Японское искусство

Японское искусство

Сцена из Гэндзи Моногатари Эмаки , период Хэйан , начало XII века ( Национальное достояние )

Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и средств массовой информации, включая древнюю керамику , скульптуру , живопись тушью и каллиграфию на шелке и бумаге, картины укиё-э и гравюры на дереве , керамику, оригами и, в последнее время, мангу, которая представляет собой современные японские мультфильмы и комиксы. наряду с множеством других типов. Он имеет долгую историю, начиная от зарождения человеческого жилья в Японии, где-то в 10-м тысячелетии до нашей эры, до современной страны.

Япония стала объектом внезапных нашествий новых идей, за которыми последовали длительные периоды минимального контакта с внешним миром. Со временем японцы развили способность впитывать, подражать и, наконец, ассимилировать те элементы иностранной культуры, которые дополняли их эстетические предпочтения. Самое раннее сложное искусство в Японии было создано в 7-8 веках в связи с буддизмом . В IX веке, когда японцы начали отворачиваться от Китая и развивать местные формы самовыражения, светское искусство становилось все более важным; до конца 15 века процветали как религиозное, так и светское искусство. После Онинской войны(1467–1477) Япония вступила в период политических, социальных и экономических потрясений, который длился более века. В государстве, которое возникло под руководством сёгуната Токугава , организованная религия играла гораздо менее важную роль в жизни людей, а сохранившиеся искусства были в основном светскими. В период Мэйдзи (1868-1912) произошел резкий приток западных стилей, которые по-прежнему имеют большое значение.

Живопись - это излюбленное художественное выражение в Японии, которым занимаются как любители, так и профессионалы. До наших дней японцы писали кистью, а не пером , и их знакомство с техникой кисти сделало их особенно чувствительными к ценностям и эстетике живописи. С ростом популярной культуры в период Эдо стиль гравюр на дереве стал основной формой, а его методы были адаптированы для создания красочных отпечатков. В этот период японцы считали скульптуру гораздо менее привлекательной средой для художественного выражения; самая большая японская скульптура связана с религией, а использование медиума уменьшилось с уменьшением значения традиционного буддизма.

Японская керамика является одной из лучших в мире и включает самые ранние известные японские артефакты; Японский экспортный фарфор был важной отраслью промышленности в различных сферах. В архитектуре ярко выражены предпочтения японцев к натуральным материалам и взаимодействию внутреннего и внешнего пространства.

История японского искусства [ править ]

Jōmon art [ править ]

Первыми поселенцами Японии были люди Дзёмон (ок. 10500 - ок. 300 до н. Э. ^[1] ), названные в честь маркировки шнура , украшавшей поверхность их глиняных сосудов, были кочевыми охотниками-собирателями, которые позже практиковали организованное сельское хозяйство и строили города. с населением в сотни, если не тысячи. Они построили простые дома из дерева и соломы, вставленные в неглубокие земляные ямы, чтобы обеспечить тепло от земли. Они создавали богато украшенные сосуды для хранения керамики , глиняные фигурки, называемые догу , и хрустальные драгоценности.

Ранний период Дзёмон [ править ]

В период Раннего Дзёмона (5000-2500 гг. До н.э.) ^[1] начали обнаруживаться деревни, и были обнаружены обычные повседневные предметы, такие как керамические порты для кипячения воды. Найденные в то время горшки имели плоское дно и замысловатый дизайн, сделанный из таких материалов, как бамбук. Кроме того, еще одной важной находкой были ранние фигурки Дзёмон, которые могли использоваться в качестве объектов плодородия из-за наличия у них груди и набухших бедер. ^[1]

Средний период Дзёмон [ править ]

Период Среднего Дзёмона (2500-1500 гг. До н.э.) ^[1] во многом отличался от периода Раннего Дзёмона. Эти люди стали менее кочевыми и начали селиться в деревнях. Они создали полезные инструменты, которые могли обрабатывать пищу, которую они собирали и на которую охотились, что облегчало им жизнь. Благодаря многочисленным эстетически привлекательным керамическим изделиям, найденным в этот период времени, очевидно, что у этих людей была стабильная экономика и больше свободного времени для создания красивых изделий. Кроме того, люди периода Среднего Дзёмон отличались от своих предшествующих предков, потому что они разрабатывали сосуды в соответствии со своими функциями, например, они производили горшки для хранения предметов. ^[1]Украшения на этих сосудах стали приобретать более реалистичный вид по сравнению с ранней керамикой Дзёмон. В целом за этот период не только увеличилось производство произведений, но и эти люди сделали их более декоративными и натуралистичными. ^[1]

Поздний и последний период Дзэмона [ править ]

Во время позднего и последнего периода Дзёмон (1500-300 гг. До н.э.) ^[1] погода начала становиться холоднее, что вынудило их отойти от гор. Основным источником пищи в то время была рыба, которая заставляла их улучшать свои рыболовные снасти и инструменты. Это продвижение было очень важным достижением в то время. Кроме того, количество сосудов значительно увеличилось, что, возможно, позволяет заключить, что в каждом доме была выставлена ​​собственная статуэтка. Хотя в поздний и последний период Дзёмон были найдены различные сосуды, эти части были обнаружены поврежденными, что может указывать на то, что они использовали их для ритуалов. Кроме того, были обнаружены фигурки, которые отличались мясистыми телами и очками, похожими на глаза. ^[1]

Фигурки Догу

Догу («земляная фигура») - это маленькие фигурки гуманоидов и животных, сделанные в более позднюю часть периода Дзёмон . ^[2] Их производили по всей Японии, кроме Окинавы . ^[2] Некоторые ученые предполагают, что догу действовали как изображения людей, которые проявляли некую симпатическую магию . ^[3] Догу сделаны из глины и имеют небольшие размеры , обычно от 10 до 30 см в высоту. ^[4] Большинство фигурок выглядят как женские, с большими глазами, маленькой талией и широкими бедрами. ^[2]Многие считают их представителями богинь. Многие из них имеют большой живот, связанный с беременностью, что позволяет предположить, что Дзёмон считали их богинями-матерями . ^[4]

Искусство Яёи [ править ]

Следующей волной иммигрантов стали люди яёи , названные в честь района в Токио, где впервые были обнаружены остатки их поселений. Эти люди, прибывшие в Японию около 300 г. до н.э. ^[5], принесли свои знания о выращивании риса на заболоченных территориях, производстве медного оружия и бронзовых колоколов ( доотаку ), а также керамики , изготовленной из колесных дисков и обожженной в печи .

• Колокол доотаку периода Яёи , III век н.э.

• Бронзовое зеркало, раскопанное в кофуне Цубай-оцукаяма, Ямасиро, Киото

• Кармейский сосуд периода Яёй

• Различные ритуальные гончарные изделия Яёй с сайта Ёсиногари

• Емкость для хранения Яёи от 500 г. до н.э. - 200 г. н.э.

Кофун искусство [ править ]

Третий этап в предыстории Японии, период Кофун (ок. 300–710 гг. Н.э.) ^[1], представляет собой модификацию культуры яёй , обусловленную либо внутренним развитием, либо внешней силой. Этот период наиболее известен своей гробницей и другими артефактами, такими как бронзовые зеркала и глиняные скульптуры, называемые ханива, которые были установлены за пределами этих гробниц. На протяжении периода Кофуна характеристики этих гробниц эволюционировали от небольших гробниц, воздвигнутых на вершинах холмов и хребтов, до гораздо более крупных гробниц, построенных на равнине. ^[6] Самая большая гробница в Японии, гробница императора Нинтоку , вмещает 46 курганов и имеет форму замочной скважины, ^[7]отличительный признак, обнаруженный в более поздних гробницах Кофуна. ^[6]

Искусство Аски и Нары [ править ]

В периоды Асука и Нара , названные так потому, что резиденция японского правительства находилась в долине Асука с 542 по 645 год ^[1] и в городе Нара до 784 года, в Японии произошел первый значительный приток континентальной азиатской культуры.

Передача буддизма дала начальный импульс контактам между Китаем и Японией. Японцы признали те аспекты китайской культуры, которые можно было бы выгодно включить в их собственную: систему преобразования идей и звуков в письменность; историография ; сложные теории правительства, такие как эффективная бюрократия ; и, что наиболее важно для искусства, новые технологии, новые строительные техники, более совершенные методы литья в бронзе , а также новые техники и средства для рисования.

Однако на протяжении VII и VIII веков основным направлением контактов между Японией и азиатским континентом было развитие буддизма. Не все ученые пришли к единому мнению о знаменательных датах и ​​подходящих названиях, применимых к различным временным периодам между 552 годом, официальной датой появления буддизма в Японии, и 784 годом, когда японская столица была перенесена из Нары. Наиболее распространенные обозначения - период Суйко, 552–645 гг .; период Хакухо , 645–710 гг., и период Тэнпё, 710–784 гг.

• Пагода и Кондо в Хурю-дзи , 8 век

• Хоккэдо в Тодай-дзи , 8 век

Самые ранние японские скульптуры Будды датируются 6-7 веками. ^[8] В конечном счете они являются производными от 1st- до третьего века нашей эры греко-буддийского искусства в Гандхару , характеризующемся протекающие выкройки одежды и реалистичную визуализацию, ^[9] , на которых были наложены китайские художественные черты. После того, как буддийское искусство Китая Северный Вэй проникло на Корейский полуостров, различные группы иммигрантов привезли буддийские иконы в Японию. ^{[10] В} частности, полу-сидящая форма Майтрейи была адаптирована в высокоразвитый древнегреческий художественный стиль, который был передан в Японию, о чем свидетельствуют Корю-дзи Мироку Босацу и Тюгу-дзи. Статуи Сиддхартхи . ^[11] Многие историки изображают Корею просто передатчиком буддизма. ^[12] Три Королевства, и особенно Пэкче, сыграли важную роль в качестве активных агентов в введении и формировании буддийской традиции в Японии в 538 или 552 годах. ^[13] Они иллюстрируют конечную точку передачи искусства по Шелковому пути во время первого. несколько веков нашей эры. Другие примеры можно найти в развитии иконописи японской Fujin Ветер Бога, ^[14] в NiO опекунов, ^[15] и в ближнее классические цветочные узоры в украшения храма. ^[16]

Самые ранние буддийские сооружения до сих пор сохранились в Японии, а самые старые деревянные постройки на Дальнем Востоке находятся в Хурю-дзи к юго-западу от Нары. Он был построен в начале 7 века как частный храм наследного принца Сётоку и состоит из 41 отдельного здания. Самые важные из них, главный зал поклонения, или Кондо (Золотой зал) и Годзю-но-то (Пятиэтажная пагода ), находятся в центре открытой площадки, окруженной крытым монастырем. Кондовское , в стиле китайских культовых залов, это двухэтажный структура построения поста-балочного, увенчанная в irimoya, или шатрово-остроконечная крыша из керамической черепицы.

Внутри Кондо , на большой прямоугольной платформе, находятся одни из самых важных скульптур того периода. Центральное изображение - Троица Шака (623 г.), исторический Будда в окружении двух бодхисаттв , скульптура, отлитая из бронзы скульптором Тори Буси (процветал в начале 7 века) в честь недавно умершего принца Сётоку. На четырех углах платформы являются хранители Кингс из четырех направлений , вырезанные из дерева около 650. Также размещался на Хорюдзи является Tamamushi дарохранительница, деревянная копия кондовскую, который установлен на высоком деревянном основании, украшенном фигурными росписями, выполненными с использованием минеральных пигментов, смешанных с лаком.

Строительство храма в 8 веке было сосредоточено вокруг Тодай-дзи в Наре. Построенный как штаб-квартира сети храмов в каждой из провинций, Тодайдзи является самым амбициозным религиозным комплексом, построенным в первые века буддийского культа в Японии. Соответственно, Будда высотой 16,2 м (завершено 752), закрепленный в главном зале Будды, или Дайбуцудэн , является Буддой Рушана , фигурой, которая представляет сущность состояния Будды, точно так же, как Тодайдзи представлял центр спонсируемого Империей Буддизм и его распространение по Японии. Сохранилось лишь несколько фрагментов оригинальной статуи, а нынешний зал и центральный Будда являются реконструкциями периода Эдо .

Вокруг Дайбуцуден на пологом склоне холма расположено несколько второстепенных залов: Хокке-до (Зал Сутры Лотоса) с его главным образом - Фукукендзяку Каннон (不 空 羂 索 観 立, самый популярный бодхисаттва), созданный из сухих материалов. лак (ткань, смоченная в лаке и формованная поверх деревянной арматуры); Kaidanin (戒壇院, Рукоположение Hall) с его великолепными глиняных статуй Четырех Хранителей королей ; и склад, называемый Шосоуин. Это последнее строение имеет большое значение как художественно-исторический тайник, поскольку в нем хранится утварь, которая использовалась при церемонии открытия храма в 752 году, ритуале открытия глаз для изображения Рушана, а также правительственные документы и многие светские документы. объекты, принадлежащие Императорской семье.

Считается, что чукин (или чёкин ), искусство гравировки или скульптуры по металлу, зародилось в период Нара. ^{[17] [18]}

Искусство Хэйан [ править ]

В 794 году столица Японии была официально перенесена в Хэйан-кё (современный Киото ), где она оставалась до 1868 года. Термин « период Хэйан» относится к периодам между 794 и 1185 годами, когда в конце XIX века был основан сёгунат Камакура. Гэнпэйская война . Период далее делится на раннюю эру Хэйан и позднюю эру Хэйан, или Фудзивара , поворотной датой является 894 год, когда было официально прекращено существование посольств в Китае .

Раннее искусство Хэйан: в ответ на растущее богатство и мощь организованного буддизма в Наре, священник Кукай (наиболее известный под своим посмертным титулом Кобо Дайши, 774–835) отправился в Китай, чтобы изучать Сингон , форму буддизма Ваджраяны , которую он введен в Японию в 806 году. В основе поклонения Сингону лежат мандалы , диаграммы духовной вселенной, которые затем начали влиять на дизайн храмов. Японская буддийская архитектура также приняла ступу , первоначально индийскую архитектурную форму , в своей пагоде в китайском стиле.

Храмы, построенные для этой новой секты, были построены в горах, вдали от двора и мирян в столице. Неравномерная топография этих участков заставила японских архитекторов переосмыслить проблемы строительства храмов и при этом выбрать более местные элементы дизайна. Крыши из кипарисовой коры заменили крыши из керамической плитки, деревянные доски использовались вместо земляных полов, а перед главным святилищем было добавлено отдельное место поклонения для мирян.

Храм, который лучше всего отражает дух ранних храмов Хэйан Сингон, - это Муродзи (начало 9 века), расположенный в глубине кипарисов на горе к юго-востоку от Нары. Деревянное изображение (также начало IX века) Шакьямуни , «исторического» Будды, хранящееся во второстепенном здании в Муродзи , типично для ранней скульптуры Хэйан, с его тяжелым телом, покрытым толстыми складками драпировки, вырезанными в Стиль хонпа-сики (катящаяся волна) и его суровое, замкнутое выражение лица.

Fujiwara искусство: В период Fujiwara , Pure Land буддизм , который предложил простое спасение через веру в Амида (Будда Западного Рая), стал популярным. Этот период назван в честь семьи Фудзивара , которая тогда была самой могущественной в стране и правила в качестве регентов.для Императора, фактически ставшего гражданскими диктаторами. В то же время дворянство Киото сформировало общество, приверженное элегантным эстетическим занятиям. Их мир был настолько безопасным и прекрасным, что они не могли представить себе Рай как нечто совершенно иное. Они создали новую форму зала Будды, зал Амида, который сочетает в себе светское и религиозное, и вмещает одно или несколько изображений Будды в структуре, напоминающей особняки знати.

Hồ-орто-ДЕЛАТЬ (Phoenix Hall, завершено 1053) из Byodo в , храм в Удзи к юго - востоку от Киото, является образцом Fujiwara Амида залов. Он состоит из основной прямоугольной конструкции, окруженной двумя L-образными коридорами крыльев и хвостового коридора, расположенного на краю большого искусственного пруда. Внутри на высокой платформе установлено золотое изображение Амиды (ок. 1053 г.). Скульптура Амиды была выполнена Джочо , который использовал новый канон пропорций и новую технику ( ёсэги), в котором несколько деревянных частей вырезаны как ракушки и соединены изнутри. На стенах зала нанесены небольшие рельефные изображения небожителей. Считается, что хозяин сопровождал Амиду, когда он спустился из Западного Рая, чтобы собрать души верующих в момент смерти и перенести их в цветках лотоса в Рай. Картины райго на деревянных дверях Хо-ō-до, изображающие сошествие Будды Амиды, являются ранним примером Ямато-э , живописи в японском стиле и содержат изображения пейзажей вокруг Киото.

Е-маки : В прошлом веке, в период Хэйан, на первый план вышла горизонтальная иллюстрированная повествовательная ручная прокрутка, известная как э-маки (絵 巻, букв. «Свиток с картинками»). Известная иллюстрированная « Сказка о Гэндзи» датируемая примерно 1130 годом, Гэндзи Моногатари Эмаки представляет собой самый ранний из сохранившихся рукописных свитков ямато-э и один из ярких моментов японской живописи. Написанный около 1000 года Мурасаки Сикибу , фрейлиной императрицы Сёши , роман повествует о жизни и любви Гэндзи и мире двора Хэйан после его смерти. Художники е-маки XII векаversion разработала систему графических условностей, которые визуально передают эмоциональное содержание каждой сцены. Во второй половине века стал популярен другой, более живой стиль непрерывной повествовательной иллюстрации. Бан дайнагон Ekotoba ( в конце 12 - го века), свиток , который имеет дело с интригами при дворе, подчеркивает цифры в активном движении , изображенном в быстро исполненных мазки и тонкие , но яркие цвета.

Е-маки также служат одними из самых ранних и величайших примеров стилей живописи отоко-э («мужские рисунки») и онна-э («женские рисунки»). В этих двух стилях есть много тонких различий, отвечающих эстетическим предпочтениям полов. Но, пожалуй, наиболее легко заметить различия в предметах. Онна-э , олицетворяемый повествованием о свитке рук Гэндзи, обычно имеет дело с придворной жизнью, особенно с придворными дамами, и с романтическими темами. Отоко-э часто записывал исторические события, особенно сражения. Осада Sanjo дворца (1160), изображен в «Night Attack на Sanjo Палас» секции Heiji Monogatari Handscroll - известный пример этого стиля.

Камакура искусство [ править ]

В 1180 году разразилась война между двумя самыми могущественными кланами воинов: Тайра и Минамото ; пять лет спустя Минамото одержал победу и фактически основал резиденцию правительства в приморской деревне Камакура , где и оставался до 1333 года. С переходом власти от дворянства к классу воинов искусство должно было удовлетворить новую аудиторию: мужчины, преданные боевым искусствам, священники, посвятившие себя тому, чтобы сделать буддизм доступным для неграмотных простолюдинов, и консерваторы, знать и некоторых членов духовенства, сожалевших о падении власти двора. Таким образом, реализм, популяризаторское направление и классическое возрождение характеризуют искусство периода Камакура . В период Камакура Киотои Нара оставались центрами художественного творчества и высокой культуры.

Скульптура: Kei школа скульпторов, в частности Ункого , создала новый, более реалистичный стиль скульптуры. Два изображения хранителя Ниу (1203 г.) в Великих Южных воротах Тодай-дзи в Наре иллюстрируют динамичный сверхреалистичный стиль Ункей . Изображения высотой около 8 м (около 26 футов) были вырезаны из нескольких блоков в течение примерно трех месяцев, что свидетельствует о развитой студийной системе ремесленников, работающих под руководством мастера-скульптора. Полихромные деревянные скульптуры Ункей (1208, Кофуку-дзи , Нара) двух индийских мудрецов, Мучаку и Сешина , легендарных основателей секты Хоссо., являются одними из самых совершенных реалистических произведений того периода; Созданные Unkei, они представляют собой удивительно индивидуализированные и правдоподобные изображения. Одна из самых известных работ этого периода - Триада Амитабха (завершена в 1195 году) в Дзёдо-дзи в Оно , созданная Кайкей , преемником Ункэя.

Каллиграфии и живопись: The Кэгон Engi эмаки , иллюстрированную история основания Кэгон секты, является прекрасным примером популяризации тенденции в Камакуре живописи. Секта Кэгон, одна из самых важных в период Нара, переживала тяжелые времена во время господства сект Чистой Земли . После войны Гэнпэй (1180–1185) священник Мё из Кодзан-дзи стремился возродить секту, а также предоставить убежище женщинам, овдовевшим войной. Жены самураев отговаривались изучать нечто большее, чем слоговая система для записи звуков и идей (см. Kana), и большинство из них не могли читать тексты, в которых использовались китайские иероглифы ( иероглифы ).

Таким образом, Кэгон Энги Эмаки сочетает в себе отрывки текста, написанные с максимальным количеством легко читаемых слогов, и иллюстрации, в которых диалог между персонажами написан рядом с говорящими, - техника, сравнимая с современными комиксами. Сюжет э-маки , жизни двух корейских священников, основавших секту Кэгон, динамичен и наполнен фантастическими подвигами, такими как путешествие во дворец Короля океана и трогательная история мамы. ^{[ требуется разъяснение ]}

Работа в более консервативном ключе - иллюстрированная версия дневника Мурасаки Сикибу . Версии Е-маки ее романа продолжали выпускаться, но знать, настроенная на новый интерес к реализму, но ностальгирующая по прошлым дням богатства и власти, возродила и проиллюстрировала дневник, чтобы вернуть великолепие времен автора. Один из самых красивых отрывков иллюстрирует эпизод, в котором Мурасаки Сикибу игриво удерживается в плену в своей комнате двумя молодыми придворными, в то время как прямо на улице лунный свет сияет на мшистых берегах речки в императорском саду.

Искусство Муромати [ править ]

В период Муромати (1338–1573), также называемый периодом Асикага, в японской культуре произошли глубокие изменения. Клан Асикага взял под контроль сёгуната и переехал его штаб обратно в Киото, в Муромати район города. С возвращением правительства в столицу популярным тенденциям периода Камакура пришел конец, и культурное самовыражение приняло более аристократический, элитарный характер. Дзен- буддизм, секта Чань, которая, как традиционно считается, возникла в Китае в VI веке, во второй раз проникла в Японию и пустила корни.

Живопись: из-за светских предприятий и торговых миссий в Китай, организованных храмами дзэн, многие китайские картины и предметы искусства были импортированы в Японию и оказали глубокое влияние на японских художников, работающих для храмов дзэн и сёгуната. Этот импорт не только изменил предмет рисования, но и изменил использование цвета; яркие цвета Ямато-э уступили место монохромной живописи в китайской манере, где картины обычно имеют только черный и белый или разные тона одного цвета.

Типичным для ранней живописи Муромати является изображение жрецом-художником Као (действовало в начале 15 века) легендарного монаха Кэнсу (Сянь-цзы по-китайски) в момент достижения им просветления. Этот вид живописи был выполнен быстрыми мазками и минимумом деталей. Поймать сома тыквой (начало 15 века, Тайдзо-ин , Мёсин-дзи , Киото), художник-священник Джозетсу(активен ок. 1400 г.), знаменует собой поворотный момент в живописи Муромати. Первоначально выполненный для невысокой ширмы, он был переоборудован в свиток с надписями современных фигур выше, одна из которых относится к картине как к «новому стилю». На переднем плане на берегу ручья изображен мужчина, держащий маленькую тыкву и смотрящий на большого скользкого сома. Туман заполняет середину, а горы на заднем плане кажутся далекими вдалеке. Принято считать, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к более китайскому ощущению глубокого космоса внутри картинной плоскости.

Выдающиеся художники периода Муромати - художники-священники Шубун и Сесшу . Сюбун, монах храма Сёкоку-дзи в Киото , создал на картине « Чтение в бамбуковой роще» (1446) реалистичный пейзаж с глубоким уходом в космос. Сесшу, в отличие от большинства художников того периода, смог отправиться в Китай и изучить китайскую живопись у ее истоков. Пейзаж четырех сезонов ( Sansui Chokan ; ок. 1486) - одна из самых совершенных работ Сесю, изображающая непрерывный пейзаж в течение четырех сезонов.

Искусство Адзути-Момояма [ править ]

В период Адзути-Момояма (1573–1603) череда военачальников, таких как Ода Нобунага , Тоётоми Хидэёси и Токугава Иэясу , пыталась принести мир и политическую стабильность в Японию после эпохи почти 100-летней войны. Ода, младший вождь, приобрел власть, достаточную для того, чтобы фактически взять под контроль правительство в 1568 году и, пять лет спустя, изгнать последнего Асикага сёгуна. Хидэёси принял командование после смерти Оды, но его планы установить наследственное правление были сорваны Иэясу, который основал сёгунат Токугава в 1603 году.

Живопись: Самой важной школой живописи в период Момояма была школа Кано , а величайшим нововведением этого периода была формула, разработанная Кану Эйтоку , для создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, окружающих комнату. Украшение главной комнаты с видом на сад Дзюко-ин , подтемпеля Дайтоку-дзи (храма Дзэн в Киото), возможно, является лучшим из сохранившихся примеров работ Эйтоку. Массивное дерево умэ и сосны-близнецы изображены на парах раздвижных ширм в диагонально противоположных углах, их стволы повторяют вертикали угловых стоек, а их ветви простираются влево и вправо, объединяя примыкающие друг к другу панели. Экран Эйтоку,Китайские львы , также находящиеся в Киото, демонстрируют смелый, яркий стиль живописи, который предпочитают самураи.

Хасэгава Тохаку , современник Эйтоку, разработал несколько иной и более декоративный стиль для крупномасштабных экранных картин. В своем Maple Screen (楓 図), теперь в храме Chishaku-in ( ja: 智 積 院), Киото, он поместил ствол дерева в центр и вытянул его конечности почти до края композиции, создавая более плоская, менее архитектурная работа, чем Eitoku, но визуально великолепная картина. Его шестикратный экран « Сосновый лес» (松林 図) - мастерское изображение рощи, окутанной туманом, монохромными чернилами .

Искусство периода Эдо [ править ]

Сёгунат Токугава получила бесспорный контроль над правительством в 1603 году с принятием окончательного решения по обеспечению мира и экономической и политической стабильности в стране; в значительной степени это было успешно. Сёгунат просуществовал до 1867 года, когда он был вынужден капитулировать из-за своей неспособности справиться с давлением западных стран с целью открыть страну для внешней торговли. Одной из доминирующих тем периода Эдо была репрессивная политика сёгуната и попытки художников избежать этих ограничений. Главным из них было закрытие страны для иностранцев и принадлежностей их культур, а также введение строгих кодексов поведения, затрагивающих все аспекты жизни, одежду, которую человек носил, человека, на котором он женился, и действия, которые можно или нужно не преследовать.

Однако в первые годы периода Эдо полное влияние политики Токугавы еще не ощущалось, и были созданы некоторые из лучших проявлений японской архитектуры и живописи: дворец Кацура в Киото и картины Таварая Сотацу , пионера японской архитектуры. Школа Ринпа .

Печать на ксилографии:Ксилографические гравюры первоначально использовались для перевода буддийских писаний в восьмом веке в Японии. Ксилография состоит из гравировки изображений или картинок на куске дерева, который затем прижимается к листу бумаги. В восьмом веке ксилография считалась удобным методом воспроизведения печатного текста, пока дальнейшие инновации не позволили переводить цвет на бумагу или более известный как гравюры Нишик-э. Печать на деревянных блоках была распространенным методом печати с одиннадцатого до девятнадцатого века. Печатные издания Нисики-э производили такие товары, как календари, которые обычно продавались богатым членам общества в период Эдо. В период Эдо на этих гравюрах были изображены события и сцены с участием выдающихся актеров. Укиё тогда ассоциировалось с гравюрой на дереве в ранний период Эдо.Эти картины укиё изображали повседневную жизнь выдающихся членов общества. Укиё сначала зародилось, когда свитки ручной работы изображали жизнь обычного человека.

Архитектура: Отдельный дворец Кацура , построенный в имитации дворца Гэндзи , содержит группу зданий сёин, в которых сочетаются элементы классической японской архитектуры с новаторскими изменениями. Весь комплекс окружен красивым садом с дорожками для прогулок. Многие из могущественных даймё (феодалов) построили на своей территории японский сад в кольцевом стиле и соревновались за красоту.

Живопись: Сотацу развил превосходный декоративный стиль, воссоздав темы из классической литературы, используя ярко раскрашенные фигуры и мотивы из мира природы на фоне сусального золота. Одна из его лучших работ - пара экранов The Waves at Matsushima в Freer Gallery в Вашингтоне, округ Колумбия. Спустя столетие Коурин переработал стиль Сотацу и создал уникальные визуально великолепные работы. Пожалуй, его лучшие картины - это картины « Цветки красной и белой сливы» .

Скульптура: буддийский монах Энку вырезал 120 000 буддийских изображений в грубом индивидуальном стиле.

Укиё-э и нанга (бунджинга): школа искусства, наиболее известная на Западе, - это школа живописи укиё-э и гравюр на дереве полусвета, мира театра кабуки и районов развлечений . Гравюры укиё-э начали печататься в конце 17 века; в 1765 году Харунобу изготовил первую полихромную печать . Художники- печатники следующего поколения, в том числе Тории Кийонага и Утамаро , создали элегантные, а иногда и проницательные изображения куртизанок.

В XIX веке доминирующими фигурами были Хокусай и Хиросигэ , последний - создатель романтических и несколько сентиментальных пейзажных гравюр. Необычные углы и формы, через которые Хиросиге часто рассматривал пейзаж, а также работы Киёнаги и Утамаро с упором на плоские плоскости и четкие линейные очертания оказали глубокое влияние на таких западных художников, как Эдгар Дега и Винсент Ван Гог . Посредством произведений искусства, хранящихся в западных музеях, эти же граверы позже окажут мощное влияние на образы и эстетические подходы, используемые ранними модернистскими поэтами, такими как Эзра Паунд , Ричард Алдингтон и HD ^[19].

Современной школой живописи укиё-э была нанга , или бунджинга, стиль, основанный на картинах китайских ученых-художников. Подобно тому, как художники укиё-э предпочитали изображать фигуры из жизни вне рамок сёгуната Токугава, художники бундзин обратились к китайской культуре. В экземпляры этого стиля Ike нет Тайга , Yosa Бусон , Таномура Тикудэн и Ямамото Baiitsu ( ХА:山本梅逸).

Керамика

Традиционные стили , в основном из керамики , продолжались во многих частях Японии, но японская керамика была преобразована в начале периода Эдо благодаря большому наплыву корейских гончаров, захваченных в плен или которых уговорили эмигрировать в ходе японского вторжения в Корею. 1590-е гг . Многие из них поселились на южном острове Кюсю , и они принесли с собой опыт использования камерных подъемных печей в китайском стиле , называемых в Японии ноборигама , которые позволяли повышать температуру с более точным контролем. Примерно к 1620 году они открыли месторождения каолинита., и впервые в Японии начали изготавливать фарфор. Ранние изделия (так называемые «Ранние имари») были относительно небольшими и имитировали китайский подглазурный бело-голубой фарфор , который Япония импортировала в течение некоторого времени. ^[20]

Фарфоровая промышленность значительно расширилась в конце 1650-х годов, поскольку крах китайской промышленности из-за гражданской войны привел к очень крупным заказам от китайских торговцев и голландской Ост-Индской компании , к тому времени торговцам разрешалось вести бизнес только в Японии. Первый великий период японского экспорта фарфора длился примерно до 1740-х годов, и большая часть японского фарфора шла на экспорт, в основном в Европу, а также в исламский мир к западу и югу от Японии. ^[21]

• Ko-Kutani (старый Kutani) пяти цветов Iroe типа сакэ кувшин с птицей и дизайном цветка в надглазурной эмали, Эдо период, 17го века

• Блюдо Ко-Имари , 1700–1740 гг.

Лаковая посуда:

С развитием экономики и культуры художественное качество лакированной мебели улучшилось. Хонами Коэцу и Огата Корин воплотили в лаковой посуде рисунки школы живописи Ринпа. После середины периода Эдо инро для переносных контейнеров с лекарствами начали пышно украшать маки-э и раден , и он стал популярным среди класса самураев и богатых торговцев из класса чунин , а в конце периода Эдо он стал популярным. изменились с практичных аксессуаров на коллекции произведений искусства. ^{[22] [23]} Экспорт лаковой посуды продолжился после периода Адзути-Момояма. Мария-Антуанетта иМария Тереза в этот период известна как коллекционер японской лаковой посуды. ^[24]

• Инро и Нэцкэ , 18 век

• Написание лаковой коробки с ирисами в Яцухаси , Огата Корин . Национальное достояние

Искусство довоенного периода [ править ]

Когда в 1868 году император Японии восстановил правящую власть, в Японию снова вторглись новые и чуждые формы культуры. В предвоенный период внедрение западных культурных ценностей привело к дихотомии в японском искусстве, а также почти во всех других аспектах культуры, между традиционными ценностями и попытками воспроизвести и ассимилировать множество противоречащих друг другу новых идей. Этот раскол оставался очевидным в конце 20-го века, хотя к тому времени уже произошел значительный синтез, который создал международную культурную атмосферу и стимулировал современное японское искусство к все более инновационным формам.

Правительство проявляло активный интерес к рынку экспорта произведений искусства, продвигая японское искусство на нескольких мировых ярмарках , начиная с Венской Всемирной ярмарки 1873 года . ^{[25] [26]} Помимо значительного финансирования ярмарок, правительство приняло активное участие в организации того, как культура Японии была представлена ​​миру. Он создал полугосударственную компанию - Kiritsu Kosho Kaisha (Первая промышленная производственная компания) - для продвижения и коммерциализации экспорта произведений искусства ^[27] и учредил Hakurankai Jimukyoku (Выставочное бюро) для поддержания стандартов качества. ^[26] Для Международной выставки, посвященной столетию 1876 года.в Филадельфии японское правительство создало «Столетний офис» и направило специального посланника для обеспечения места для 30 000 экспонатов. ^[28] Императорский Дом также проявлял активный интерес к декоративно-прикладному искусству, заказывая работы («презентационные товары») в качестве подарков для иностранных сановников. ^[29] В 1890 году для признания выдающихся художников была создана система Тэйсицу Гигейин ( Художник императорского двора ); семьдесят были назначены с 1890 по 1944 год. ^[30] Среди них были живописец и мастер лаков Сибата Зешин , керамист Макузу Кодзан , художник Хашимото Гахо и перегородчатая ткань.художник- эмальщик Намикава Ясуюки . ^[30]

По мере того, как западный импорт стал популярным, спрос на японское искусство в самой Японии снизился. ^[31] В Европе и Америке новая доступность японского искусства привела к увлечению японской культурой; повальное увлечение, известное в Европе как японизм . ^[32] Имперский патронаж, государственная спонсорская поддержка, продвижение к новой аудитории и западные технологии вместе способствовали наступлению эры японских художественных новшеств. В декоративном искусстве японские художники достигли нового уровня технической сложности. ^[27]

Сегодня Масаюки Мурата владеет более чем 10 000 произведений искусства Мэйдзи и является одним из самых восторженных коллекционеров. С того времени большинство превосходных произведений искусства Мэйдзи было куплено иностранными коллекционерами, и лишь некоторые из них остались в Японии, но поскольку он выкупил много работ из зарубежных стран и открыл музей Киёмидзу Саннэндзака , ^[33] исследование и переоценка искусства Мэйдзи быстро продвинулась в Японии после 21 века. ^[34] Насер Халили также является одним из самых преданных коллекционеров искусства Мэйдзи в мире, и его коллекция охватывает многие категории искусства Мэйдзи. Японская императорская семьятакже владеет прекрасными произведениями искусства Мэйдзи, некоторые из которых были переданы в дар государству и сейчас хранятся в Музее Императорских коллекций .

Архитектура и сад [ править ]

К началу 20-го века европейские формы искусства были хорошо представлены, и в результате их брака были построены известные здания, такие как вокзал Токио и здание Национального собрания, которые существуют и сегодня. Токийский вокзал, здание в стиле Гийофу , полное кирпичей в псевдоевропейском стиле. Этот стиль строительства был построен в городских районах.

Джихей Огава построил много новых художественных японских садов .

Живопись [ править ]

Первой реакцией японцев на западные формы искусства было их искреннее признание, и в 1876 году была открыта Технологическая художественная школа ( ja: 工部 美術 学校), в которой итальянские инструкторы преподавали западным методам. Вторым ответом стало колебание маятника в противоположном направлении, возглавляемое Окакурой Какудзо и американцем Эрнестом Феноллосой , которые поощряли японских художников сохранять традиционные темы и техники, создавая работы, более соответствующие современным вкусам. Это была стратегия, которая в конечном итоге способствовала распространению влияния японского искусства до Калькутты, Лондона и Бостона в годы, предшествовавшие Первой мировой войне . ^[35]На основе этих двух полюсов художественной теории, происходящих из Европы и Восточной Азии соответственно, возникли йога («живопись в западном стиле») и нихонга («японская живопись»), категории, которые сохранили свою актуальность.

Эмали [ править ]

В эпоху Мэйдзи японская перегородчатая эмаль достигла своего пика в технике, создав изделия более совершенные, чем когда-либо существовавшие ранее. ^[36] Период с 1890 по 1910 год был известен как «золотой век» японской эмали. ^[37] Художники экспериментировали с пастами и с процессом обжига, чтобы производить все более крупные блоки эмали, с меньшей потребностью в перегородках (закрывающих металлические полосы). ^[36] Таким образом, эмаль стала более живописной средой с узорами, похожими на традиционные картины или скопированными с них. ^[38] Эмали с уникальным для Японии дизайном, в котором в качестве мотивов использовались цветы, птицы и насекомые, стали популярными. В частности, работы Намикавы Ясуюки иНамикава Сосуке выставлялись на мировых выставках и завоевали множество наград. ^{[39] [40] [41] [42]} Наряду с двумя Намикава компания Ando Cloisonné произвела много высококачественной перегородчатой ​​ткани. Японские эмали считались непревзойденными благодаря новым достижениям в дизайне и окраске. ^[43]

Лаковая посуда [ править ]

В эпоху Мэйдзи возобновился интерес к лаку, поскольку художники разрабатывали новые дизайны и экспериментировали с новыми текстурами и отделкой. ^[44] Маки-э (украшение лака золотой или серебряной пылью) было наиболее распространенной техникой изготовления качественной лаковой посуды в этот период. ^[45] Шибата Зешин был мастером лака , получившим высокую репутацию благодаря своим работам от периода Бакумацу до периода Мэйдзи. Лакированные называется Шибаяма и Somada , созданный в период Эдо, стал популярным для его эффектный стиль, инкрустированный золотом, серебром, ракообразные, слоновой кости, и красочные металла и стекла, и достигла своего пика в течение этого периода. ^[46]Лак из японских мастерских был признан технически превосходящим то, что можно было произвести где-либо еще в мире. ^[47]

Металлоконструкции [ править ]

В начале эпохи Мэйдзи японские изделия из металла были практически неизвестны за пределами страны, в отличие от лака и фарфора, которые ранее экспортировались. ^[48] Металлообработка была связана с буддийской практикой, например, с использованием бронзы для храмовых колоколов и котлов с благовониями, поэтому у металлистов было меньше возможностей после того, как буддизм был вытеснен как государственная религия. ^[48] Международные выставки представили японской литой бронзе новой зарубежной аудитории, что вызвало сильные похвалы. ^[48] Прошлая история самураевЯпонские мастера-металлисты оснастили оружием для создания металлической отделки в широкой цветовой гамме. Комбинируя и обрабатывая медь, серебро и золото в различных пропорциях, они создали специализированные сплавы, включая сякудо и сибуичи . С таким разнообразием сплавов и отделок художник мог произвести впечатление полноцветного декора. ^[49]

Фарфор и фаянс [ править ]

Технические и художественные инновации эпохи Мэйдзи превратили фарфор в один из самых успешных в мире видов японского декоративного искусства. ^[50] Посуда Сацума - это название, первоначально данное керамике из провинции Сацума , искусно украшенной позолотой и эмалью. Эти изделия высоко ценились на Западе. Этот стиль, который на Западе воспринимается как чисто японский, на самом деле во многом обязан импортным пигментам и западным влияниям и создавался с расчетом на экспорт. ^[51]Мастерские во многих городах спешили создать этот стиль, чтобы удовлетворить спрос в Европе и Америке, часто производя быстро и дешево. Таким образом, термин «посуда Сацума» стал ассоциироваться не с местом происхождения, а с некачественной посудой, созданной исключительно для экспорта. ^[52] Несмотря на это, такие художники, как Ябу Мейзан и Макузу Кодзан, поддерживали самые высокие художественные стандарты, а также успешно занимались экспортом. ^[53] С 1876 по 1913 год Кодзан выигрывал призы на 51 выставке, включая Всемирную ярмарку и Национальную промышленную выставку. ^[54]

Текстиль [ править ]

В издании Encyclopdia Britannica 1902 года было написано: «Ни в одной области прикладного искусства гений декоративного искусства Японии не показывает более привлекательных результатов, чем у текстильных тканей, и ни в одной области не было более заметного прогресса за последние годы». ^{[55] В} Киото создавались очень большие красочные картины. Вышивка стала самостоятельной формой искусства, в которой использовался ряд живописных техник, таких как светотень и воздушная перспектива . ^[55]

Искусство послевоенного периода [ править ]

Сразу после поражения Японии во Второй мировой войне в 1945 году большое количество японских художников подпали под влияние Коммунистической партии Японии или даже присоединились к ней , которая только что была легализована в результате военной оккупации Японии под руководством США после многих лет подавления. японской полицией довоенного и военного времени. ^[56] Это было связано с успехом Коммунистической партии в пропаганде идеи в первые послевоенные годы, что партия была единственной группой в Японии, которая сопротивлялась милитаризму военного времени. ^[57] Кроме того, японское слово «авангард» (前衛, zen'ei), как и в слове «авангард коммунистической революции», оказывается то же слово, что и «авангард», что и в художественном авангарде. ^[58] Коммунистическая партия Японии вскоре стала доминировать в крупных художественных обществах и на выставках в Японии, и поэтому преобладающей формой искусства сразу после войны был социалистический реализм , изображавший страдания бедных и благородство трудящихся. в соответствии с доктриной коммунистической партии, согласно которой все искусство должно служить делу продвижения дела революции. ^[57] В 1952 году Коммунистическая партия даже заказала таких художников, как Хироши Кацурагава и других членов недавно созданной Ассоциации художников авангарда (前衛 美術 会, Zen'ei Bijutsukai).в горы, чтобы создать искусство социалистического реализма в поддержку «горных партизанских отрядов», которые пытались разжечь жестокую революцию в Японии. ^[59]

1950-е: борьба за освобождение от социалистического реализма [ править ]

В течение 1950-х годов многие японские художники все больше разочаровывались в жестком и ограниченном определении понятия «искусство», насаждаемом Коммунистической партией. ^[60] Однако из-за постоянного превосходства членов Коммунистической партии и их сторонников в высших рядах художественных обществ и выставочных жюри художникам было чрезвычайно трудно даже демонстрировать свое искусство, если оно не соответствовало руководящим принципам партии. ^[61] Некоторые художники избегали официальных публичных выставок. Другие искали признания, финансовой поддержки и возможностей продемонстрировать свое искусство за границей, например, группа художников-концептуалистов Гутай , основанная в 1954 году. Третьи художники использовали несколько независленных, «независимых» выставок в Японии, таких какНезависимая выставка Yomiuri, спонсируемая Yomiuri Shinbun , на которую может попасть любой желающий. ^[62]

Последней каплей стали массовые протесты Анпо 1960 года против американо-японского Договора о безопасности (известного как « Анпо » по-японски), которые сыграли крайне пассивную роль якобы «авангарда» Коммунистической партии. договор, раунд взаимных обвинений привел к дальнейшему разочарованию в коммунистической партии и искусстве социалистического реализма, в результате чего многие художники оторвались от влияния партии. ^[63]

1960-е: взрыв новых жанров [ править ]

С угасанием доминирования социалистического реализма 1960-е годы стали свидетелями взрыва новых форм искусства в Японии, поскольку искусство расширилось в новых направлениях, которые лучше всего можно было бы назвать «постмодернистскими». ^[64] Коллективы художников, такие как Neo-Dada Organizers , Zero Dimension и Hi-Red Center, исследовали такие концепции, как «неискусство» и «анти-искусство», и проводили множество смелых «мероприятий», «хэппенингов» и т.д. и другие формы исполнительского искусства, призванные стирать границы между искусством и повседневной жизнью. Группа Mono-ha аналогичным образом раздвинула границы, разделяющие искусство, пространство, пейзаж и окружающую среду. Другие художники, такие как графический дизайнер Таданори Йоку, черпал вдохновение в контркультуре 1960-х и взрывном росте новых форм манга- комиксов, ориентированных на взрослых . В исполнительском искусстве Тацуми Хидзиката был пионером новой формы постмодернистского танца под названием Буто , а драматурги, такие как Юро Кара и Сато Макото, создали стиль ангура радикального «андеграундного» театра. ^[65] А в фотографии такие фотографы, как Дайдо Морияма, основали чрезвычайно влиятельную новую школу послевоенной фотографии, которая подчеркивала спонтанность над тщательно поставленной композицией и подчеркивала характеристики « are, bure, bokeh"(буквально" грубый, размытый, не в фокусе "). ^{[66] [67]}

Распространению новых видов искусства способствовал колоссальный рост экономики Японии в 1960-х годах, который вспоминают как « японское экономическое чудо ». В течение 1960-х годов японская экономика росла более чем на 10% в год. Рост благосостояния создал новый класс потребителей, которые могли позволить себе тратить деньги на искусство и поддерживать различные виды искусства и художников. Впервые в современной истории Японии для значительного числа художников стало возможным зарабатывать на жизнь исключительно продажей своего искусства. Строительный бум 1960-х годов в Японии, который выровнял старую традиционную японскую архитектуру из дерева и бумаги и заменил ее сверкающими мегаполисами из стекла и стали, помог вдохновить совершенно новые школы японской архитектуры, такие как Метаболизм (архитектура)движение под руководством Кензо Танге , которое смело отказалось от традиционных моделей и зарекомендовало себя во всем мире.

В то же время, однако, в мире искусства по-прежнему господствовали клики, которые продвигали работы одних (обычно мужчин) художников по сравнению с другими. Поскольку японцам стало намного легче путешествовать за границу в 1960-х годах, некоторые художницы, такие как Яёи Кусама и Йоко Оно, нашли лучший прием за границей и сбежали в художественные центры, такие как Лондон, Париж и Нью-Йорк, как и многие художники-мужчины. Что ж.

Триумф новых форм японского искусства был закреплен на Всемирной выставке 1970 года в Осаке , где десятки художников-авангардистов и художников-концептуалистов были наняты для создания павильонов и художественных мероприятий для посетителей ярмарки. ^[68] Японское авангардное искусство стало глобальным и стало тем, что даже консервативное правительство с гордостью продемонстрировало миру.

1970-е и 1980-е: как преодолеть экономический пузырь [ править ]

В 1970-х и 1980-х годах японское искусство продолжало развиваться во многих направлениях, начатых в 1950-х и 1960-х, но часто с гораздо большими бюджетами и более дорогими материалами. Поскольку экономика Японии продолжала быстро расширяться и в конечном итоге превратилась в один из крупнейших экономических пузырей в истории . Поскольку японская валюта стала невероятно сильной после Плаза-Соглашения 1985 года , японские люди и учреждения стали крупными игроками на международном рынке искусства. Чрезвычайно богатые японские мегакорпорации начали строить свои собственные частные художественные музеи и приобретать коллекции современного и современного искусства, и японские художники также получили большую выгоду от этих расходов.

В частности, в художественном производстве продолжалась тенденция отхода от традиционной живописи и скульптуры в направлении графического дизайна , поп-арта , носимого искусства , перформанса , концептуального искусства и искусства инсталляции . Все больше входили в моду различные виды «гибридного» искусства. По мере развития технологий художники все чаще включали в свое искусство электронику, видео, компьютеры, синтезированную музыку и звуки, а также видеоигры. Эстетика манги и аниме, в которой так много молодых художников выросло с погружением, оказало все большее, хотя иногда и довольно тонкое, влияние. Прежде всего, художники избегали всего, что пахло «высоким искусством» или «изящным искусством», в пользу личного, эклектического, фантастического, фантасмагорического и игривого. В редакции женщины-художницы, такие как Мика Йошизава, становились все более и более принятыми и поддерживаемыми миром искусства в Японии.

Современное искусство в Японии [ править ]

Японское современное искусство принимает столько же форм и выражает столько же различных идей, сколько и мировое современное искусство в целом. Он варьируется от рекламы, аниме, видеоигр и архитектуры, как уже упоминалось, до скульптуры, живописи и рисунка во всех их бесчисленных формах. Японские художники внесли особенно заметный вклад в мировое современное искусство в области архитектуры, видеоигр, графического дизайна, моды и, возможно, прежде всего, анимации. В то время как аниме поначалу было получено в основном из рассказов манги, ^{[ цитата необходима ]} сегодня изобилует разнообразным аниме, и многие художники и студии достигли большой известности как художники; Хаяо Миядзаки и художники и аниматоры Studio Ghibli обычно считаются одними из лучших в мире аниме.

В то же время многие японские художники продолжают использовать традиционные японские художественные техники и материалы, унаследованные от досовременных времен, такие как традиционные формы японской бумаги и керамики и рисование черными и цветными чернилами на бумаге или шелке. Некоторые из этих произведений искусства изображают традиционные предметы в традиционных стилях, в то время как другие исследуют новые и разные мотивы и стили или создают гибриды традиционных и современных форм искусства, используя традиционные средства массовой информации или материалы. Третьи избегают местных средств массовой информации и стилей, принимая западные масляные краски или любые другие формы.

То же самое и в скульптуре; некоторые художники придерживаются традиционных режимов, некоторые делают это с современным чутьем, а некоторые выбирают западные или совершенно новые режимы, стили и медиа. Йо Акияма - лишь один из многих современных японских скульпторов. Он работает в основном с глиняной посудой и керамикой, создавая очень простые и понятные работы, которые выглядят так, как будто они были созданы из самой земли. Другой скульптор, используя железо и другие современные материалы, построил большую скульптуру современного искусства в израильском портовом городе Хайфа под названием Ханаби (Фейерверк). Нахоко Кодзима - современный художник Кириэ, который первым изобрел технику вырезанной из бумаги скульптуры, которая вешается в 3D.

Такаши Мураками , пожалуй, один из самых известных японских современных художников в западном мире. Мураками и другие художники в его студии создают произведения в стиле, вдохновленном аниме, который он назвал « суперплоскость ». Его произведения принимают самые разные формы, от живописи до скульптуры, некоторые из которых действительно огромны. Но большинство, если не все, очень четко демонстрируют влияние аниме, используя яркие цвета и упрощенные детали.

Яёи Кусама , Ёситомо Нара , Хироши Сугимото , Чихару Сиота , Дайдо Морияма , Марико Мори , Ая Такано и Табаймо считаются значительными художниками в области современного японского искусства. ^[69] Коллектив художников Group 1965 включает в себя современного художника Макото Аиду . ^[70]

Исполнительское искусство [ править ]

Многие традиционные формы японской музыки, танца и театра выжили в современном мире и приобрели некоторую популярность благодаря переотождествлению с японскими культурными ценностями. Традиционная музыка и танцы, берущие свое начало от древних религиозных обрядов - буддизма , синто и фольклора - были сохранены в драматических представлениях театра Но , Кабуки и бунраку . Древняя придворная музыка и танцевальные формы, происходящие из континентальных источников, были сохранены императорскими домашними музыкантами и храмовыми и святынями трупп. Некоторые из старейших музыкальных инструментов в мире постоянно использовались в Японии с периода Дзёмон., как показывают находки каменных и глиняных флейт и цитр, имеющих от двух до четырех струн, к которым были добавлены металлические колокольчики и гонги периода Яёй для создания ранних музыкальных ансамблей. К раннему историческому периоду (6-7 вв.) Существовало множество больших и малых барабанов , гонгов, колоколов , флейт и струнных инструментов, таких как импортированная мандолиноподобная бива и плоская шестиструнная цитра, которые эволюционировали. в тринадцатиструнное кото . Эти инструменты сформировали оркестры континентальной придворной церемониальной музыки 7-го века ( гагаку).), которые вместе с сопровождающим их бугаку (вид придворного танца) являются самыми древними из таких форм, которые до сих пор исполняются при императорском дворе, древних храмах и святынях. Буддизм представил ритмические песнопения, которые используются до сих пор, которые лежат в основе сигина , и которые были объединены с местными идеями , чтобы поддержать развитие вокальной музыки, такой как в Но .

Эстетические концепции [ править ]

Японское искусство отличается уникальными полярностями. Например, в керамике доисторических периодов изобилие сменялось дисциплинированным и утонченным мастерством. Другой пример - две постройки 16-го века, которые находятся на противоположных сторонах: Отдельный дворец Кацура - это упражнение в простоте, с акцентом на натуральные материалы, грубые и необработанные, и близость к красоте, достигнутая случайно; Никко Тосё-гу - это строго симметричная структура, изобилующая яркими рельефными рисунками, покрывающими каждую видимую поверхность. Японское искусство, ценимое не только за простоту, но и за красочное изобилие, оказало значительное влияние на западную живопись 19 века и западную архитектуру 20 века .

Эстетические концепции Японии, вытекающие из разнообразных культурных традиций, сыграли важную роль в создании уникальных форм искусства. На протяжении веков широкий спектр художественных мотивов развивался и совершенствовался, приобретая символическое значение. Подобно жемчужине , они приобрели много смысловых слоев и приобрели высокий блеск. Японская эстетика дает ключ к пониманию художественных произведений, заметно отличающихся от произведений западных традиций.

В рамках восточноазиатских художественных традиций Китай был признанным учителем, а Япония - преданным учеником. Тем не менее, несколько японских искусств разработали свой собственный стиль, который можно отличить от различных китайских искусств. Монументальный, симметрично сбалансированный, рациональный подход китайских форм искусства в японских руках стал миниатюрным, неправильным и слегка наводящим на размышления. Миниатюрные альпинарии , миниатюрные растения ( бонсай ) и икебана (цветочные композиции), в которых избранные представляли сад, были любимыми занятиями изысканной аристократии на протяжении тысячелетия и оставались частью современной культурной жизни.

Диагональ, отражающая естественный поток, а не фиксированный треугольник, стала предпочтительным структурным устройством, будь то в живописи, архитектурном или садовом дизайне, танцевальных шагах или нотах. Нечетные числа заменяют четные числа в соответствии с регулярностью китайского основного узора, а притягивание к одной стороне позволяет мотиву поворачивать угол трехмерного объекта, тем самым обеспечивая непрерывность и движение, которых не хватает в статичном фронтальном дизайне. Японские художники использовали приемы отсечения, крупного плана и затемнения к XII веку в ямато-э.Свиток в японском стиле, возможно, одна из причин, почему современное кинопроизводство стало таким естественным и успешным видом искусства в Японии. Используется предложение, а не прямое утверждение; косвенные поэтические намеки и аллюзионные и неубедительные мелодии и мысли разочаровывают западного человека, пытающегося проникнуть в значения литературы, музыки, живописи и даже повседневного языка.

Японцы начали определять такие эстетические идеи в ряде вызывающих воспоминаний фраз, по крайней мере, в 10 или 11 веках. Изысканная изысканность аристократического периода Хэйан превратилась в элегантную простоту, которая рассматривается как суть хорошего вкуса в сдержанном искусстве, которое называется шибуи . Два термина, происходящие из медитативных практик дзэн- буддизма, описывают степени умиротворения: один - покой в ​​смиренной меланхолии ( ваби ), другой - умиротворение, сопровождающее наслаждение сдержанной красотой ( саби).). Мысль дзэн также способствовала объединению неожиданного и поразительного, что использовалось для того, чтобы подтолкнуть сознание к цели просветления. В искусстве этот подход выражался в сочетании таких невероятных материалов, как свинцовая инкрустация в лаке, и в противоречащих друг другу поэтических образах. Неожиданно юмористические, а иногда и гротескные образы и мотивы также происходят из дзэн- коана (головоломки). Хотя со времен Эдо искусство было в основном светским , традиционная эстетика и методы обучения, берущие свое начало в основном из религиозных источников, по-прежнему лежат в основе художественных произведений.

Современные концепции [ править ]

Эта статья может потребовать очистки, чтобы соответствовать стандартам качества Википедии . Конкретная проблема: плохо написано и странно. пожалуйста, очистите и предоставьте более подробную информацию Пожалуйста, помогите улучшить эту статью, если можете. ( Июль 2018 г. ) ( Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения )

Сегодня Япония разработала более современную культурную эстетику, которая часто ассоциируется с манга сёдзё, известная как « каваи », которую иначе можно охарактеризовать как «симпатичную». Каваи, обычно представленные в мультфильмах и анимации, оказали мощное культурное влияние, а также являются мощным агентом японской рекламы и потребления. ^[71] Концепция «привлекательности», которая в настоящее время проявляется в каваи, традиционно почиталась в японской культуре, восходящей к периоду искусства Эдо 15 века. ^[72]

• Стиль манга.

• Каваи-мода в Токио, Япония

• Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.

• Наклейки Flo Kawaii.

Традиционная эстетика [ править ]

Традиционная японская эстетика - это формы красоты в японской культуре, восходящие к самым ранним векам. По крайней мере, более двухсот лет назад. Некоторые из этих ранних эстетик составляют японскую эстетику в целом: синкретическое буддийское искусство, ваби-саби, мияби, сибуи и дзё-ха-кю.

Синкретическое буддийское искусство [ править ]

См. Японскую буддийскую архитектуру .

Ваби-Саби [ править ]

Эта эстетика в японской культуре известна многими вещами, такими как красота во всем, даже если она несовершенна. Скромность и нестандартность - вот что считается эстетикой саби-саби. Ваби и саби вместе составляют эстетику красоты в незавершенности. Когда они разделены, оба служат разными терминами. Wabi означает свежую, простую работу, обозначающую все сложности и очень простую атмосферу во всем, что с ней связано. Создано из природы и создано из самого человека в тандеме. Если сделано случайно, это придает произведению определенную уникальность. Саби - это красота и как она берет начало от возраста. Жизненный цикл играет огромную роль в саби, добавляя эстетическому чувству прекрасного в произведениях, которые со временем восстанавливаются от старения. Собирая саби и саби вместе,он создает эстетику, заключающуюся в том, что каждая простая разработанная деталь не требует сложного дизайна. Также не требуется абсолютной полноты, чтобы можно было найти в нем красоту, а с возрастом приходит более утонченная красота.

Ваби-саби всегда был связан с чайными церемониями в японской культуре. Говорят, что эти церемонии являются глубокими событиями ваби-саби. Ваби-саби также связан с архитектурой, модой и философией. Все эти части ваби-саби разделяют веру в одну и ту же тему: все недостатки, такие как незавершенная работа, обладают несомненной красотой. Однако не все, конечно, одобряют идею ваби-саби. Хотя это правда, многие хотят сохранить веру, несмотря на то, во что верят другие. В целом, ваби-саби кажется очень внимательным подходом к повседневной жизни. Спокойный взгляд на вещи и способ жить без осуждения. При понимании ваби-саби есть термины, которые также имеют прямое отношение к эстетике.

Фукинсей: асимметрия, неравномерность.

Кансо: простота.

Коко: простой, обветренный.

Шидзен: естественно, без притворства.

Юген: тонко глубокая грация, не очевидная.

Дацудзоку: неограниченный условностями, бесплатный.

Сейджаку: спокойствие, тишина.

Каждый из этих терминов используется для полного раскрытия понимания ваби-саби. Это в большей степени относится к философскому аспекту всей эстетики и к тому, как рассматривать свое окружение. Они могут отсылать к нескольким вещам, включая идеи, присущие людям, темы, лежащие в основе определенных аспектов жизни, или саму природу. Каждый термин возвращает нас к мысли о том, что ваби-саби - это эстетика, цель которой - ценить несовершенные или неполные мелочи.

Мияби [ править ]

В продолжающейся истории Японии мияби может означать многое. Тем не менее, похоже, что он сосредоточен вокруг концепции элегантности, красоты, утонченности и изысканности. Поэтому это одна из старейших эстетик среди большинства японских эстетиков в культуре. Это объясняет, почему он не так популярен, как остальные, которые могут быть новее по сравнению с мияби. Этот термин также используется для обозначения аристократической культуры. Мияби исключает из своей культуры все формы грубости и грубости. Это создает правильную картину и форму аристократической культуры. Мияби вносит эти изменения. Мияби гарантирует, что изысканность любви, литературы, чувств и искусства прославляется в японской культуре. Приветствуется изысканность.

Шибуи [ править ]

Шибуи приходит к пониманию предмета или произведения искусства такими, какие они есть. Обнаружение простой и утонченной красоты в определенных вещах - это цель, когда дело доходит до разработки или обзора определенных дизайнов. Во многих отношениях сибуи очень похож на ваби-саби, но не в ваби-саби. Шибуи ценит предметы и предметы просто за то, что они есть. Когда дело доходит до сибуи, нет никаких сложностей или иррационального мышления. Подобно определенной эстетике в японской культуре, в отношении сибуи есть несколько терминов: сибуми - это вкус сибуи; Сибуса - это состояние сибуи.

Оба эти термина относятся к тонкой, ненавязчивой красоте. Есть несколько предметов и объектов, которые можно рассматривать как часть эстетики шибуи, а не только искусства или моды. Это также могут быть люди, животные, песни, фильмы, несколько различных типов медиа можно рассматривать как шибуи. Например, пара обуви, фотоаппарат, мопед и несколько различных предметов искусства или предметов, используемых в повседневной деятельности, могут рассматриваться как шибуи. Прямой и простой путь сибуи. Ничего лишнего или слишком кричащего.

Джо-ха-кю [ править ]

Это эстетика, зародившаяся в театре Но и даже появившаяся в 14 веке. Он используется в различных формах искусства в Японии даже сегодня. Это движение, которое применялось в нескольких различных искусствах, где дзё, ха и кю, обозначающие отдельные вещи, составляют его определение: дзё, «начало»; ха, «сломать», «треснуть»; кю: "быстрый", "более"

По сути, эта эстетика означает, что когда дело доходит до частей, связанных с движением, все должно начинаться медленно с правильного наращивания. Почти похоже на то, как рассказывается история. Затем, когда он достигает кульминации, он ускоряется. Когда он достигает своего конца, тогда все начинает быстро ускоряться, пока внезапно не достигает конца.

Художники [ править ]

Традиционно художник был средством самовыражения и был лично сдержан, в соответствии с ролью ремесленника или артиста с низким социальным статусом. Каллиграф , член конфуцианских литераторов класса или самурайского класс в Японии, имел более высокий статус, в то время как художники великого гения часто признаются в период Камакура , получив название от феодала и , таким образом , рост социально. Однако исполнительское искусство, как правило, пользовалось меньшим уважением, а предполагаемая аморальность актрис раннего театра Кабуки заставила правительство Токугавы запретить женщинам выходить на сцену; женские роли в Кабуки и Но после этого играли мужчины.

После Второй мировой войны художники обычно собирались в художественные ассоциации, некоторые из которых были давно сложившимися профессиональными обществами, а другие отражали новейшее движение в искусстве. Японии Художники Лига , к примеру, была ответственной за наибольшее количество крупных выставок, в том числе престижной ежегодной Nitten ( Japan Art Exhibition ). ПЕН - клуб Японии (PEN выступает за прозу, эссе, и описательный), филиал международной писательской организации, был самым крупным из около тридцати крупных авторов ассоциаций. Актеры, танцоры, музыканты и другие артисты хвастались своими собственными обществами, в том числе Обществом Кабуки., организованный в 1987 году для поддержания традиционных высоких стандартов этого искусства, которым, как считалось, угрожали современные инновации. Однако к 1980-м годам художники и скульпторы-авангардисты стали сторониться всех групп и стали художниками «без привязанности».

Художественные школы [ править ]

В Японии есть ряд специализированных университетов искусств, возглавляемых национальными университетами. Самым важным из них является Токийский университет искусств , один из самых трудных для поступления в национальные университеты. Еще одним плодотворным центром является Университет искусств Тама , который подготовил многих молодых художников-новаторов из Японии конца 20-го века. Традиционное обучение искусству, заимствованное из традиционных китайских методов, сохраняется; эксперты преподают на дому или в головных школах, работая в рамках отношений между учителями и учениками. Ученик не экспериментирует с личным стилем до тех пор, пока не достигнет высочайшего уровня подготовки, не закончит школу искусств или не станет ее директором. Многие молодые художники критиковали эту систему как подавляющую творчество и индивидуальность. Новое поколениеавангард порвал с этой традицией, часто получая свое образование на Западе. Однако в традиционных искусствах система мастер-ученик сохраняет секреты и навыки прошлого. Некоторые линии передачи учителей и учеников можно проследить до периода Камакура, из которого они продолжают использовать стиль или тему великого мастера. Японские художники считают техническую виртуозность непременным условием своей профессии, и этот факт признан остальным миром как одна из отличительных черт японского искусства.

Национальное правительство активно поддерживает искусство через Агентство по делам культуры , созданное в 1968 году как специальный орган Министерства образования . Бюджет агентства на 1989 финансовый год вырос до 37,8 миллиардов фунтов стерлингов после пяти лет сокращения бюджета, но все же составлял гораздо меньше 1 процента от общего бюджета. Отдел по делам культуры агентства распространял информацию об искусстве в Японии и за рубежом, а Отдел защиты культурных ценностей (文化 財 保護 部, теперь 文 財 部) охранял культурное наследие страны. Отдел по вопросам культуры занимается такими областями, как продвижение искусства и культуры, авторские права на искусство и улучшение национального языка.. Он также поддерживает национальные и местные фестивали искусства и культуры, а также финансирует выездные культурные мероприятия в области музыки, театра, танцев, художественных выставок и кинопроизводства. Предлагаются специальные призы для поощрения молодых художников и признанных практиков, а также ежегодно выделяются некоторые гранты, позволяющие им обучаться за границей. Агентство финансирует национальные музеи современного искусства в Киото и Токио, а также Национальный музей западного искусства в Токио, где проводятся выставки как японских, так и международных. Агентство также поддерживает Японскую художественную академию , которая награждает выдающихся деятелей искусства и литературы, назначая их членами и предлагая призовые в размере 3,5 миллиона фунтов стерлингов. Награды вручаются в присутствии Императора , лично награждающего высшей наградой.Орден Культуры . Токийский университет искусств также принимал активное участие в нескольких художественных мероприятиях в предыдущие годы. В других их кампусах также проводятся разнообразные курсы.

Частное спонсорство и фонды [ править ]

Патронаж в области искусства и поощрение со стороны правительства расширены, чтобы включить новые совместные усилия с корпоративной Японией по предоставлению финансирования сверх ограниченного бюджета Агентства по делам культуры. Участвуют многие другие государственные и частные учреждения, особенно в растущей сфере присуждения премий в области искусства. Все большее число крупных корпораций присоединяется к крупным газетам, спонсируя выставки и представления и разыгрывая ежегодные призы. Самым важным из многих литературных наград , присуждаемых являются почтенный Наоки премии и Акутагава премии , причем последний эквивалент Пулитцеровской премии в Соединенных Штатах.

В 1989 году усилия по содействию кросс-культурного обмена привели к созданию японского « Нобелевской премии » для искусства, в премиум Imperiale , на Японской ассоциации искусств . Эта премия в размере 100 000 долларов США была профинансирована в основном конгломератом средств массовой информации Fujisankei Communications Group и была присуждена на всемирной основе.

В 1980-х годах возник ряд фондов, продвигающих искусство, в том числе Фонд культурных ценностей, созданный для сохранения исторических мест за границей, особенно вдоль Шелкового пути во Внутренней Азии и в Дуньхуане в Китае . Еще одна международная договоренность была заключена в 1988 году со Смитсоновским институтом США для совместного обмена высокотехнологичными исследованиями азиатских артефактов. Правительство играет важную роль, финансируя Японский фонд., который предоставляет как институциональные, так и индивидуальные гранты, осуществляет научные обмены, присуждает ежегодные призы, поддерживает публикации и выставки, а также отправляет группы традиционного японского искусства выступать за границу. Фестиваль искусств, который проводится каждую осень в течение двух месяцев для представителей всех видов исполнительского искусства, спонсируется Агентством по делам культуры. Крупные города также оказывают существенную поддержку искусству; Все большее число городов в 1980-х годах строили крупные центры исполнительских искусств и, стимулируемые государственным финансированием, предлагали призы, такие как премия Лафкадио Хирна, инициированная городом Мацуэ . Ряд новых муниципальных музеев также предоставляли в 80-е годы примерно на треть больше помещений, чем было ранее. В конце 1980-х годов Токиодобавлено более двадцати новых культурных залов, в частности, большой Bunkamura построен Tokyu Group и реконструкции шекспировского «s Globe Theater . Все эти усилия отражают растущий энтузиазм населения к искусству. Японские покупатели произведений искусства захватили западные арт-рынки в конце 1980-х, заплатив рекордные суммы за картины импрессионистов и 51,7 миллиона долларов США только за один « голубой период» Пикассо .

См. Также [ править ]

• Национальные сокровища Японии
• Список национальных сокровищ Японии (другие ремесла)
• Культура Японии
  • История восточного искусства
  • История живописи
  • Буддийское искусство
    • Буддийское искусство в Японии
  • Японская архитектура
  • Японский сад
  • Японская каллиграфия
  • Японская лакированная посуда
  • Японская живопись
  • Японская керамика и фарфор
  • Японская скульптура
  • Японский театр
  • Печать на ксилографии в Японии
• Список коллекций японского искусства
• Художественные галереи
  • Япония
    • Токийский национальный музей , основанный в 1872 году.
    • Киотский национальный музей , основанный в 1889 году.
    • Национальный музей Нары , основан в 1889 г.
    • Национальный музей Кюсю , оценка 2005 г.
  • Соединенные Штаты
    • Галерея искусств Фриер, основанная в 1923 г.
    • Музей изящных искусств, Бостон
• Категория японских художников
• Муша-э

Ссылки [ править ]

Источники [ править ]

• Эта статья изначально основана на материалах выставки WebMuseum Paris - Famous Artworks [1] .
• Япония -  Эта статья включает в себя  материалы для общественности области из Библиотеки Конгресса страновых исследований сайта http://lcweb2.loc.gov/frd/cs/ .
• Бордман, Джон , "Распространение классического искусства в древности", Princeton University Press, 1994, ISBN 0-691-03680-2 
• Эрл, Джо (1999). Великолепие Мэйдзи: сокровища императорской Японии: шедевры из коллекции Халили . Санкт-Петербург, Флорида: ISBN Broughton International Inc. 1874780137. OCLC  42476594 .
• Импи, Оливер, в Battie, David , ed., Sotheby's Concise Encyclopedia of Porcelain , 71–74, 1990, Conran Octopus. ISBN 1850292515 
• Кемпфер, HM и WOG Sickinghe « Захватывающий мир японского художника». Сборник эссе по японскому искусству, составленный членами Общества японского искусства и ремесел , Гаага, Общество японского искусства и ремесел , 1971. ISBN 0-87093-156-3 
• Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо . Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета . ISBN 978-0674984424.
• "Александр Великий: культурные контакты между Востоком и Западом от Греции до Японии" (NHK и Токийский национальный музей, 2003 г.)
• "De l'Indus à l'Oxus, Archéologie de l'Asie Centrale", Осмунд Бопеараччи , Кристин Сакс, ISBN 2-9516679-2-2 
• «Перекресток Азии, трансформация образа и символов», 1992, ISBN 0-9518399-1-8 

Дальнейшее чтение [ править ]

• Момояма, японское искусство в эпоху величия. Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. 1975. ISBN 9780870991257.
• Мурасе, Миеко (2000). Мост мечты: коллекция японского искусства Мэри Григгс Берк. Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. ISBN 978-0870999413.
• (на испанском и японском языках) Като, Кауро [ sic ] (加藤 薫Като Каору ) ( Университет Канагавы ), переводчик: Саэко Янагисава. " Acercamiento a la influencia del movimiento muralista mexicano en el arte contemporáneo de Japón ". (日本 現代 美術 に お け る メ キ シ コ 運動 の 影響 に つ い て, Архив ) Crónicas. El Muralismo, Producto de la Revolución Mexicana, в Америке . Национальный автономный университет Мексики . Декабрь 2008 г. № 13, с. 237–264. Испанский: стр. 237–255, японский: с. 256–264.

Внешние ссылки [ править ]

Викискладе есть медиафайлы, связанные с японским искусством .

В Wikisource есть текст статьи Британской энциклопедии 1911 года о японском искусстве .

• Выставка « Пять тысяч лет японского искусства» в Метрополитен-музее, онлайн-версия
• Японская печать на Джона Гулда Флетчера
• Электронный музей. Изображения в высоком разрешении национальных сокровищ и важных культурных ценностей, принадлежащих четырем национальным музеям Японии.
• Укиё-э в "Всемирной истории искусства"
• Japan Cultural Profile - национальный культурный портал Японии, созданный Visiting Arts / Japan Foundation
• Институт коллекции японского искусства Рут и Шерман Ли , онлайн-коллекция изображений из онлайн-архива Калифорнии / Калифорнийского университета в Мерседе
• Коллекция исследований Герберта Оффена библиотеки Филлипса в музее Пибоди Эссекс
• Проект "Искусство бонсай"
• Видение и искусство Синдзё Ито : скульптуры, каллиграфия, фотографии великого буддийского мастера (Великого Ачарьи)
• Лекция Окакура Какудзо «История японского искусства» в Токийской школе изящных искусств (английский перевод)
• Японское искусство периода Мэйдзи (1868-1912) Коллекции Халили