Джон Мартин Фини (1 февраля 1894 - 31 августа 1973), известный профессионально как Джон Форд , был американским кинорежиссером и военно-морским офицером. Он известен как вестернами, такими как « Дилижанс» (1939), «Искатели» (1956) и «Человек, стрелявший в свободу» (1962), так и адаптациями классических американских романов 20-го века, таких как «Гроздья гнева» (1940). Он был удостоен шести премий Оскар, включая рекордные четыре победы в номинации «Лучший режиссер» .
Джон Форд | |
---|---|
Родившийся | Джон Мартин Фини 1 февраля 1894 г. Кейп-Элизабет, штат Мэн , США |
Умер | 31 августа 1973 г. Палм-Дезерт, Калифорния , США | (79 лет)
Место отдыха | Кладбище Святого Креста, Калвер-Сити, Калифорния [1] |
Занятие | Режиссер / продюсер |
Активные годы | 1913–1966 |
Супруг (а) | Мэри Макбрайд Смит ( м. 1920) |
Дети | 2 |
Военная карьера | |
Верность | Соединенные Штаты |
Сервис / филиал | ВМС США Военно-морской резерв США |
Годы службы | 1942–45 (активный) 1946–62 (резерв) |
Классифицировать | Командир (действующий) контр-адмирал (резерв) |
Битвы / войны | Вторая Мировая Война |
За более чем 50-летнюю карьеру Форд снял более 140 фильмов (хотя большинство его немых фильмов сейчас утеряно ), и он широко известен как один из самых важных и влиятельных режиссеров своего поколения. [2] Работа Форда была высоко оценена его коллегами, в том числе Орсон Уэллс и Ингмар Бергман среди тех, кто назвал его одним из величайших режиссеров всех времен.
Форд часто использовал натурную съемку и длинные планы , в которых его персонажи были помещены на обширную, суровую и пересеченную естественную местность.
Ранний период жизни
Форд родился Джон Мартин «Джек» Фини (хотя позже он часто давал свои имена как Шон Алоизиус, иногда с фамилией О'Фини или О'Фирна; ирландский эквивалент Фини) на мысе Элизабет, штат Мэн , Джону Августину Фини. и Барбара «Аббатство» Карран 1 февраля 1894 г. [3] (хотя он иногда говорил 1895 г., и эта дата ошибочно указана на его надгробии). [4] Его отец, Джон Августин, родился в Спиддале , [5] графство Голуэй , Ирландия, в 1854 году. [4] Барбара Карран родилась на островах Аран , в городе Килронан на острове Инишмор (Инис Мор ). [4] Бабушка Джона А. Фини, Барбара Моррис, была членом бедной ветви семьи ирландского дворянства , Моррисов Спиддал (возглавляемых в настоящее время лордом Килланином ).
Джон Августин и Барбара Карран прибыли в Бостон и Портленд соответственно в мае и июне 1872 года. Они заявили о своем намерении вступить в брак 31 июля 1875 года и стали американскими гражданами через пять лет, 11 сентября 1880 года. [4] Проживала семья Джона Августина Фини. на Шеридан-стрит, в ирландском районе Мунджой-Хилл в Портленде, штат Мэн, и его отец работал на различных случайных работах, чтобы поддержать семью - сельское хозяйство, рыбалка, рабочий в газовой компании, содержание салона и олдермен. [4] У Джона и Барбары было одиннадцать детей: Мэми (Мэри Агнес), 1876 года рождения; Делия (Эдит), 1878–1881; Патрик; Фрэнсис Форд (1881–1953 гг.); Бриджит, 1883–1884; Варвара, родилась и умерла в 1888 г .; Эдвард, 1889 года рождения; Жозефина, 1891 г.р .; Ханна (Джоанна) родилась и умерла в 1892 г .; Джон Мартин, 1894–1973; и Даниэль, родившийся и умерший в 1896 (или 1898). [4]
Фини учился в Средней школе Портленда, Портленд, штат Мэн , где он играл защитника и защитника. Он получил прозвище «Бык», потому что, как говорят, он опускал свой шлем и заряжал линию. Портлендский паб назван в его честь Bull Feeney's. Позже он переехал в Калифорнию и в 1914 году начал работать в кино, а также сниматься для своего старшего брата Фрэнсиса , приняв «Джек Форд» в качестве профессионального имени. В дополнение к указанным ролям, он появился в титрах как клановец в фильме Д. У. Гриффита « Рождение нации » 1915 года . [6] [7]
Он женился на Мэри Макбрайд Смит 3 июля 1920 года, и у них было двое детей. Его дочь Барбара была замужем за певцом и актером Кеном Кертисом с 1952 по 1964 год. Брак между Фордом и Смитом длился всю жизнь, несмотря на различные проблемы, одна из которых заключалась в том, что Форд был католиком [8], в то время как она не была католической разведенной. [9] Какие трудности были вызваны этим, неясно, поскольку уровень приверженности Форда католической вере является спорным. [10] Еще одним напряжением были многочисленные внебрачные отношения Форда. [11]
Режиссерская карьера
Форд начал свою карьеру в кино после переезда в Калифорнию в июле 1914 года. Он пошел по стопам своего талантливого старшего брата Фрэнсиса Форда, на двенадцать лет его старше, который ушел из дома несколькими годами ранее и работал в водевиле, прежде чем стать киноактером. . Фрэнсис сыграл в сотнях немых картин для таких режиссеров, как Томас Эдисон , Жорж Мельес и Томас Инс , и в конечном итоге стал известным голливудским актером, сценаристом и режиссером с собственной продюсерской компанией (101 Bison) в Universal . [12]
Форд начинал в фильмах своего брата как помощник, разнорабочий, каскадер и иногда актер, часто дублируя своего брата, на которого он очень походил. [13] Фрэнсис дал своему младшему брату свою первую актерскую роль в «Таинственной розе» (ноябрь 1914 г.). [14] Несмотря на зачастую боевые отношения, за три года Джек стал главным помощником Фрэнсиса и часто работал его оператором. [15] К тому времени, когда Джеку Форду дали первый перерыв в качестве режиссера, профиль Фрэнсиса начал снижаться, и вскоре после этого он перестал работать в качестве режиссера.
Одна примечательная особенность фильмов Форда заключается в том, что он использовал «акционерную компанию» актеров, гораздо чаще, чем многие режиссеры. Многие известные звезды появились как минимум в двух или более фильмах Форда, в том числе Гарри Кэри-старший (звезда 25 немых фильмов Форда), Уилл Роджерс , Джон Уэйн , Генри Фонда , Морин О'Хара , Джеймс Стюарт , Вуди Строде , Ричард. Видмарк , Виктор МакЛаглен , Вера Майлз и Джеффри Хантер . Многие из его актеров второго плана появлялись в нескольких фильмах Форда, часто в течение нескольких десятилетий, в том числе Бен Джонсон , Чилл Уиллс , Энди Девайн , Уорд Бонд , Грант Уизерс , Мэй Марш , Анна Ли , Гарри Кэри младший , Кен Кертис , Фрэнк. Бейкер, Долорес дель Рио , Педро Армендарис , Хэнк Уорден , Джон Куален , Барри Фицджеральд , Артур Шилдс , Джон Кэррадайн , О.З. Уайтхед и Карлтон Янг . Основные члены этой расширенной «труппы», в том числе Уорд Бонд, Джон Кэррадайн, Гарри Кэри-младший, Мэй Марш, Фрэнк Бейкер и Бен Джонсон, были неофициально известны как Фондовая компания Джона Форда .
Точно так же Форд наслаждался расширенными рабочими отношениями со своей производственной командой, и многие из его команды работали с ним десятилетиями. Он снял множество фильмов с одними и теми же основными сотрудниками, включая продюсера и делового партнера Мериан С. Купер , сценаристов Наннелли Джонсона , Дадли Николса и Фрэнка С. Нуджента , а также кинематографистов Бена Ф. Рейнольдса , Джона В. Брауна и Джорджа Шнайдермана (кто между ними снял большинство немых фильмов Форда), Джозеф Х. Август , Грегг Толанд , Винтон Хох , Чарльз Лоутон-младший , Берт Гленнон , Арчи Стаут и Уильям Х. Клотье . Большинство послевоенных фильмов Форда редактировал Джек Мюррей до самой смерти последнего в 1961 году. Отто Ловеринг , который сначала работал с Фордом над « Дилижансом» (1939), стал главным редактором Форда после смерти Мюррея.
Тихая эпоха
В течение своего первого десятилетия в качестве режиссера Форд работал над десятками полнометражных фильмов (включая множество вестернов), но только десять из более чем шестидесяти немых фильмов, которые он снял между 1917 и 1928 годами, до сих пор сохранились полностью. [16] Тем не менее, отпечатки нескольких «молчаний» Форда, которые ранее считались утерянными, были вновь обнаружены в зарубежных киноархивах за последние годы - в 2009 году в Новозеландском киноархиве была обнаружена коллекция из 75 немых голливудских фильмов , среди которых был единственный уцелевший. печать немой комедии Форда 1927 года « Апстрим» . [17] Гравюра была восстановлена в Новой Зеландии Академией кинематографических искусств и наук, а затем была возвращена в Америку, где 31 августа 2010 года была «представлена» в Театре Сэмюэля Голдвина в Беверли-Хиллз. партитура по заказу Майкла Мортиллы . [18]
На протяжении всей своей карьеры Форд был одним из самых занятых режиссеров в Голливуде, но он был чрезвычайно продуктивным в первые несколько лет в качестве режиссера - он снял десять фильмов в 1917 году, восемь в 1918 году и пятнадцать в 1919 году, а всего он снял 62 фильма. короткометражки и полнометражные фильмы между 1917 и 1928 годами, хотя в большинстве его ранних фильмов ему не было места на экране.
Существует некоторая неопределенность относительно личности первого фильма Форда как режиссера - сценарист Эфраим Кац отмечает, что Форд мог поставить четырехсерийный фильм « Люсиль официантка» еще в 1914 году [19], но большинство источников называют его режиссерский дебют немым. двухцилиндровый «Торнадо» , выпущенный в марте 1917 года. Согласно собственному рассказу Форда, он получил работу от босса Universal Карла Лэммла, который якобы сказал: «Дайте работу Джеку Форду - он хорошо кричит». За «Торнадо» вскоре последовала череда «быстрых» с двумя и тремя барабанами - «След ненависти» , «Скрэппер» , « Хранитель душ» и «Приятель Шайенна» ; они были сделаны в течение нескольких месяцев, и каждый, как правило, снимался всего за два или три дня; все теперь считаются потерянными. Душа Гердер также примечателен как начало четыре года, 25-пленочной ассоциации Форда с ветераном писатель-актер Гарри Кэри , [20] , который (с братом Форда Francis) был сильным ранним влиянием на молодого режиссера, а также будучи одним из главных факторов, повлиявших на экранную персону протеже Форда Джона Уэйна . Сын Кэри Гарри «Доби» Кэри-младший , который также стал актером, был одним из ближайших друзей Форда в последующие годы и фигурировал во многих его самых знаменитых вестернах.
Первой полнометражной постановкой Форда была « Прямая съемка» (август 1917 г.), которая также является его первым полностью сохранившимся фильмом в качестве режиссера и одним из двух оставшихся в живых из его двадцатипятилетнего сотрудничества с Гарри Кэри. Создавая фильм, Форд и Кэри проигнорировали заказы студии и включили пять барабанов вместо двух, и только благодаря вмешательству Карла Лэммла фильм не был вырезан для своего первого выпуска, хотя впоследствии он был сокращен до двух барабанов для переиздание в конце 1920-х. [21] Последний фильм Форда 1917 года, Bucking Broadway , долгое время считался утерянным, но в 2002 году единственный известный сохранившийся фильм был обнаружен в архивах Французского национального центра кинематографии [22], и с тех пор он был восстановлен и оцифрованный.
Форд снял для Universal около тридцати шести фильмов за три года до того, как в 1920 году переехал в студию Уильяма Фокса ; его первым фильмом для них были « Просто приятели» (1920). Его полнометражный фильм 1923 года « Камея Кирби» с киношным кумиром Джоном Гилбертом - еще одним из немногих уцелевших героев Форда - ознаменовал его первую режиссерскую заслугу под именем «Джон Форд», а не «Джек Форд», как ему раньше приписывали.
Первым крупным успехом Форда как режиссера стала историческая драма «Железный конь» (1924), эпическая история строительства Первой трансконтинентальной железной дороги . Это был большой, долгий и сложный спектакль, снятый на натуре в Сьерра-Неваде . Материально-техническое обеспечение было огромным - были построены два целых города, было 5000 статистов, 100 поваров, 2000 железнодорожников, кавалерийский полк, 800 индейцев, 1300 буйволов, 2000 лошадей, 10 000 голов крупного рогатого скота и 50 000 собственности, включая оригинальный дилижанс, которым пользовался Гораций Грили. , Дикий Билл Хикок «s Derringer пистолет и реплики„ Юпитер “и„ 119 “локомотивами , которые встретились на Promontory встрече на высшем уровне , когда оба конца линии были сдвинуты по 10 мая 1869 года [23]
Брат Форда Эдди был членом экипажа, и они постоянно ссорились; Сообщается, что однажды Эдди «пошел за стариком с ручкой отмычки». Когда начались съемки, был написан только краткий синопсис, а Форд писал и снимал фильм изо дня в день. Производство отставало от графика из-за постоянной плохой погоды и сильных холодов, и руководители Fox неоднократно требовали результатов, но Форд либо рвал телеграммы, либо задерживал их и заставлял каскадера Эдварда «Парднера» Джонса пробивать дыры в имени отправителя. [25] Несмотря на давление с требованием остановить производство, босс студии Уильям Фокс, наконец, поддержал Форда и позволил ему закончить картину, и его авантюра окупилась - «Железный конь» стал одним из самых кассовых фильмов десятилетия, захватив США. 2 миллиона долларов по всему миру при бюджете в 280 000 долларов. [23]
В этот период Форд снял множество фильмов, и он стал хорошо известен своими вестернами и «пограничными» картинами, но этот жанр быстро потерял свою привлекательность для крупных студий в конце 1920-х годов. Последним тихим вестерном Форда был « 3 плохих человека» (1926), действие которого происходило во время землетрясения в Дакоте, и снятый в Джексон-Хоул , Вайоминг и в пустыне Мохаве . Пройдет тринадцать лет, прежде чем он сделает свой следующий вестерн « Дилижанс» в 1939 году.
В течение 1920-х годов Форд также был президентом Ассоциации кинорежиссеров , предшественницы сегодняшней Гильдии режиссеров Америки .
Музыкальные фильмы: 1928–1939 гг.
Форд был одним из первых режиссеров звуковых фильмов; он снял первую песню Фокса, спетую на экране, для своего фильма « Мать Махри» (1928), из которого сохранились только четыре из семи оригинальных роликов; Этот фильм также известен как первый фильм Форда с участием молодого Джона Уэйна (в титрах не указан), и он появился в качестве статиста в нескольких фильмах Форда в течение следующих двух лет. Кроме того, «Дом палача» (1928) примечателен тем, что в нем впервые подтверждено появление Джона Уэйна на экране в фильме Форда, где он играет возбудимого зрителя во время скачек. [2]
Незадолго до того, как студия была преобразована в звуковые фильмы, Фокс подписал контракт с немецким режиссером Ф. В. Мурнау , и его фильм « Восход солнца» (1927), все еще высоко оцененный критиками, оказал сильнейшее влияние на Форда. [26] Влияние Мурнау можно увидеть во многих фильмах Форда конца 1920-х - начала 1930-х годов - « Четыре сына» (1928), снятых на некоторых роскошных декорациях, оставшихся от производства Мурнау.
В ноябре того же года Форд снял первый драматический полнометражный художественный фильм Фокса « Цирюльник« Наполеон » (1928), трехчастный фильм, который теперь считается потерянным фильмом. [27] За «Цирюльником» Наполеона последовали два его последних немых фильма «Полицейский Райли» (1928) и « Сильный мальчик» (1929) с Виктором МакЛагленом в главной роли ; которые оба были выпущены с синхронизированными нотами и звуковыми эффектами, последний сейчас утерян (хотя в книге Тэга Галлахера указано, что единственная сохранившаяся копия Strong Boy , 35-миллиметровая нитратная печать, по слухам, хранилась в частной коллекции в Австралии [ 28] ). «Черные дозоры» (1929), колониальное армейское приключение, действие которого происходит в Хайберском перевале, с Виктором МакЛагленом и Мирной Лой в главных ролях, - это первый полнометражный фильм Форда; он был переделан в 1954 году Генри Кингом как король Хайберских стрелков .
Объем производства Ford был довольно постоянным с 1928 года до начала Второй мировой войны; он снял пять полнометражных фильмов в 1928 году, а затем снимал два или три фильма каждый год с 1929 по 1942 год включительно. В 1929 году было выпущено три фильма - « Сильный мальчик» , «Черные часы» и « Салют» . Его три фильма 1930 года - « Мужчины без женщин» , « Рожденные безрассудством» и « Вверх по реке» , примечательные как дебютный фильм для Спенсера Трейси и Хамфри Богарта , которые подписали контракт с Fox по рекомендации Форда (но впоследствии отказались от этого). Фильмы Форда в 1931 году: « Море под водой» , «Паршивец» и « Эроусмит» ; Последний фильм , адаптированный из романа Синклера Льюиса с Рональдом Колманом и Хелен Хейс в главных ролях , ознаменовал собой первое признание Форда на премию Оскар с пятью номинациями, включая лучший фильм.
Легендарная эффективность Форда и его способность создавать фильмы, сочетающие художественное мастерство с сильной коммерческой привлекательностью, снискали ему все большую известность. К 1940 году он был признан одним из ведущих кинорежиссеров мира. [ необходима цитата ] Его растущий престиж отразился на его вознаграждении - в 1920 году, когда он перешел в Fox, ему платили 300-600 долларов в неделю. По мере того, как в середине двадцатых годов его карьера развивалась, его годовой доход значительно увеличился. Он заработал около $ 134000 в 1929 году и составил более 100 000 $ в год каждый год с 1934 по 1941 год , заработав ошеломляющие $ 220068 в 1938 году [29] -более чем в два раза зарплату президента США в то время (хотя это было еще меньше половины доход Кэрол Ломбард , самой высокооплачиваемой звезды Голливуда 1930-х годов, которая в то время зарабатывала около 500000 долларов в год).
С кинопроизводством, пострадавшим от депрессии, Форд снял по два фильма в 1932 и 1933 годах: « Воздушная почта» (для Universal) с молодым Ральфом Беллами и « Плоть» (для MGM) с Уоллесом Бири . В 1933 году он вернулся в «Фокс» для съемок «Паломничество» и « Доктор Булл» , первого из трех его фильмов с Уиллом Роджерсом .
Драма в пустыне Первой мировой войны «Пропавший патруль» (1934), основанная на книге Филипа Макдональда « Патруль » , была превосходным ремейком немого фильма 1929 года « Пропавший патруль» . Виктор МакЛаглен играл главную роль в роли Сержанта - роль, которую играл его брат Сирил МакЛаглен в более ранней версии - с Борисом Карлоффом , Уоллесом Фордом , Аланом Хейлом и Реджинальдом Денни (который впоследствии основал компанию, которая производила радиоуправляемые самолеты-мишени во время World Вторая война). Это был один из первых больших хитов Форда в эпоху звука - он был оценен Национальным советом по обзору и New York Times как один из 10 лучших фильмов того года и получил номинацию на Оскар за волнующий саундтрек к фильму Макса Штайнера . [30] Позже в том же году последовали «Мир движется вперед» с Мадлен Кэрролл и Франшот Тон , а также очень успешный его второй фильм « Судья Прист» с Уиллом Роджерсом, который стал одним из самых кассовых фильмов года.
Первым фильмом Форда 1935 года (снятым для Колумбии ) была комедия с ошибочной идентичностью «Разговоры всего города с Эдвардом Робинсоном и Джин Артур» , выпущенная в Великобритании под названием « Паспорт к славе» , и вызвала похвалу критиков. Steamboat Round The Bend был его третьим и последним фильмом с Уиллом Роджерсом; вероятно, они продолжили бы работать вместе, но их сотрудничество было прервано безвременной смертью Роджерса в авиакатастрофе в мае 1935 года, в результате которой Форд был разрушен.
Форд подтвердил свою позицию в верхней ранге американских режиссеров с Мурнау -influenced Ирландской республиканской армии драма The Informer (1935), в главной роли Виктор McLaglen. Он получил высокую оценку критиков, был номинирован на лучший фильм, выиграл свою первую премию Оскар за лучшую режиссуру и был признан в то время одним из лучших фильмов, когда-либо созданных, хотя его репутация значительно снизилась по сравнению с другими претендентами, такими как гражданин Кейн. , [31] или более поздняя работа Форда « Искатели» (1956).
Политически заряженный «Узник Акульего острова» (1936), ознаменовавший собой дебют с Фордом давно проработавшего в «Акционерной компании» игрока Джона Кэррадайна, - исследовал малоизвестную историю Сэмюэля Мадда , врача, которого застали врасплох Авраама Линкольна. заговор с целью убийства и отправили в оффшорную тюрьму для лечения раненого Джона Уилкса Бута . Другие фильмы этого периода включают мелодраму Южных морей «Ураган» (1937) и беззаботный автомобиль Ширли Темпл « Ви Уилли Винки» (1937), каждый из которых имел валовой доход в США за первый год более 1 миллиона долларов. Во время съемок « Ви Уилли Винки» Форд построил тщательно продуманные декорации на ранчо Iverson Movie Ranch в Чатсуорте, штат Калифорния. Это ранчо с большим количеством съемок, наиболее тесно связанное с сериалами и би-вестернами, которое, наряду с Долиной монументов , станет одним из самых популярных мест. предпочитаемые режиссером места съемок, а также место, куда Форд вернется в следующие несколько лет для съемок « Дилижанс» и «Гроздья гнева» .
В более длинной пересмотренной версии « Режиссера Джона Форда», показанной в « Классических фильмах Тернера в ноябре 2006 года», представлены режиссеры Стивен Спилберг , Клинт Иствуд и Мартин Скорсезе , которые предполагают, что серия классических фильмов, снятых Фордом в период с 1936 по 1941 год, отчасти объяснялась интенсивным шестимесячный внебрачный роман с Кэтрин Хепберн , звездой сериала « Мария Шотландская» (1936), костюмированная драма елизаветинской эпохи .
1939–1941
«Дилижанс» (1939) был первым вестерном Форда после « 3 плохих парней» в 1926 году, и это был его первыйвестернсо звуком. По общему мнению, Орсон Уэллс смотрел « Дилижанс» сорок раз, готовясь ксъемкам « Гражданина Кейна» . Он остается одним из самых восхитительных и имитируемых из всех голливудских фильмов, не в последнюю очередь из-за его кульминационной погони за дилижансом и потрясающей сцены прыжков на лошади в исполнении каскадера Якимы Канутта .
Сценарий Дадли Николса - Бена Хехта был основан на рассказе Эрнеста Хейкокса, который Форд заметил в журнале Collier's, и он купил права на экран всего за 2500 долларов. Начальник производства Уолтер Вангер убеждал Форд нанять Гэри Купера и Марлен Дитрих на главные роли, но в конце концов принял решение Форда сыграть Клэр Тревор на роль Далласа и практически неизвестного, его друга Джона Уэйна , на роль Ринго; Сообщается, что Вангер в дальнейшем мало повлиял на производство. [32]
В процессе Stagecoach , Ford столкнулись закрепилась промышленности предубеждение о ныне избитых жанре , который он помог сделать так популярны. Несмотря на то, что малобюджетные западные полнометражные фильмы и сериалы все еще выпускались в больших количествах студиями " Poverty Row ", в 1930-е годы этот жанр потерял популярность у крупных студий, и они считались "целлюлозными" фильмами категории B. Лучший. В результате Форд продвигал этот проект по Голливуду почти год, безуспешно предлагая его как Джозефу Кеннеди, так и Дэвиду О. Селзнику, прежде чем, наконец, связался с Уолтером Вангером, независимым продюсером, работающим через United Artists .
Дилижанс важно по нескольким причинам, она взрывалась отрасли предрассудки, став как критический и коммерческий успех, кассовым более $ 1 млн за первый год ( по сравнению с бюджетом чуть менее $ 400 000), и его успех (наряду с 1939 вестерны Дестри Rides Опять же с Дитрихом и Майклом Кертисом « Додж-Сити» с Эрролом Флинном) возродили умирающий жанр, показывая, что вестерны могут быть «умными, искусными, прекрасным развлечением - и прибыльными». [33] Он был номинирован на семь премий Оскар, в том числе за лучший фильм и лучший режиссер, и получил два Оскара за лучшую мужскую роль второго плана (Томас Митчелл) и лучший саундтрек. Дилижанс стал первым в серии из семи классических Форда вестернов снятой на месте в долине Монументов , [34] с дополнительной кадры выстрелом в другом из любимых мест съемок Форда, то Айверсон Movie Ranch в Chatsworth, Калифорния. , Где он снимал много Ви Вилли Винки двумя годами ранее. Форд умело соединил Айверсона и Долину монументов, чтобы создать культовые образы американского Запада в фильме.
У Джона Уэйна была веская причина быть благодарным Форду за поддержку; Дилижанс обеспечил актеру карьерный прорыв, который поднял его до международной славы. За 35 лет Уэйн снялся в 24 фильмах Форда и в трех телесериалах. Считается, что Форд сыграл важную роль в формировании экранного образа Уэйна. Актерский состав Луиза Платт в письме, рассказывающем об опыте создания фильма, процитировала высказывание Форда о будущем Уэйна в кино: «Он будет самой большой звездой в истории, потому что он идеальный« обыватель »» [35].
Дилижанс ознаменовал начало наиболее успешной фазы карьеры Форда - всего за два года, с 1939 по 1941 год, он создал серию классических фильмов, получивших многочисленные награды Американской киноакадемии. Следующий фильм Форда, биографический фильм « Молодой мистер Линкольн» (1939) с Генри Фондой в главной роли , был менее успешным, чем « Дилижанс» , привлек мало внимания критиков и не получил наград. Это не было большим кассовым хитом, хотя у него был респектабельный внутренний сбор за первый год в размере 750 000 долларов, но ученый Ford Тэг Галлахер описывает его как «более глубокую и многоуровневую работу, чем« Дилижанс » ... (что) кажется в ретроспективе. одна из лучших довоенных картин ». [36]
«Барабаны вдоль могавка» (1939) - это роскошная пограничная драма, в которой снимались Генри Фонда и Клодетт Кольбер ; Это был также первый цветной фильм Форда, в который вошли не указанные в титрах сценарии Уильяма Фолкнера . Фильм имел большой кассовый успех: за первый год в США он собрал 1,25 миллиона долларов, аза свою роль Эдна Мэй Оливер была номинирована на премию «Оскар» за лучшую женскую роль второго плана.
Несмотря на бескомпромиссной гуманиста и политической позиции, экранизация Форда Джона Стейнбека «S Гроздья Гнева ( по сценарию Nunnally Джонсон и сфотографировали Грегг Толанд ) был как большой кассовый хит и главный критический успех, и он по - прежнему широко рассматривается как один из лучших голливудских фильмов той эпохи. Известный критик Эндрю Саррис охарактеризовал его как фильм, который превратил Форда из «экранного рассказчика в кинематографического лауреата американского поэта». [37] Третий фильм Форда за год и его третий фильм подряд с Фондой, он собрал 1,1 миллиона долларов в США за первый год [38] и получил две награды Американской киноакадемии - второй «Оскар» Форда «Лучший режиссер» и «Лучшая актриса второго плана». 'для энергичного образа Ма Джоад Джейн Дарвелл . Во время съемок Форд вернулся на кинотеатр Iverson Movie Ranch в Чатсуорте, штат Калифорния , чтобы снять несколько ключевых кадров, в том числе основной снимок, на котором семья мигрантов впервые увидела плодородные сельскохозяйственные угодья Калифорнии , представленные долиной Сан-Фернандо. как видно с ранчо Айверсона.
За «Гроздьями гнева» последовали два менее успешных и менее известных фильма. Дом «Долгое путешествие» (1940), как и « Дилижанс» , был создан Уолтером Вангером через United Artists. Адаптированный из четырех пьес Юджина О'Нила , сценарий был написан Дадли Николсом и Фордом при консультации с О'Нилом. Хотя это и не было значительным кассовым успехом (за первый год он собрал всего 600 000 долларов), он получил высокую оценку критиков и был номинирован на семь премий Оскар - лучший фильм, лучший сценарий (Николс), лучшая музыка, оригинальный саундтрек ( Ричард Хагеман ) , Лучшая фотография ( Грегг Толанд ), Лучший монтаж (Шерман Тодд), Лучшие эффекты (Рэй Бингер и RT Layton) и Лучший звук ( Роберт Пэрриш ). Это был один из личных фаворитов Форда; кадры с него украсили его дом, и О'Нил, как сообщается, также любил фильм и периодически его показывал. [39]
«Табачная дорога» (1941) - сельская комедия по сценарию Наннелли Джонсон , адаптированная из давно ставшей сценической версии романа Эрскина Колдуэлла Джека Киркленда. В нем снимался ветеран-актер Чарли Грейпвин, а в актерский состав второго плана входили завсегдатаи Форда Уорд Бонд и Мэй Марш с Фрэнсисом Фордом в некредитованной эпизодической роли; он также примечателен ранними появлениями на экране будущих звезд Джина Тирни и Даны Эндрюс . Хотя некоторые критики не слишком высоко оценивают его - Тэг Галлахер посвятил этому лишь один короткий абзац в своей книге о Форде [40], - он был довольно успешным в прокате, собрав 900 000 долларов за первый год. Фильм был запрещен в Австралии. [41]
Последней работой Форда перед вступлением Америки во Вторую мировую войну была его экранизация фильма « Как зелена была моя долина» (1941) с Уолтером Пидженом , Морин О'Хара и Родди Макдауэллом в его карьерной роли Хью. Сценарий написал Филип Данн из романа-бестселлера Ричарда Ллевеллина . Первоначально он планировался как четырехчасовая эпопея, конкурирующая с « Унесенными ветром» - только права на экран стоили Fox 300 000 долларов - и должны были быть сняты на месте в Уэльсе, но от этого отказались из-за сильных немецких бомбардировок Британии. Поиск мест в Южной Калифорнии привел к тому, что набор для деревни был построен на территории загородного клуба Crags (позже ранчо Fox, теперь ядро государственного парка Малибу-Крик). [42] Еще одним известным фактором была нервозность руководителей Fox по поводу профсоюзного тона истории. [ необходима цитата ] Уильям Уайлер изначально был приглашен на роль режиссера, но он покинул проект, когда Фокс решил снимать его в Калифорнии; Вместо него был нанят Форд, и производство было отложено на несколько месяцев, пока он не стал доступен. Продюсер Дэррил Ф. Занук оказал сильное влияние на фильм и принял несколько ключевых решений, в том числе идею о том, чтобы персонаж Хоу рассказывал фильм закадровым голосом (тогда это была новая концепция), и решение о том, что персонаж Хоу не должен стареть. ( Тайрон Пауэр изначально должен был сыграть взрослого Хью). [43]
«Как зелена была моя долина» стал одним из крупнейших фильмов 1941 года. Он был номинирован на десять премий Оскар, включая лучшую женскую роль второго плана ( Сара Олгуд ), лучший монтаж, лучший сценарий, лучшую музыку и лучший звук, и получил пять «Оскаров» - за лучшую режиссуру, «Лучший фильм», «Лучший актер второго плана» ( Дональд Крисп ), «Лучшая черно-белая кинематография» ( Артур Миллер ) и «Лучшее художественное оформление / оформление интерьера». Он имел огромный успех у зрителей, уступив « Сержанту Йорку» второму по величине кассовому фильму года в США и собрав почти 3 миллиона долларов из своего внушительного бюджета в 1 250 000 долларов. [38] Нью-Йоркские кинокритики назвали Форда лучшим режиссером, и это была одна из немногих наград за его карьеру, которые он получил лично (он обычно избегал церемонии вручения «Оскара»). [44]
Годы войны
Во время Второй мировой войны Форд занимал пост главы фотографического отдела Управления стратегических служб и снимал документальные фильмы для Военно-морского ведомства. Он был введен в эксплуатацию в качестве командира в резерве ВМФ США . За это время он выиграл еще две премии «Оскар», одну за полудокументальный фильм «Битва за Мидуэй» (1942) и одну за пропагандистский фильм « 7 декабря: Фильм» (1943). Форд снимал нападение японцев на Мидуэй с электростанции острова Сэнд и был ранен в руку. [45] [46]
Форд также присутствовал на пляже Омаха в день « Д» . Он пересек Ла-Манш на военном корабле USS Plunkett (DD-431) , который встал на якорь у пляжа Омаха в 06:00. Он наблюдал, как первая волна приземлилась на пляж с корабля, а позже сама приземлилась на пляже с группой операторов береговой охраны, которые снял битву из-за препятствий на пляже, а Форд руководил операциями. Монтаж фильма проходил в Лондоне, но для широкой публики было выпущено очень мало. Форд объяснил в интервью 1964 года, что правительство США «боялось показать на экране такое количество американских жертв», добавив, что весь фильм о дне «Д» «все еще хранится в цвете в Анакостии недалеко от Вашингтона, округ Колумбия» [47] Тридцать лет спустя историк Стивен Э. Амброуз сообщил, что Центру Эйзенхауэра не удалось найти фильм. [48] Форд в конце концов стал главным советником главы OSS Уильяма Джозефа Донована . Согласно отчетам, опубликованным в 2008 году, начальство цитировало Форда за храбрость, когда он снял одну миссию, которая была «очевидной и ясной целью». Он пережил «непрерывное нападение и был ранен», пока продолжал снимать, - говорится в одной благодарности в его досье. [49] В 1945 году Форд выполнил письменные показания под присягой, свидетельствующие о целостности фильмов, снятых для документирования условий содержания в нацистских концентрационных лагерях. [50]
Его последним военным фильмом был « Они были расходными материалами» (MGM, 1945), в котором рассказывалось о катастрофическом поражении Америки на Филиппинах с точки зрения эскадрильи катеров ПТ и ее командира. Форд создал часть для выздоравливающего Уорда Бонда , которому были нужны деньги. Хотя его видели на протяжении всего фильма, он никогда не ходил, пока не вставили часть, в которую ему прострелили ногу. Для остальной части картины он мог использовать костыль на последнем марше. Форд неоднократно заявлял, что ему не нравится этот фильм и что он никогда его не смотрел, жалуясь, что его заставили снять его [51], хотя режиссер Линдси Андерсон решительно поддерживал его . [52] Выпущенный через несколько месяцев после окончания войны, он вошел в топ-20 кассовых тиражей года, хотя Тэг Галлахер отмечает, что многие критики ошибочно утверждали, что он потерял деньги. [53]
Post-war career
After the war, Ford remained an officer in the United States Navy Reserve. He returned to active service during the Korean War, and was promoted to Rear Admiral the day he left service.
Ford directed sixteen features and several documentaries in the decade between 1946 and 1956. As with his pre-war career, his films alternated between (relative) box office flops and major successes, but most of his later films made a solid profit, and Fort Apache, The Quiet Man, Mogambo and The Searchers all ranked in the Top 20 box-office hits of their respective years.[54]
Ford's first postwar movie My Darling Clementine (Fox, 1946) was a romanticized retelling of the primal Western legend of Wyatt Earp and the Gunfight at the O.K. Corral, with exterior sequences filmed on location in the visually spectacular (but geographically inappropriate) Monument Valley. It reunited Ford with Henry Fonda (as Earp) and co-starred Victor Mature in one of his best roles[55] as the consumptive, Shakespeare-loving Doc Holliday, with Ward Bond and Tim Holt as the Earp brothers, Linda Darnell as sultry saloon girl Chihuahua, a strong performance by Walter Brennan (in a rare villainous role) as the venomous Old Man Clanton, with Jane Darwell and an early screen appearance by John Ireland as Billy Clanton. In contrast to the string of successes in 1939–1941, it won no major American awards, although it was awarded a silver ribbon for Best Foreign Film in 1948 by the Italian National Syndicate of Film Journalists,[56] and it was a solid financial success, grossing $2.75 million in the United States and $1.75 million internationally in its first year of release.[38]
The Argosy years
Refusing a lucrative contract offered by Zanuck at 20th Century Fox that would have guaranteed him $600,000 per year,[57] Ford launched himself as an independent director-producer and made many of his films in this period with Argosy Pictures Corporation, which was a partnership between Ford and his old friend and colleague Merian C. Cooper. Ford and Cooper had previously been involved with the distinct Argosy Corporation, which was established after the success of Stagecoach (1939); Argosy Corporation produced one film, The Long Voyage Home (1940), before the Second World War intervened.[58][59] The Fugitive (1947), again starring Fonda, was the first project of Argosy Pictures. It was a loose adaptation of Graham Greene's The Power and the Glory, which Ford had originally intended to make at Fox before the war, with Thomas Mitchell as the priest. Filmed on location in Mexico, it was photographed by distinguished Mexican cinematographer Gabriel Figueroa (who later worked with Luis Buñuel). The supporting cast included Dolores del Río, J. Carrol Naish, Ward Bond, Leo Carrillo and Mel Ferrer (making his screen début) and a cast of mainly Mexican extras. Ford reportedly considered this his best film[60] but it fared relatively poorly compared to its predecessor, grossing only $750,000 in its first year. It also caused a rift between Ford and scriptwriter Dudley Nichols that brought about the end of their highly successful collaboration. Greene himself had a particular dislike of this adaptation of his work[citation needed].
Fort Apache (Argosy/RKO, 1948) was the first part of Ford's so-called 'Cavalry Trilogy', all of which were based on stories by James Warner Bellah. It featured many of his 'Stock Company' of actors, including John Wayne, Henry Fonda, Ward Bond, Victor McLaglen, Mae Marsh, Francis Ford (as a bartender), Frank Baker, Ben Johnson and also featured Shirley Temple, in her final appearance for Ford and one of her last film appearances. It also marked the start of the long association between Ford and scriptwriter Frank S. Nugent, a former New York Times film critic who (like Dudley Nichols) had not written a movie script until hired by Ford.[61] It was a big commercial success, grossing nearly $5 million worldwide in its first year and ranking in the Top 20 box office hits of 1948.[38]
During that year Ford also assisted his friend and colleague Howard Hawks, who was having problems with his current film Red River (which starred John Wayne) and Ford reportedly made numerous editing suggestions, including the use of a narrator.[62] Fort Apache was followed by another Western, 3 Godfathers, a remake of a 1916 silent film starring Harry Carey (to whom Ford's version was dedicated), which Ford had himself already remade in 1919 as Marked Men, also with Carey and thought lost. It starred John Wayne, Pedro Armendáriz and Harry "Dobe" Carey Jr (in one of his first major roles) as three outlaws who rescue a baby after his mother (Mildred Natwick) dies giving birth, with Ward Bond as the sheriff pursuing them.
In 1949, Ford briefly returned to Fox to direct Pinky. He prepared the project but worked only one day before being taken ill, supposedly with shingles, and Elia Kazan replaced him (although Tag Gallagher suggests that Ford's illness was a pretext for leaving the film, which Ford disliked[63]).
His only completed film of that year was the second installment of his Cavalry Trilogy, She Wore a Yellow Ribbon (Argosy/RKO, 1949), starring John Wayne and Joanne Dru, with Victor McLaglen, John Agar, Ben Johnson, Mildred Natwick and Harry Carey Jr. Again filmed on location in Monument Valley, it was widely acclaimed for its stunning Technicolor cinematography (including the famous cavalry scene filmed in front of an oncoming storm); it won Winton Hoch the 1950 Academy Award for Best Color Cinematography and it did big business on its first release, grossing more than $5 million worldwide. John Wayne, then 41, also received wide praise for his role as the 60-year-old Captain Nathan Brittles.
1950s
Ford's first film of 1950 was the offbeat military comedy When Willie Comes Marching Home, starring Dan Dailey and Corinne Calvet, with William Demarest, from Preston Sturges 'stock company', and early (uncredited) screen appearances by Alan Hale Jr. and Vera Miles. It was followed by Wagon Master, starring Ben Johnson and Harry Carey Jr, which is particularly noteworthy as the only Ford film since 1930 that he scripted himself. It was subsequently adapted into the long-running TV series Wagon Train (with Ward Bond reprising the title role until his sudden death in 1960). Although it did far smaller business than most of his other films in this period, Ford cited Wagon Master as his personal favorite out of all his films, telling Peter Bogdanovich that it "came closest to what I had hoped to achieve".[64]
Rio Grande (Republic, 1950), the third part of the 'Cavalry Trilogy', co-starred John Wayne and Maureen O'Hara, with Wayne's son Patrick Wayne making his screen debut (he appeared in several subsequent Ford pictures including The Searchers). It was made at the insistence of Republic Pictures, who demanded a profitable Western as the condition of backing Ford's next project, The Quiet Man. A testament to Ford's legendary efficiency, Rio Grande was shot in just 32 days, with only 352 takes from 335 camera setups, and it was a solid success, grossing $2.25 million in its first year.
Republic's anxiety was erased by the resounding success of The Quiet Man (Republic, 1952), a pet project which Ford had wanted to make since the 1930s (and almost did so in 1937 with an independent cooperative called Renowned Artists Company). It became his biggest grossing picture to date, taking nearly $4 million in the US alone in its first year and ranking in the top 10 box office films of its year. It was nominated for seven Academy Awards and won Ford his fourth Oscar for Best Director, as well a second Best Cinematography Oscar for Winton Hoch. It was followed by What Price Glory? (1952), a World War I drama, the first of two films Ford made with James Cagney (Mister Roberts was the other) which also did good business at the box office ($2 million).
The Sun Shines Bright (1953), Ford's first entry in the Cannes Film Festival, was a western comedy-drama with Charles Winninger reviving the Judge Priest role made famous by Will Rogers in the 1930s. Ford later referred to it as one of his favorites, but it was poorly received, and was drastically cut (from 90 mins to 65 mins) by Republic soon after its release, with some excised scenes now presumed lost. It fared poorly at the box office and its failure contributed to the subsequent collapse of Argosy Pictures.
Ford's next film was the romance-adventure Mogambo (MGM, 1953), a loose remake of the celebrated 1932 film Red Dust. Filmed on location in Africa, it was photographed by British cinematographer Freddie Young and starred Ford's old friend Clark Gable, with Ava Gardner, Grace Kelly (who replaced an ailing Gene Tierney) and Donald Sinden. Although the production was difficult (exacerbated by the irritating presence of Gardner's then husband Frank Sinatra), Mogambo became one of the biggest commercial hits of Ford's career, with the highest domestic first-year gross of any of his films ($5.2 million); it also revitalized Gable's waning career and earned Best Actress and Best Supporting Actress Oscar nominations for Gardner and Kelly (who was rumored to have had a brief affair with Gable during the making of the film).
In 1955, Ford made the lesser-known West Point drama The Long Gray Line for Columbia Pictures, the first of two Ford films to feature Tyrone Power, who had originally been slated to star as the adult Huw in How Green Was My Valley back in 1941. Later in 1955, Ford was hired by Warner Bros to direct the Naval comedy Mister Roberts, starring Henry Fonda, Jack Lemmon, William Powell, and James Cagney, but there was conflict between Ford and Fonda, who had been playing the lead role on Broadway for the past seven years and had misgivings about Ford's direction. During a three-way meeting with producer Leland Hayward to try and iron out the problems, Ford became enraged and punched Fonda on the jaw, knocking him across the room, an action that created a lasting rift between them.[citation needed] After the incident Ford became increasingly morose, drinking heavily and eventually retreating to his yacht, the Araner, and refusing to eat or see anyone. Production was shut down for five days and Ford sobered up, but soon after he suffered a ruptured gallbladder, necessitating emergency surgery, and he was replaced by Mervyn LeRoy.
Ford also made his first forays into television in 1955, directing two half-hour dramas for network TV. In the summer of 1955 he made Rookie of the Year (Hal Roach Studios) for the TV series Studio Directors Playhouse; scripted by Frank S. Nugent, it featured Ford regulars John and Pat Wayne, Vera Miles and Ward Bond, with Ford himself appearing in the introduction. In November he made The Bamboo Cross (Lewman Ltd-Revue, 1955) for the Fireside Theater series; it starred Jane Wyman with an Asian-American cast and Stock Company veterans Frank Baker and Pat O'Malley in minor roles.
Ford returned to the big screen with The Searchers (Warner Bros, 1956), the only Western he made between 1950 and 1959, which is now widely regarded as not only one of his best films, but also by many as one of the greatest westerns, and one of the best performances of John Wayne's career. Shot on location in Monument Valley, it tells of the embittered Civil War veteran Ethan Edwards who spends years tracking down his niece, kidnapped by Comanches as a young girl. The supporting cast included Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles and rising star Natalie Wood. It was Hunter's first film for Ford. It was very successful upon its first release and became one of the top 20 films of the year, grossing $4.45 million, although it received no Academy Award nominations. However, its reputation has grown greatly over the intervening years—it was named the Greatest Western of all time by the American Film Institute in 2008 and also placed 12th on the institute's 2007 list of the Top 100 greatest movies of all time.[65] The Searchers has exerted a wide influence on film and popular culture—it has inspired (and been directly quoted by) many filmmakers including David Lean and George Lucas, Wayne's character's catchphrase "That'll be the day" inspired Buddy Holly to pen his famous hit song of the same name, and the British pop group The Searchers also took their name from the film.
The Searchers was accompanied by one of the first "making of" documentaries, a four-part promotional program created for the "Behind the Camera" segment of the weekly Warner Bros. Presents TV show, (the studio's first foray into TV) which aired on the ABC network in 1955–56. Presented by Gig Young, the four segments included interviews with Jeffrey Hunter and Natalie Wood and behind-the-scenes footage shot during the making of the film.
The Wings of Eagles (MGM, 1957) was a fictionalized biography of Ford's old friend, aviator-turned-scriptwriter Frank "Spig" Wead, who had scripted several of Ford's early sound films. It starred John Wayne and Maureen O'Hara, with Ward Bond as John Dodge (a character based on Ford himself). It was followed by one of Ford's least known films, The Growler Story, a 29-minute dramatized documentary about the USS Growler. Made for the US Navy and filmed by the Pacific Fleet Command Combat Camera Group, it featured Ward Bond and Ken Curtis alongside real Navy personnel and their families.
Ford's next two films stand somewhat apart from the rest of his films in terms of production, and he notably took no salary for either job. The Rising of the Moon (Warner Bros, 1957) was a three-part 'omnibus' movie shot on location in Ireland and based on Irish short stories. It was made by Four Province Productions, a company established by Irish tycoon Lord Killanin, who had recently become Chair of the International Olympic Committee, and to whom Ford was distantly related. Killanin was also the actual (but uncredited) producer of The Quiet Man.[citation needed] The film failed to recoup its costs, earning less than half ($100,000) its negative cost of just over $256,000 and it stirred up some controversy in Ireland.
Both of Ford's 1958 films were made for Columbia Pictures and both were significant departures from Ford's norm. Gideon's Day (titled Gideon of Scotland Yard in the US) was adapted from the novel by British writer John Creasey. It is Ford's only police genre film, and one of the few Ford films set in the present day of the 1950s. It was shot in England with a British cast headed by Jack Hawkins, whom Ford (unusually) lauded as "the finest dramatic actor with whom I have worked".[66] It was poorly promoted by Columbia, who only distributed it in B&W, although it was shot in color,[66] and it too failed to make a profit in its first year, earning only $400,000 against its budget of $453,000.
The Last Hurrah, (Columbia, 1958), again set in present-day of the 1950s, starred Spencer Tracy, who had made his first film appearance in Ford's Up The River in 1930. Tracy plays an aging politician fighting his last campaign, with Jeffrey Hunter as his nephew. Katharine Hepburn reportedly facilitated a rapprochement between the two men, ending a long-running feud, and she convinced Tracy to take the lead role, which had originally been offered to Orson Welles (but was turned down by Welles' agent without his knowledge, much to his chagrin). It did considerably better business than either of Ford's two preceding films, grossing $950,000 in its first year[67] although cast member Anna Lee stated that Ford was "disappointed with the picture" and that Columbia had not permitted him to supervise the editing.
Korea: Battleground for Liberty (1959), Ford's second documentary on the Korean War, was made for the US Department of Defense as an orientation film for US soldiers stationed there. It was followed by his next feature, The Horse Soldiers (Mirisch Company-United Artists, 1959), a Civil War story starring John Wayne and William Holden. Although Ford professed unhappiness with the project, it was a commercial success, ranking in the year's Top 20 box-office hits, grossing $3.6 million in its first year, and earning Ford his highest-ever fee—$375,000, plus 10% of the gross.[67]
Last years, 1960–1973
In his last years Ford was dogged by declining health, largely the result of decades of heavy drinking and smoking, and exacerbated by the wounds he suffered during the Battle of Midway. His vision, in particular, began to deteriorate rapidly and at one point he briefly lost his sight entirely; his prodigious memory also began to falter, making it necessary to rely more and more on assistants. His work was also restricted by the new regime in Hollywood, and he found it hard to get many projects made. By the 1960s he had been pigeonholed as a Western director and complained that he now found it almost impossible to get backing for projects in other genres.
Sergeant Rutledge (Ford Productions-Warner Bros, 1960) was Ford's last cavalry film. Set in the 1880s, it tells the story of an African-American cavalryman (played by Woody Strode) who is wrongfully accused of raping and murdering a white girl. It was erroneously marketed as a suspense film by Warners and was not a commercial success. During 1960, Ford made his third TV production, The Colter Craven Story, a one-hour episode of the network TV show Wagon Train, which included footage from Ford's Wagon Master (on which the series was based). He also visited the set of The Alamo, produced, directed by, and starring John Wayne, where his interference caused Wayne to send him out to film second-unit scenes which were never used (nor intended to be used) in the film.[68]
Two Rode Together (Ford Productions-Columbia, 1961) co-starred James Stewart and Richard Widmark, with Shirley Jones and Stock Company regulars Andy Devine, Henry Brandon, Harry Carey Jr, Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh and Frank Baker, with an early screen appearance by Linda Cristal, who went on to star in the Western TV series The High Chaparral. It was a fair commercial success, grossing $1.6m in its first year.
The Man Who Shot Liberty Valance (Ford Productions-Paramount, 1962) is frequently cited as the last great film of Ford's career. It co-starred John Wayne and James Stewart, with Vera Miles, Edmond O'Brien, Andy Devine as the inept marshal Appleyard, Denver Pyle, John Carradine, and Lee Marvin in one of his first major roles as the brutal Valance, with Lee Van Cleef and Strother Martin as his henchmen. It is also notable as the film in which Wayne first used his trademark phrase "Pilgrim" (his nickname for James Stewart's character). It was very successful, grossing over $3 million in its first year, although the lead casting stretched credibility—the characters played by Stewart (then 53) and Wayne (then 54) were meant to be in their early 20s, and Ford reportedly considered casting a younger actor in Stewart's role but feared it would highlight Wayne's age. Though it is often claimed that budget constraints necessitated shooting most of the film on soundstages on the Paramount lot, studio accounting records show that this was part of the film's original artistic concept, according to Ford biographer Joseph McBride. According to Lee Marvin in a filmed interview, Ford had fought hard to shoot the film in black-and-white to accentuate his use of shadows. Still, it was one of Ford's most expensive films at US$3.2 million.
After completing Liberty Valance, Ford was hired to direct the Civil War section of MGM's epic How The West Was Won, the first non-documentary film to use the Cinerama wide-screen process. Ford's segment featured George Peppard, with Andy Devine, Russ Tamblyn, Harry Morgan as Ulysses S. Grant, and John Wayne as William Tecumseh Sherman. Also in 1962, Ford directed his fourth and last TV production, Flashing Spikes a baseball story made for the Alcoa Premiere series and starring James Stewart, Jack Warden, Patrick Wayne and Tige Andrews, with Harry Carey Jr. and a lengthy surprise appearance by John Wayne, billed in the credits as "Michael Morris".
Donovan's Reef (Paramount, 1963) was Ford's last film with John Wayne. Filmed on location on the Hawaiian island of Kauai (doubling for a fictional island in French Polynesia), it was a morality play disguised as an action-comedy, which subtly but sharply engaged with issues of racial bigotry, corporate connivance, greed and American beliefs of societal superiority. The supporting cast included Lee Marvin, Elizabeth Allen, Jack Warden, Dorothy Lamour, and Cesar Romero. It was also Ford's last commercial success, grossing $3.3 million against a budget of $2.6 million.
Cheyenne Autumn (Warner Bros, 1964) was Ford's epic farewell to the West, which he publicly declared to be an elegy to the Native American. It was his last Western, his longest film and the most expensive movie of his career ($4.2 million), but it failed to recoup its costs at the box office and lost about $1 million on its first release. The all-star cast was headed by Richard Widmark, with Carroll Baker, Karl Malden, Dolores del Río, Ricardo Montalbán, Gilbert Roland, Sal Mineo, James Stewart as Wyatt Earp, Arthur Kennedy as Doc Holliday, Edward G. Robinson, Patrick Wayne, Elizabeth Allen, Mike Mazurki and many of Ford's faithful Stock Company, including John Carradine, Ken Curtis, Willis Bouchey, James Flavin, Danny Borzage, Harry Carey Jr., Chuck Hayward, Ben Johnson, Mae Marsh and Denver Pyle. William Clothier was nominated for a Best Cinematography Oscar and Gilbert Roland was nominated for a Golden Globe award for Best Supporting Actor for his performance as Cheyenne elder Dull Knife.
In 1965 Ford began work on Young Cassidy (MGM), a biographical drama based upon the life of Irish playwright Seán O'Casey, but he fell ill early in the production and was replaced by Jack Cardiff.
Ford's last completed feature film was 7 Women (MGM, 1966), a drama set in about 1935, about missionary women in China trying to protect themselves from the advances of a barbaric Mongolian warlord. Anne Bancroft took over the lead role from Patricia Neal, who suffered a near-fatal stroke two days into shooting. The supporting cast included Margaret Leighton, Flora Robson, Sue Lyon, Mildred Dunnock, Anna Lee, Eddie Albert, Mike Mazurki and Woody Strode, with music by Elmer Bernstein. Unfortunately, it was a commercial flop, grossing only about half of its $2.3 million budget. Unusual for Ford, it was shot in continuity for the sake of the performances and he, therefore, exposed about four times as much film as he usually shot. Anna Lee recalled that Ford was "absolutely charming" to everyone and that the only major blow-up came when Flora Robson complained that the sign on her dressing room door did not include her title ("Dame") and as a result, Robson was "absolutely shredded" by Ford in front of the cast and crew.
Ford's next project, The Miracle of Merriford, was scrapped by MGM less than a week before shooting was to have begun. His last completed work was Chesty: A Tribute to a Legend, a documentary on the most decorated U.S. Marine, General Lewis B. Puller, with narration by John Wayne, which was made in 1970 but not released until 1976, three years after Ford's death.
Ford's health deteriorated rapidly in the early 1970s; he suffered a broken hip in 1970 which put him in a wheelchair. He had to move from his Bel Air home to a single-level house in Palm Desert, California, near Eisenhower Medical Center, where he was being treated for stomach cancer. The Screen Directors Guild staged a tribute to Ford in October 1972, and in March 1973 the American Film Institute honored him with its first Lifetime Achievement Award at a ceremony which was telecast nationwide, with President Richard Nixon promoting Ford to full Admiral and presenting him with the Presidential Medal of Freedom.
According to Ford's longtime partner and friend, John Wayne, Ford could have continued to direct movies. He told Roger Ebert in 1976:
Up until the very last years of his life ... Pappy could have directed another picture, and a damned good one. But they said Pappy was too old. Hell, he was never too old. In Hollywood these days, they don't stand behind a fella. They'd rather make a goddamned legend out of him and be done with him.[69]
Ford died on 31 August 1973 at Palm Desert[4] and his funeral was held on 5 September at Hollywood's Church of the Blessed Sacrament. He was interred in Holy Cross Cemetery in Culver City, California.[70]
Личность и режиссерский стиль
Personality
Ford was renowned for his intense personality and his many idiosyncrasies and eccentricities. From the early Thirties onwards, he always wore dark glasses and a patch over his left eye, which was only partly to protect his poor eyesight. He was an inveterate pipe-smoker and while he was shooting he would chew on a linen handkerchief—each morning his wife would give him a dozen fresh handkerchiefs, but by the end of a day's filming the corners of all of them would be chewed to shreds. He always had music played on the set and would routinely break for tea (Earl Grey) at mid-afternoon every day during filming. He discouraged chatter and disliked bad language on set; its use, especially in front of a woman, would typically result in the offender being thrown off the production. He rarely drank during the making of a film, but when a production wrapped he would often lock himself in his study, wrapped only in a sheet, and go on a solitary drinking binge for several days, followed by routine contrition and a vow never to drink again. He was extremely sensitive to criticism and was always particularly angered by any comparison between his work and that of his elder brother Francis. He rarely attended premieres or award ceremonies, although his Oscars and other awards were proudly displayed on the mantel in his home.
There were occasional rumors about his sexual preferences,[71] and in her 2004 autobiography 'Tis Herself, Maureen O'Hara recalled seeing Ford kissing a famous male actor (whom she did not name) in his office at Columbia Studios.[72]
He was famously untidy, and his study was always littered with books, papers, and clothes. He bought a brand new Rolls-Royce in the 1930s, but never rode in it because his wife, Mary, would not let him smoke in it. His own car, a battered Ford roadster, was so dilapidated and messy that he was once late for a studio meeting because the guard at the studio gate did not believe that the real John Ford would drive such a car, and refused to let him in. He was also notorious for his antipathy towards studio executives: on one early film for Fox he is said to have ordered a guard to keep studio boss Darryl F. Zanuck off the set, and on another occasion, he brought an executive in front of the crew, stood him in profile and announced, "This is an associate producer—take a good look because you won't be seeing him on this picture again".
His pride and joy was his yacht, Araner, which he bought in 1934 and on which he lavished hundreds of thousands of dollars in repairs and improvements over the years; it became his chief retreat between films and a meeting place for his circle of close friends, including John Wayne and Ward Bond.
Ford was highly intelligent, erudite, sensitive and sentimental, but to protect himself in the cutthroat atmosphere of Hollywood he cultivated the image of a "tough, two-fisted, hard-drinking Irish sonofabitch".[71] One famous event, witnessed by Ford's friend, actor Frank Baker, strikingly illustrates the tension between the public persona and the private man. During the Depression, Ford—by then a very wealthy man—was accosted outside his office by a former Universal actor who was destitute and needed $200 for an operation for his wife. As the man related his misfortunes, Ford appeared to become enraged and then, to the horror of onlookers, he launched himself at the man, knocked him to the floor and shouted "How dare you come here like this? Who do think you are to talk to me this way?" before storming out of the room. However, as the shaken old man left the building, Frank Baker saw Ford's business manager Fred Totman meet him at the door, where he handed the man a cheque for $1,000 and instructed Ford's chauffeur to drive him home. There, an ambulance was waiting to take the man's wife to the hospital where a specialist, flown in from San Francisco at Ford's expense, performed the operation. Sometime later, Ford purchased a house for the couple and pensioned them for life. When Baker related the story to Francis Ford, he declared it the key to his brother's personality:
Any moment, if that old actor had kept talking, people would have realized what a softy Jack is. He couldn't have stood through that sad story without breaking down. He's built this whole legend of toughness around himself to protect his softness.[73]
In the book Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero by Nancy Schoenberger, the author dissects the cultural impact of the masculinity portrayed in Ford's films. In an interview with Portland Magazine, Schoenberger states, "Regarding Ford and Wayne "tweaking the conventions of what a 'man' is today," I think Ford, having grown up with brothers he idolized, in a rough-and-tumble world of boxers, drinkers, and roustabouts, found his deepest theme in male camaraderie, especially in the military, one of the few places where men can express their love for other men. But he was concerned with men acting heroically, thus the most macho guy was not always the most heroic. McLaglen often presented the comic side of blustery masculinity. Ford brought out Wayne's tenderness as well as his toughness, especially in Stagecoach."[74]
General style
Ford had many distinctive stylistic trademarks and a suite of thematic preoccupations and visual and aural motifs recurs throughout his work as a director. Film journalist Ephraim Katz summarised some of the keynote features of Ford's work in his Collins Film Encyclopedia entry:
Of all American directors, Ford probably had the clearest personal vision and the most consistent visual style. His ideas and his characters are, like many things branded "American", deceptively simple. His heroes ... may appear simply to be loners, outsiders to established society, who generally speak through action rather than words. But their conflict with society embodies larger themes in the American experience.
Ford's films, particularly the Westerns, express a deep aesthetic sensibility for the American past and the spirit of the frontier ... his compositions have a classic strength in which masses of people and their natural surroundings are beautifully juxtaposed, often in breathtaking long shots. The movement of men and horses in his Westerns has rarely been surpassed for regal serenity and evocative power. The musical score, often variations on folk themes, plays a more important part than dialogue in many Ford films.
Ford also championed the value and force of the group, as evidenced in his many military dramas ... [he] expressed a similar sentiment for camaraderie through his repeated use of certain actors in the lead and supporting roles ... he also felt an allegiance to places ...[75]
In contrast to his contemporary Alfred Hitchcock, Ford never used storyboards, composing his pictures entirely in his head, without any written or graphic outline of the shots he would use.[76] Script development could be intense but, once approved, his screenplays were rarely rewritten; he was also one of the first filmmakers to encourage his writers and actors to prepare a full back story for their characters. He hated long expository scenes and was famous for tearing pages out of a script to cut dialogue. During the making of Mogambo, when challenged by the film's producer Sam Zimbalist about falling three days behind schedule, Ford responded by tearing three pages out of the script and declaring "We're on schedule" and indeed he never filmed those pages.[77] While making Drums Along the Mohawk, Ford neatly sidestepped the challenge of shooting a large and expensive battle scene—he had Henry Fonda improvise a monologue while firing questions from behind the camera about the course of the battle (a subject on which Fonda was well-versed) and then simply editing out the questions.
He was relatively sparing in his use of camera movements and close-ups, preferring static medium or long shots, with his players framed against dramatic vistas or interiors lit in an Expressionistic style, although he often used panning shots and sometimes used a dramatic dolly in (e.g. John Wayne's first appearance in Stagecoach). Ford is famous for his exciting tracking shots, such as the Apache chase sequence in Stagecoach or the attack on the Comanche camp in The Searchers.
Recurring visual motifs include trains and wagons—many Ford films begin and end with a linking vehicle such as a train or wagon arriving and leaving—doorways, roads, flowers, rivers, gatherings (parades, dances, meetings, bar scenes, etc.); he also employed gestural motifs in many films, notably the throwing of objects and the lighting of lamps, matches or cigarettes.[78] If a doomed character was shown playing poker (such as Liberty Valance or gunman Tom Tyler in Stagecoach), the last hand he plays is the "death hand"—two eights and two aces, one of them the ace of spades—so-called because Wild Bill Hickok is said to have held this hand when he was murdered. Many of his sound films include renditions or quotations of his favorite hymn, "Shall We Gather at the River?", such as its parodic use to underscore the opening scenes of Stagecoach, when the prostitute Dallas is being run out of town by local matrons. Character names also recur in many Ford films—the name Quincannon, for example, is used in several films including The Lost Patrol, Rio Grande, She Wore A Yellow Ribbon and Fort Apache.
Recent works about Ford's depictions of Native Americans have argued that contrary to popular belief, his Indian characters spanned a range of hostile to sympathetic images from The Iron Horse to Cheyenne Autumn. His depiction of the Navajo in Wagon Master included their characters speaking the Navajo language. The distinguishing mark of Ford's Indian-themed Westerns is that his Native characters always remained separate and apart from white society.[79]
Ford was legendary for his discipline and efficiency on-set[80] and was notorious for being extremely tough on his actors, frequently mocking, yelling and bullying them; he was also infamous for his sometimes sadistic practical jokes. Any actor foolish enough to demand star treatment would receive the full force of his relentless scorn and sarcasm. He once referred to John Wayne as a "big idiot" and even punched Henry Fonda. Henry Brandon (who played Chief Scar from The Searchers) once referred to Ford as "the only man who could make John Wayne cry".[citation needed]. He likewise belittled Victor McLaglen, on one occasion reportedly bellowing through the megaphone: "D'ya know, McLaglen, that Fox are paying you $1200 a week to do things that I could get any child off the street to do better?".[81] Stock Company veteran Ward Bond was reportedly one of the few actors who were impervious to Ford's taunting and sarcasms. Sir Donald Sinden, then a contract star for the Rank Organisation at Pinewood Studios when he starred in Mogambo, was not the only person to suffer at the hands of John Ford's notorious behaviour. He recalls "Ten White Hunters were seconded to our unit for our protection and to provide fresh meat. Among them was Marcus, Lord Wallscourt, a delightful man whom Ford treated abysmally—sometimes very sadistically. In Ford's eyes the poor man could do nothing right and was continually being bawled out in front of the entire unit (in some ways he occasionally took the heat off me). None of us could understand the reason for this appalling treatment, which the dear kind man in no way deserved. He himself was quite at a loss. Several weeks later we discovered the cause from Ford's brother-in-law: before emigrating to America, Ford's grandfather had been a labourer on the estate in Ireland of the then Lord Wallscourt: Ford was now getting his own back at his descendant. Not a charming sight."[82] "We now had to return to the MGM-British Studios in London to shoot all the interior scenes. Someone must have pointed out to Ford that he had been thoroughly foul to me during the entire location shoot and when I arrived for my first day's work, I found that he had caused a large notice to be painted at the entrance to our sound stage in capital letters reading BE KIND TO DONALD WEEK. He was as good as his word—for precisely seven days. On the eighth day he ripped the sign down and returned to his normal bullying behaviour."[83]
Ford usually gave his actors little explicit direction, although on occasion he would casually walk through a scene himself, and actors were expected to note every subtle action or mannerism; if they did not, Ford would make them repeat the scene until they got it right, and he would often berate and belittle those who failed to achieve his desired performance. On The Man Who Shot Liberty Valance, Ford ran through a scene with Edmond O'Brien and ended by drooping his hand over a railing. O'Brien noticed this but deliberately ignored it, placing his hand on the railing instead; Ford would not explicitly correct him and he reportedly made O'Brien play the scene forty-two times before the actor relented and did it Ford's way.
Despite his often difficult and demanding personality, many actors who worked with Ford acknowledged that he brought out the best in them. John Wayne remarked that "Nobody could handle actors and crew like Jack."[84] and Dobe Carey stated that "He had a quality that made everyone almost kill themselves to please him. Upon arriving on the set, you would feel right away that something special was going to happen. You would feel spiritually awakened all of a sudden."[85] Carey credits Ford with the inspiration of Carey's final film, Comanche Stallion (2005).
Ford's favorite location for his Western films was southern Utah's Monument Valley. Although not generally appropriate geographically as a setting for his plots, the expressive visual impact of the area enabled Ford to define images of the American West with some of the most beautiful and powerful cinematography ever shot, in such films as Stagecoach, The Searchers, and Fort Apache.[according to whom?] A notable example is the famous scene in She Wore a Yellow Ribbon in which the cavalry troop is photographed against an oncoming storm. The influence on the films of classic Western artists such as Frederic Remington and others has been examined.[86] Ford's evocative use of the territory for his Westerns has defined the images of the American West so powerfully that Orson Welles once said that other film-makers refused to shoot in the region out of fears of plagiarism.[87]
Ford typically shot only the footage he needed and often filmed in sequence, minimizing the job of his film editors.[88] In the opinion of Joseph McBride,[89] Ford's technique of cutting in the camera enabled him to retain creative control in a period where directors often had little say on the final editing of their films. Ford noted:
I don't give 'em a lot of film to play with. In fact, Eastman used to complain that I exposed so little film. I do cut in the camera. Otherwise, if you give them a lot of film 'the committee' takes over. They start juggling scenes around and taking out this and putting in that. They can't do it with my pictures. I cut in the camera and that's it. There's not a lot of film left on the floor when I'm finished.[90]
Награды и почести
Ford won a total of six Academy Awards. Four of these were for Best Director for The Informer (1935), The Grapes of Wrath (1940), How Green Was My Valley (1941), and The Quiet Man (1952)—none of them Westerns (also starring in the last two was Maureen O'Hara, "his favorite actress"). He was also nominated as Best Director for Stagecoach (1939). He won two Oscars for Best Documentary for The Battle of Midway and December 7th. To this day Ford holds the record for winning the most Best Director Oscars, having won the award on four occasions. William Wyler and Frank Capra come in second having won the award three times. Ford was the first director to win consecutive Best Director awards, in 1940 and 1941. This feat was later matched by Joseph L. Mankiewicz exactly ten years later, when he won consecutive awards for Best Director in 1950 and 1951. As a producer he received nominations for Best Picture for The Quiet Man and The Long Voyage Home. In 1955 and 1957, Ford was awarded The George Eastman Award, given by George Eastman House for distinguished contribution to the art of film. He was the first recipient of the American Film Institute Life Achievement Award in 1973. Also in that year, Ford was awarded the Presidential Medal of Freedom by President Richard Nixon.
Ford directed 10 different actors in Oscar-nominated performances: Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly and Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp and Lemmon won an Oscar for one of their roles in one of Ford's movies.
A television special featuring Ford, John Wayne, James Stewart, and Henry Fonda was broadcast over the CBS network on December 5, 1971 called The American West of John Ford, featuring clips from Ford's career interspersed with interviews conducted by Wayne, Stewart, and Fonda, who also took turns narrating the hourlong documentary.
In 2007, Twentieth Century Fox released Ford at Fox, a DVD boxed set of 24 of Ford's films. Time magazine's Richard Corliss named it one of the "Top 10 DVDs of 2007", ranking it at No. 1.[91]
A statue of Ford in Portland, Maine depicts him sitting in a director's chair. The statue made by New York sculptor George M. Kelly, cast at Modern Art Foundry, Astoria, NY, and commissioned by Louisiana philanthropst Linda Noe Laine was unveiled on 12 July 1998 at Gorham's Corner in Portland, Maine, United States, as part of a celebration of Ford that was later to include renaming the auditorium of Portland High School the John Ford Auditorium.[92]
In 2019 Jean-Christophe Klotz released the documentary film John Ford, l'homme qui inventa l'Amérique, about his influence in the legend of the American West in films like Stagecoach (1939), The Grapes of Wrath (1940), The Man Who Shot Liberty Valance (1962) and Cheyenne Autumn (1964).[93]
Сохранение
The Academy Film Archive has preserved a number of John Ford's films, including How Green Was My Valley, The Battle of Midway, Drums Along the Mohawk, Sex Hygiene, Torpedo Squadron 8, and Four Sons.[94]
Academy Awards
Year | Awards | Film | Winner |
---|---|---|---|
1932 | Outstanding Production | Arrowsmith | Irving G. Thalberg – Grand Hotel |
1935 | Outstanding Production | The Informer | Irving G. Thalberg – Mutiny on the Bounty |
1935 | Best Director | The Informer | Won |
1939 | Best Director | Stagecoach | Victor Fleming – Gone with the Wind |
1940 | Outstanding Production | The Long Voyage Home | David O. Selznick – Rebecca |
1940 | Best Director | The Grapes of Wrath | Won |
1941 | Best Motion Picture | How Green Was My Valley | Won |
1941 | Best Director | How Green Was My Valley | Won |
1942 | Best Documentary | The Battle of Midway | Won |
1943 | Best Documentary, Short Subjects | December 7th: The Movie | Won |
1952 | Best Motion Picture | The Quiet Man | Cecil B. DeMille – The Greatest Show on Earth |
1952 | Best Director | The Quiet Man | Won |
Directed Academy Award Performances
Year | Performer | Film | Winner | ||||
---|---|---|---|---|---|---|---|
Academy Award for Best Actor | |||||||
1935 | Victor McLaglen | The Informer | Won | ||||
1940 | Henry Fonda | The Grapes of Wrath | Nominated | ||||
Academy Award for Best Actress | |||||||
1953 | Ava Gardner | Mogambo | Nominated | ||||
Academy Award for Best Supporting Actor | |||||||
1937 | Thomas Mitchell | The Hurricane | Nominated | ||||
1939 | Stagecoach | Won | |||||
1941 | Donald Crisp | How Green Was My Valley | Won | ||||
1952 | Victor McLaglen | The Quiet Man | Nominated | ||||
1955 | Jack Lemmon | Mister Roberts | Won | ||||
Academy Award for Best Supporting Actress | |||||||
1939 | Edna Mae Oliver | Drums Along the Mohawk | Nominated | ||||
1940 | Jane Darwell | The Grapes of Wrath | Won | ||||
1941 | Sara Allgood | How Green Was My Valley | Nominated | ||||
1953 | Grace Kelly | Mogambo | Nominated |
Политика
Early in life, Ford's politics were conventionally progressive; his favorite presidents were Democrats Franklin D. Roosevelt and John F. Kennedy and Republican Abraham Lincoln.[95] But despite these leanings, many thought[96][97] he was a Republican because of his long association with actors John Wayne, James Stewart, Maureen O'Hara, and Ward Bond.
Ford's attitude to McCarthyism in Hollywood is expressed by a story told by Joseph L. Mankiewicz. A faction of the Directors Guild of America, led by Cecil B. DeMille, had tried to make it mandatory for every member to sign a loyalty oath. A whispering campaign was being conducted against Mankiewicz, then President of the Guild, alleging he had Communist sympathies. At a crucial meeting of the Guild, DeMille's faction spoke for four hours until Ford spoke against DeMille and proposed a vote of confidence in Mankiewicz, which was passed. His words were recorded by a stenographer:
My name's John Ford. I make Westerns. I don't think there's anyone in this room who knows more about what the American public wants than Cecil B. DeMille—and he certainly knows how to give it to them ... [looking at DeMille] But I don't like you, C. B. I don't like what you stand for and I don't like what you've been saying here tonight.[98]
Mankiewicz's version of events was contested in 2016, with the discovery of the court transcript, which was released as part of the Mankiewicz archives. Mankiewicz's account gives sole credit to Ford in sinking DeMille. The account has several embellishments. DeMille's move to fire Mankiewicz had caused a storm of protest. DeMille was basically on the receiving end of a torrent of attacks from many speakers throughout the meeting and at one point looked like being solely thrown off the guild board.
At this point, Ford rose to speak. His opening was that he rose in defense of the board. He claimed a personal role in a vote of confidence for Joseph Mankiewicz. He then called for an end to politics in the Guild and for it to refocus on working conditions. Ford told the meeting that the guild was formed to ‘protect ourselves against producers.’ Ford argued against ‘putting out derogatory information about a director, whether he is a Communist, beats his mother-in-law, or beats dogs.’ Ford wanted the debate and the meeting to end as his focus was the unity of the guild. He said that Mankiewicz had been vilified and deserved an apology. His final section was to support DeMille against further calls for his resignation. Ford's words about DeMille were, ‘And I think that some of the accusations made here tonight were pretty UnAmerican. I mean a group of men have picked on probably the dean of our profession. I don’t agree with C. B. DeMille. I admire him. I don’t like him, but I admire him. Everything he said tonight he had a right to say. I don’t like to hear accusations against him.’ He concluded by ‘pleading’ with the membership to retain DeMille.
Ford feared that DeMille's exit might have caused the body to disintegrate. His second move was to have the entire board resign, which saved face for DeMille and allowed the issue to be settled without forced resignations. The next day, Ford wrote a letter supporting DeMille and then telephoned, where Ford described DeMille as ‘a magnificent figure’ so far above that ‘goddamn pack of rats.'
At a heated and arduous meeting, Ford went to the defense of a colleague under sustained attack from his peers. He saw the dangers of expelling DeMille. Ford stared down the entire meeting to ensure that DeMille remained in the guild. He then later offered his own resignation – as part of the entire board – to ensure that the guild did not break and allowed DeMille to go without losing face.[99]
As time went on, however, Ford became more publicly allied with the Republican Party, declaring himself a "Maine Republican" in 1947. He said he voted for Barry Goldwater in the 1964 United States presidential election and supported Richard Nixon in 1968 and became a supporter of the Vietnam War. In 1973, he was awarded the Medal of Freedom by President Nixon, whose campaign he had publicly supported.[100]
In 1952, Ford hoped for a Robert Taft/Douglas MacArthur Republican presidential ticket.[101] When Dwight Eisenhower won the nomination, Ford wrote to Taft saying that like "a million other Americans, I am naturally bewildered and hurt by the outcome of the Republican Convention in Chicago."[102]
In 1966, he supported Ronald Reagan in his governor's race and again for his reelection in 1970.[103]
Влияние
Ford is widely considered to be among the most influential of Hollywood's filmmakers. He was listed as the fifth most influential director of all time by MovieMaker.[104] Below are some of the people who were directly influenced by Ford, or greatly admired his work:
- Ingmar Bergman[105] – Said of Ford, "the best director in the world".
- Bahram Beyzai wrote a laudatory critical review of Ford's more famous films in 1961, which is anthologized in Massoud Farasati's 2014 collection of writings by and about Ford in Persian[106]
- Peter Bogdanovich - Directed by John Ford (1971)[105]
- Frank Capra[105] – Referred to Ford as the "king of directors"
- Federico Fellini[107]
- Jean-Luc Godard[108] – Once compared the ending of The Searchers to "Ulysses being reunited with Telemachus"
- Howard Hawks[107]
- Alfred Hitchcock[107] – "A John Ford film was a visual gratification"
- Elia Kazan[109]
- Satoshi Kon took inspiration from Ford's Three Godfathers for his animated film Tokyo Godfathers, a riff on Ford's western, set in contemporary Tokyo.
- Stanley Kubrick[110]
- Akira Kurosawa[111] – "I have respected John Ford from the beginning. Needless to say, I pay close attention to his productions, and I think I am influenced by them."
- David Lean took inspiration from The Searchers for his film Lawrence of Arabia
- Sergio Leone
- George Lucas
- Sam Peckinpah
- Satyajit Ray[112] – "A hallmark is never easy to describe, but the nearest description of Ford's would be a combination of strength and simplicity. The nearest equivalent I can think of is a musical one: middle-period Beethoven."
- Jean Renoir[105] – After seeing The Informer, he reportedly told George Seaton: "I learned so much today ... I learned how to not move my camera."
- Martin Scorsese[107]
- Steven Spielberg[105]
- Jean-Marie Straub praised Ford as "the most Brechtian of all filmmakers"
- Bertrand Tavernier
- François Truffaut[107]
- John Wayne[113]
- Orson Welles[105] – When asked to name the directors who most appealed to him, he replied: "I like the old masters, by which I mean John Ford, John Ford and John Ford."
- Wim Wenders[107]
- Pedro Costa – "It makes me dream and it makes me come back. I felt so right when I saw a film by John Ford and I was in front of those people. It was a dream thing. It was a real thing."
Джон Форд Ирландия
В декабре 2011 года Ирландская академия кино и телевидения (IFTA) в сотрудничестве с John Ford Estate и Ирландским департаментом искусств, наследия и Gaeltacht учредила компанию John Ford Ireland, отмечая работу и наследие Джона Форда. Ирландская академия заявила, что через Джона Форда Айрленд они надеются заложить основы для почитания, изучения и изучения работы и наследия Джона Форда, которого многие считают одним из самых важных и влиятельных режиссеров своего поколения.
Симпозиум
Первый Ирландский симпозиум Джона Форда был проведен в Дублине, Ирландия, с 7 по 10 июня 2012 года. Симпозиум, призванный черпать вдохновение и отмечать постоянное влияние Форда на современное кино, включал разнообразную программу мероприятий, включая серию показов и мастер-классы. , панельные дискуссии, публичные интервью и открытый показ The Searchers .
Среди гостей были Дэн Форд, внук Джона Форда; композитор Кристофер Калиендо дирижировал знаменитым концертным оркестром RTÉ, исполнив свою музыку к опере Форда « Железный конь» , открыв четырехдневное мероприятие; автор и биограф Джозеф Макбрайд прочитал вводную лекцию симпозиума; режиссеры Питер Богданович , Стивен Фрирз , Джон Бурман , Джим Шеридан , Брайан Кирк , Таддеус О'Салливан и Се Мерри Дойл приняли участие в ряде мероприятий; Ирландские писатели Патрик МакКейб , Колин Бейтман , Ян Пауэр и Иоган Харрис исследовали творчество Форда с точки зрения сценаристов; Джоэл Кокс провел мастер-класс по монтажу; композиторы и музыканты, среди которых Дэвид Холмс и Кайл Иствуд , обсуждали музыку для кино.
Симпозиум по фильму Джона Форда Ирландия снова прошел в Дублине летом 2013 года.
Премия Джона Форда
Клинт Иствуд получил первую Премию Джона Форда в декабре 2011 года. Ее вручили г-ну Иствуду на приеме в Бербанке, Калифорния, Майкл Коллинз, посол Ирландии в США, Дэн Форд, внук Джона Форда, и Айн Мориарти. , Исполнительный директор Ирландской академии кино и телевидения (IFTA).
Принимая награду, Иствуд сказал: «Любая связь с Джоном Фордом - мечта большинства режиссеров, поскольку он, безусловно, был пионером американского кинопроизводства, и я вырос на его фильмах. Его вестерны оказали на меня большое влияние, как и я. думаю, что они оказали влияние на всех. Когда я много лет назад работал с Серхио Леоне в Италии, его любимым режиссером был Джон Форд, и он очень открыто говорил об этом влиянии. Я хочу поблагодарить всех, кто здесь, из Ирландской академии, семьи Джона Форда и спасибо Джону Форду Ирландии ".
Фильмография
Награды (военные и гражданские)
1st Row | Legion of Merit | |||||||||||||||
---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
2nd Row | Purple Heart | Presidential Medal of Freedom | American Defense Service Medal | American Campaign Medal | ||||||||||||
3rd Row | European-African-Middle Eastern Campaign Medal | Asiatic–Pacific Campaign Medal | World War II Victory Medal | Navy Occupation Service Medal | ||||||||||||
4th Row | National Defense Service Medal | Korean Service Medal | Naval Reserve Medal | United Nations Korea Medal |
Смотрите также
- List of film collaborations
Рекомендации
- ^ "Funeral for John Ford Set on Coast Wednesday". September 2, 1973 – via NYTimes.com.
- ^ Gallagher, Tag John Ford: The Man and his Films (University of California Press, 1984), 'Preface'
- ^ 1900 Census report Feb 1894 birthdate provided
- ^ a b c d e f g Eyman, Scott. Print the Legend: The Life and Times of John Ford. New York: Simon & Schuster. 1999. ISBN 0-684-81161-8 (excerpt c/o New York Times)
- ^ Probably better then known by its Gaelic name, An Spidéal.
- ^ Andrews, Nigel (February 13, 1982). "How to Spend It: Video Review - Return of the Hollywood greats". Financial Times.
What famous film featured three directional greats of Hollywood, Erich von Stroheim, John Ford and Raoul Walsh among its supporting cast; spent an uncomfortable amount of time venerating the Ku Klux Klan; and did more than any other single work in movie history to found the visual vocabulary of modern cinema? If your lips are shaping The Birth of a Nation, you are right.
- ^ Gates Jr., Henry Louis (December 23, 2012). "Tarantino 'Unchained,' Part 1: 'Django' Trilogy?". The Root. p. 5. Archived from the original on December 27, 2012. Retrieved September 10, 2018.
- ^ "The religion of John Ford, director".
- ^ "Filmmakers of Faith: John Ford".
- ^ "The Searcher" in America Magazine:Ford once told Peter Bogdanovich that while he was Catholic, he wasn't "very Catholic," meaning he wasn't a regular churchgoer.
- ^ Gallagher, Tag John Ford: The Man and his Films (University of California Press 1984) p. 380
- ^ Gallagher, 1986, p. 6
- ^ Ephraim Katz, The Film Encyclopedia, Fifth Edition (Harper-Collins, New York, 2005), p. 490
- ^ Gallagher, 1986, p. 13
- ^ Gallagher, 1986, p. 15
- ^ Gallagher, 1986, pp. 502–546
- ^ "New Zealand vault contains silent film cache". CBC News. 2010-06-08. Archived from the original on June 11, 2010. Retrieved 2012-02-27.
- ^ "Upstream repremiere". YouTube. Retrieved 2012-02-27.
- ^ Ephraim Katz, The Film Encyclopedia, Fifth Edition (2005, Harper Collins, New York, ISBN 0-06-074214-3)
- ^ Gallagher, 1986, p. 17
- ^ Gallagher, 1986, p. 19
- ^ "Progressive Silent Film List: Bucking Broadway". Silent Era. Retrieved 2008-02-22.
- ^ a b Gallagher, 1986, p. 31
- ^ Koszarski, 1976 p. 198
- ^ "Edward Jones, Pardner Jones or King Fisher". Texasescapes.com. 2004-12-12. Retrieved 2012-02-27.
- ^ Gallagher, 1986, pp. 49–61
- ^ "Progtessive Silent Film List: Napoleon's Barber". Silent Era. March 23, 2008.
- ^ Gallagher, 1986, p. 519
- ^ Gallagher, 1986, pp. 498–99
- ^ Gallagher, 1986, p. 97
- ^ John Ford at IMDb
- ^ Gallagher, 1986, p. 146
- ^ Gallagher, 1986, p. 145
- ^ The other Ford westerns with location work shot in Monument Valley were My Darling Clementine (1946), Fort Apache (1948), She Wore a Yellow Ribbon (1949), The Searchers (1956), Sergeant Rutledge (1960), and Cheyenne Autumn (1964).
- ^ "Movie Stagecoach".
- ^ Gallagher, 1986, p. 162
- ^ Quoted in Joseph McBride, "The Searchers", Sight & Sound, Spring 1972, p. 212
- ^ a b c d Gallagher, 1986, p. 499
- ^ Gallagher, 1986, p. 182
- ^ Gallagher, 1986, p. 183
- ^ Through Smith's Private Projector Smith's Weekly. 1 November 1941.
- ^ "history".
- ^ Gallagher, 1986, pp. 184–185
- ^ Gallagher, 1986, p. 184
- ^ "Biography of Rear Admiral John Ford; U.S. Naval Reserve". Naval Historical Center. Archived from the original on 2006-09-05.
- ^ "Oral History – Battle of Midway:Recollections of Commander John Ford". Naval Historical Center. Archived from the original on 2001-02-17.
- ^ Martin, Pete. "We Shot D-Day on Omaha Beach (An Interview With John Ford)" The American Legion Magazine, June 1964. retrieved from thefilmjournal.com, 14 February 2007
- ^ Ambrose, Stephen E. D-Day, June 6, 1944: The Climactic Battle of World War II. New York: Simon & Schuster. 1994. pp 395-397. ISBN 0-671-67334-3
- ^ ""Spy Tales: a TV Chef, Oscar Winner, JFK Adviser", Brett J. Blackledge and Randy Herschaft, The Associated Press". Washingtonpost.com. Retrieved 2012-02-27.[dead link]
- ^ https://www.criticalpast.com/video/65675037245_Bergen-Belsen-concentration-camp_piles-of-corpses_guards-arrested_open-grave at 5:43
- ^ Anderson, 2004, pp. 446–47
- ^ Anderson, 1981 [1999], pp. 101–8
- ^ Gallagher, 1986, p. 225
- ^ Gallagher, 1986, pp. 499–500
- ^ Victor Mature at IMDb
- ^ "My Darling Clementine - IMDb" – via www.imdb.com.
- ^ Gallagher, 1986, p. 454
- ^ "John Ford: Biography and Independent Profile". Cobbles.com. 1939-08-14. Retrieved 2012-02-27.
- ^ "Register of The Argosy Pictures Corporation Archives, 1938-1958". Brigham Young University. This webpage has an extended, unsigned introduction to the Argosy Pictures Corporation, as well as a catalog of the archives held by Brigham Young University.
- ^ CinemaForever.com – The Fugitive – review by James Travers Archived July 29, 2013, at the Wayback Machine
- ^ Gallagher, 1986, p. 247
- ^ Gallagher, 1986, p. 531
- ^ Gallagher, 1986, p. 346)
- ^ Bogdanovich, 1978, p. 88
- ^ "AFI's website listing Top 100 films". Connect.afi.com. Archived from the original on 2011-07-16. Retrieved 2012-02-27.
- ^ a b Gallagher, 1986, p. 359
- ^ a b Gallagher, 1986, p. 500
- ^ Clark, Donald, & Christopher P. Andersen. John Wayne's The Alamo: The Making of the Epic Film (New York: Carol Publishing Group, 1995) ISBN 0-8065-1625-9
- ^ Ebert, Roger. "Remembering John Wayne | Interviews | Roger Ebert". www.rogerebert.com. Retrieved 2020-02-12.
- ^ Wilson, Scott (26 September 2016). Resting Places: The Burial Sites of More Than 14,000 Famous Persons (3rd ed.). McFarland Publishing. p. 251. ISBN 9781476625997.
- ^ a b Gallagher, 1986, p. 381
- ^ O'Hara, Maureen; John Nicoletti (2005). 'Tis Herself: An Autobiography. Simon & Schuster. p. 190. ISBN 9780743269162.
- ^ Gallagher, 1986, pp. 40–41
- ^ Portland Magazine, February/March 2018
- ^ Ephraim Katz, The Film Encyclopedia, Fifth Edition (2005, Harper-Collins, New York; ISBN 0-06-074214-3), p. 490
- ^ Gallagher, 1986, p. 464
- ^ A Touch Of The Memoirs Donald Sinden. Hodder & Stoughton 1982. pp. 187–188
- ^ "Shigehiko Hasumi, John Ford, or The Eloquence of Gesture". Rouge.com.au. Retrieved 2012-02-27.
- ^ Angela Aleiss, "A Race Divided: The Indian Westerns of John Ford," American Indian Culture & Research Journal, 18 (2), Summer 1995, 25-34.
- ^ Gallagher, 1986, op.cit., p. 38
- ^ Gallagher, 1986, p. 38
- ^ A Touch Of The Memoirs Donald Sinden. Hodder & Stoughton 1982. p. 174
- ^ A Touch Of The Memoirs Donald Sinden. Hodder & Stoughton 1982. p. 185
- ^ Eyman, Scott, Print The Legend: The Life and Times of John Ford, see below
- ^ Carey, Harry Jr. Company of Heroes: My Life as an Actor in the John Ford Stock Company
- ^ Peter Cowie, see below
- ^ Welles' narration for the film Directed by John Ford
- ^ BBC Radio 4 programme 10:30am 29 September 2007
- ^ McBride, Joseph, Searching For John Ford: A Life, see below
- ^ Kennedy, Burt (1973). "Burt Kennedy Interviews John Ford". In Thomas, Bob (ed.). Directors in Action: Selections from Action: the official magazine of the Directors Guild of America. Bobbs Merrill. pp. 133–137. ISBN 9780672517143. OCLC 749433. Reprint of an article from Action (August 1968), as cited by Tag Gallagher in John Ford: The Man and His Films (see below).
- ^ Corliss, Richard, "Top 10 DVDs", Time magazine, retrieved from time.com, 14 February 2008
- ^ Stoehr & Connolly 2008, p. 2–3.
- ^ "John Ford, the man who invented America". Pula Film Festival. 16 July 2019. Retrieved 15 August 2019.
- ^ "Preserved Projects". Academy Film Archive.
- ^ Peter Bogdanovich, John Ford, See below, pp 18–19.
- ^ "Interview with Sam Pollard about Ford and Wayne from". pbs.org. 2006-05-10. Retrieved 2012-02-27.
- ^ Ebert, Roger (2002-03-31). "The Grapes of Wrath". Rogerebert.suntimes.com. Retrieved 2012-02-27.
- ^ Parrish, Robert (1998). "John Ford to the Rescue". In Silvester, Christopher (ed.). The Grove Book of Hollywood. Grove Press. p. 418. ISBN 0-8021-3878-0. Retrieved 2008-08-15.
- ^ Kevin Brianton, Hollywood Divided: The 1950 Screen Directors Guild and the Impact of the blacklist, Lexington: University of Kentucky Press, 2016 [1]
- ^ McBride, Joseph. "The Convoluted Politics of John Ford". Los Angeles Times, 3 June 2001
- ^ Critchlow, Donald T. (2013-10-21). When Hollywood Was Right: How Movie Stars, Studio Moguls, and Big Business Remade American Politics. ISBN 9781107650282.
- ^ Critchlow, Donald T. (2013-10-21). When Hollywood Was Right: How Movie Stars, Studio Moguls, and Big Business Remade American Politics. ISBN 9781107650282.
- ^ Critchlow, Donald T. (2013-10-21). When Hollywood Was Right: How Movie Stars, Studio Moguls, and Big Business Remade American Politics. ISBN 9781107650282.
- ^ Jennifer M. Wood (July 6, 2002). "The 25 Most Influential Directors of All Time". MovieMaker Magazine. Archived from the original on 8 June 2011. Retrieved 12 July 2010.
- ^ a b c d e f Davis, Ronald L. (1995). John Ford: Hollywood's old master. The Oklahoma Western Biographies. University of Oklahoma Press. ISBN 978-0-8061-2916-7.
- ^ فراستی، مسعود. اسطورهٔ سینما: جان فورد و سینمایش. تهران: 2014.
- ^ a b c d e f Peary, Gerard (2001). John Ford: interviews. Conversations with Filmmakers. University Press of Mississippi. ISBN 978-1-57806-398-7.
- ^ Byron, Stuart (March 1979). "The Searchers': Cult Movie of the New Hollywood". New York Magazine: 48.
- ^ Baer, William (2000). Elia Kazan: interviews. Conversations with Filmmakers. University Press of Mississippi. ISBN 978-1-57806-224-9.
- ^ "6 Filmmaking Tips From John Ford". 1 August 2012.
- ^ Cardullo, Bert (2008). Akira Kurosawa: interviews. Conversations with Filmmakers. University Press of Mississippi. ISBN 978-1-57806-997-2.
- ^ Ray, Satyajit (1994). "A Tribute to John Ford". Our Films, Their Films. Hyperion Books. ISBN 978-0-7868-6122-4.
- ^ Bowser, Ken (10 May 2006). "John Ford/John Wayne: The Filmmaker and the Legend. Pappy and the Duke". PBS. Retrieved 13 April 2019.
дальнейшее чтение
- Brianton, Kevin, Hollywood Divided: The 1950 Screen Directors Guild and the Impact of the Blacklist, Lexington: University of Kentucky Press, 2016.
- Evans, Alun, Brassey's Guide to War Films, Brassey's, 2000. ISBN 1-57488-263-5
- Lindsay Anderson, Never Apologise: The Collected Writings, London: Plexus, 2004. Republication of "Meeting in Dublin with John Ford: The Quiet Man", Sequence 14, 1952.
- Lindsay Anderson, About John Ford, London: Plexus, 1981, 1999 edition.
- Peter Bogdanovich, John Ford, Berkeley: University of California Press, 1967, revised 1978.
- Peter Cowie, John Ford and the American West, New York: Harry Abrams Inc., 2004.
- Serge Daney, "John Ford", in Dictionnaire du cinéma, Paris, Éditions universitaires, 1966, ripubblicato in Serge Daney, La Maison cinéma et le monde, 1. Le Temps des Cahiers, 1962–1982, Paris: P.O.L., 2001.
- Toni D'Angela, John Ford. Un pensiero per immagini, Milano, Edizioni Unicopli, 2010.
- Scott Eyman, Print the Legend: The Life and Times of John Ford, New York, 1999.
- Dan Ford, The Unquiet Man: The Life of John Ford, London: Kimber. 1982 (1979).
- Tag Gallagher. John Ford: The Man and His Films. Berkeley: University of California Press, 1986.
- La furia umana, n. 3, 2010. Special issue about John Ford, incorporating texts (in French, Italian, English, Portuguese) by Julio Bressane, Paul Vecchiali, Raymond Bellour, Art Redding, Toni D'Angela, Juan Gorostidi Munguia, Tag Gallagher, Joseph McBride, Jacques Aumont, John Zorn, Barry Gifford, Giulio Giorello, Alberto Abruzzese, Eva Truffaut and others.
- Jean Mitry, John Ford, Paris, 1954.
- McBride, Joseph (2001). Searching for John Ford: A Life. New York: St. Martin's Press. p. 880. ISBN 0-312-31011-0.
- Pippin, Robert B. Hollywood Westerns and American Myth: The Importance of Howard Hawks and John Ford for Political Philosophy (Yale University Press, 2010) 208 pp.
- Patrice Rollet and Nicolás Saada, John Ford, Paris: Editions de l'Etoile/Cahiers du cinéma, 1990.
- Andrew Sinclair, John Ford, New York: Dial Press/J. Wade, 1979.
- "Politique(s) de John Ford". Trafic (in French). No. 56. Winter 2005.
- Koszarski, Richard. 1976. Hollywood Directors: 1914-1940. Oxford University Press. Library of Congress Catalog Number: 76-9262.
Внешние ссылки
- John Ford at IMDb
Archival materials
- John Ford's America, MSS 2076-1 at L. Tom Perry Special Collections, Brigham Young University
- John Ford papers at the Lilly Library, Indiana University Bloomington
Criticism
- Ford's Depth by Miguel Marías
- The Eloquence of Gesture by Shigehiko Hasumi
- La furia umana/3, winter 2010, special about John Ford, texts (in French, Italian, English, Portuguese) by Julio Bressane, Paul Vecchiali, Raymond Bellour, Art Redding, Toni D'Angela, Juan Gorostidi Munguia, Tag Gallagher, Joseph McBride, Jacques Aumont, John Zorn, Barry Gifford, Giulio Giorello, Alberto Abruzzese, Eva Truffaut and others; on www.lafuriaumana.it
- The Influence of Western Painting and Genre Painting on the Films of John Ford Ph.D. Dissertation by William Howze, 1986
Official sites
- Website for John Ford Ireland
Awards and achievements | ||
---|---|---|
Academy Awards | ||
Preceded by Frank Capra for It Happened One Night | Best Director John Ford 1935 for The Informer | Succeeded by Frank Capra for Mr. Deeds Goes to Town |
Academy Awards | ||
Preceded by Victor Fleming for Gone with the Wind | Best Director John Ford 1940 for The Grapes of Wrath 1941 for How Green Was My Valley | Succeeded by William Wyler for Mrs. Miniver |
Academy Awards | ||
Preceded by George Stevens for A Place in the Sun | Best Director John Ford 1952 for The Quiet Man | Succeeded by Fred Zinnemann for From Here to Eternity |
American Film Institute | ||
Preceded by Ford first recipient | AFI Life Achievement Award John Ford 1973 | Succeeded by James Cagney |