Японская живопись

Набор раздвижных дверей из сливового дерева. Автор Кану Санраку , начало 17 века.

Японская живопись (絵 画, кайга, также гадо 画 道) - одно из старейших и наиболее изысканных японских изобразительных искусств , охватывающее самые разные жанры и стили. Как и в случае с историей японского искусства в целом, долгая история японской живописи демонстрирует синтез и конкуренцию между исконной японской эстетикой и адаптацией заимствованных идей, главным образом из китайской живописи , которая оказала особое влияние во многих отношениях; значительное западное влияние приходит только с конца 16 века, начиная с того времени, когда японское искусство оказывало влияние на западное .

Сферы тематики, в которых китайское влияние неоднократно оказывалось значительным, включают буддийскую религиозную живопись, живопись пейзажей в китайской литературной традиции, каллиграфию иероглифов ^[1], а также живопись животных и растений, особенно птиц и цветов . Однако во всех этих областях сложились характерные японские традиции. Сюжет, который считается наиболее характерным для японской живописи, а затем и для гравюры., это изображение сцен из повседневной жизни и повествовательных сцен, которые часто переполнены фигурами и деталями. Эта традиция, несомненно, зародилась в раннем средневековье под влиянием Китая, которое сейчас невозможно проследить, за исключением самых общих черт, но с периода самых ранних сохранившихся произведений превратилась в специфически японскую традицию, которая просуществовала до современного периода.

Официальный Список национальных сокровищ Японии (картины) включает 162 произведения или наборы произведений с 8 по 19 века, которые представляют собой вершины достижений или очень редкие пережитки ранних периодов.

Хронология [ править ]

Древняя Япония и период Аски (до 710 г.) [ править ]

Истоки живописи в Японии уходят корнями в доисторический период Японии . Простые фигурные изображения, а также ботанические, архитектурные и геометрические узоры можно найти на керамике периода Дзёмон и бронзовых колокольчиках доотаку периода Яёй (1000 г. до н.э. - 300 г. н.э.) . Фрески картины с обеих геометрических и фигурными конструкций были найдены в многочисленных курганах знакомства в период Кофун и период Асука (300-700 н.э.).

Наряду с введением китайской системы письма ( кандзи ), китайских способов государственного управления и буддизма в период Асука, многие произведения искусства были импортированы в Японию из Китая, и начали производиться местные копии в аналогичных стилях.

Период Нара (710–794) [ править ]

С дальнейшим утверждением буддизма в Японии VI и VII веков религиозная живопись процветала и использовалась для украшения многочисленных храмов, построенных аристократией. Тем не менее, Япония периода Нара известна больше за важный вклад в искусство скульптуры, чем живопись.

Самые ранние сохранившиеся картины этого периода включают фрески на внутренних стенах Кондо (金堂) в храме Хурю-дзи в Икаруге, префектура Нара . Эти фрески, а также нарисованные изображения на важном храме Тамамуси включают в себя такие рассказы, как джатака , эпизоды из жизни исторического Будды Шакьямуни , а также культовые изображения будд, бодхисаттв и различных второстепенных божеств. Стиль напоминает китайскую живопись времен династии Суй или конца Шестнадцати королевств.период. Однако к середине периода Нара большую популярность приобрели картины в стиле династии Тан . К ним также относятся настенные фрески в гробнице Такамацузука , датируемые примерно 700 годом нашей эры. Этот стиль превратился в жанр ( Кара-э ), который оставался популярным в ранний период Хэйан .

Поскольку большинство картин периода Нара носят религиозный характер, подавляющее большинство написано анонимными художниками. Большая коллекция искусства периода Нара, как японского, так и времен китайской династии Тан ^[2] , хранится в Сёсо-ин , хранилище 8-го века, ранее принадлежавшем Тодай-дзи и в настоящее время находящимся в ведении Управления Императорского двора .

Период Хэйан (794–1185) [ править ]

С развитием эзотерической буддийской секты Сингон и Тэндай , живопись 8 - го и 9 - го века характеризуется религиозными образами, особенно окрашенные Мандала (曼荼羅, Mandara ) . Многочисленные версии мандал, наиболее классно Алмазный Realm Mandala и утробы Realm Mandala на Тодзи в Киото, были созданы как висят свитки , а также как фрески на стенах храмов. Отмеченный ранний пример находится в пятиэтажном пагоды из Дайго-дзи , храм к югу от Киото.

Школа Косэ была семьей придворных художников, основанной Канаока Косэ во второй половине IX века, в ранний период Хэйан. Эта школа представляет собой не единый стиль рисования, как другие школы, а различные стили рисования, созданные Канаока Косе и его потомками и учениками. Эта школа изменила китайский стиль живописи с китайской тематикой на японский и сыграла важную роль в формировании стиля живописи ямато-э . ^{[3] [4]}

С ростом значения сект Чистой Земли в японском буддизме в 10 веке были разработаны новые типы изображений, чтобы удовлетворить религиозные потребности этих сект. К ним относятся райгозу (来 迎 図) , на которых изображен Будда Амида вместе с сопровождающими его бодхисаттвами Каннон и Сейши, прибывающими, чтобы поприветствовать души верующих, отправившихся в Западный рай Амиды. Известный ранний образец, датируемый 1053 годом, изображен на внутренней части Зала Феникса Бёдо-ин , храма в Удзи, Киото . Это также считается ранним примером так называемого Ямато-э (大 和 絵, «живопись в японском стиле»)., поскольку он включает элементы ландшафта, такие как мягкие холмы, которые, кажется, частично отражают реальный вид ландшафта западной Японии.

Период середины Хэйан считается золотым веком Ямато-э, которые первоначально использовались в основном для раздвижных дверей ( фусума ) и складных ширм ( byōbu ). Тем не менее, новые форматы живописи также вышли на первый план, особенно к концу периода Хэйан, включая эмакимоно или длинные иллюстрированные ручные свитки. Разновидности эмакимоно включают иллюстрированные романы, такие как Гэндзи Моногатари , исторические произведения, такие как Ban Dainagon Ekotoba , и религиозные произведения. В некоторых случаях эмаки художники использовали живописные повествовательные условности, которые использовались в буддийском искусстве с древних времен, в то время как в другое время они разрабатывали новые повествовательные приемы, которые, как считается, визуально передают эмоциональное содержание основного повествования. Гэндзи Моногатари разделен на отдельные эпизоды, в то время как более оживленный Ban Dainagon Ekotoba использует непрерывный режим повествования, чтобы подчеркнуть поступательное движение повествования. Эти два эмаки также отличаются стилистически: быстрые мазки кисти и светлая окраска Ban Dainagon резко контрастируют с абстрактными формами и яркими минеральными пигментами свитков Гэндзи . Осада Sanjo дворца еще один известный пример этого вида живописи.

Е-маки также служат одними из самых ранних и величайших примеров онна-э («женские рисунки») и отоко-э («мужские рисунки») и стилей живописи. У этих двух стилей есть много тонких различий. Хотя эти термины, кажется, предполагают эстетические предпочтения каждого пола, историки японского искусства давно обсуждают фактическое значение этих терминов, и они остаются неясными. Возможно, наиболее легко заметить различия в предметах. Онна-э , воплощенный в повествовании о свитке рук Гэндзи , обычно имеет дело с придворной жизнью и придворными романами, в то время как отоко-э часто имеет дело с историческими или полулегендарными событиями, особенно с битвами.

Период Камакура (1185–1333) [ править ]

Эти жанры продолжались в период Камакура в Японии. Этот стиль искусства был ярко выражен в картине под названием «Ночная атака на дворец Сандзё», поскольку она была полна ярких цветов, деталей и отличной визуализации из романа под названием «Хэйдзи Моногатари». Продолжалось производство различных видов Е-маки ; однако период Камакура был более характерен искусством скульптуры., а не живопись. '' Период Камакура простирался с конца двенадцатого до четырнадцатого века. Это было время художественных произведений, таких как картины, но в основном скульптуры, которые привносили более реалистичное изображение жизни и ее аспектов в то время. В каждой из этих статуй было задействовано множество жизненных черт при их создании. Многие скульптуры включали носы, глаза, отдельные пальцы и другие детали, которые были новыми для скульптуры в искусстве. ''

Поскольку большинство картин периодов Хэйан и Камакура носят религиозный характер, подавляющее большинство написано анонимными художниками. Но есть один художник, который известен своим совершенством в этом новом художественном стиле периода Камакура. Его звали Ункей, и в конце концов он освоил этот вид скульптурного искусства и открыл собственную школу под названием Kei School. С течением времени в эту эпоху «произошло возрождение еще более ранних классических стилей, импорт новых стилей с континента и, во второй половине периода, развитие уникальных восточно-японских стилей, сосредоточенных вокруг эпохи Камакура» ( Скульптура периода Камакура, Токийский национальный музей)

Период Муромати (1333–1573) [ править ]

В 14 веке развитие великих монастырей дзэн в Камакура и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суибокуга , суровый монохромный стиль рисования тушью, представленный династией Мин Китай стилей стирки туши Сун и Юань, особенно Муци (牧 谿), в значительной степени заменил полихромные свитки раннего искусства дзэн в Японии, привязанные к буддийским нормам иконографии веками. раньше, например, Такума Эйга (宅 磨 栄 賀). Несмотря на новую китайскую культурную волну, порожденную культурой Хигасияма , некоторые полихромные портреты остались - в основном в виде картин чинсо монахов Дзэн.^{[5] [6]}

Поймать сома тыквой (расположенный в Тайдзо-ин , Мёсин-дзи , Киото), выполненный священником-художником Джозетсу , стал поворотным моментом в живописи Муромати. На переднем плане на берегу ручья изображен мужчина, держащий маленькую тыкву и смотрящий на большого скользкого сома. Туман заполняет середину, а на заднем плане горы кажутся далекими вдалеке. Принято считать, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к более китайскому ощущению глубокого космоса внутри картинной плоскости.

К концу 14 века монохромные пейзажи (山水画sansuiga ) нашли покровительство правящей семьи Асикага и стали предпочтительным жанром среди художников дзэн, постепенно переходя от своих китайских корней к более японскому стилю. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стал свиток с изображением стихотворения, известный как сигадзику .

Выдающиеся художники периода Муромати - художники-священники Шубун и Сесшу . Сюбун, монах храма Сёкоку-дзи в Киото , создал на картине « Чтение в бамбуковой роще» (1446) реалистичный пейзаж с глубоким уходом в космос. Сесшу, в отличие от большинства художников того периода, смог отправиться в Китай и изучить китайскую живопись у ее истоков. Пейзаж четырех сезонов ( Sansui Chokan ; ок. 1486) - одна из самых совершенных работ Сесю, изображающая непрерывный пейзаж в течение четырех сезонов.

В конце периода Муромати, тушью мигрировали из монастырей дзен в мире искусства в целом, как художники из школы Кано и школы Ами ( Ja:阿弥派) принял стиль и темы, но введение более пластичный и декоративный эффект, который продолжится и в наше время.

Важные художники периода Муромати в Японии включают:

• Моккей (ок. 1250 г.)
• Мокуан Рейен (умер в 1345 г.)
• Kaō Ninga (XVI век)
• Минчо (1352–1431)
• Джозетсу (1405–1423)
• Тэнсё Шубун (умер в 1460 г.)
• Сэссю Тёё (1420–1506)
• Кану Масанобу (1434–1530)
• Кано Мотонобу (1476–1559)

Период Адзути-Момояма (1573–1615) [ править ]

В отличие от предыдущего периода Муромати, период Адзути-Момояма характеризовался грандиозным полихромным стилем с широким использованием золотой и серебряной фольги ^{[7], которая} наносилась на картины, одежду, архитектуру и т. Д .; и произведениями очень большого масштаба. ^[8] В отличие от роскошного стиля, который многие знали, военная элита поддерживала деревенскую простоту, особенно в форме ^[9]чайная церемония, при которой в аналогичной обстановке использовалась устаревшая и несовершенная посуда. В этот период началось объединение «враждующих» лидеров под властью центрального правительства. Первоначальной датой этого периода часто считается 1568 год, когда Нобунага вошел в Киото, или 1573 год, когда последний сёгун Асикага был удален из Киото. Школа Кано, которой покровительствовали Ода Нобунага, Тоётоми Хидэёси, Токугава Иэясу и их последователи, значительно увеличилась в размерах и престиже. Кану Эйтоку разработал формулу создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, окружающих комнату. Эти огромные ширмы и настенные росписи были заказаны для украшения замков и дворцов военной знати. В частности, в период с 1576 по 1579 год в Нобунаге был построен массивный замок, который оказался одной из самых больших художественных проблем для Кано Эйтоку.Его преемник, Тоётоми Хидэёси, также построил в этот период несколько замков. Эти замки были одними из самых важных художественных произведений, когда дело доходило до экспериментов в тот период. Эти замки олицетворяют силу и уверенность лидеров и воинов нового века.^[10] Этот статус сохранялся и в последующий период Эдо, поскольку бакуфу Токугава продолжал продвигать работы школы Кано как официально санкционированное искусство для сёгуна, даймё и императорского двора.

Однако художники и направления, не относящиеся к школе Кано, существовали и развивались и в период Адзути-Момояма, адаптируя китайские темы к японским материалам и эстетике. Одной из важных групп была школа Тоса, которая развивалась в основном из традиции ямато-э и была известна в основном небольшими произведениями и иллюстрациями литературных классиков в книжном или эмаки формате.

Важные художники периода Адзути-Момояма включают:

Кано Эйтоку (1543–1590) Хасэгава Тохаку (1539–1610) Кайхо Юсё (1533–1615)

Период Эдо (1603–1868) [ править ]

Многие искусствоведы считают период Эдо продолжением периода Адзути-Момояма. Конечно, в ранний период Эдо многие из предшествующих тенденций в живописи продолжали оставаться популярными; Однако возник ряд новых тенденций.

Одной очень важной школой, возникшей в ранний период Эдо, была школа Ринпа , которая использовала классические темы, но представила их в смелом и щедро декоративном формате. Сотацу, в частности, развил декоративный стиль, воссоздав темы из классической литературы, используя ярко окрашенные фигуры и мотивы из мира природы на фоне сусального золота. Спустя столетие Корин переработал стиль Сотацу и создал уникальные визуально великолепные работы.

Другим важным жанром, зародившимся в период Адзути-Момояма, но достигшим своего полного развития в период раннего Эдо, было искусство Намбана , как в изображении экзотических иностранцев, так и в использовании экзотического иностранного стиля в живописи. Этот жанр был сосредоточен вокруг порта Нагасаки , который после начала национальной замкнутости политики в сегуната Токугава был единственный японский порт остается открытым для внешней торговли, и, таким образом трубопровод , по которому китайские и европейские художественные влияния пришли в Японию. Картины в этом жанре включают картины школы Нагасаки , а также школы Маруяма-Сидзё., в котором сочетаются китайское и западное влияние с традиционными японскими элементами.

Третьей важной тенденцией в период Эдо был рост жанра бунджинга (литературная живопись), также известного как школа нанга ( школа южной живописи). Этот жанр зародился как имитация работ китайских художников-любителей из династии Юань , чьи работы и техники пришли в Японию в середине 18 века. Мастер Куваяма Гёкусу был самым большим сторонником создания стиля бундзин . Он предположил, что полихроматические пейзажи следует рассматривать на одном уровне с монохроматическими картинами китайских литераторов. Кроме того, он включал некоторых японских художников-традиционалистов, таких как Таварая Сотацу и Огата Корин.группы Ринпа, среди основных представителей Нанга. ^[11] Позже художники бунджинга значительно изменили как техники, так и тематику этого жанра, чтобы создать смесь японского и китайского стилей. Образцами этого стиля являются Ике-но Тайга , Урагами Гёкудо , Ёса Бусон , Таномура Чикуден , Тани Бунчо и Ямамото Байитсу .

Из-за политики сёгуната Токугава по жесткой финансовой и социальной экономии роскошные режимы этих жанров и стилей были в значительной степени ограничены верхними слоями общества и были недоступны, если не фактически запрещены для низших классов. Простые люди разработали отдельный вид искусства, в fūzokuga , (風俗画, Бытовой жанр ) , в котором живопись , изображающие сцены из общих, повседневной жизни, особенно простых людей, кабуки театра, проститутки и пейзажи были популярны. Эти картины в 16 веке дали начало картинам и гравюрам на дереве укиё-э .

Важные художники периода Эдо:

Довоенный период (1868–1945) [ править ]

Период довоенный был отмечен разделением искусства на конкурирующие европейские стили и традиционные местные стили.

В период Мэйдзи Япония претерпела огромные политические и социальные изменения в ходе кампании европеизации и модернизации, организованной правительством Мэйдзи . Живопись в западном стиле ( йога ) была официально продвинута правительством, которое отправляло многообещающих молодых художников за границу на учебу и нанимало иностранных художников, чтобы те приехали в Японию для создания художественной программы в японских школах.

Однако после первоначального всплеска энтузиазма к искусству западного стиля маятник качнулся в противоположном направлении, и во главе с искусствоведом Окакурой Какудзо и педагогом Эрнестом Феноллосой произошло возрождение признания традиционных японских стилей ( нихонга ). В 1880-х годах искусство западного стиля было запрещено на официальных выставках и подвергалось резкой критике. Поддерживаемый Окакурой и Феноллосой, стиль нихонга развивался под влиянием европейского движения прерафаэлитов и европейского романтизма .

Художники стиля Ёга сформировали Мэйдзи Бидзюцукай (Общество изящных искусств Мэйдзи), чтобы проводить свои собственные выставки и способствовать возобновлению интереса к западному искусству.

В 1907 году, с учреждением Бунтена под эгидой Министерства образования , обе конкурирующие группы нашли взаимное признание и сосуществование и даже начали процесс взаимного синтеза.

Период Таего видел преобладание Йоги над нихонгом . После длительного пребывания в Европе многие художники (в том числе Арисима Икума) вернулись в Японию во время правления Ёсихито, принеся с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма . Работы Камиля Писсарро , Поля Сезанна и Пьера-Огюста Ренуара оказали влияние на живопись раннего периода Тайсё. Однако художники йога в период Тайсё также были склонны к эклектике , и было множество диссидентских художественных движений. В их число входило Общество Фусайнов ( Фюзанкай), который подчеркивал стили постимпрессионизма, особенно фовизма . В 1914 году возникло Nikakai (Общество второго дивизиона), которое выступило против спонсируемой правительством выставки Bunten.

Японская живопись периода Тайсё лишь слегка испытала влияние других современных европейских движений, таких как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм.

Однако ближе к середине 20-х годов прошлого века Нихонга возродилась , переняв определенные тенденции постимпрессионизма. Второе поколение художников Нихонга сформировало Японскую академию изящных искусств ( Нихон Бидзюцуин ), чтобы конкурировать с спонсируемым правительством Бунтэном , и, хотя традиции ямато-э оставались сильными, все более широкое использование западной перспективы и западных концепций пространства и света начали проявляться. Стирание различий между нихонгом и Йогой .

В японской живописи довоенного периода Сёва в значительной степени доминировали Сотаро Ясуи и Рюзабуро Умехара , которые представили концепции чистого искусства и абстрактной живописи в традиции Нихонга и, таким образом, создали более интерпретируемую версию этого жанра. Эта тенденция была развита Леонардом Фуджитой и Обществом Ника, чтобы охватить сюрреализм . Для продвижения этих тенденций в 1931 году была создана Независимая художественная ассоциация ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ).

Во время Второй мировой войны правительственный контроль и цензура означали, что можно было выражать только патриотические темы. Многие художники были задействованы в государственной пропаганде , и критическое безэмоциональное рассмотрение их работ только начинается.

Важные художники довоенного периода:

Послевоенный период (1945-настоящее время) [ править ]

В послевоенный период в 1947 году была сформирована поддерживаемая правительством Японская художественная академия ( Нихон Гэйджуцуин ), в которую входили подразделения нихонга и йога . Государственное спонсорство художественных выставок прекратилось, но было заменено частными выставками, такими как Nitten , в еще большем масштабе. Хотя изначально выставка Nitten была выставкой Японской художественной академии, с 1958 года она находится в ведении отдельной частной корпорации. Участие в Nitten стало почти обязательным условием для номинации в Японскую художественную академию, что само по себе является почти неофициальным условием для номинации на Орден культуры .

Искусство эпохи Эдо и довоенного периода (1603–1945) поддерживалось купцами и горожанами . В противовес Эдо и довоенному периоду стало популярным искусство послевоенного периода. После Второй мировой войны художники, каллиграфы и граверы процветали в больших городах, особенно в Токио , и были озабочены механизмами городской жизни, отраженными в мерцающих огнях и неоновых цветах., и бешеный темп их абстракций. Все «измы» нью-йоркско-парижского арт-мира были горячо приняты. После абстракций 1960-х, 1970-е годы стали свидетелями возвращения к реализму, сильно приправленным движениями "оп" и "поп", воплощенными в 1980-х годах во взрывоопасных произведениях Ушио Шинохара.. Многие такие выдающиеся художники-авангардисты работали как в Японии, так и за рубежом, получая международные премии. Эти художники чувствовали, что в их работах нет «ничего японского», и они действительно принадлежали к международной школе. К концу 1970-х годов поиски японских качеств и национального стиля заставили многих художников пересмотреть свою художественную идеологию и отвернуться от того, что некоторые считали пустыми формулами Запада. Современные картины в рамках современной идиомы начали сознательно использовать традиционные японские художественные формы, приемы и идеологии. Некоторые художники моно-ха обратились к живописи, чтобы воссоздать традиционные нюансы пространственной аранжировки, цветовой гармонии и лиризма.

Живопись в японском стиле или нихонга продолжается в довоенной моде, обновляя традиционные выражения, сохраняя при этом свой внутренний характер. Некоторые художники в этом стиле все еще рисуют на шелке или бумаге традиционными цветами и чернилами, в то время как другие используют новые материалы, такие как акрил .

Многие из старых школ искусства, особенно школы Эдо и довоенного периода, все еще существовали. Например, декоративный натурализм школы римпа , характеризующийся яркими чистыми цветами и кровоточащими мазками, нашел отражение в творчестве многих художников послевоенного периода в искусстве Хикосаки Наоёси 80-х годов . Реализм Маруяма Окё «s школы и каллиграфический и спонтанный Японский стиль господ-ученых были как широко практиковалось в 1980 - х годах. Иногда все эти школы, а также более старые, например школа Канучернильные традиции, были нарисованы современными художниками в японском стиле и на современном языке. Многие художники японского стиля были удостоены наград и премий в результате возобновления массового спроса на искусство в японском стиле, начиная с 1970-х годов. Современные художники со всего мира все больше и больше обращаются к японским школам, отвернувшимся от западных стилей в 1980-х годах. Была тенденция к синтезу Востока и Запада. Некоторые художники уже преодолели разрыв между ними, как и выдающийся художник Шинода Токо . Ее смелые абстракции тушью суми были вдохновлены традиционной каллиграфией, но реализованы как лирические выражения современной абстракции.

В Японии также есть ряд современных художников, чьи работы в значительной степени вдохновлены субкультурой аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры. Такаши Мураками , пожалуй, один из самых известных и популярных из них, наряду с другими артистами в его коллективе студии Kaikai Kiki . Его работа сосредоточена на выражении проблем и озабоченностей послевоенного японского общества через то, что обычно кажется безобидным. Он в значительной степени опирается на аниме и связанные с ним стили, но создает картины и скульптуры в средствах массовой информации, более традиционно связанных с изобразительным искусством, намеренно стирая границы между коммерческим и популярным искусством и изобразительным искусством.

Важные художники послевоенного периода включают:

• Огура Юки (1895–2000)
• Уэмура Сёко (1902–2001)
• Койсо Рёхей (1903–1988)
• Кайи Хигасияма (1908–1999)

См. Также [ править ]

• Список коллекций японского искусства
• Китайская живопись
• Корейская живопись
• История азиатского искусства

Заметки [ править ]

Викискладе есть медиафайлы по теме картин из Японии .

Ссылки [ править ]

• Кин, Дональд. Рассвет на западе . Издательство Колумбийского университета; (1998). ISBN 0-231-11435-4 
• Мейсон, Пенелопа. История японского искусства . Прентис Холл (2005). ISBN 0-13-117602-1 
• Пейн, Роберт Трит, в: Пейн, RT и Сопер A, «Искусство и архитектура Японии», Pelican History of Art, 3-е изд 1981, Penguin (теперь Йельская история искусства), ISBN 0140561080 
• Садао, Цунеко. Открывая искусство Японии: исторический обзор . Kodansha International (2003). ISBN 4-7700-2939-X 
• Шаап, Роберт, Кисть с животными, японские картины, 1700-1950 , Bergeijk, Society for Japanese Arts & Hotei Publishing, 2007. ISBN 978-90-70216-07-8 
• Schaarschmidt Richte. Живопись современного японского искусства с 1910 года . Издание Stemmle. ISBN 3-908161-85-1 
• Уотсон, Уильям, Великая выставка Японии: искусство периода Эдо 1600-1868 , 1981, Королевская академия художеств / Вайденфельд и Николсон

Дальнейшее чтение [ править ]

• Момояма, японское искусство в эпоху величия. Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. 1975. ISBN 9780870991257.
• Мурасе, Миеко (2000). Мост мечты: коллекция японского искусства Мэри Григгс Берк. Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. ISBN 0870999419.