Истории азиатского искусства включает в себя широкий спектр искусства из разных культур, регионов и религий на континенте Азии. Основные регионы Азии включают Центральную , Восточную , Южную , Юго-Восточную и Западную Азию .
Искусства Центральной Азии в основном состоит из произведений тюркских народов в евразийской степи , а азиатское искусство Востока включает в себя произведения из Китая, Японии и Кореи. Искусство Южной Азии включает искусство Индийского субконтинента , а искусство Юго-Восточной Азии включает искусство Таиланда, Лаоса, Вьетнама, Индонезии и Филиппин. Искусство Западной Азии охватывает искусство Ближнего Востока , в том числе древнее искусство Месопотамии , и в последнее время в нем преобладает исламское искусство .
Во многих отношениях история искусства в Азии идет параллельно с развитием западного искусства . [1] [2] Истории искусства Азии и Европы сильно переплетаются, причем азиатское искусство оказывает большое влияние на европейское искусство, и наоборот; культуры смешались с помощью таких методов, как передача искусства по Шелковому пути , культурный обмен эпохи открытий и колонизации , а также через Интернет и современную глобализацию . [3] [4] [5]
За исключением доисторического искусства , искусство Месопотамии представляет собой древнейшие формы искусства в Азии.
Центральноазиатское искусство
Искусство в Центральной Азии - это визуальное искусство, созданное в основном тюркскими народами современного Кыргызстана , Казахстана , Узбекистана , Туркменистана , Азербайджана , Таджикистана , Монголии , Тибета , Афганистана и Пакистана, а также некоторых частей Китая и России. [6] [7] В последние века искусство в регионе находилось под сильным влиянием исламского искусства . Раньше искусство Центральной Азии находилось под влиянием китайского, греческого и персидского искусства через передачу искусства по Шелковому пути . [8]
Кочевое народное искусство
Народное искусство кочевников является жизненно важным аспектом искусства Центральной Азии. Искусство отражает суть образа жизни кочевых групп, проживающих в этом регионе. Вы непременно будете поражены красотой полудрагоценных камней, лоскутного одеяла, резной двери и вышитых ковров, которые отражают это искусство. [9] [10]
Музыка и музыкальный инструмент
Центральная Азия богата классической музыкой и инструментами. Некоторые из известных классических музыкальных инструментов возникли в Среднеазиатском регионе. Рубаб , Домбра и Чанг - некоторые из музыкальных инструментов, используемых в музыкальном искусстве Центральной Азии. [11]
Возрождение среднеазиатского искусства
Жизнь народов Центральной Азии вращалась вокруг кочевого образа жизни. Таким образом, большая часть современного искусства Центральной Азии также вдохновлена кочевой жизнью, демонстрирующей золотую эру. На самом деле прикосновение к традициям и культуре в искусстве Центральной Азии является основным фактором привлечения внимания международных художественных форумов. Мировое признание искусства Центральной Азии, безусловно, прибавило ему ценности. [12]
Восточноазиатское искусство
Китайское искусство
Китайское искусство (китайский: 中國 藝術 / 中国 艺术) менялось на протяжении всей своей древней истории , разделенное на периоды правящими династиями Китая и меняющимися технологиями. На различные формы искусства оказали влияние великие философы, учителя, религиозные деятели и даже политические лидеры. Китайское искусство включает изобразительное искусство , народное искусство и исполнительское искусство . Китайское искусство - это искусство, современное или древнее, которое зародилось или практикуется в Китае или китайскими художниками или исполнителями.
В династии Сун поэзия была отмечена лирической поэзией, известной как Ci (詞), которая выражала чувство желания, часто в принятом образе. Также во времена династии Сун появились картины с более тонким выражением пейзажей с размытыми контурами и контурами гор, которые передавали расстояние посредством импрессионистической обработки природных явлений. Именно в этот период в живописи акцент делался на духовных, а не на эмоциональных элементах, как в предыдущий период. Куньцюй , самая старая из сохранившихся форм китайской оперы, возникла во времена династии Сун в Куньшане , недалеко от современного Шанхая. Во времена династии Юань живопись китайского художника Чжао Мэнфу (趙孟頫) сильно повлияла на более позднюю китайскую пейзажную живопись, и опера династии Юань стала вариантом китайской оперы, которая продолжается сегодня как кантонская опера .
Китайская живопись и искусство каллиграфии
Китайская живопись
Gongbi и Xieyi - два стиля живописи в китайской живописи.
Гунби означает «дотошный», его главные черты - насыщенные цвета и детали изображения, а его содержание - это в основном портреты или повествования. Сиеи означает «от руки», его форма часто преувеличена и нереальна, с акцентом на эмоциональное выражение автора и обычно используется при изображении пейзажей. [13]
Помимо бумаги и шелка, на стенах также была нанесена традиционная роспись, например, в пещерах Могао в провинции Ганьсу. Дуньхуан Могао Гроты были построены в династии Северная Вэй (386-534 н.э.). Он состоит из более чем 700 пещер, из которых 492 пещеры имеют фрески на стенах общей площадью более 45 000 квадратных метров. [14] [15] Фрески очень широки по содержанию, включая статуи Будды, рай, ангелов, важные исторические события и даже жертвователей. Стили живописи в ранней пещере получили влияние Индии и Запада. Со времен династии Тан (618–906 гг. Н. Э.) Фрески стали отражать уникальный стиль китайской живописи. [16]
Китайская каллиграфия
Китайская каллиграфия восходит к Дачжуань (большая печать), появившемуся во времена династии Чжоу . После того, как император Цинь объединил Китай, премьер-министр Ли Си собрал и составил стиль Сяочжуань (маленькая печать) в качестве нового официального текста. Скрипт маленькой печати очень элегантен, но его сложно написать быстро. Во времена династии Восточная Хань начал развиваться тип письменности, называемый Лишу (Официальный сценарий). Поскольку на нем нет кругов и очень мало изогнутых линий, он очень подходит для быстрого письма. После этого появился стиль Кайсю (традиционный обычный шрифт), структура которого стала проще и аккуратнее, этот шрифт широко используется и сегодня. [17] [18]
Древние китайские ремесла
Джейд
Ранний нефрит использовался как украшение или жертвенная утварь. Самый ранний китайский предмет из резного нефрита появился в культуре Хэмуду в период раннего неолита (около 3500–2000 гг. До н.э.). Во времена династии Шан (ок. 1600–1046 до н. Э.) Появились би (круглый перфорированный нефрит) и конг (квадратная нефритовая трубка), которые считались жертвенной утварью, олицетворяющей небо и землю. Во времена династии Чжоу (1046–256 гг. До н. Э.) Из-за использования инструментов для гравировки более высокой твердости нефрит вырезался более деликатно и стал использоваться как подвеска или украшение в одежде. [19] [20] Нефрит считался бессмертным и мог защитить владельца, поэтому предметы из резного нефрита часто хоронили вместе с умершими, например, нефритовый погребальный костюм из гробницы Лю Шэна, принца династии Западная Хань. . [20] [21]
Фарфор
Фарфор - это керамика, изготовленная из каолина при высокой температуре. Самая ранняя керамика в Китае появилась во времена династии Шан (около 1600–1046 гг. До н.э.). А производство керамики положило начало изобретению фарфора. История китайского фарфора восходит к династии Хань (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.). [22] Во времена династии Тан фарфор делился на селадон и белый фарфор. В династии Сун , Jingdezhen был выбран в качестве королевского производства фарфора центра и начал производить синий и белый фарфор. [23]
Современное китайское искусство
После конца последней феодальной династии в Китае , с появлением нового культурного движения , китайские художники начали испытывать влияние западного искусства и начали интегрировать западное искусство в китайскую культуру. [24] Под влиянием американского джаза китайский композитор Ли Цзиньхуэй (известный как отец китайской поп-музыки) начал создавать и продвигать популярную музыку, которая произвела фурор. [25] В начале 20 века масляная живопись была представлена в Китае, и все больше и больше китайских художников начали прикасаться к западным техникам живописи и сочетать их с традиционной китайской живописью. [26] Между тем, новая форма живописи, комиксы, также начала расти. Это было популярно среди многих людей и стало самым доступным способом развлечения в то время. [27]
Тибетское искусство
Тибетское искусство относится к искусству Тибета ( Тибетский автономный район в Китае) и других нынешних и бывших гималайских королевств ( Бутан , Ладакх , Непал и Сикким ). Тибетское искусство - это прежде всего форма священного искусства , отражающая доминирующее влияние тибетского буддизма на эти культуры. Песчаная мандала ( тиб . Килькхор ) - это традиция тибетского буддизма, символизирующая преходящую природу вещей. В рамках буддийского канона все материальное считается преходящим. Примером этого является песчаная мандала , поскольку после того, как она была построена, а сопровождающие ее церемонии и просмотр завершены, она систематически уничтожается .
Поскольку буддизм Махаяны возник как отдельная школа в 4 веке до нашей эры, он подчеркивал роль бодхисаттв , сострадательных существ, которые отказываются от своего личного побега в Нирвану , чтобы помогать другим. С давних времен различные бодхисаттвы также были предметами скульптурного искусства. Тибетский буддизм как продукт буддизма Махаяны унаследовал эту традицию. Но дополнительное доминирующее присутствие Ваджраяны (или буддийской тантры) могло иметь первостепенное значение в художественной культуре. Обычным бодхисаттвой, изображаемым в тибетском искусстве, является божество Ченрезиг (Авалокитешвара), часто изображаемое в виде тысячерукого святого с глазом в середине каждой руки, представляющего всевидящего и сострадательного человека, который слышит наши просьбы. Это божество также можно понимать как йидам , или «медитационный будда» для практики ваджраяны.
Тибетский буддизм содержит тантрический буддизм , также известный как буддизм Ваджраяны из- за общей символики ваджры , алмазной молнии (известной на тибетском языке как дорже ). Большую часть типичного тибетского буддийского искусства можно рассматривать как часть практики тантры. Техники ваджраяны включают в себя множество визуализаций / воображений во время медитации, и большая часть сложного тантрического искусства может рассматриваться как вспомогательные средства для этих визуализаций; от изображений медитативных божеств ( йидамов ) до мандал и всевозможных ритуальных инструментов.
Визуальный аспект тантрического буддизма - это обычное представление гневных божеств , часто изображаемых с сердитыми лицами, кругами пламени или черепами мертвых. Эти изображения представляют Защитников ( санскр . Дхармапала ), и их устрашающая осанка противоречит их истинной сострадательной природе. Фактически, их гнев представляет собой их преданность защите учения дхармы, а также защите определенных тантрических практик для предотвращения искажения или нарушения практики. Чаще всего они используются как гневные психологические аспекты, которые можно использовать для преодоления негативного отношения практикующего.
Историки отмечают, что китайская живопись оказала глубокое влияние на тибетскую живопись в целом. Начиная с XIV и XV веков, тибетская живопись включала в себя многие элементы китайской живописи, а в XVIII веке китайская живопись оказала глубокое и обширное влияние на тибетское изобразительное искусство. [28] По словам Джузеппе Туччи , ко времени династии Цин «тогда было развито новое тибетское искусство, которое в определенном смысле было провинциальным отголоском элегантной изысканности китайцев 18-го века». [28]
Японское искусство
Японское искусство и архитектура - это произведения искусства, созданные в Японии с момента появления там людей, где-то в 10-м тысячелетии до нашей эры, до наших дней. Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и средств массовой информации, включая древнюю керамику, скульптуру из дерева и бронзы, живопись тушью на шелке и бумаге и множество других видов произведений искусства; с древних времен до современного 21 века.
Эта форма искусства приобрела большую популярность в столичной культуре Эдо (Токио) во второй половине 17 века, начав с одноцветных работ Хисикавы Моронобу в 1670-х годах. Сначала использовались только индийские туши , затем некоторые отпечатки были раскрашены вручную кистью, но в 18 веке Судзуки Харунобу разработал технику полихромной печати для производства нисики-э .
Японская живопись (絵 画, Кайга ) - одно из старейших и наиболее изысканных видов японского искусства , охватывающее самые разные жанры и стили. Как и история японского искусства в целом, история японской живописи - это долгая история синтеза и конкуренции между эстетикой японцев и адаптацией заимствованных идей.
Истоки живописи в Японии уходят корнями в доисторический период Японии . Простые фигурки из палочек и геометрические узоры можно найти на керамике периода Дзёмон и бронзовых колокольчиках доотаку периода Яёи (300 г. до н.э. - 300 г. н.э.) . Фрески картины с обеими геометрическими и фигуративными конструкций были найдена в многочисленных курганах от периода Кофуна (300-700 н.э.).
Древняя японская скульптура в основном произошла от поклонения идолам в буддизме или анимистических обрядов синтоистского божества. В частности, из всех искусств скульптура наиболее прочно сосредоточилась на буддизме. Традиционно в качестве материалов использовались металл, особенно бронза, и, чаще, дерево, часто лакированное , позолоченное или ярко окрашенное. К концу периода Токугава такая традиционная скульптура - за исключением миниатюрных работ - в значительной степени исчезла из-за потери покровительства буддийскими храмами и знати.
Укиё , что означает «парящий мир», относится к бурной молодой культуре, которая процветала в городских центрах Эдо (современный Токио), Осаки и Киото , которые сами по себе были миром. Это иронический намек на омофонический термин «Скорбный мир» (憂 き 世), земной план смерти и возрождения, от которого буддисты стремились освободиться.
Корейское искусство
Корейское искусство известно своими традициями в гончарном деле, музыке, каллиграфии, живописи, скульптуре и других жанрах, часто отмеченных использованием ярких цветов, естественных форм, точной формы и масштаба, а также украшения поверхностей.
Несмотря на то, что между тремя независимыми культурами существуют четкие и различающиеся различия, между искусствами Кореи , Китая и Японии есть существенные исторические сходства и взаимодействия .
Изучение и оценка корейского искусства на Западе все еще находится на стадии становления. Из Кореи позиции «S между Китаем и Японией, Корея рассматривалась как простой трубопровод китайской культуры в Японию. Однако недавние ученые начали признавать собственное уникальное искусство, культуру и важную роль Кореи не только в передаче китайской культуры, но и в ее усвоении и создании собственной уникальной культуры. Искусство, рожденное и развитое нацией, есть собственное искусство.
Как правило, история корейской живописи датируется примерно 108 годом н.э., когда она впервые появляется как самостоятельная форма. Между тем временем и картинами и фресками, которые появляются на гробницах династии Корё , было мало исследований. Достаточно сказать, что до династии Чосон основное влияние оказывала китайская живопись, хотя в ней использовались корейские пейзажи, черты лица, буддийские темы и акцент на небесных наблюдениях в соответствии с быстрым развитием корейской астрономии.
На протяжении всей истории корейской живописи происходило постоянное разделение монохромных работ черной кистью на очень часто тутовой бумаге или шелке; и красочное народное искусство или мин-хва , ритуальные искусства, росписи надгробий и фестивальные искусства, в которых широко использовались цвета.
Это различие часто основывалось на классах: ученые, особенно в конфуцианском искусстве, считали, что в монохромных картинах можно увидеть цвет в пределах градаций, и чувствовали, что фактическое использование цвета огрубляет картины и ограничивает воображение. Корейское народное искусство и роспись архитектурных рам были замечены как осветляющие некоторые внешние деревянные рамы, и опять же в рамках традиции китайской архитектуры и раннего буддийского влияния обильного богатого тало и основных цветов, вдохновленных искусством Индии .
Современное искусство в Корее . Первым примером масляной живописи в западном стиле в корейском искусстве были автопортреты корейского художника Ко Ху и-донга (1886–1965). Только три из этих работ сохранились до наших дней. эти автопортреты передают понимание среды, которое выходит далеко за рамки утверждения стилистических и культурных различий. к началу двадцатого века решение рисовать маслом и холстом в Корее имело две разные интерпретации. Один из них - чувство просветления благодаря западным идеям и стилям искусства. Это просвещение произошло из интеллектуального движения семнадцатого и восемнадцатого веков. Ко писал этим методом в период аннексии Кореи Японией. В то время многие утверждали, что его искусство могло быть политическим, однако сам он утверждал, что был художником, а не политиком. Ко заявил: «Пока я был в Токио, произошла очень любопытная вещь. В то время в Токио было меньше сотни корейских студентов. Все мы пили свежий воздух и приступали к новым исследованиям, но были некоторые, кто насмехался над моим выбор изучать искусство. Близкий друг сказал, что для меня было неправильным учиться живописи в такое время ». [30]
Корейская керамика была признана еще в 6000 году до нашей эры. Эта керамика также называлась керамикой с гребенчатым рисунком из-за декоративных линий, вырезанных на внешней стороне. ранние корейские общества в основном зависели от рыболовства. Таким образом, они использовали глиняную посуду для хранения рыбы и других вещей, собранных из океана, например, моллюсков. Керамика имела два основных региональных различия. У керамики с восточного побережья, как правило, плоское основание, в то время как керамика на южном побережье имеет круглую основу. [31]
Южноазиатское искусство
Буддийское искусство
Буддийское искусство зародилось на Индийском субконтиненте в веках после жизни исторического Гаутамы Будды в 6–5 веках до нашей эры, прежде чем оно развилось благодаря контактам с другими культурами и распространению по остальной Азии и миру. Буддийское искусство путешествовало вместе с верующими по мере распространения, адаптации и развития дхармы в каждой новой принимающей стране. Он развился на север через Центральную Азию и в Восточную Азию, чтобы сформировать северную ветвь буддийского искусства, и на восток до Юго-Восточной Азии, чтобы сформировать южную ветвь буддийского искусства. В Индии буддийское искусство процветало и даже повлияло на развитие индуистского искусства, пока буддизм почти не исчез в Индии примерно в 10 веке нашей эры, отчасти из-за активного распространения ислама наряду с индуизмом .
Распространенным визуальным устройством в буддийском искусстве является мандала . С точки зрения зрителя, он схематично представляет идеальную вселенную. [32] [33] В различных духовных традициях мандалы могут использоваться для концентрации внимания стремящихся и адептов, инструмент духовного обучения, для установления священного пространства и как помощь в медитации и наведении транса . Его символическая природа может помочь человеку «получить доступ к все более глубоким уровням бессознательного, в конечном итоге помогая медитирующему испытать мистическое чувство единства с абсолютным единством, из которого возникает космос во всех его многообразных формах». [34] психоаналитик Карл Юнг видел мандал как «представление центра бессознательных себя» [35] , и считает его картину из мандал позволили ему выявить эмоциональные расстройства и работу по цельности в личности. [36]
Бутанское искусство
Бутанское искусство похоже на искусство Тибета . Оба основаны на буддизме Ваджраяны с его пантеоном божественных существ.
Основные направления буддизма в Бутане - Друкпа Кагью и Ньингма . Первая является ответвлением школы Кагью и известна картинами, документирующими линию передачи буддийских мастеров и 70 Дже Кхенпо (лидеров бутанского монашеского истеблишмента). Орден Ньингма известен изображениями Падмасамбхавы , которому приписывают введение буддизма в Бутан в 7 веке. Согласно легенде, Падмасамбхава спрятал священные сокровища , чтобы их нашли будущие буддийские мастера, особенно Пема Лингпа . В кладе Искатели ( тертон ) также частые предметы Ньингмы искусства.
Каждому божественному существу назначаются особые формы, цвета и / или идентифицирующие объекты, такие как лотос, раковина, молния и чаша для подаяний. Все священные изображения сделаны в точном соответствии с техническими характеристиками, которые оставались неизменными на протяжении веков.
Бутанское искусство особенно богато бронзовыми изделиями различных видов, которые в совокупности известны под названием Кхам-со (сделанные в Кхаме ), даже несмотря на то, что они сделаны в Бутане, поскольку техника их изготовления была первоначально импортирована из восточной провинции Тибета, называемой Кхам . Настенные росписи и скульптуры в этих регионах созданы на основе нестареющих идеалов буддийских форм искусства. Несмотря на то, что их акцент на деталях заимствован из тибетских моделей, их происхождение можно легко определить, несмотря на обильно расшитую одежду и сверкающие орнаменты, которыми они щедро покрыты. В гротескном мире демонов художники явно обладали большей свободой действий, чем при моделировании образов божественных существ.
Искусство и ремесла Бутана , олицетворяющие исключительный «дух и самобытность Гималайского королевства», определяются как искусство Зорига Чосума , что означает «тринадцать искусств и ремесел Бутана»; тринадцать ремесел - это столярное дело, живопись, изготовление бумаги, кузнечное дело, ткачество, лепка и многие другие ремесла. Институт Зориг Чосум в Тхимпху - главное учреждение традиционного искусства и ремесел, созданное правительством Бутана с единственной целью сохранения богатой культуры и традиций Бутана и обучения студентов всем традиционным формам искусства; есть еще одно подобное заведение в восточном Бутане, известное как Траши Янцзе. Сельская жизнь Бутана также представлена в « Музее народного наследия » в Тхимпху. В Тхимпху также есть «Студия добровольных художников», чтобы поощрять и продвигать виды искусства среди молодежи Тхимпху. Тринадцать искусств и ремесел Бутана и учреждения, созданные в Тхимпху для продвижения этих форм искусства: [37] [38]
Индийское искусство
Индийское искусство можно разделить на определенные периоды, каждый из которых отражает определенные религиозные, политические и культурные события. Самыми ранними примерами являются петроглифы, например, найденные в Бхимбетке , некоторые из них датируются периодом до 5500 г. до н.э. Изготовление таких произведений продолжалось несколько тысячелетий.
Затем последовало искусство цивилизации долины Инда . Более поздние примеры включают в себя вырезанные столбы из Эллоры , Махараштра государства . Другие примеры являются фресками из Аджанты и Эллоры Пещеры .
Вклад Империи Великих Моголов в индийское искусство включает живопись Моголов , стиль миниатюрной живописи, на который сильно повлияли персидские миниатюры , и архитектуру Великих Моголов .
Во время британского владычества , современная индийская живопись эволюционировала в результате сочетания традиционных индийские и европейские стилей. Раджа Рави Варма был пионером этого периода. Бенгальская школа искусств разработана в течение этого периода, во главе с Abanidranath Тагорой , Гаганендранат Тагором , Джеймини Роем , Мукулы Деями и Нандалал Бозе .
Один из самых популярных видов искусства в Индии называется Ранголи . Это форма украшения для рисования песком, в которой используется мелкоизмельченный белый порошок и цвета, и обычно она используется вне домов в Индии.
Изобразительное искусство (скульптура, живопись и архитектура) тесно взаимосвязано с невизуальным искусством. По словам Капилы Ватсьаяна , «классическая индийская архитектура, скульптура, живопись, литература (каавья), музыка и танцы развивали свои собственные правила, обусловленные их соответствующими средствами массовой информации, но они разделяли друг с другом не только основные духовные верования индийских религиозно-философских взглядов». разум, но также и процедуры, с помощью которых были детально проработаны отношения символа и духовных состояний ".
Понимание уникальных качеств индийского искусства лучше всего достигается через понимание философской мысли, обширной культурной истории, социальной, религиозной и политической подоплеки произведений искусства.
Конкретные периоды:
- Индуизм и буддизм древнего периода (3500 г. до н.э. - настоящее время)
- Исламское господство (712–1757 гг. Н. Э. )
- Колониальный период (1757–1947)
- Современное и постмодернистское искусство в Индии
- Независимость и постколониальный период (после 1947 г.)
Непальское искусство
Древняя и утонченная традиционная культура Катманду , в том числе и для всего Непала , представляет собой непрерывное и исключительное сочетание индуистского и буддийского этосов, практикуемых его высокорелигиозными людьми. Он также вобрал в себя культурное разнообразие других религий, таких как джайнизм , ислам и христианство .
Искусство Юго-Восточной Азии
Камбоджийское искусство
Камбоджийское искусство и культура Камбоджи имеют богатую и разнообразную историю, уходящую в глубь веков и находящуюся под сильным влиянием Индии . В свою очередь, Камбоджа сильно повлияла на Таиланд , Лаос и наоборот. На протяжении долгой истории Камбоджи главным источником вдохновения была религия. [39] На протяжении почти двух тысячелетий камбоджийцы развили уникальную кхмерскую веру на основе синкретизма местных анимистических верований и индийских религий буддизма и индуизма . Индийская культура и цивилизация, включая ее язык и искусство, достигли материковой части Юго-Восточной Азии примерно в I веке нашей эры. [40] Принято считать, что торговцы-мореплаватели принесли индийские обычаи и культуру в порты вдоль Сиамского залива и Тихого океана, торгуя с Китаем. Первым государством, получившим от этого выгоду, был Фунан . В разное время культура Камбоджи также вбирала в себя элементы яванской , китайской , лаосской и тайской культур. [41]
Изобразительное искусство Камбоджи
История изобразительного искусства Камбоджи уходит корнями в древние ремесла; Кхмерское искусство достигло своего пика в период Ангкора . Традиционное камбоджийское декоративно-прикладное искусство включают текстиль, нетекстильное ткачество , серебряное , резьбу по камню , лакированный , керамику , Ваты фрески , и кайт -Изготовление. [42] Начиная с середины 20-го века, в Камбодже зародилась традиция современного искусства, хотя в конце 20-го века как традиционное, так и современное искусство пришло в упадок по нескольким причинам, включая убийство художников красными кхмерами . Страна пережила недавнее художественное возрождение из-за возросшей поддержки со стороны правительств, неправительственных организаций и иностранных туристов. [43]
Кхмерская скульптура относится к каменной скульптуре Кхмерской империи , которая правила территорией, основанной на современной Камбодже, но более крупной, с 9 по 13 века. Самые известные образцы находятся в Ангкоре , который служил резиденцией империи.
К 7 веку кхмерская скульптура начинает отдаляться от индуистских влияний - прегупта для буддийских фигур, Паллава для индуистских фигур - и благодаря постоянной стилистической эволюции она развивает свою собственную оригинальность, которая к 10 веку может считаться полным и абсолютным. Кхмерская скульптура вскоре выходит за рамки религиозных представлений, что становится почти предлогом для изображения придворных фигур в обличье богов и богинь. [44] Но, кроме того, он также представляет собой средство и самоцель для выполнения стилистической изысканности, как своего рода испытательный полигон. Мы уже видели, как социальный контекст кхмерского королевства дает второй ключ к пониманию этого искусства. Но мы также можем представить, что на более эксклюзивном уровне работали небольшие группы интеллектуалов и художников, соревнуясь между собой в мастерстве и изысканности, преследуя гипотетическое совершенство стиля. [45]
Боги, которые мы находим в кхмерской скульптуре, принадлежат к двум великим религиям Индии, буддизму и индуизму . И они всегда представлены с большой иконографической точностью, что ясно указывает на то, что за выполнением работ руководили ученые священники. [41] Тем не менее, в отличие от тех индуистских изображений, которые повторяют идеализированный стереотип, эти изображения обрабатываются с большим реализмом и оригинальностью, потому что они изображают живые модели: короля и его двор. Истинная социальная функция кхмерского искусства, по сути, заключалась в прославлении аристократии через эти изображения богов, воплощенных в принцах. Фактически, культ «дева-раджа» требовал развития в высшей степени аристократического искусства, в котором люди должны были видеть осязаемое доказательство божественности государя, в то время как аристократия получала удовольствие видеть себя - если это правда, в идеализированном виде - увековеченные в великолепии замысловатых украшений, элегантных платьев и экстравагантных украшений. [46]
Скульптуры представляют собой восхитительные изображения богов, царственных и величественных существ, хотя и не без женской чувственности, заставляющих нас думать о важных лицах при дворе, лицах значительной власти. Художники, которые лепили камни, несомненно, выполнили основные задачи и требования, которые требовали заказчики. Скульптуры представляют избранное божество в ортодоксальной манере и с большим мастерством и мастерством изображают высокие фигуры двора во всем их великолепии, в одежде, украшениях и украшениях изысканной красоты. [47]
Индонезийское искусство
Искусство и культура Индонезии сформировались в результате длительного взаимодействия между исконными обычаями коренных народов и многочисленными иностранными влияниями. Индонезия занимает центральное место на древних торговых путях между Дальним Востоком и Ближним Востоком, в результате чего многие культурные обычаи находятся под сильным влиянием множества религий , включая индуизм , буддизм , конфуцианство и ислам, и все они сильны в крупных торговых городах. В результате получается сложная смесь культур, сильно отличающаяся от исходных культур коренных народов. Индонезия обычно не известна своими картинами, за исключением сложных и выразительных балийских картин, которые часто выражают естественные сцены и темы из традиционных танцев.
Другие исключения включают в себя местные рисунки красок Кении, основанные, как это обычно бывает в австронезийских культурах, на эндемичных природных мотивах, таких как папоротники, деревья, собаки, птицы-носороги и человеческие фигуры. Их до сих пор можно найти на стенах длинных домов Кения Даяк в регионе Апо Каян Восточного Калимантана .
Индонезия имеет давние бронзовый и железный века , но этот вид искусства особенно процветал с 8-го по 10-й век, как отдельные произведения искусства, так и включенные в храмы.
Наиболее примечательными являются сотни метров рельефной скульптуры в храме Боробудур в центральной части Явы . Примерно две мили изысканной рельефной скульптуры рассказывают историю жизни Будды и иллюстрируют его учения. Изначально в храме находилось 504 статуи сидящего Будды. Этот сайт, как и другие в центральной части Явы, демонстрирует явное индийское влияние.
Каллиграфия, в основном основанная на Коране , часто используется как украшение, поскольку ислам запрещает натуралистические изображения. Некоторые иностранные художники также поселились в Индонезии . Современные индонезийские художники используют самые разные стили и темы.
Балийское искусство
Балийский искусство является искусством индуса - Яванский происхождения , который вырос из работы ремесленников Маджапахита Королевства , с их экспансии на Бали в конце 13 - го века. С 16 по 20 века деревня Камасан, Клунгкунг (Восточный Бали), была центром классического балийского искусства. В первой половине 20-го века появились новые разновидности балийского искусства. С конца двадцатого века Убуд и соседние с ним деревни приобрели репутацию центра балийского искусства. Убуд и Батуан известны своими картинами, Мас - резьбой по дереву, Целук - золотыми и серебряными мастерами, а Батубулан - резьбой по камню. Коваррубиас [48] описывает балийское искусство как «... высокоразвитое, хотя и неформальное народное искусство в стиле барокко, сочетающее крестьянскую живость с утонченностью классицизма индуистской Явы, но свободное от консервативных предрассудков и с новой жизненной силой, вызванной изобилие демонического духа тропического первобытного человека ». Эйсман правильно указал, что балийское искусство на самом деле вырезано, раскрашено, соткано и приготовлено в предметы, предназначенные для повседневного использования, а не как объект искусства. [49]
В 1920-х годах, с приходом многих западных художников, Бали стал анклавом художников (как Таити был для Поля Гогена ) для художников-авангардистов, таких как Вальтер Спис (немецкий), Рудольф Бонне (голландский), Адриан-Жан Ле Майер ( Бельгиец), Ари Смит (голландец) и Дональд Френд (австралиец) в последние годы. Большинство этих западных художников имели очень небольшое влияние на балийцев до периода после Второй мировой войны, хотя в некоторых отчетах чрезмерно подчеркивается западное присутствие за счет признания балийского творчества.
Этот новаторский период творчества достиг пика в конце 1930-х годов. Поток известных посетителей, в том числе Чарли Чаплин и антропологи Грегори Бейтсон и Маргарет Мид , побудили талантливых местных жителей создавать очень оригинальные работы. Во время своего пребывания на Бали в середине 1930-х годов Бейтсон и Мид собрали более 2000 картин, преимущественно из деревни Батуан, но также из прибрежной деревни Санур. [50] Среди западных художников, шпионам и Бонне часто приписывают модернизацию традиционных балийских картин. Начиная с 1950-х годов, балийские художники использовали аспекты перспективы и анатомии этих художников. [51] Что еще более важно, они действовали как проводники перемен, поощряя эксперименты и способствуя отходу от традиций. Результатом стал взрыв индивидуального самовыражения, который увеличил скорость изменений в балийском искусстве.
Laotian art
Laotian art includes ceramics, Lao Buddhist sculpture, and Lao music.
Lao Buddhist sculptures were created in a large variety of material including gold, silver and most often bronze. Brick-and-mortar also was a medium used for colossal images, a famous of these is the image of Phya Vat (16th century) in Vientiane, although a renovation completely altered the appearance of the sculpture, and it no longer resembles a Lao Buddha. Wood is popular for small, votive Buddhist images that are often left in caves. Wood is also very common for large, life-size standing images of the Buddha. The most famous two sculptures carved in semi-precious stone are the Phra Keo (The Emerald Buddha) and the Phra Phuttha Butsavarat. The Phra Keo, which is probably of Xieng Sen (Chiang Saen) origin, is carved from a solid block of jade. It rested in Vientiane for two hundred years before the Siamese carried it away as booty in the late 18th century. Today it serves as the palladium of the Kingdom of Thailand, and resides at the Grand Palace in Bangkok. The Phra Phuttha Butsavarat, like the Phra Keo, is also enshrined in its own chapel at the Grand Palace in Bangkok. Before the Siamese seized it in the early 19th century, this crystal image was the palladium of the Lao kingdom of Champassack.
Many beautiful Lao Buddhist sculptures are carved right into the Pak Ou caves. Near Pak Ou (mouth of the Ou river) the Tham Ting (lower cave) and the Tham Theung (upper cave) are near Luang Prabang, Laos. They are a magnificent group of caves that are only accessible by boat, about two hours upstream from the center of Luang Prabang, and have recently become more well known and frequented by tourists. The caves are noted for their impressive Buddhist and Lao style sculptures carved into the cave walls, and hundreds of discarded Buddhist figures laid out over the floors and wall shelves. They were put there as their owners did not wish to destroy them, so a difficult journey is made to the caves to place their unwanted statue there.
Thai art
Thai art and visual art was traditionally and primarily Buddhist and Royal Art. Sculpture was almost exclusively of Buddha images, while painting was confined to illustration of books and decoration of buildings, primarily palaces and temples. Thai Buddha images from different periods have a number of distinctive styles. Contemporary Thai art often combines traditional Thai elements with modern techniques.
Traditional Thai paintings showed subjects in two dimensions without perspective. The size of each element in the picture reflected its degree of importance. The primary technique of composition is that of apportioning areas: the main elements are isolated from each other by space transformers. This eliminated the intermediate ground, which would otherwise imply perspective. Perspective was introduced only as a result of Western influence in the mid-19th century.
The most frequent narrative subjects for paintings were or are: the Jataka stories, episodes from the life of the Buddha, the Buddhist heavens and hells, and scenes of daily life.
The Sukhothai period began in the 14th century in the Sukhothai kingdom. Buddha images of the Sukhothai period are elegant, with sinuous bodies and slender, oval faces. This style emphasized the spiritual aspect of the Buddha, by omitting many small anatomical details. The effect was enhanced by the common practice of casting images in metal rather than carving them. This period saw the introduction of the "walking Buddha" pose.
Sukhothai artists tried to follow the canonical defining marks of a Buddha, as they are set out in ancient Pali texts:
- Skin so smooth that dust cannot stick to it;
- Legs like a deer;
- Thighs like a banyan tree;
- Shoulders as massive as an elephant's head;
- Arms round like an elephant's trunk, and long enough to touch the knees;
- Hands like lotuses about to bloom;
- Fingertips turned back like petals;
- head like an egg;
- Hair like scorpion stingers;
- Chin like a mango stone;
- Nose like a parrot's beak;
- Earlobes lengthened by the earrings of royalty;
- Eyelashes like a cow's;
- Eyebrows like drawn bows.
Sukhothai also produced a large quantity of glazed ceramics in the Sawankhalok style, which were traded throughout Southeast Asia.
Vietnamese art
Vietnamese art is from one of the oldest of such cultures in the Southeast Asia region. A rich artistic heritage that dates to prehistoric times and includes: silk painting, sculpture, pottery, ceramics, woodblock prints, architecture, music, dance and theatre.
Traditional Vietnamese art is art practiced in Vietnam or by Vietnamese artists, from ancient times (including the elaborate Đông Sơn drums) to post-Chinese domination art which was strongly influenced by Chinese Buddhist art, among other philosophies such as Taoism and Confucianism. The art of Champa and French art also played a smaller role later on.
The Chinese influence on Vietnamese art extends into Vietnamese pottery and ceramics, calligraphy, and traditional architecture. Currently, Vietnamese lacquer paintings have proven to be quite popular.
The Nguyễn dynasty, the last ruling dynasty of Vietnam (c. 1802–1945), saw a renewed interest in ceramics and porcelain art. Imperial courts across Asia imported Vietnamese ceramics.
Despite how highly developed the performing arts (such as imperial court music and dance) became during the Nguyễn dynasty, some view other fields of arts as beginning to decline during the latter part of the Nguyễn dynasty.
Beginning in the 19th century, modern art and French artistic influences spread into Vietnam. In the early 20th century, the École Supérieure des Beaux Arts de l’Indochine (Indochina College of Arts) was founded to teach European methods and exercised influence mostly in the larger cities, such as Hanoi and Ho Chi Minh City.[52]
Travel restrictions imposed on the Vietnamese during France's 80-year rule of Vietnam and the long period of war for national independence meant that very few Vietnamese artists were able to train or work outside of Vietnam.[53] A small number of artists from well-to-do backgrounds had the opportunity to go to France and make their careers there for the most part.[53] Examples include Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang and Pham Tang.[53]
Modern Vietnamese artists began to utilize French techniques with many traditional mediums such as silk, lacquer, etc., thus creating a unique blend of eastern and western elements.
Vietnamese calligraphy
Calligraphy has had a long history in Vietnam, previously using Chinese characters along with chữ nôm. However, most modern Vietnamese calligraphy instead uses the Roman-character based Quốc Ngữ, which has proven to be very popular.
In the past, with literacy in the old character-based writing systems of Vietnam being restricted to scholars and elites, calligraphy nevertheless still played an important part in Vietnamese life. On special occasions such as the Lunar New Year, people would go to the village teacher or scholar to make them a calligraphy hanging (often poetry, folk sayings or even single words). People who could not read or write also often commissioned scholars to write prayers which they would burn at temple shrines.
Filipino art
The earliest known Filipino art are the rock arts, where the oldest is the Angono Petroglyphs, made during the Neolithic age, dated between 6000 and 2000 BC. The carvings were possibly used as part of an ancient healing practice for sick children. This was followed by the Alab Petroglyphs, dated not later than 1500 BC, which exhibited symbols of fertility such as a pudenda. The art rock arts are petrographs, including the charcoal rock art from Peñablanca, charcoal rock art from Singnapan, red hematite art at Anda,[54] and the recently discovered rock art from Monreal (Ticao), depicting monkeys, human faces, worms or snakes, plants, dragonflies, and birds.[55] Between 890 and 710 BC, the Manunggul Jar was made in southern Palawan. It served as a secondary burial jar, where the top cover depicts the journey of the soul into the afterlife through a boat with a psychopomp.[56] In 100 BC, the Kabayan Mummy Burial Caves were carved from a mountain. Between 5 BC-225 AD, the Maitum anthropomorphic pottery were created in Cotabato. The crafts were secondary burial jars, with many depicting human heads, hands, feet, and breast.[57]
By the 4th century AD, and most likely before that, ancient people from the Philippines have been making giant warships, where the earliest known archaeological evidences have been excavated from Butuan, where the ship was identified as a balangay and dated at 320 AD.[58] The oldest, currently found, artifact with a written script on it is the Laguna Copperplate Inscription, dated 900 AD. The plate discusses the payment of a debt.[59] The Butuan Ivory Seal is the earliest known ivory art in the country, dated between the 9th to 12th century AD. The seal contains carvings of an ancient script.[60] During this period, various artifacts were made, such as the Agusan image, a gold statue of a deity, possibly influenced by Hinduism and Buddhism.[61] From the 12th to 15th century, the Butuan Silver Paleograph was made. The script on the silver has yet to be deciphered.[62] Between the 13th–14th century, the natives of Banton, Romblon crafted the Banton cloth, the oldest surviving ikat textile in Southeast Asia. The cloth was used as a death blanket.[63] By the 16th century, up to the late 19th century, Spanish colonization influenced various forms of art in the country.[64]
From 1565 to 1815, Filipino craftsfolk were making the Manila galleons used for the trading of Asia to the Americas, where many of the goods go into Europe.[65] In 1565, the ancient tradition of tattooing in the Philippines was first recorded through the Pintados.[66] In 1584, Fort San Antonio Abad was completed, while in 1591, Fort Santiago was built. By 1600, the Rice Terraces of the Philippine Cordilleras were made. Five rice terrace clusters have been designated as world heritage sites.[67] In 1607, the San Agustin Church (Manila) was built. The building has been declared as a world heritage site. The site is famous for its painted interior.[68] In 1613, the oldest surviving suyat writing on paper was written through the University of Santo Tomas Baybayin Documents.[69] Following 1621, the Monreal Stones were created in Ticao, Masbate.[70] In 1680, the Arch of the Centuries was made. In 1692, the image of Nuestra Senora de la Soledad de Porta Vaga was painted.[71]
Manaoag Church was established in 1701. In 1710, the world heritage site of Paoay Church was built. The church is known for its giant buttresses, part of the earthquake Baroque architecture.[68] In 1720, the religious paintings at Camarin de da Virgen in Santa Ana were made.[72] In 1725, the historical Santa Ana Church was built. In 1765, the world heritage site of Santa Maria Church was built. The site is notable for its highland structure.[68] Bacarra Church was built in 1782. In 1783, the idjangs, castle-fortresses, of Batanes were first recorded. The exact age of the structures are still unknown.[73] In 1797, the world heritage site of Miagao Church was built. The church is famous for its facade carvings.[68] Tayum Church was built in 1803. In 1807, the Basi Revolt paintings were made, depicting the Ilocano revolution against Spanish interference on basi production and consumption. In 1822, the historical Paco Park was established. In 1824, the Las Piñas Bamboo Organ was created, becoming the first and only organ made of bamboo. By 1852, the Sacred Art paintings of the Parish Church of Santiago Apostol were finished. In 1884, both the Assassination of Governor Bustamante and His Son and Spoliarium won prizes during at art competition in Spain. In 1890, the painting, Feeding the Chicken, was made. The Parisian Life was painted in 1892, while La Bulaqueña was painted in 1895. The clay art, The Triumph of Science over Death, was crafted in 1890.[74] In 1891, the first and only all-steel church in Asia, San Sebastian Church (Manila), was built. In 1894, the clay art Mother's Revenge was made.[75]
In the 20th century, or possibly earlier, the Koran of Bayang was written. During the same time, the Stone Agricultural Calendar of Guiday, Besao was discovered by outsiders. In 1913, the Rizal Monument was completed. In 1927, the University of Santo Tomas Main Building was rebuilt, while its Central Seminary Building was built in 1933. In 1931, the royal palace Darul Jambangan of Sulu was destroyed.[76] On the same year, the Manila Metropolitan Theater was built. The Progress of Medicine in the Philippines paintings were finished in 1953. Santo Domingo Church was built in 1954. In 1962, the International Rice Research Institute painting was completed, while the Manila Mural was made in 1968. In 1993, the Bonifacio Monument was created.[72][77]
Западноазиатское / ближневосточное искусство
Art of Mesopotamia
Art of Israel and the Jewish diaspora
Islamic art
Iranian art
Arab art
Галерея искусства Азии
Shang Dynasty (Yin) bronze ritual wine vessel, dating to the 13th century BC, Chinese
The Terracotta Army sculpture, 3rd century BC, Chinese
Standing Buddha sculpture, ancient region of Gandhara, northern Pakistan, 1st century CE, Musée Guimet
Seated Buddha, Gandhara, 2nd century CE
The Buddha statue of Avukana, 5th century, Sri Lanka
Asura in Kōfuku-ji, Nara, 734, Japanese
Floating Figures Dancing, mural, circa 850, Indian
Boddhisattva of Plaosan, 9th century Shailendra art, Central Java, Indonesia.
Buddhist sculpture Silla Dynasty, 9th century, Korean
Agusan image gold statue (9th-10th century), Philippines
Song Dynasty porcelain bottle with iron pigment over transparent colorless glaze, 11th century, Chinese
Autumn in the River Valley, Guo Xi (c. 1020–1090 AD), 1072 AD, Chinese
Apsaras of Angkor Wat, 12th century Cambodia
Pranjaparamita of Singhasari, 13th century Java art, Indonesia
Buddha, 14th century, Cambodia
Majapahit Terracotta piggybank, 14th century East Java, Indonesia
Budha performing bhūmisparsa mudrā position. Ho Phra Kaeo temple, Vientiane, Laos
Phra Achana Buddha in Wat Sichum, 13th century Sukhothai, Thailand
Chinese Zen Buddhist Wuzhun Shifan, 1238 AD, Song Dynasty
Gita Govinda manuscript c. 1500, Prince of Wales Museum, Bombay, India
Chrysanthemum styled porcelain vase, Ming Dynasty, 1368–1644 AD, Chinese
A White-Robed Kannon, Bodhisattva of Compassion, Kanō Motonobu (1476–1559), Japanese
A screen painting depicting people playing Go, Kanō Eitoku (1543–1590), Japanese
Right panel of the Pine Trees screen (Shōrin-zu byōbu, 松林図 屏風) by Hasegawa Tōhaku (1539–1610), Japanese
Genji Monogatari, Tosa Mitsuoki, (1617–1691), Japanese
An underworld messenger, Joseon Dynasty, Korean
Ivory carving of Christ Child with gold paint (c. 1580–1640), Philippines
After Rain at Mt. Inwang, Cheong Seon (1676–1759), Korean
Nuestra Senora de la Soledad de Porta Vaga (c.1692), Philippines
Hell scene on Kertha Gosa Pavilion, Balinese art, circa 18th century, Indonesia
Virgin Mary ivory head with inlaid glass eyes (18-19th century), Philippines
The 10 Avatars of Vishnu, c. 19th century India
Смотрите также
- History of Asia
Specific topics in Asian art
- Category:Arts in Asia by country
- Night in paintings (Eastern art)
- Scythian art
- History of Chinese art
- Culture of the Song Dynasty
- Ming Dynasty painting
- Tang Dynasty art
- Lacquerware
- Mandala
- Emerald Buddha
- Urushi-e
- Asian art
- Gautama Buddha
- Buddhism and Hinduism
- List of National Treasures of Japan (paintings)
- List of National Treasures of Japan (sculptures)
General art topics
- History of painting
- Landscape painting
Oceania
Australia
New Zealand
The Pacific Islands
Рекомендации
- ^ Sullivan, Michael (1997). The Meeting of Eastern and Western Art (Paperback) (Revised and Expanded ed.). University of California Press. ISBN 9780520212367.
- ^ Japonisme: The Japanese Influence on Western Art Since 1858 (Paperback) by Siegfried Wichmann# Publisher: Thames & Hudson; New Ed edition (November 19, 1999), ISBN 0-500-28163-7, ISBN 978-0-500-28163-5
- ^ The Meeting of Eastern and Western Art, Revised and Expanded edition (Hardcover) by Michael Sullivan, Publisher: University of California Press; Rev Exp Su edition (June 1, 1989), ISBN 0-520-05902-6, ISBN 978-0-520-05902-3
- ^ [1] NY Times, Holland Cotter, accessed online October 27, 2007
- ^ Metropolitan Museum of Art, Ancient Near Eastern Art
- ^ "Central Asia :: The Collection :: Art Gallery NSW". www.artgallery.nsw.gov.au. Retrieved October 3, 2019.
- ^ A. A. Hakimov, E. Novgorodova and A. H. Dani (1996). "ARTS AND CRAFTS" (PDF). UNESCO. Archived from the original (PDF) on August 13, 2016.
- ^ Encyclopædia Britannica, Central Asian Arts. 2012. Retrieved May 17, 2012. Encyclopædia Britannica.
- ^ "Contemporary Art in Central Asia as an Alternative Forum for Discussions – Voices On Cental Asia". Retrieved October 3, 2019.
- ^ Carr, Karen (May 31, 2017). "Central Asian Art". Quatr.us Study Guides. Retrieved October 3, 2019.
- ^ Hays, Jeffrey. "Culture, Art, Crafts and Music From in Central Asia". factsanddetails.com. Retrieved October 3, 2019.
- ^ Berczi, Szaniszlo (September 15, 2009). "Ancient Art of Central-Asia". Journal of Eurasian Studies. 1: 21–27.
- ^ Jiang, S., Du, J., Huang, Q., Huang, T., & Gao, W. (2005). Visual Ontology Construction for Digitized Art Image Retrieval. Journal Of Computer Science And Technology, 20(6), 855–860. doi: 10.1007/s11390-005-0855-x
- ^ The community distribution of bacteria and fungi on ancient wall paintings of the Mogao Grottoes. (2015). Scientific Reports., 5. https://doi.org/10.1038/srep07752
- ^ Kenderdine, S. (2013). “Pure Land”: Inhabiting the Mogao Caves at Dunhuang. Curator: The Museum Journal, 56(2), 199–218. doi: 10.1111/cura.12020
- ^ "Mogao caves at Dunhuang". Khan Academy. Retrieved May 31, 2019.
- ^ Yee, C. (2019). Chinese calligraphy | Description, History, & Facts. Retrieved from https://www.britannica.com/art/Chinese-calligraphy
- ^ Chiang, Y. (1973). Chinese calligraphy (Vol. 60). Harvard University Press.
- ^ Cartwright, M. (2019). Jade in Ancient China. Retrieved from [https://www.worldhistory.org/article/1088/jade-in-ancient-china/ worldhistory.org]
- ^ a b Sullivan, M., & Silbergeld, J. (2019). Chinese jade. Retrieved from https://www.britannica.com/art/Chinese-jade
- ^ Shan, Jun. "Importance of Jade in Chinese Culture". ThoughtCo. Retrieved June 1, 2019.
- ^ Valenstein, S. G. (1988). A handbook of Chinese ceramics. Metropolitan museum of art.
- ^ "Chinese Porcelain | Silk Roads". en.unesco.org. Retrieved May 31, 2019.
- ^ Andrews, J. F., & Shen, K. (2012). The art of modern China. Univ of California Press.
- ^ "History of Chinese Pop Music". www.playlistresearch.com. Retrieved June 3, 2019.
- ^ "A century of Chinese oil painting". www.chinadaily.com.cn. Retrieved June 3, 2019.
- ^ Lent, J. A., & Ying, X. (2017). Comics Art in China. Univ. Press of Mississippi.
- ^ a b McKay, Alex. The History of Tibet. Routledge. 2003. p. 596-597. ISBN 0-7007-1508-8
- ^ Birds and Flower of the Four Seasons at wikiart.org
- ^ Kee, Joan (April 2013). "Contemporary Art in Early Colonial Korea: The Self Portraits of Ko Hui-dong". Art History. 36 (2): 392–417. doi:10.1111/j.1467-8365.2013.00950.x.
- ^ "Early Korean History". Early Korean History: 1. 2007.
- ^ Blume, Nancy. "Exploring the Mandala". Asia Society. Asia Society. Retrieved November 19, 2017.
- ^ Violatti, Cristian. "Mandala". World History Encyclopedia. Retrieved November 19, 2017.
- ^ See David Fontana: "Meditating with Mandalas", p. 10
- ^ Carl Jung and the Mandala Retrieved January 14, 2010[dead link]
- ^ See C G Jung: Memories, Dreams, Reflections, pp.186–197
- ^ Brown, p. 104
- ^ "Bhutan:Arts & Crafts". Tourism Council of Bhutan:Government of Bhutan. Archived from the original on June 12, 2010. Retrieved June 7, 2010.
- ^ "Artisans Angkor". www.artisansdangkor.com. Retrieved October 3, 2019.
- ^ "Cambodia Faces 'Dark Episode' With Revival of Traditional Arts, Culture". Voice of America. Retrieved October 3, 2019.
- ^ a b "Cambodian Culture and its Glorious Tradition of Artistic Practice". Widewalls. Retrieved October 3, 2019.
- ^ "Arts and Crafts in Cambodia | Asia Highlights". www.asiahighlights.com. Retrieved October 3, 2019.
- ^ Corey, Pamela (2014). "The 'First' Cambodian Contemporary Artist" (PDF). Journal of Khmer Studies – via Cornell University.
- ^ "Rehabilitation and preservation of Cambodian performing arts". unesdoc.unesco.org. Retrieved October 3, 2019.
- ^ "Khmer Art and Culture – Khmer Culture | Tourism Cambodia". www.tourismcambodia.com. Retrieved October 3, 2019.
- ^ Phungtian, Charuwan. "Thai – Cambodian Culture Relationship through Arts" (PDF). Buddha Dharma Education Association Inc. – via Magadh University.
- ^ "Art & Architecture in Cambodia | Inside Asia Tours". www.insideasiatours.com. Retrieved October 3, 2019.
- ^ Covarrubias, Miguel (1937). Island of Bali. Cassel.
- ^ Eiseman, Fred and Margaret (1988). Woodcarving of Bali. Periplus.
- ^ Geertz, Hildred (1994). Images of Power: Balinese Paintings Made for Gregory Bateson and Margaret Mead. University of Hawaii Press. ISBN 978-0-8248-1679-7.
- ^ Couteau, Jean (1999). Catalogue of the Museum Puri Lukisan. Ratna Wartha Foundation (i.e. the Museum Puri Lukisan). ISBN 979-95713-0-8.
- ^ "Art History – A Brief History Of Vietnam Fine Art". Archived from the original on March 4, 2010.
- ^ a b c Ngoc, Huu (2000). "Modern Painting: Tracing the Roots". Vietnam Cultural Window. Thế Giới Publishers. 29. Archived from the original on March 6, 2012. Retrieved April 23, 2010. Full text available here Archived March 27, 2010, at the Wayback Machine
- ^ Centre, UNESCO World Heritage. "Petroglyphs and Petrographs of the Philippines". UNESCO World Heritage Centre.
- ^ "Archived copy". Archived from the original on July 7, 2020. Retrieved July 10, 2020.CS1 maint: archived copy as title (link)
- ^ "Archived copy". Archived from the original on January 8, 2020. Retrieved July 10, 2020.CS1 maint: archived copy as title (link)
- ^ "Archived copy". Archived from the original on July 29, 2020. Retrieved July 10, 2020.CS1 maint: archived copy as title (link)
- ^ "Malay ancestors' 'balangay' declared PH's National Boat | mb.com.ph | Philippine News". December 8, 2015. Archived from the original on December 8, 2015.
- ^ Postma, Antoon (April–June 1992). "The Laguna Copper-Plate Inscription: Text and Commentary". Philippine Studies. Ateneo de Manila University. 40 (2): 182–203. JSTOR 42633308.
- ^ "Archived copy". Archived from the original on November 19, 2018. Retrieved July 10, 2020.CS1 maint: archived copy as title (link)
- ^ Ocampo, Ambeth R. (June 26, 2019). "The Gold Tara of Agusan". inquirer.net.
- ^ "Archived copy". Archived from the original on October 18, 2018. Retrieved July 10, 2020.CS1 maint: archived copy as title (link)
- ^ Ocampo, Ambeth R. (October 19, 2011). "History and design in Death Blankets". inquirer.net.
- ^ [2]
- ^ "Forgotten history? The polistas of the Galleon Trade". Rappler.
- ^ The Project Gutenberg EBook of The Philippine Islands, 1493–1803, Volume II, 1521–1569, by Emma Helen Blair, p. 126
- ^ "Demystifying the age of the Ifugao Rice Terraces to decolonize history". Rappler.
- ^ a b c d Centre, UNESCO World Heritage. "Baroque Churches of the Philippines". UNESCO World Heritage Centre.
- ^ Sembrano, Edgar Allan M. (August 25, 2014). "UST documents in ancient 'baybayin' script declared a National Cultural Treasure". Philippine Daily Inquirer. Archived from the original on August 25, 2014. Retrieved August 26, 2014.
- ^ Potet, Jean-Paul G. (2019). Baybayin, the Syllabic Alphabet of the Tagalogs. Lulu.com. p. 115. ISBN 9780244142414.
but an examination reveals that they cannot be earlier than the 17th century because in the excerpt shown here, the letter nga (frames 1 and 3) has the /a/-deleter cross that Father LOPEZ introduced in 1621, and this cross is quite different from the diacritic placed under the character ya to represent the vowel /u/: /yu/ (frame 2).
- ^ Panlilio, Erlinda Enriquez (2003). "Consuming passions: Philippine collectibles", pg. 70. Jaime C. Laya. ISBN 9712714004.
- ^ a b "NCCA guidelines" (PDF). ncca.gov.ph. Retrieved February 24, 2020.
- ^ Howard T. Fry, "The Eastern Passage and Its Impact on Spanish Policy in the Philippines, 1758–1790", Philippine Studies, vol.33, First Quarter, 1985, pp.3–21, p.18.
- ^ Reyes, Raquel A. G. (2008). Love, Passion and Patriotism: Sexuality and the Philippine Propaganda Movement, 1882 – 1892. NUS Press, National University of Singapore (2008). ISBN 9789971693565. Retrieved November 24, 2013.
- ^ "Archived copy". Archived from the original on May 27, 2020. Retrieved July 10, 2020.CS1 maint: archived copy as title (link)
- ^ Lacson, Nonoy E. (July 4, 2018). "'Pearl of Sulu Sea' show-cased". Manila Bulletin. Retrieved February 22, 2020.
- ^ "Collections". www.nationalmuseum.gov.ph. Retrieved February 24, 2020.
дальнейшее чтение
- Arts of Korea. New York: The Metropolitan Museum of Art. 1998. ISBN 0870998501.
- Welch, Stuart Cary (1985). India: art and culture, 1300-1900. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 9780944142134.
Внешние ссылки
- Chinese Art and Galleries at China Online Museum
- Asian Art at the Metropolitan Museum of Art
- Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery at the Smithsonian Institution
- Contemporary Vietnamese Art Collection at RMIT University Vietnam