые источники идентифицируют эту фигуру как Иль Содому , но это пожилой седой мужчина, в то время как Содоме было около 30 лет. Более того, он сильно напоминает несколько автопортретов Перуджино, которому в то время было около 60 лет.
- ^ Дэвид Томпсон, Рафаэль, жизнь и наследие , (1983)
- ^ Жан-Пьер Кузен, Рафаэль, его жизнь и творчество, (1985)
- ^ Friedländer 1965, [ страница необходимости ] .
- ^ Фридберг, Сидней Дж. 1993. Живопись в Италии, 1500–1600 , стр. 175-177, 3-е издание, Нью-Хейвен и Лондон: издательство Йельского университета . ISBN 0-300-05586-2 (ткань) ISBN 0-300-05587-0 (PBK)
Дальнейшее чтение [ править ]
- «Жизнь и организация искусства Флоренции», Оксфордский компаньон западного искусства . Эд. Хью Бригсток. Oxford University Press , 2001. ISBN 0-19-866203-3 .
- Поуп-Хеннесси, Джон и Кантер, Лоуренс Б. (1987).Коллекция Роберта Лемана I, итальянские картины. Нью-Йорк, Принстон: Музей искусств Метрополитен совместно с Princeton University Press. ISBN 0870994794.CS1 maint: несколько имен: список авторов ( ссылка ) (см. указатель)
Внешние ссылки [ править ]
 | Викискладе есть медиафайлы по теме флорентийской школы . |
