Композитор

Примеры и перспективы в этой статье могут не отражать мировую точку зрения на предмет . Вы можете улучшить эту статью , обсудить проблему на странице обсуждения или при необходимости создать новую статью . ( Декабрь 2020 г. ) ( Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения )

Классический композитор Моцарт

Композитор ( Latin compōnō , буквально «тот , кто собирает») это человек , который пишет музыку , особенно классическая музыка ^[1] в любой форме, в том числе и вокальной музыки (для певца или хора ), инструментальная музыка , электронная музыка и музыка который сочетает в себе несколько форм. Композитор может создавать музыку в любом музыкальном жанре , включая, например, классическую музыку , музыкальный театр , блюз , народную музыку , джаз и популярную музыку.. Композиторы часто выражают свои произведения в нотной записи .

Многие композиторы являются или были также искусными исполнителями музыки.

Композиторы и исполнители [ править ]

Музыкальная нотация служит для исполнителя набором указаний, но существует целый ряд возможностей относительно того, насколько исполнитель определяет окончательную форму представленного произведения в исполнении.

Даже в традиционном западном произведении инструментальной музыки, в котором все мелодии , аккорды и басовые партии записаны в нотной записи, исполнитель имеет определенную свободу действий, чтобы добавить художественную интерпретацию произведения, например, варьируя его или ее артикуляция и фразировка , выбор продолжительности воспроизведения фермат (удерживаемых нот) или пауз, и - в случае смычковых струнных инструментов, деревянных духовых или медных инструментов - решение использовать выразительные эффекты, такие как вибрато или портаменто. Для певца или исполнителя инструментальных средств процесс принятия решения о том, как исполнять музыку, которая была ранее сочинена и записана, называется «интерпретацией». Интерпретации одного и того же музыкального произведения разными исполнителями могут широко варьироваться в зависимости от выбранного темпа, стиля игры, пения или фразировки мелодий. Композиторы и авторы песен, которые представляют свою музыку, интерпретируют так же, как и те, кто исполняет музыку других. Стандартный набор вариантов и техник, присутствующих в данное время и в данном месте, называется исполнительской практикой , тогда как интерпретация обычно используется для обозначения индивидуального выбора исполнителя. ^{[ необходима цитата ]}

Хотя музыкальное произведение часто имеет одного автора, это не всегда так. Музыкальное произведение может иметь несколько композиторов, что часто встречается в популярной музыке, когда группа сотрудничает для написания песни, или в музыкальном театре , где песни могут быть написаны одним человеком, оркестровка частей аккомпанемента и написание увертюры выполняется оркестратором, и слова могут быть написаны третьим лицом.

Музыкальное произведение также может состоять из слов, изображений или, в 20 и 21 веках, компьютерных программ, которые объясняют или записывают, как певец или музыкант должен создавать музыкальные звуки. Примеры этого варьируются от колокольчиков, звенящих на ветру, до авангардной музыки 20-го века, в которой используются графические обозначения , до текстовых композиций, таких как Aus den sieben Tagen , до компьютерных программ, которые выбирают звуки для музыкальных произведений. Музыка, в которой широко используются случайность и случайность, называется алеаторической музыкой и ассоциируется с современными композиторами, работавшими в 20-м веке, такими как Джон Кейдж , Мортон Фельдман и Витольд Лютославский .

Характер и способы индивидуальной вариации музыки разнообразны в зависимости от музыкальной культуры страны и периода написания. Например, музыка, сочиненная в эпоху барокко , особенно в медленном темпе, часто писалась голыми набросками с ожиданием, что исполнитель добавит импровизированные орнаменты.на мелодическую линию во время выступления. Такая свобода обычно уменьшалась в более поздние эпохи, что коррелировало с более широким использованием композиторами более детальной оценки в форме динамики, артикуляции и так далее; композиторы становятся все более ясными в том, как они хотят интерпретировать свою музыку, хотя то, насколько строго и подробно они продиктованы, варьируется от одного композитора к другому. Из-за тенденции к тому, что композиторы становятся все более конкретными и подробными в своих инструкциях для исполнителя, в конечном итоге сформировалась культура, благодаря которой верность письменному замыслу композитора стала высоко цениться (см., Например, Urtext edition). Эта музыкальная культура почти наверняка связана с высоким уважением (граничащим с почитанием), с которым исполнители часто пользуются ведущими композиторами-классиками.

Аутентизм движение возродилось в некоторой степени возможность исполнительницы развивавших в серьезным образом музыку , как указано в счете, особенно для музыки барокко и музыки с раннего классического периода . Движение можно рассматривать как способ создания большеговерность оригиналу в произведениях, написанных в то время, когда исполнители ожидали импровизации. В жанрах, отличных от классической музыки, исполнитель обычно имеет больше свободы; так, например, когда исполнитель западной популярной музыки создает «кавер» на более раннюю песню, мало кто ожидает точного воспроизведения оригинала; при этом не обязательно высоко ценится точная верность (за возможным исключением "нота за нотой" транскрипций известных гитарных соло ).

В западной художественной музыке композитор обычно оркестрирует свои собственные композиции, но в музыкальном театре и в поп-музыке авторы песен могут нанять аранжировщика для оркестровки. В некоторых случаях автор поп-песен может вообще не использовать нотацию, а вместо этого сочинить песню в уме, а затем воспроизвести или записать ее по памяти. В джазе и популярной музыке заметным записям влиятельных исполнителей придается тот вес, который играют партитуры в классической музыке. В изучении композиции традиционно преобладали исследования методов и практики западной классической музыки, но определение композиции является достаточно широким, включая создание популярных и традиционных музыкальных песен и инструментальных произведений, и включает в себя спонтанно импровизированные произведения, подобные произведениямисполнители свободного джаза и африканские перкуссионисты, такие как барабанщики Ewe .

История [ править ]

Уровень различий между композиторами и другими музыкантами варьируется, что влияет на такие вопросы, как авторское право ^{[ указать ]} и уважение к индивидуальной интерпретации определенного музыкального произведения. ^{[ необходимая цитата ]} В развитии европейской классической музыки функция сочинения музыки изначально не имела гораздо большего значения, чем функция ее исполнения. ^{[ необходима цитата ]}Сохранению отдельных композиций не уделялось особого внимания, и музыканты, как правило, не стеснялись изменять композиции для исполнения. По мере того, как роль композитора в западной художественной музыке постоянно укреплялась, в альтернативных идиомах (например, джаз , экспериментальная музыка ) она в некотором смысле становилась все более сложной или расплывчатой. Например, в определенных контекстах граница между композитором и исполнителем , звукорежиссером , аранжировщиком , продюсером и другими ролями может быть довольно размытой.

Термин «композитор» часто используется для обозначения композиторов инструментальной музыки , например, композиторов классической, джазовой или других форм искусства и традиционной музыки . В популярной и народной музыке композитора обычно называют автором песен , поскольку музыка обычно принимает форму песни . С середины 20-го века этот термин расширился, чтобы охватить создателей электроакустической музыки , в которой композиторы непосредственно создают звуковой материал на любом из различных электронных носителей , таких как катушка на катушку и блоки электронных эффектов., которые могут быть представлены аудитории путем воспроизведения кассеты или другой звукозаписи, или путем выступления инструменталистов и певцов с заранее записанным материалом. Это отличается от концепции инструментальной композиции 19-го века, где произведение было представлено исключительно партитурой для интерпретации исполнителями .

Древняя Греция [ править ]

Музыка была важной частью социальной и культурной жизни Древней Греции . Мы знаем, что композиторы писали нотную музыку в древнегреческую эпоху, потому что ученые нашли эпитафию Сейкило . Эпитафия, написанная где-то между 200 г. до н.э. и 100 г. н.э. ^[2], является старейшим сохранившимся в мире примером законченного музыкального произведения, включая нотную запись. Песня, мелодия которой записана вместе с текстами в древнегреческой нотной записи , была найдена выгравированной на надгробной плите, стеле , недалеко от Айдына , Турция (недалеко от Эфеса ). Это эллинистический ионическийпесня либо в фригийских видах октавные или Iastian Тоноса .

Средние века [ править ]

В эпоху средневековой музыки (с 476 по 1400 годы) композиторы писали монофонические (одиночные мелодические строки) песнопения во время богослужений Римско-католической церкви . Затем с развитием нотной записи западная музыка стала больше превращаться в вид искусства. Единственный европейский средневековый репертуар, сохранившийся примерно с 800 г., - это однотонная литургическая равнинная песня Римско-католической церкви, центральная традиция которой называлась григорианским пением. Наряду с этими традициями духовной и церковной музыки существовала яркая традиция светских песен (нерелигиозных песен). Примеры композиторов этого периода - Леонин., Перотен и Гийом де Машо .

Ренессанс [ править ]

В эпоху Возрождения (ок. 1400–1600) композиторы, как правило, больше сосредотачивались на написании песен на светские (нерелигиозные) темы, такие как придворная любовь . Около 1450 года был изобретен печатный станок , который сделал печатные ноты намного дешевле и упростил их массовое производство (до изобретения печатного станка вся нотная запись копировалась вручную). Повышение доступности нот помогло распространить музыкальные стили композиторов быстрее и на большей территории. К середине XV века композиторы писали богато полифоническую духовную музыку, в которой одновременно переплетались разные мелодические линии. Выдающиеся композиторы этой эпохи включают Гийома Дюфе ,Джованни Пьерлуиджи да Палестрина , Томас Морли и Орланде де Лассю . По мере того как музыкальная деятельность перешла от церкви к аристократическим дворам, короли, королевы и принцы соревновались за лучших композиторов. Многие ведущие композиторы были выходцами из Нидерландов, Бельгии и Северной Франции. Их называют франко-фламандскими композиторами. Они занимали важные должности по всей Европе, особенно в Италии. Среди других стран с активной музыкальной деятельностью - Германия, Англия и Испания.

Барокко [ править ]

В эпоху барокко (1600-1750) композиторы расширили диапазон и сложность написанной музыки. Эпоха музыки барокко началась, когда композиторы обратились к древнегреческой музыке в поисках вдохновения для создания опер (драматическая вокальная музыка в сопровождении оркестра ). Еще одним ключевым стилем музыки, использовавшимся композиторами в то время, была контрапунктическая музыка. Этот стиль письма требовал от композиторов глубоких знаний теории музыки, поскольку контрапунктная музыка включает в себя несколько независимых мелодий, исполняемых инструментами или исполняемых голосами. Существовали строгие правила контрапункта, которые композиторы должны были усвоить. Немецкие композиторы эпохи барокко писали для небольших ансамблейвключая струнные , медные и деревянные духовые инструменты , а также хоры и клавишные инструменты, такие как орган , клавесин и клавикорд . В течение этого периода композиторы разработали несколько основных музыкальных форм, которые продолжались в более поздние периоды, когда они были расширены и развивались дальше, включая фугу , изобретение , сонату и концерт . ^[3] Стиль позднего барокко был полифонически сложным и богато орнаментированным. Некоторые из самых известных композиторов эпохи барокко включают Клаудио Монтеверди ,Генрих Шютц , Жан-Батист Люлли , Дитерих Букстехуде , Арканджело Корелли , Генри Перселл , Франсуа Куперен , Антонио Вивальди , Георг Филипп Телеман , Жан-Филипп Рамо , Иоганн Себастьян Бах и Джордж Фридрих Гендель .

Классицизм [ править ]

Композиторы классической музыки (1750–1830) обращались к искусству и философии Древней Греции и Рима, к идеалам баланса, пропорций и дисциплинированного выражения. Помимо написания религиозных произведений, композиторы стали писать в более легкой, ясной и значительно более простой текстуре, используя инструментальные мелодии, которые, как правило, были почти голосоподобными и певчими. Композиторами были разработаны новые жанры. Основной стиль был гомофония , ^[4] , где видным мелодии и подчиненная хорде аккомпанемента часть явно различны.

Композиторы сосредоточились на инструментальной музыке. В нем доминировало дальнейшее развитие музыкальных форм, первоначально определенных в период барокко: сонаты , концерта и симфонии . Другими основными видами были трио , струнный квартет , серенада и дивертисмент . Соната была самой важной и развитой формой. Хотя композиторы эпохи барокко также писали сонаты, классический стиль сонаты совершенно особенный. Все основные инструментальные формы классической эпохи, от струнных квартетов до симфоний и концертов, основывались на структуре сонаты.

Одним из самых важных изменений, внесенных в классический период, было развитие публичных концертов. Аристократия по-прежнему играла значительную роль в спонсировании концертов и сочинений, но теперь композиторы могли выжить, не будучи постоянными служащими королев или принцев. Растущая популярность классической музыки привела к увеличению количества и типов оркестров. Расширение оркестровых концертов потребовало строительства больших площадок для публичных выступлений. Симфоническая музыка, включая симфонии, музыкальное сопровождение балета и смешанные вокально-инструментальные жанры, такие как опера и оратория, стала более популярной.

Наиболее известными композиторами классицизма являются Йозеф Гайдн , Вольфганг Амадей Моцарт , Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт . Бетховен и Шуберт также считаются композиторами поздней части классической эпохи, когда она начала двигаться в сторону романтизма.

Романтизм [ править ]

В эпоху романтической музыки (1810–1900) композиторы превратили жесткие стили и формы классической эпохи в более страстные, драматические и выразительные произведения. Композиторы пытались усилить эмоциональное выражение и силу своей музыки, они пытались описать более глубокие истины или человеческие чувства. С помощью симфонических стихотворений композиторы пытались рассказывать истории и вызывать образы или пейзажи с помощью инструментальной музыки. Некоторые композиторы пропагандировали националистическую гордость с помощью патриотической оркестровой музыки, вдохновленной народной музыкой . Для композиторов эмоциональные и выразительные качества музыки стали преобладать над следованием учебникам и традициям. Композиторы-романтики выросли в идиосинкразии и пошли дальше в синкретизме.изучения различных форм искусства в музыкальном контексте (например, в литературе ), истории (исторические фигуры и легенды) или самой природе. Романтическая любовь или тоска были преобладающей темой во многих произведениях, написанных в этот период. В некоторых случаях продолжали использоваться формальные структуры классического периода (например, форма сонаты, используемая в струнных квартетах и симфониях ), но эти формы были расширены и изменены. Во многих случаях композиторы исследовали новые подходы к использованию существующих жанров, форм и функций. Кроме того, композиторы создавали новые формы, которые считались более подходящими для нового предмета. Опера и балет продолжали развиваться. ^[5]

В годы после 1800 года музыка, разработанная Людвигом ван Бетховеном и Францем Шубертом, представила более драматичный и выразительный стиль. В случае Бетховена короткие мотивы , разработанные органически, пришли на смену мелодии как наиболее значимой композиционной единице (например, характерная фигура из четырех нот, использованная в его Пятой симфонии ). Поздние композиторы-романтики, такие как Петр Ильич Чайковский , Антонин Дворжак и Густав Малер, использовали более необычные аккорды и больше диссонанса.создать драматическое напряжение. Они создавали сложные и часто гораздо более длинные музыкальные произведения. В период позднего романтизма композиторы исследовали драматические хроматические изменения тональности , такие как расширенные аккорды и измененные аккорды , которые создавали новые звуковые «цвета». Композиторы эпохи романтизма увеличили размер оркестра, добавив исполнителей и используя новые инструменты, создав более мощный звук. Некоторые вагнеровские оркестры включали в себя несколько арф, массивные струнные секции и тубы Вагнера .

Музыка 20-го и 21-го веков [ править ]

В XIX веке одним из основных способов распространения новых произведений среди публики была продажа нот, которые любители музыки исполняли дома на своем пианино или других инструментах. С музыкой 20-го века произошел огромный рост прослушивания музыки, поскольку радио стало популярным, а фонографы использовались для воспроизведения и распространения музыки. В 20 веке современные композиторы-классики также испытали влияние афроамериканской джазовой музыки, основанной на импровизации . Влияние джаза можно увидеть в музыке Третьего потока и в композициях Леонарда Бернстайна . В центре вниманияхудожественная музыка характеризовалась исследованием новых ритмов, стилей и звуков. Игорь Стравинский , Арнольд Шенберг и Джон Кейдж были влиятельными композиторами в области художественной музыки 20-го века. Кейдж писал композиции для традиционных классических инструментов и необычных звуковых устройств, которые обычно не воспринимаются как инструменты, таких как радио. Изобретение звукозаписи и возможность редактировать музыку на магнитной ленте породило новый поджанр классической музыки, в том числе школы электронной композиции acousmatic ^[6] и Musique concrète , в которых композиторы создавали пьесы, используя магнитофоны с катушкой на катушку и электронное оборудование.

Роль женщин [ править ]

В 1993 году американский музыковед Марсия Ситрон спросила: «Почему музыка, написанная женщинами, настолько маргинальна по сравнению со стандартным« классическим »репертуаром?» ^[7] Цитрон «исследует практики и отношения, которые привели к исключению женщин-композиторов из принятого« канона »исполняемых музыкальных произведений». Она утверждает, что в 1800-х годах женщины-композиторы обычно писали художественные песни для исполнения в небольших сольных концертах, а не симфонии, предназначенные для исполнения с оркестром в большом зале, причем последние произведения рассматривались как наиболее важный жанр для композиторов; поскольку женщины-композиторы не написали много симфоний, они не считались известными как композиторы. ^[7]

По словам Эбби Филипс, «женщинам-музыкантам было очень трудно добиться успеха и заслужить признание». ^[8] В средневековые эпохи большая часть художественной музыки создавалась для литургических (религиозных) целей, и из-за взглядов религиозных лидеров на роль женщин, немногие женщины сочиняли этот тип музыки, а монахиня Хильдегард фон Бинген был в числе исключений. В большинстве университетских учебников по истории музыки почти исключительно обсуждается роль композиторов-мужчин. Кроме того, очень мало произведений женщин-композиторов входит в стандартный репертуар классической музыки. В « Краткой оксфордской истории музыки » Клара Шуманн [ sic] - одна из немногих упомянутых женщин-композиторов », ^[8] но и среди других известных женщин-композиторов периода общей практики, включая Фанни Мендельсон и Сесиль Шаминад , и, возможно, самым влиятельным учителем композиторов в середине 20-го века была Надя Буланже . ^{[ Необходимая цитата ]} Филипс утверждает, что «[в] 20 веке женщины, которые сочиняли / играли, привлекали гораздо меньше внимания, чем их коллеги-мужчины» ^[8].

Сегодня к женщинам относятся более серьезно в сфере концертной музыки, хотя статистика признания, призов, трудоустройства и общих возможностей по-прежнему смещена в сторону мужчин. ^[9]

Кластеризация [ править ]

Известные композиторы имеют тенденцию собираться в определенных городах на протяжении всей истории. Основываясь на более чем 12 000 выдающихся композиторов, перечисленных в Grove Music Online, и используя методы подсчета слов, можно количественно определить города, наиболее важные для классической музыки. ^[10]

Во все времена Париж был центром классической музыки. Он занимал пятое место в 15–16 веках, но первое место в 17–20 веках включительно. Лондон был вторым по значимости городом: восьмым в XV веке, седьмым в XVI веке, пятым в XVII веке, вторым в XVIII и XIX веках и четвертым в XX веке. Рим возглавлял рейтинг в 15 веке, опустился на второе место в 16 и 17 веках, восьмое место в 18 веке, девятое в 19 веке, но вернулось на шестое место в 20 веке. Берлин появляется в первой десятке рейтинга только в 18 веке и занимает третье место по значимости как в 19, так и в 20 веках. Нью-Йорк вошел в рейтинг в 19 веке (на пятом месте) и занял второе место в 20 веке.Паттерны очень похожи для выборки из 522 лучших композиторов.^[11]

Обучение [ править ]

Профессиональные классические композиторы часто имеют опыт в выполнении классической музыки в детстве и подростковом возрасте, либо в качестве певца в хоре , как игрок в молодежном оркестре , или как исполнитель на сольном инструменте (например, пианино , орган трубы , или скрипка ). Подростки, стремящиеся стать композиторами, могут продолжить свое высшее образование в различных учебных заведениях , включая колледжи, консерватории и университеты. Консерватории, которые являются стандартной системой музыкального обучения во Франции и в Квебеке (Канада), предоставляют уроки и опыт любительского оркестрового и хорового пения для студентов-композиторов. Университеты предлагают ряд программ по композиции, включая степени бакалавра, магистра музыки и доктора музыкальных искусств . Кроме того, существует множество других программ обучения, таких как классические летние лагеря и фестивали, которые дают студентам возможность получить наставления от композиторов.

Бакалавриат [ править ]

Степени бакалавра по композиции (называемые B.Mus. Или BM) - это четырехлетние программы, которые включают индивидуальные уроки композиции, любительский оркестр / хоровой опыт, а также последовательность курсов по истории музыки, теории музыки и курсам гуманитарных наук (например, , Английская литература), которые дают студенту более разностороннее образование. Обычно студенты-композиторы должны закончить важные пьесы или песни до окончания учебы. Не все композиторы имеют степень бакалавра музыки. по составу; композиторы также могут иметь B.Mus. в музыкальном исполнении или теории музыки.

Мастера [ править ]

Степени магистра музыки (M.mus.) По композиции состоят из частных уроков с профессором композиции, ансамблевого опыта и курсов повышения квалификации по истории музыки и теории музыки, а также одного или двух концертов с участием сочинений студентов-композиторов. Степень магистра музыки (называемая M.Mus. Или MM) часто является необходимым минимумом для людей, которые хотят преподавать композицию в университете или консерватории. Композитор с М.Мус. мог бы быть адъюнкт-профессором или преподавателем в университете, но в 2010-х годах было бы сложно получить постоянную должность профессора с этой степенью.

Докторантура [ править ]

Чтобы стать профессором на постоянной основе, многим университетам требуется докторская степень . По композиции ключевая докторская степень - это доктор музыкальных искусств , а не доктор философии ; докторская степень присуждается по музыке, но обычно по таким предметам, как музыковедение и теория музыки .

Степени доктора музыкальных искусств (также называемые DMA, DMA, D.Mus.A. или A.Mus.D.) по композиции предоставляют возможность для углубленного изучения на самом высоком художественном и педагогическом уровне, что обычно требует дополнительных 54+ кредитных часов. помимо степени магистра (что составляет около 30+ кредитов сверх степени бакалавра). По этой причине прием очень избирательный. Студенты должны представить образцы своих сочинений. Если возможно, некоторые школы также принимают видео- или аудиозаписи исполнения произведений учащихся. Требуются экзамены по истории музыки, теории музыки, тренировке слуха / диктанта и вступительный экзамен.

Студенты должны подготовить значимые произведения под руководством профессоров факультета. Некоторые школы требуют, чтобы студенты-композиторы DMA представили концерты своих произведений, которые обычно исполняют певцы или музыканты из школы. Завершение продвинутой курсовой работы и минимум среднего B - другие типичные требования программы прямого доступа к памяти. Во время программы DMA студент-композитор может получить опыт преподавания музыки студентам бакалавриата.

Другие маршруты [ править ]

Некоторые композиторы-классики не завершали программы композиции, но сосредоточили свои исследования на исполнении голоса или инструмента или на теории музыки и развили свои композиционные навыки в течение карьеры в другой музыкальной профессии.

Работа [ править ]

В средние века большинство композиторов работали в католической церкви и сочиняли музыку для религиозных служб, например, простые мелодии. В эпоху Возрождения композиторы обычно работали на аристократических работодателей. В то время как аристократы обычно требовали от композиторов создания значительного количества религиозной музыки, такой как мессы , композиторы также сочинили множество нерелигиозных песен на тему куртуазной любви : уважительной, благоговейной любви великой женщины издалека. Куртуазные песни о любви были очень популярны в эпоху Возрождения. В эпоху музыки барокко многие композиторы были наняты аристократами или служителями церкви. В классический периодкомпозиторы стали организовывать больше публичных концертов с целью получения прибыли, что помогло композиторам меньше зависеть от аристократических или церковных должностей. Эта тенденция продолжилась в эпоху романтической музыки 19 века. В 20 веке композиторы начали искать работу профессорами в университетах и ​​консерваториях. В 20-м веке композиторы также получали деньги от продажи своих произведений, таких нотных публикаций своих песен или произведений или звукозаписей своих произведений.

См. Также [ править ]

• Списки композиторов

Ссылки [ править ]

Внешние ссылки [ править ]

Найдите композитора в Викисловаре, бесплатном словаре.

• СМИ, связанные с композиторами на Викискладе?
• Композиторские общества в Керли
• Композиторы в Curlie
• Композиторы и аранжировщики в Curlie