Древнегреческое искусство

Геракл и Афина , чернофигурная сторона амфоры живота художника Андокида , ок. 520/510 г. до н. Э.

Эллинистический пергамский алтарь : слева направо , Нерей , Дорида , Великан , Океан

Аид, похищающий Персефону , настенная живопись 4-го века до нашей эры в небольшой македонской царской гробнице в Вергине.

Древнегреческое искусство выделяется среди других древних культур своим развитием натуралистических, но идеализированных изображений человеческого тела, в которых в основном обнаженные мужские фигуры обычно были центром инноваций. Скорость стилистического развития между 750 и 300 годами до нашей эры была замечательной по древним стандартам, и в сохранившихся произведениях лучше всего видна скульптура . В живописи произошли важные нововведения, которые необходимо существенно реконструировать из-за отсутствия оригинальных качественных пережитков, за исключением отдельной области расписной керамики.

Греческая архитектура , технически очень простая, создала гармоничный стиль с многочисленными подробными условностями, которые в значительной степени были приняты римской архитектурой и все еще соблюдаются в некоторых современных зданиях. Он использовал словарь орнаментов, который использовался в керамике, изделиях из металла и других носителях, и оказал огромное влияние на евразийское искусство, особенно после того, как буддизм вынес его за пределы расширенного греческого мира, созданного Александром Великим . Социальный контекст греческого искусства включал радикальные политические события и значительный рост благосостояния; столь же впечатляющие достижения Греции в философии , литературе и другие области хорошо известны.

Древнейшее искусство греков обычно исключается из «древнегреческого искусства» и вместо этого известно как искусство греческого неолита, за которым следует искусство Эгейского моря ; последняя включает кикладское искусство и искусство минойской и микенской культур эпохи греческой бронзы . ^[1] Искусство Древней Греции обычно делится стилистически на четыре периода: геометрический , архаический , классический и эллинистический . Геометрический возраст обычно датируется примерно 1000 годом до нашей эры, хотя на самом деле мало что известно об искусстве в Греции в течение предшествующих 200 лет, традиционно известных как греческие темные века.. VII век до нашей эры стал свидетелем медленного развития архаического стиля, примером которого является чернофигурный стиль вазовой живописи. Около 500 г. до н.э., незадолго до начала Персидских войн (480 г. до н.э. до 448 г. до н.э.), обычно считается разделительной линией между архаическим и классическим периодами, а правление Александра Великого (336 г. до н.э. до 323 г. до н.э.) воспринимается как отделение классического периода от эллинистического. С некоторого момента в 1 веке до нашей эры используется греко-римский или более местный термин для восточно-греческого мира. ^[2]

На самом деле резкого перехода от одного периода к другому не было. Формы искусства развивались с разной скоростью в разных частях греческого мира, и, как и в любую эпоху, некоторые художники работали в более новаторских стилях, чем другие. Сильные местные традиции и требования местных культов позволяют историкам определять происхождение даже произведений искусства, найденных далеко от места их происхождения. Широко экспортировалось греческое искусство различных видов. В течение всего периода в целом неуклонно росли благосостояние и торговые связи в греческом мире и с соседними культурами.

Уровень выживаемости греческого искусства резко различается в зависимости от СМИ. У нас есть огромное количество глиняной посуды и монет, много каменных скульптур, хотя еще больше римских копий и несколько больших бронзовых скульптур. Почти полностью отсутствуют живопись, тонкие металлические сосуды и все, что связано со скоропортящимися материалами, включая дерево. Каменные оболочки ряда храмов и театров сохранились, но мало от их обширного убранства. ^[3]

Керамика [ править ]

По соглашению, тонко расписанные сосуды всех форм называются «вазами», и существует более 100 000 полностью уцелевших предметов ^[6], дающих (с надписями, которые многие несут) беспрецедентное понимание многих аспектов греческой жизни. Скульптурная или архитектурная керамика, также очень часто расписанная, считается терракотой и также сохранилась в больших количествах. В большей части литературы «керамика» означает только расписные сосуды или «вазы». Керамика была основной формой серьезных товаров , депонированных в гробницах, часто в качестве «похоронных урн» , содержащий Кремированные пепел, и был широко экспортируется.

Знаменитый и самобытный стиль греческой вазописи с фигурами, изображенными с сильными очертаниями, с тонкими линиями внутри контуров, достиг своего пика примерно с 600 по 350 год до н.э. и делится на два основных стиля черного цвета , почти противоположных друг другу. -фигурная и краснофигурная живопись, в каждом случае другой цвет формирует фон. Другие цвета были очень ограничены, обычно это были небольшие участки белого цвета и большие участки другого пурпурно-красного цвета. В рамках ограничений этих техник и других строгих условностей художники-вазописцы достигли замечательных результатов, сочетая изысканность и мощную экспрессию. Техника белого фона давала больше свободы в изображении, но не использовалась хорошо и в основном предназначалась для погребения. ^[7]

Традиционно считается, что древние греки делали большую часть керамических сосудов для повседневного использования, а не для демонстрации. Исключениями являются большие архаические монументальные вазы, сделанные в качестве надгробий, трофеи, выигранные на играх, таких как Панафинейские амфоры, наполненные оливковым маслом, и предметы, сделанные специально для того, чтобы оставлять их в могилах; У некоторых флаконов для духов есть экономичное дно прямо под горлышком, поэтому небольшое количество делает их полными. ^[8] В последние десятилетия многие ученые поставили это под сомнение, увидев гораздо больше продукции, чем считалось ранее, предназначенной для захоронения, в качестве более дешевой замены металлических изделий как в Греции, так и в Этрурии. ^[9]

Большинство сохранившихся керамических изделий состоит из сосудов для хранения, подачи или питья жидкостей, таких как амфоры , кратеры (чаши для смешивания вина и воды), гидрии (кувшины для воды), чаши для возлияния, флаконы для масла и духов для унитаза, кувшины и чашки. Гораздо реже встречаются расписные сосуды для сервировки и приема пищи. Расписная керамика была доступна даже обычным людям, а кусок, «прилично украшенный примерно пятью или шестью цифрами, стоил примерно двух или трех рабочих дней». ^[10] Миниатюры также производились в большом количестве, в основном для использования в качестве подношений в храмах. ^[11] В эллинистический период производился более широкий ассортимент керамических изделий, но большая часть из них не имела большого художественного значения.

В более ранние периоды даже совсем небольшие греческие города производили керамику для своего региона. Они сильно различались по стилю и стандартам. Самобытная керамика, считающаяся искусством, производилась на некоторых островах Эгейского моря, на Крите и в богатых греческих колониях на юге Италии и Сицилии . ^[12] Однако к более позднему архаичному и раннему классическому периоду две великие торговые державы, Коринф и Афины , стали доминировать. Их керамика экспортировалась по всему греческому миру, вытесняя местные разновидности. Кастрюли из Коринфа и Афин встречаются даже в Испании и Украине , и так распространены в Италии.что они впервые были собраны в 18 веке как «этрусские вазы». ^[13] Многие из этих горшков являются продуктом массового производства низкого качества. Фактически, к V веку до нашей эры гончарное дело превратилось в отрасль, а роспись по керамике перестала быть важным видом искусства.

Цветовая гамма кастрюль была ограничена технологией обжига: чаще всего использовались черный, белый, красный и желтый. В три предыдущих периода горшкам оставался свой естественный светлый цвет, и их украшали накладкой, которая в печи становилась черной. ^[7]

Греческая керамика часто подписывается, иногда гончаром или мастером гончарного дела, но лишь изредка художником. Сотни художников, однако, можно узнать по их художественным личностям: там, где их подписи не сохранились, они названы в соответствии с выбранным ими предметом, как « Художник Ахилла », в честь гончара, на которого они работали, например, позднеархического « Художника-Клеофрада » , или даже по их современным местам, таким как позднеархаичный « Берлинский художник ». ^[14]

История [ править ]

История древнегреческой керамики стилистически делится на пять периодов:

• Protogeometric от около 1050 г. до н.э.
• Геометрическая от около 900 до н.э.
• Поздний Геометрический или Архаичный от около 750 до н.э.
• черный рис с начала века до н.э. 7
• и Красная фигура примерно 530 г. до н.э.

В протогеометрический и геометрический периоды греческая керамика была украшена абстрактными узорами, в первом из которых обычно было элегантно и много неокрашенного пространства, но в геометрическом часто плотно покрывали большую часть поверхности, как в больших горшках Мастера Дипилона. , который работал около 750. Он и другие гончары его времени начали создавать очень стилизованные силуэты людей и животных, особенно лошадей. Они часто представляют собой погребальные шествия или битвы, предположительно представляя сражения умерших. ^[15]

За геометрической фазой последовал период ориентализации в конце 8-го века, когда несколько животных, многие из которых были мифическими или не родными для Греции (например, сфинкс и лев соответственно), были адаптированы с Ближнего Востока в сопровождении декоративных мотивов, таких как лотос и пальметта. Они были показаны намного больше, чем предыдущие цифры. Стиль дикой козы - это региональный вариант, очень часто с изображением коз . На человеческие фигуры не так повлиял Восток, но они стали крупнее и детальнее. ^[16]

Полностью зрелая техника черных фигур с добавленными красными и белыми деталями и насечками для контуров и деталей зародилась в Коринфе в начале 7 века до н.э. и была представлена ​​в Аттике примерно поколением позже; он процветал до конца 6 века до нашей эры. ^[17] техника краснофигурная , изобретен примерно в 530 г. до н.э., изменил эту традицию, с горшки быть окрашены в черный цвет , а цифры окрашены в красный цвет. Краснофигурные вазы постепенно вытеснили чернофигурный стиль. Иногда более крупные сосуды были гравированы, а также расписаны. Эротические темы, как гетеросексуальные, так и мужские гомосексуальные , стали обычным явлением. ^[18]

Примерно к 320 г. до н.э. изящная фигуративная роспись ваз прекратилась в Афинах и других греческих центрах, а полихромный керченский стиль стал последним расцветом; Вероятно, для большинства функций его заменили металлоконструкцией. Продукция West Slope Ware с декоративными мотивами на черном глазурованном корпусе продолжалась более века спустя. ^[19] Итальянская краснофигурная живопись закончилась примерно к 300 годам, и в следующем столетии относительно примитивные вазы Хадра , вероятно, с Крита , изделия Центурипе из Сицилии и панафинейские амфоры , ныне застывшая традиция, были единственными большими расписными вазами, которые все еще делались. . ^[20]

• Средний геометрический кратер , высота 99 см, чердак, c. 800-775 г. до н.э.

• Поздний геометрический пиксис , Британский музей

• Коринфский ориентализирующий кувшин, ок. 620 г. до н.э., Antikensammlungen, Мюнхен

• Чернофигурная ольпе (сосуд для вина) художника Амасиса , изображающая Геракла и Афину , ок. 540 г. до н.э., Лувр

• Интерьер ( тондо ) красной фигуры киликса , изображающей Геракла и Афину , работы Финикса (гончар) и Дуриса (живописца), ок. 480-470 г. до н.э., Antikensammlungen, Мюнхен

• Деталь красно-фигура амфора с изображением сатир нападение на менада , по Пампхейосу (гончарный) и Ольтос (художник), с. 520 г. до н.э., Лувр

• Белые лекитоны со сценой траура художника тростника , ок. 420-410 г. до н.э., Британский музей

• Эллинистическая рельефная чаша с головой менады , II век до н.э. (?), Британский музей

Металлоконструкции [ править ]

Изящные изделия из металла были важным видом искусства в Древней Греции, но более позднее производство очень плохо представлено пережитками, большинство из которых происходит из краев греческого мира или за его пределами, от Франции или России. Сосуды и украшения производились по высоким стандартам и экспортировались в дальние страны. На предметах из серебра, которые в то время стоили больше золота, чем в наше время, производитель часто отмечал их вес, так как они рассматривались в основном как средства сбережения и, вероятно, были проданы или переплавлены еще раньше. длинный. ^[22]

В период геометрической и архаической эпохи изготовление больших металлических сосудов было важным проявлением греческого творчества и важным этапом в развитии техник обработки бронзы, таких как литье и штамповка . В ранних святилищах, особенно в Олимпии , были обнаружены многие сотни чаш-треножников или жертвенных сосудов- треног , в основном из бронзы , хранимых в качестве вотивов . У них была неглубокая чаша с двумя ручками, высоко поднятыми на трех ножках; в более поздних версиях подставка и чаша были разными частями. В период ориентализации такие треноги часто украшались фигурными протомами в виде грифонов , сфинксов.и другие фантастические существа. ^[23]

Мечи, греческий шлем и часто доспехи, такие как мускулистая кираса, были сделаны из бронзы, иногда украшенной драгоценным металлом, как в кирасе Ксур Эссеф 3-го века . ^[24] Доспехи и «полосы щитов» - два контекста для полос архаических барельефов, которые также прикреплялись к различным объектам из дерева; группа на Vix Krater - яркий тому пример. ^[25] Полированные бронзовые зеркала, первоначально с украшенными спинкой и ручками, были еще одним обычным предметом; более поздний тип «складного зеркала» имел навесные накладки, часто украшенные рельефной сценой, как правило, эротической. ^[26] Монеты описаны ниже.

Начиная с поздней архаики, лучшая обработка металла шла в ногу со стилистическим развитием скульптуры и других искусств, и Фидий входит в число скульпторов, которые, как известно, практиковали ее. ^[27] Эллинистический вкус поощрял весьма замысловатые проявления технической добродетели, склонные к «смекалке, прихоти или чрезмерной элегантности». ^[28] Многие или большинство форм греческой глиняной посуды были взяты из форм, впервые использованных в металле, и в последние десятилетия растет мнение о том, что большая часть лучших росписей ваз повторно использовала дизайны серебряных мастеров для сосудов с гравировкой и секциями, покрытыми другим металл, обработка по чертежам. ^[29]

Исключительные пережитки того, что могло быть относительно распространенным классом больших бронзовых сосудов, - это два спиральных кратера для смешивания вина и воды. ^[30] Это Vix Krater , гр . 530 г. до н.э., высота 1,63 м (5 футов 4 дюйма), вес более 200 кг (450 фунтов), вместимость около 1100 литров, найден в захоронении кельтской женщины в современной Франции ^[31] и в Дервени 4 века. Кратер , высота 90,5 см (35 дюймов ). ^[32] Элиты других соседей греков, такие как фракийцы и скифы, были заядлыми потребителями греческих изделий из металла и, вероятно, обслуживались греческими ювелирами, поселившимися на их территориях, которые адаптировали свои изделия к местным вкусам и функциям. Такие гибридные части образуют большую часть остатков, в том числе Панагюрского клада , Borovo сокровищ и других фракийских сокровищ , а также несколько скифских погребений, которые , вероятно , содержащейся работу греческих художников , базирующихся в греческих поселениях на Черном море . ^[33] Как и в случае с другими предметами роскоши, на македонском королевском кладбище в Вергине были созданы предметы высочайшего качества, относящиеся к классическому и эллинистическому периоду. ^[34]

Ювелирные изделия для греческого рынка часто бывают превосходного качества ^[35], причем одной из необычных форм являются замысловатые и очень нежные золотые венки, имитирующие формы растений, надеваемые на голову. Они, вероятно, редко, если вообще когда-либо, носились при жизни, но давались как обеты и носились после смерти. ^[36] Многие портреты мумий Фаюма носят их. Некоторые предметы, особенно в эллинистический период, достаточно велики, чтобы предлагать место для фигур, как и скифы, предпочитающие относительно крупные золотые изделия. ^[37]

• Бронзовый грифон голова протома от Олимпии , седьмого века до н.э.

• Vix Кратер , поздний Archaic монументальный бронзовый сосуд, экспортируется французских кельтов

• Необычное раннеклассическое бронзовое зеркало с ручкой из кариатиды , ок. 460 г. до н.э.

• Золотой венок, 370-360, из южной Италии

• Серебряный ритон для фракийского рынка, конец 4 века ^[38]

• IV век до н.э. Греческий золотой и бронзовый ритон с головой Диониса, Художественный фонд Тамойкина.

• Фрагмент золотого венка, гр. 320-300 гг. До н.э., из захоронения в Крыму.

• Золотое украшение для волос и сетка, III век до н.э.

• Поздний эллинистический серебряный медальон

Монументальная скульптура [ править ]

Греки очень рано решили, что человеческая форма является самым важным объектом художественного творчества. ^[39] Учитывая, что их боги имеют человеческую форму, в искусстве не было большой разницы между священным и светским - человеческое тело было одновременно светским и священным. Мужчина обнаженные из Аполлона или Геракла имел лишь незначительные различия в обращении к одному из бокса олимпийского чемпиона этого года. В архаический период наиболее важной скульптурной формой был курос (множественное число курои ), стоящая обнаженная мужская фигура (см., Например, Битон и Клеобис ). Кора (множественное число Korai), или стоящая одетая женская фигура, также было обычным явлением, но поскольку греческое общество не разрешало публичную демонстрацию женской наготы до 4 века до н.э., коре считается менее важным в развитии скульптуры. ^[40] К концу периода архитектурная скульптура храмов стала важной.

Как и в случае с керамикой, греки создавали скульптуру не только для художественной демонстрации. Статуи заказывались либо аристократами, либо государством и использовались для публичных мемориалов, в качестве подношений храмам, оракулам и святилищам (как это часто показано надписями на статуях) или в качестве маркеров для могил. Не все статуи архаического периода были предназначены для изображения конкретных людей. Это были изображения идеала - красоты, благочестия, чести или самопожертвования. Это всегда были изображения молодых людей в возрасте от подросткового до раннего зрелого возраста, даже когда их клали на могилы (предположительно) пожилых граждан. Kouroiвсе были стилистически похожи. Градации в социальном статусе человека, заказавшего статую, были обозначены размером, а не художественными новшествами. ^[41]

В отличие от авторов, те, кто занимался изобразительным искусством, в том числе скульптурой, изначально имели низкий социальный статус в Древней Греции, хотя все более ведущие скульпторы могли становиться известными и довольно богатыми и часто подписывали свои работы (к сожалению, часто на постаменте, который обычно становился отделены от самой статуи). ^[42] Плутарх ( Жизнь Перикла , II) сказал: «Мы восхищаемся произведением искусства, но презираем его создателя»; это было распространенным представлением в древнем мире. Древнегреческая скульптура подразделяется на обычные стилистические периоды «архаический», «классический» и «эллинистический», дополненные некоторыми дополнительными периодами, в основном относящимися к скульптуре, такими как ориентализующий дедальский стиль и суровый стиль.ранней классической скульптуры. ^[43]

Материалы, формы [ править ]

Сохранившиеся древнегреческие скульптуры в основном были сделаны из двух типов материалов. Камень, особенно мрамор или другой высококачественный известняк, использовался чаще всего и вырезался вручную с помощью металлических инструментов. Каменные скульптуры могут быть отдельно стоящими, полностью вырезанными по кругу (статуи), или только частично вырезанными рельефами, все еще прикрепленными к фоновой доске, например, в архитектурных фризах или надгробных стелах . ^[44]

Бронзовые статуи имели более высокий статус, но выжили в гораздо меньшем количестве из-за возможности повторного использования металлов. Обычно они выполнялись в технике по выплавляемым моделям. Хризелефантины , или статуи из золота и слоновой кости, были культовыми изображениями в храмах и считались высшей формой скульптуры, но сохранились лишь некоторые фрагменты. Обычно они были крупнее натурального размера, построены вокруг деревянного каркаса, с тонкими резными пластинами из слоновой кости, изображающими плоть, и листами сусального золота , вероятно, поверх дерева, представляющими одежду, доспехи, волосы и другие детали. ^[45]

В некоторых случаях стеклянная паста, стекло, а также драгоценные и полудрагоценные камни использовались для таких деталей, как глаза, украшения и оружие. Другие большие акролитические статуи использовали камень для частей тела и дерева для всего остального, а мраморные статуи иногда имели лепные прически. Большинство скульптур было расписано (см. Ниже), и многие из них были украшены настоящими украшениями и имели инкрустированные глаза и другие элементы из различных материалов. ^[46]

Иногда для больших скульптур использовалась терракота. Несколько примеров этого сохранились, по крайней мере, частично из-за хрупкости таких статуй. Самым известным исключением является статуя Зевса, несущего Ганимеда, найденная в Олимпии , казненная около 470 г. до н.э. В этом случае окрашивается терракота. Несомненно, были скульптуры исключительно из дерева, которые, возможно, были очень важны в ранние периоды, но фактически ни одна из них не сохранилась. ^[47]

Архаичный [ править ]

Кикладское искусство бронзового века примерно до 1100 г. до н.э. уже показало необычный акцент на человеческой фигуре, обычно изображаемой в прямом фронтальном положении стоя со скрещенными на животе руками. Среди более мелких деталей были вырезаны только носы, иногда глаза и женская грудь, хотя фигуры, по-видимому, обычно были нарисованы и, возможно, изначально выглядели совсем иначе.

Вдохновленные монументальной каменной скульптурой Египта и Месопотамии , в архаический период греки снова начали вырезать из камня. Отдельно стоящие фигуры обладают солидностью и фронтальной позой, характерными для восточных моделей, но их формы более динамичны, чем у египетских скульптур, как, например, Леди Осерра и Торс Геры (ранний архаический период, ок. 660–580 до н. оба в Лувре, Париж). Примерно после 575 г. до н.э. такие фигуры, как мужчины, так и женщины, носили так называемую архаическую улыбку . Это выражение, не имеющее особого отношения к изображенному человеку или ситуации, могло быть средством придания фигурам отличительной человеческой характеристики. ^[48]

Преобладали три типа фигур: стоящий обнаженный юноша (курос), стоящая задрапированная девушка (коре) и, реже, сидящая женщина. ^[49] Все подчеркивают и обобщают основные черты человеческой фигуры и демонстрируют все более точное понимание анатомии человека. Юноши представляли собой могильные статуи или статуи по обету. Примеры: ранняя работа «Аполлон» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк); Strangford Apollo из Анафи (Британский музей, Лондон), гораздо более поздние работы; и Анависсос Курос ( Национальный археологический музей Афин ). В этой статуе больше мускулатуры и скелета, чем в более ранних работах. Стоящие, задрапированные девушки обладают широким спектром выражения, как в скульптурах вАфинский музей Акрополя . Их драпировка вырезана и расписана с деликатностью и тщательностью, присущими деталям скульптуры этого периода. ^[50]

Архаические рельефы сохранились из многих гробниц и из более крупных зданий в Фосе-дель-Селе (сейчас в музее в Пестуме ) в Италии, с двумя группами панелей метопов , примерно 550 и 510 годов, и Сифнийского казначейства в Дельфах с фризами и небольшой фронтон . Части, которые сейчас находятся в местных музеях, сохранились от больших треугольных групп фронтонов из храма Артемиды на Корфу (ок. 580 г.), где доминирует огромная Горгона , и от Старого храма Афины в Афинах (ок. 530-500). ^[51]

• Дипилон Курос, ок. 600 г. до н.э., Афины, Музей Керамейкос

• Moschophoros или теленка-носителем, с. 570 г. до н.э., Афины, Музей Акрополя.

• Пеплос Коре , гр. 530 г. до н.э., Афины, Музей Акрополя.

• Фриз из Siphnian казначейства , Delphi , изображающая Gigantomachy , гр. 525 г. до н.э., Археологический музей Дельфи.

• Strangford Apollo , 500-490, один из последних kouroi

• Голова Sabouroff , является важным примером позднего архаического греческого мрамора скульптуры, ок 550-525 г. до н. Э.

• Персидский мусор , или «персидский щебень», начиная от разрушения Афин в 480/479 г. до н.э. во время нашествия Вторых персидской Греции предлагает четкий datation маркер для архаической скульптуры.

Классический [ править ]

В классический период в греческой скульптуре произошла революция, обычно связанная с введением демократии и концом аристократической культуры, связанной с курой . Классический период претерпел изменения в стиле и функциях скульптуры. Позы стали более натуралистичными (см. « Возничий из Дельф» для примера перехода к более натуралистической скульптуре), а технические навыки греческих скульпторов в изображении человеческой формы в различных позах значительно возросли. Примерно с 500 г. до н.э. статуи стали изображать реальных людей. Статуи Гармодиуса и Аристогейтона, установленные в Афинах в ознаменование свержения тирании, считались первыми публичными памятниками настоящим людям.^[52]

В то же время скульптура и статуи получили более широкое распространение. Великие храмы классической эпохи, такие как Парфенон в Афинах и Храм Зевса в Олимпии, требовали рельефной скульптуры для декоративных фризов и круглой скульптуры, чтобы заполнить треугольные поля фронтонов . Сложный эстетический и технический вызов во многом стимулировал создание скульптурных новшеств. К сожалению, эти работы сохранились лишь в виде фрагментов, наиболее известными из которых являются мраморные скульптуры Парфенона , половина которых находится в Британском музее. ^[55]

Погребальные скульптуры эволюционировали в этот период от жесткого и безличного куроса архаического периода до очень личных семейных групп классического периода. Эти памятники обычно находятся в пригородах Афин, которые в древности были кладбищами на окраинах города. Хотя на некоторых из них изображены «идеальные» типы - скорбящая мать, послушный сын, - они все чаще изображали реальных людей, как правило, изображающих усопшего, берущего достойный отпуск из своей семьи. Они являются одними из самых сокровенных и трогательных останков древних греков. ^[56]

В античный период мы впервые знаем имена отдельных скульпторов. Фидий руководил проектированием и строительством Парфенона . Пракситель сделал обнаженную женщину респектабельной впервые в поздний классический период (середина 4 века): его Афродита Книдская , сохранившаяся в копиях, Плиний назвал величайшей статуей в мире. ^[57]

Самыми известными произведениями классического периода для современников были колоссальная статуя Зевса в Олимпии и статуя Афины Парфенос в Парфеноне. Оба были хризелефантины и выполнены Фидием или под его руководством, и сейчас они утеряны, хотя их уменьшенные копии (в других материалах) и хорошие описания все еще существуют. Их размер и великолепие побудили императоров захватить их в византийский период, и оба были перевезены в Константинополь , где позже были уничтожены в пожарах. ^[58]

• Копия Поликлета " диадумен , Национальный археологический музей, Афины

• Так называемая Венера Браски от Праксителя , тип Книдской Афродиты , Мюнхенская глиптотека

• Молодежный марафон, бронзовая статуя IV века до нашей эры, возможно, работы Праксителя , Национальный археологический музей, Афины

• Гермес , возможно работы Лисиппа , Национальный археологический музей, Афины

Эллинистический [ править ]

Переход от классического к эллинистическому периоду произошел в 4 веке до нашей эры. После завоеваний Александра Македонского (336 г. до н.э. до 323 г. до н.э.) греческая культура распространилась до Индии , как показали раскопки Ай-Ханума на востоке Афганистана и цивилизации греко-бактрийцев и индо-греков . Греко-буддийское искусство представляло собой синкретизм между греческим искусством и визуальным выражением буддизма. Таким образом, греческое искусство стало более разнообразным и находилось под большим влиянием культур народов, вовлеченных в греческую орбиту. ^[59]

По мнению некоторых искусствоведов, он также снизился по качеству и оригинальности. Однако это мнение, которое художники и ценители искусства того времени не разделяли. Действительно, многие скульптуры, которые раньше считались классическими шедеврами, теперь признаны эллинистическими. Технические возможности эллинистических скульпторов явно проявляются в таких крупных произведениях, как Крылатая Победа Самофракии и Пергамский алтарь . Новые центры греческой культуры, особенно в скульптуре, развивались в Александрии , Антиохии , Пергаме и других городах, где новые монархии были щедрыми покровителями. ^[60] Ко II веку рост могущества Риматакже вобрала в себя большую часть греческих традиций, а также увеличивающуюся долю ее продуктов. ^[61]

В этот период скульптура стала более натуралистичной, а также выразительной; интерес к изображению крайностей эмоций иногда доводится до крайностей. Жанровые сюжеты простых людей, женщин, детей, животных и домашних сцен стали приемлемыми предметами для скульптуры, которую богатые семьи заказывали для украшения своих домов и садов; Мальчик с Thorn является примером. Создавались реалистичные портреты мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства. ^[62]

Мир Диониса , пасторальная идиллия, населенная сатирами , менадами , нимфами и силени , часто изображался в более ранних вазах и фигурках, но редко в полноразмерных скульптурах. Теперь такие работы были созданы, сохранились в виде копий, включая « Фавн Барберини» , « Торс Бельведера» и « Отдыхающий сатир» ; что кентавры фуриетти и Спящий Гермафродит отражают связанные темы. ^[63] В то же время новые эллинистические города возникли по всему Египту , Сирии и Анатолии.требовались статуи с изображением богов и героев Греции для их храмов и общественных мест. Это сделало скульптуру, как и керамику, индустрией, что привело к стандартизации и некоторому снижению качества. По этим причинам сохранилось гораздо больше эллинистических статуй, чем в классический период.

Некоторые из самых известных эллинистических скульптур - Крылатая Победа Самофракии (2 или 1 век до н.э.), ^[64] статуя Афродиты с острова Мелос, известного как Венера Милосская (середина 2 века до нашей эры), Умирающая Галлия. (около 230 г. до н.э.) и монументальная группа Лаокоон и его сыновья (конец I в. до н.э.). Все эти статуи изображают классические темы, но их обработка гораздо более чувственная и эмоциональная, чем позволил бы строгий вкус классического периода или его технические навыки.

Многофигурная группа статуй была нововведением эллинизма, вероятно, 3-го века, сняв эпические битвы с более ранними рельефами фронтонных храмов со стен и поместив их как группы статуй в натуральную величину. Их стиль часто называют « барокко », с экстравагантно искаженными позами тела и интенсивными выражениями лиц. Рельефы на Пергамском алтаре являются ближайшими сохранившимися оригиналами, но некоторые известные работы считаются римскими копиями с эллинистических оригиналов. К ним относятся Умирающая Галлия и Галлия Людовизи , а также менее известная Галлия на коленях и другие, которые, как считается, копируют пергамские комиссии Аттала I в память о егопобеда около 241 над галлами в Галатии , вероятно , содержащие две группы. ^[65]

Лаокоон группы , то Фарнезский бык , Менелай с телом Патрокла ( «Паскуино группа»), Arrotino , и скульптуры Сперлонга , и другие примеры. ^[66] Начиная со II века, нео-аттический или неоклассический стиль рассматривается разными учеными либо как реакция на эксцессы барокко, возвращение к версии классического стиля, либо как продолжение традиционного стиля культовых статуй. ^[67] Мастерские этого стиля стали в основном производителями копий для римского рынка, которые предпочитали копии классических, а не эллинистических произведений. ^[68]

Открытия, сделанные с конца 19-го века вокруг (ныне затопленного) древнеегипетского города Гераклеум, включают необычно чувственное, подробное и феминистское (в отличие от обожествленного) изображение Исиды 4-го века до нашей эры, представляющее собой сочетание египетского и эллинистического формы, начавшиеся примерно во времена завоевания Египта Александром Великим . Однако это было нетипично для придворной скульптуры Птолемея , которая, как правило, избегала смешения египетских стилей с довольно традиционным эллинистическим стилем ^{[69], в} то время как храмы в остальной части страны продолжали использовать поздние версии традиционных египетских формул. ^[70]Ученые предложили «александрийский стиль» в эллинистической скульптуре, но на самом деле мало что связывает его с Александрией. ^[71]

Эллинистическая скульптура также была отмечена увеличением масштаба, кульминацией чего стал Колосс Родосский (конец 3 века), который был такого же размера, как Статуя Свободы . Комбинированное воздействие землетрясений и грабежей разрушило это, а также другие очень крупные сооружения того периода.

• Эллинистической принц , бронзовая статуя изначально считается Селевкидов , или Аттал II из Пергама , теперь считается портрет римского полководца, сделанное греческим художником , работающим в Риме в 2 - ом веке до нашей эры.

• Крылатая Победа Самофракийский (эллинистический), Лувр , Париж

• Лаокоон и его сыновья (поздний эллинистический период), Музей Ватикана

• Позднеэллинистическая бронза конного жокея, Национальный археологический музей, Афины

Фигурки [ править ]

Фигурки из терракоты [ править ]

Глина - материал, который часто используется для изготовления статуэток или идолов по обету, даже до минойской цивилизации и вплоть до римского периода. В 8 веке до нашей эры гробницы в Беотии часто содержали «колокольных идолов», женские статуэтки с подвижными ногами: голова, малая по сравнению с остальной частью тела, расположена на конце длинной шеи, а тело очень полное, в виде колокольчика. ^[72] Архаическая heroon могилы, для местных героев, могли бы получить большое количество грубо-образные фигурок, с зачаточной фигурацией, в общем случае представляющей символы с поднятыми руками.

К эллинистическому периоду большинство терракотовых фигурок утратили религиозный характер и представляют персонажей повседневной жизни. Фигурки танагры в одном из нескольких центров производства производятся серийно с использованием форм, а затем окрашиваются после обжига. Куклы, фигурки модно одетых дам и актеров, некоторые из них, вероятно, портреты, были среди новых предметов, изображенных в изысканном стиле. Они были дешевыми и изначально выставлялись дома, как современные декоративные фигурки, но довольно часто их хоронили вместе с их владельцами. В то же время такие города, как Александрия , Смирна или Тарспроизвел множество гротескных фигурок, изображающих людей с деформированными членами, выпученными и искривленными глазами. Такие фигурки также делали из бронзы. ^[73]

О окрашенных архитектурных терракотах см. « Архитектура» ниже.

Металлические фигурки [ править ]

Фигурки из металла, в первую очередь из бронзы, - чрезвычайно распространенная находка в древнегреческих святилищах, таких как Олимпия , где были обнаружены тысячи таких предметов, в основном изображающих животных. Обычно они изготавливаются в технике выплавляемого воска и могут считаться начальным этапом в развитии греческой бронзовой скульптуры. Наиболее распространенными мотивами геометрического периода были лошади и олени, но также изображены собаки, крупный рогатый скот и другие животные. Изредка встречаются человеческие фигуры. Изготовление небольших металлических обетов продолжалось на протяжении всей греческой древности. В классические и эллинистические периоды более сложные бронзовые статуэтки, тесно связанные с монументальной скульптурой., тоже стало обычным явлением. Высококачественные образцы были тщательно собраны богатыми греками, а затем и римлянами, но сохранилось относительно немного. ^[74]

• Колокольный идол, 7 век до н.э.

• Бронзовый обетный конь VIII века до н.э. из Олимпии

• Актер из Новой комедии , ок. 200 г. до н. Э.

• Фигурка модницы из танагры , 32,5 см (12,8 дюйма), 330-300 гг. До н.э.

Архитектура [ править ]

Архитектура (то есть здания, выполненные в соответствии с эстетически продуманным дизайном) прекратилась в Греции с конца микенского периода (около 1200 г. до н.э.) до 7-го века, когда городская жизнь и процветание вернулись к точке, где можно было заняться общественным строительством. Поскольку большинство греческих зданий в архаический и ранний классический периоды были сделаны из дерева или сырцового кирпича, от них не осталось ничего, кроме нескольких планов местности, и почти нет письменных источников по ранней архитектуре или описаний зданий. Большая часть наших знаний о греческой архитектуре основана на сохранившихся зданиях позднего архаического, классического, эллинистического и римского периодов (поскольку в древнеримской архитектуре широко использовались греческие стили), а также из поздних письменных источников, таких как Витрувий.(I век до нашей эры). Это означает, что существует сильная предвзятость в отношении храмов , наиболее распространенных крупных построек, которые выживают. Здесь каменные блоки квадратной формы, используемые для стен, использовались для более поздних построек, и поэтому часто все, что уцелело, - это части колонн и метопов, которые было труднее переработать. ^[75]

На протяжении большей части периода использовалась строгая система строительства каменных столбов и перемычек , удерживаемых на месте только за счет силы тяжести. Корбеллинг был известен в микенской Греции, а арка была известна не позднее 5-го века, но до римского периода эти методы почти не использовались. ^[76] Древесина использовалась только для потолков и деревянных крыш в престижных каменных зданиях. Использование большой терракотовой черепицы , удерживаемой только с помощью канавок, означало, что крыши должны были иметь низкий уклон. ^[77]

До эллинистических времен в формальном каменном стиле строились только общественные здания; К ним относятся, прежде всего, храмы и небольшие казначейские постройки, которые часто сопровождали их, и были построены в Дельфах многими городами. Другие типы зданий, часто не крытые, были центральная агорой , часто с одним или несколько Колоннадного Стоа вокруг него, театров , в гимназии и палестры или борцовской-школе, ekklesiasterion или Bouleuterion для сборок, и Пропилеев или монументальных воротами. ^[78] Круглые здания для различных функций назывались толосами,^[79] и самые большие каменные сооружения часто были оборонительными городскими стенами.

Гробницы в течение большей части периода делались только как тщательно продуманные мавзолеи на окраинах греческого мира, особенно в Анатолии. ^[80] Частные дома были построены вокруг двора, где позволяли средства, и показали глухие стены на улицу. Иногда у них был второй этаж, но очень редко - подвалы. Обычно они в лучшем случае строились из щебня, и о них известно относительно немного; по крайней мере, мужчины большую часть жизни проводили вне их. ^[81] Несколько дворцов эллинистического периода были раскопаны. ^[82]

Храмы и некоторые другие постройки, такие как сокровищницы в Дельфах, планировались в виде куба или, чаще, прямоугольника, сделанного из известняка , которого в Греции много, и который был разрезан на большие блоки и отделан. Он был дополнен колоннами, по крайней мере, у входа, а часто и со всех сторон. ^[83] Другие здания были более гибкими по плану, и даже в самых богатых домах, похоже, не хватало внешнего украшения. Мрамор был дорогим строительным материалом в Греции: высококачественный мрамор поступал только с горы Пентел в Аттике и с нескольких островов, таких как Парос., и транспортировка его крупными блоками была затруднена. Он использовался в основном для скульптурного декора, а не для строительства, за исключением самых грандиозных зданий классического периода, таких как Парфенон в Афинах. ^[84]

В греческой архитектуре существовало два основных классических ордена: дорический и ионический , причем коринфский орден появился только в классический период и не стал доминирующим до римского периода. Наиболее очевидными чертами трех орденов являются капители колонн, но между орденами есть существенные различия в других аспектах дизайна и декора. ^[85] Эти имена использовались самими греками и отражали их веру в то, что стили произошли от дорийских и ионийских греков средневековья, но это маловероятно. Дорический камень был самым ранним, вероятно, впервые появившимся в камне в начале 7-го века, развившись (хотя, возможно, не очень напрямую) из своих предшественников из дерева. ^[86] Он использовался в материковой Греции и греческих колониях в Италии . Ионический стиль был впервые использован в городах Ионии (ныне западное побережье Турции ) и на некоторых островах Эгейского моря, вероятно, начиная с VI века. ^[87] Дорический стиль был более формальным и строгим, ионический - более расслабленным и декоративным. Более богато украшенный коринфский орденбыл более поздним развитием ионного, изначально использовавшегося только внутри зданий и использовавшего ионные формы для всего, кроме капителей. Знаменитый и хорошо сохранившийся хорагический памятник Лисикрата недалеко от Афинского Акрополя (335/334) - первое известное использование коринфского ордена на внешней стороне здания. ^[88]

Большинство наиболее известных сохранившихся греческих построек, таких как Парфенон и храм Гефеста в Афинах, относятся к дорическому. Однако Эрехтейон , расположенный рядом с Парфеноном, является ионическим. Ионический орден стал доминирующим в эллинистический период, поскольку его более декоративный стиль лучше подходил эстетике того периода, чем более сдержанный дорический. Некоторые из лучших сохранившихся эллинистических построек, такие как Библиотека Цельса , можно увидеть в Турции , в таких городах, как Эфес и Пергам . ^[89] Но в крупнейшем из эллинистических городов Александрии в Египте почти ничего не сохранилось.

• Эрехтейон на Акрополе в Афинах , в конце 5 века до н.э.

• Модель процессии в Древнем Дельфах , без особой скульптуры. ^[90]

• Хорагический памятник Лисикрата , Афины, 335/334

• Театр Эпидавра , 4 век до н.э.

Дизайн монет [ править ]

Монеты были (вероятно) изобретены в Лидии в 7 веке до нашей эры, но впервые они широко использовались греками, ^[91] и греки установили канон дизайна монет, которому следуют с тех пор. Дизайн монет сегодня все еще узнаваем по образцам, восходящим к древней Греции. Греки не считали дизайн монет основным видом искусства, хотя некоторые из них были разработаны ведущими ювелирами за большие деньги, особенно за пределами самой Греции, среди центральноазиатских королевств и в сицилийских городах, стремящихся к саморекламе. Тем не менее, долговечность и обилие монет сделали их одним из важнейших источников знаний о греческой эстетике. ^[92] Греческие монетыявляются единственной формой искусства из древнегреческого мира, которую все еще можно купить и владеть скромными частными коллекционерами.

Самыми распространенными монетами, которые использовались далеко за пределами их родных территорий и копировались и подделывались другими, были афинские тетрадрахмы , выпущенные с ок. 510 к с. 38 г. до н.э., а в эллинистическую эпоху - македонскую тетрадрахму, обе серебряные. ^[93] Оба они долгое время сохраняли один и тот же знакомый дизайн. ^[94] Греческие дизайнеры начали практику нанесения профильного портрета на лицевую сторону монет. Первоначально это был символический портрет бога-покровителя или богини города, выпустившего монету: Афина в Афинах , Аполлон в Коринфе, Деметра в Фивах.и так далее. Позднее на монетах Александра Македонского использовались головы героев греческой мифологии, например, Геракл .

Первые человеческие портреты на монетах были сатрапами Ахеменидской империи в Малой Азии , начиная с изгнанного афинского полководца Фемистокла, который стал сатрапом Магнезии около 450 г. до н.э., и продолжались особенно с династами Ликии в конце 5-го века. ^[95] Греческие города в Италии, такие как Сиракузы, начали изображать головы реальных людей на монетах в 4 веке до нашей эры, как и эллинистические преемники Александра Македонского в Египте , Сирии и других местах. ^[96]На реверсе своих монет греческие города часто помещали символ города: сова для Афин, дельфин для Сиракуз и так далее. Размещение надписей на монетах началось также во времена Греции. Все эти обычаи позже продолжили римляне. ^[92]

Самые амбициозные с художественной точки зрения монеты, созданные ювелирами или граверами по драгоценным камням, часто были из краев греческого мира, из новых колоний в ранний период и из новых королевств позже, как форма маркетинга их «брендов» в современных терминах. ^[97] Из более крупных городов Коринф и Сиракузы также выпускали неизменно привлекательные монеты. Некоторые из греко-бактрийских монет считаются лучшими образцами греческих монет с большими портретами с «прекрасным сочетанием реализма и идеализации», включая самые большие монеты, чеканившиеся в эллинистическом мире: самая большая золотая монета была отчеканена Евкратидом ( правил 171–145 до н.э.), самая большая серебряная монета индо-греческого царя Аминтаса Никатора(правил ок. 95–90 до н. э.). Портреты «показывают степень индивидуальности, которой никогда не могло сравниться с часто скучными изображениями их королевских современников, живущих дальше на Запад». ^[98]

• Аретуза на монете Сиракуз, Сицилия , 415-400 гг.

• Драхма из Эгины с черепахой и печатью, после того, как 404 г. до н.э.

• Геракл борется со львом. Серебряная монета из Гераклеи Лукании

• Македонская тетрадрахма с изображением Александра Македонского в образе Геракла после 330 г. до н. Э.

Живопись [ править ]

Греки, кажется, ценили живопись выше даже скульптуры, и в эллинистический период осознанная оценка и даже практика живописи были составными частями джентльменского образования. Экфрасис была литературная форма , состоящая из описания произведения искусства, и у нас есть значительный объем литературы по греческой живописи и художников, с последующими дополнениями на латинском языке, хотя ни один из трактатов художников, которые упомянуты не сохранились. ^[99] К сожалению, у нас нет ни одного из самых престижных видов картин на деревянных панелях или фресках , которыми занималась эта литература.

Контраст с вазовой росписью полный. В литературе об этом вообще нет упоминаний, но существует более 100 000 сохранившихся примеров, что дает многим отдельным художникам респектабельные уцелевшие произведения. ^[100] Наше представление о том, какой была лучшая греческая живопись, должно быть извлечено из тщательного рассмотрения параллелей в росписи ваз, позднегреко -римских копий в мозаике и фресках, некоторых очень поздних примеров реальной живописи в греческой традиции и древняя литература. ^[101]

В Древней Греции существовало несколько взаимосвязанных традиций живописи. Из-за своих технических отличий они претерпели несколько дифференцированную разработку. Ранняя живопись, похоже, развивалась по аналогии с вазовой живописью, в значительной степени опираясь на контур и плоские участки цвета, но затем расцвела и развивалась в то время, когда живопись ваз пришла в упадок. К концу эллинистического периода технические разработки включали моделирование для обозначения контуров форм, теней, ракурса, некоторых, вероятно, неточных форм перспективы, фона интерьера и ландшафта, а также использование меняющихся цветов для обозначения расстояния в ландшафтах, так что «греческий у художников были все технические средства, необходимые для полностью иллюзионистской живописи ». ^[102]

Панно и настенная живопись [ править ]

Наиболее распространенным и уважаемым видом искусства, по мнению таких авторов, как Плиний или Павсаний , были панно , индивидуальные переносные картины на деревянных досках. В технике энкаустика (воск) и темпера . На таких картинах обычно изображались фигурные сцены, в том числе портреты и натюрморты ; у нас есть описания многих композиций. Их собирали и часто выставляли в общественных местах. Павсаний описывает такие выставки в Афинах и Дельфах.. Мы знаем имена многих известных художников, в основном классического и эллинистического периодов, из литературы (см. Расширяемый список справа). Самым известным из всех древнегреческих художников был Апеллес из Коса , которого Плиний Старший хвалил как «превзошедшего всех других художников, предшествовавших ему или последовавших за ним». ^{[103] [104]}

К сожалению, из-за недолговечности используемых материалов и серьезных потрясений в конце античности не сохранилось ни одного из знаменитых произведений греческой панно, ни даже одной из копий, которые, несомненно, существовали и которые дают нам большую часть наши знания греческой скульптуры. Чуть более значительные пережитки настенных композиций. Самыми важными сохранившимися греческими образцами до римского периода являются довольно низкокачественные панели из питцы ок. 530 г. до н.э., ^[105] Гробница Diver от Пестума , и различные картины из царских гробниц в Vergina . Более многочисленные картины этрусского и кампанского языковгробницы построены в греческом стиле. В римский период в Помпеях и окрестностях, а также в самом Риме есть несколько настенных росписей , некоторые из которых считаются копиями конкретных более ранних шедевров. ^[106]

В частности, копии определенных настенных росписей уверенно идентифицированы на Александровской мозаике и на вилле Боскореале . ^[107] Существует большая группа гораздо более поздних греко-римских археологических раскопок из засушливых условий Египта, портреты мумий Фаюм вместе с подобным Северан Тондо и небольшая группа раскрашенных портретных миниатюр в золотом стекле . ^[108] Византийские иконы также произошли от традиции энкаустической живописи, а византийские иллюминированные манускрипты иногда веками продолжали греческий иллюзионистский стиль.

Традиция настенной росписи в Греции восходит, по крайней мере, к минойскому и микенскому бронзовому веку , с роскошным фресковым оформлением таких мест, как Кнос , Тиринф и Микены . Неясно, есть ли какая-либо преемственность между этими предками и более поздними греческими настенными росписями.

Настенные росписи часто описываются Павсанием, и многие из них, похоже, были созданы в классические и эллинистические периоды. Из-за отсутствия сохранившейся архитектуры сохранилось не так много. Наиболее яркими примерами являются монументальная архаическая сцена битвы гоплитов VII века до н.э. внутри храма в Калаподи (недалеко от Фив ), а также тщательно продуманные фрески из «Могилы Филиппа» 4-го века и «Могилы Персефоны» в Вергине. в Македонии , или гробницу в Агиос Афанасиос, Салоники , иногда предлагалось тесно связать с высококачественными панно, упомянутыми выше.

Традиция греческой настенной росписи также отражена в современных надгробных украшениях в греческих колониях в Италии , например, в знаменитой Гробнице ныряльщика в Пестуме . Некоторые ученые предполагают, что знаменитые римские фрески в таких местах, как Помпеи, являются прямыми потомками греческих традиций, и что некоторые из них копируют известные панно.

• Древние македонские рисунки доспехов, оружия и снаряжения из гробницы Лисона и Калликла в древней Миезе (современная Лефкадия), Иматия , Центральная Македония , Греция, II век до нашей эры.

• Стела Диоскуридеса, датируемая II веком до н.э., изображающая птолемеевского солдата тиреофора , характерный пример « романизации » птолемеевской армии.

• Фреска из Гробницы Суда в древней Миезе (современная Лефкадия), Иматия , Центральная Македония , Греция, изображающая религиозные образы загробной жизни , 4 век до н.э.

• Фреска, изображающая Аида и Персефона, едущих в колеснице , из гробницы царицы Македонской Эвридики I в Вергине , Греция, 4 век до н.

• Банкет сцена из македонской гробницы Святого Афанасия, Салоников , 4 -го века до нашей эры; Шесть мужчин лежат на кушетках , еда разложена на соседних столах, в сопровождении слуги-мужчины и развлекающих женщин-музыкантов. ^[109]

• Фреска древнего македонского солдата ( торакитай ) в кольчужных доспехах и щитом туреоса , III век до н.э.

• Sampul гобелен , шерстяная стене висит от Лоп , префектуры Хотан , Синьцзян , Китай , показывая , возможно , греческий солдат из греко-бактрийского царства (250-125 до н.э.), с голубыми глазами , держащий в руках копье, и носить то , что , как представляется , быть диадемой на голову; над ним изображен кентавр из греческой мифологии , распространенный мотив в эллинистическом искусстве ; ^[110] Региональный музей Синьцзян .

• Эллинистический греческий ЭНКАУСТИКА на мраморной надгробной плиты с изображением портрет молодого человека по имени Теодорос, датированной 1 - ого столетия до н.э. в период римской Греции , Археологический музей Фив

Полихромия: живопись по скульптуре и архитектуре[ редактировать ]

Большая часть фигурной или архитектурной скульптуры Древней Греции была красочно окрашена. Этот аспект греческой каменной кладки описывается как полихромия (от греческого πολυχρωμία , πολύ = много и χρώμα = цвет). Из-за интенсивного выветривания полихромия в скульптуре и архитектуре в большинстве случаев существенно или полностью исчезла.

Хотя слово « полихромия» образовано сочетанием двух греческих слов, в Древней Греции оно не использовалось. Термин был придуман в начале девятнадцатого века Антуаном Хризостомом Катремером де Куинси. ^[111]

Архитектура [ править ]

Живопись также использовалась для улучшения визуальных аспектов архитектуры. Некоторые части надстройки греческих храмов обычно расписывались с архаического периода. Такая архитектурная полихромия может принимать форму ярких цветов, непосредственно нанесенных на камень (свидетельство которых, например, на Парфеноне , или сложных узоров, часто архитектурных элементов, сделанных из терракоты (архаические примеры в Олимпии и Дельфах ). Иногда терракоты также изображали фигурные сцены , как и терракотовые метопы VII века до нашей эры из Термона . ^[112]

Скульптура [ править ]

Большинство греческих скульптур были окрашены в яркие и яркие цвета; это называется « полихромией ». Краска часто ограничивалась частями, изображающими одежду, волосы и т. Д., Оставляя кожу естественного цвета камня или бронзы, но она также могла покрывать скульптуры в их совокупности; женская кожа из мрамора имела тенденцию быть бесцветной, а мужская кожа могла быть светло-коричневой. Живопись греческой скульптуры не должна рассматриваться просто как улучшение их скульптурной формы, но имеет характеристики отличного стиля искусства. ^[113]

Например, недавно было продемонстрировано , что фронтальные скульптуры из храма Афайи на Эгине окрашены смелыми и сложными узорами, изображающими, среди прочего, узорчатую одежду. Полихромия каменных статуй сочеталась с использованием разных материалов для различения кожи, одежды и других деталей в скульптурах из хризелефантина , а также с использованием разных металлов для изображения губ, ногтей и т. Д. На высококачественной бронзе, такой как бронза из Риаче . ^[113]

Роспись ваз [ править ]

Наиболее яркое свидетельство древнегреческой живописи сохранилось в виде вазовых картин . Они описаны выше в разделе « керамика ». Они дают хоть какое-то представление об эстетике греческой живописи. Однако используемые техники сильно отличались от тех, что используются в широкоформатной живописи. То же, вероятно, относится и к изображенному предмету. Художники по вазам обычно были специалистами в гончарной мастерской, а не художниками других медиа или гончарями. Следует также иметь в виду, что вазовая живопись, хотя и является наиболее заметным из сохранившихся источников древнегреческой живописи, в античности не пользовалась большим уважением и никогда не упоминалась в классической литературе. ^[114]

Мозаики [ править ]

Первоначально мозаика была сделана из округлой гальки, а позже из стекла с мозаикой, которая придавала больше цвета и плоскую поверхность. Они были популярны в эллинистический период, сначала как украшение полов во дворцах, но со временем и для частных домов. ^[116] Часто изображение центральной эмблемы на центральной панели было выполнено гораздо более тонко, чем окружающее украшение. ^[117] Мотивы Ксении , где дом демонстрирует примеры разнообразной еды, которую гости могли ожидать от удовольствия, представляют собой большинство сохранившихся образцов греческого натюрморта . В общем, мозаику следует рассматривать как вторичную среду, копирующую живопись, часто очень прямо, как в мозаике Александра .^[118]

Нестреловидной покрытие на сосус Пергамон (ок. 200 г. до н.э.) был оригинальным и известным сверхнатурализма кусок, известный из многих греко-римских копиях. По словам Джона Бордмана , Сосус - единственный художник-мозаичист, чье имя сохранилось; его Голуби также упоминаются в литературе и копируются. ^[119] Однако Кэтрин М.Д. Дунбабин утверждает, что два разных мастера мозаики оставили свои подписи на мозаиках Делоса . ^[120] Художник мозаики «Охота на оленя» 4 века до н.э., возможно, также оставил свою подпись как Гнозис., хотя это слово может быть ссылкой на абстрактное понятие знания. ^[121]

Мозаика является важным элементом сохранившегося македонского искусства, и большое количество образцов сохранилось в руинах Пеллы , древней столицы Македонии , в современной Центральной Македонии . ^[122] Мозаика, такая как мозаика «Охота на оленя» и «Охота на льва», демонстрирует иллюзионистские и трехмерные качества, обычно присутствующие в эллинистических картинах, хотя деревенская македонская охота заметно более выражена, чем другие темы. ^[123] Франсуа Шаму оценил мозаику II века до н.э. в Делосе , Греция, как на вершину эллинистического мозаичного искусства, с похожими стилями, которые продолжались на протяженииРимский период, возможно, заложил основы для широкого использования мозаики в западном мире вплоть до средневековья . ^[116]

• Мозаика из Касты гробницы в Амфиполе изображающей похищение Персефонов на Плутоне , 4 века до н.э.

• Центральная панель Похищение Елены по Тесея , напольная мозаика , деталь возницы , из Дома Похищение Елены, (ок. 300 г. до н.э.), древней Пеллы

• Александр Македонский (слева) в каусии и сражающийся с азиатским львом со своим другом Кратером (фрагмент); мозаика конца IV века до н.э. из Пеллы ^[124]

• Мозаика из нимфы из дворца Великого Магистра рыцарей Родоса , второй век до н.э.

• Крылатый бог Дионис верхом на тигре из дома Диониса в Делосе , Греция, II век до н.э.

• Деталь панели пола с александрийским попугайчиком , Пергам, современная Турция , середина II века до н.э. (правление Евмена II и Аттала II )

• Птолемеевская мозаика с изображением собаки и сосуда для вина из аскоса из эллинистического Египта , датируемая 200-150 гг. До н.э.

• Эллинистическая мозаика из Фмуиса ( Мендес ), Египет, подписанная Софилом ок. 200 г. до н.э .; Птолемеевская царица Береника II (соправительница со своим мужем Птолемеем III ) как олицетворение Александрии. ^[125]

Гравированные драгоценные камни [ править ]

Гемма была роскошь искусства с высоким престижем; Помпей и Юлий Цезарь были среди более поздних коллекционеров. ^[126] Эта техника имеет древнюю традицию на Ближнем Востоке , и цилиндрические печати , конструкция которых появляется только при прокатке по влажной глине, из которой развился тип плоского кольца, распространились в минойском мире, включая некоторые части Греции и Кипра . Греческая традиция возникла под минойским влиянием на культуру материковой Эллады и достигла апогея утонченности и утонченности в эллинистический период. ^[127]

Круглые или овальные греческие драгоценные камни (наряду с подобными предметами из кости и слоновой кости) находят с 8-го и 7-го веков до нашей эры, обычно с животными в энергичных геометрических позах, часто с границей, отмеченной точками или ободком. ^[128] Ранние образцы в основном сделаны из более мягких камней. Драгоценные камни VI века чаще бывают овальными, ^[129] со скарабеем на спине (в прошлом этот тип называли «скарабеями»), а также человеческими или божественными фигурами, а также животными; форма скарабея, очевидно, была заимствована из Финикии . ^[130]

Формы изысканные для того периода, несмотря на обычно небольшой размер драгоценных камней. ^[94] В V веке драгоценные камни стали немного больше, но все же их высота составляла всего 2–3 сантиметра. Несмотря на это, показаны очень мелкие детали, включая ресницы на одной мужской голове, возможно, портрет. Четыре драгоценных камня, подписанные Дексаменом Хиосским, являются лучшими в то время, на двух изображены цапли . ^[131]

Рельефная резьба стала обычным явлением в Греции V века до нашей эры, и постепенно большинство впечатляющих резных драгоценных камней стали рельефными. Как правило, рельефное изображение более впечатляющее, чем глубокой печати; в более ранней форме получатель документа видел это в отпечатанном сургучном воске, в то время как в более поздних рельефах это был владелец печати, который хранил его для себя, вероятно, отмечая появление драгоценных камней, предназначенных для сбора или ношения в качестве ювелирных подвесокв ожерельях и тому подобном, а не используются в качестве печатей - более поздние иногда бывают довольно большими, чтобы использовать их для запечатывания букв. Однако надписи, как правило, все еще в обратном порядке («зеркальное письмо»), поэтому они правильно читаются только на оттисках (или при просмотре сзади через прозрачные камни). Этот аспект также частично объясняет получение оттисков из гипса или воска с драгоценных камней, которые легче оценить, чем оригинал.

Более крупные резные фигурки из твердого камня и камеи , которые редко встречаются в глубокой печати, по-видимому, достигли Греции примерно в 3 веке; Фарнезе Tazza является единственным крупным сохранившимся эллинистическим примером ( в зависимости от даты , присвоенной Камея Гонзага и Кубок Птолемеев ), но и другие стекла Пасты имитаций с портретами предполагают , что камеи камня типа были сделаны в этот период. ^[132] Завоевания Александра открыли новые торговые пути в греческий мир и увеличили диапазон доступных драгоценных камней. ^[133]

Орнамент [ править ]

Синтез в архаический период местного репертуара простых геометрических мотивов с импортированными, в основном растительными мотивами с Дальнего Востока, создал обширный словарь орнаментов, которые художники и мастера использовали с уверенностью и беглостью. ^[134] Сегодня этот словарь можно увидеть, прежде всего, в большом корпусе расписной керамики, а также в архитектурных остатках, но изначально он использовался в широком спектре средств массовой информации, поскольку более поздняя версия используется в европейском неоклассицизме. .

Элементы в этом словаре включают геометрический меандр или «греческий ключ», яйцо и дротик , бусину и катушку , витрувианский свиток , гильоширование , а из мира растений - стилизованные листья аканта , завиток , пальметту и половину пальметты, завитки растений. различные виды , розетки , цветок лотоса и папируса цветов . Первоначально использовавшиеся заметно на архаических вазах, по мере развития фигуративной живописи они обычно использовались в качестве границ, разделяющих края вазы или различных зон украшения. ^[135]Греческая архитектура отличалась разработкой сложных условностей для использования лепных украшений и других архитектурных декоративных элементов, в которых эти мотивы использовались в гармонично интегрированном целом.

Еще до классического периода эта лексика оказала влияние на кельтское искусство, а расширение греческого мира после Александра и вывоз греческих предметов еще дальше открыли ему большую часть Евразии , включая регионы на севере Индийского субконтинента. где буддизм расширялся и создавал греко-буддийское искусство . Когда буддизм распространился по Центральной Азии в Китай и остальную часть Восточной Азии, в форме, в которой широко использовалось религиозное искусство, версии этого словаря были взяты вместе с ним и использованы для окружения изображений будд и других религиозных образов, часто с размером и акцентом, которые показались бы древним грекам чрезмерными. Лексика была впитана орнаментом Индии, Китая, Персии и других азиатских стран, а также получила дальнейшее развитие в византийском искусстве . ^[136] Римляне переняли словарный запас более или менее полностью, и, хотя он сильно изменился, его можно проследить в европейском средневековом искусстве , особенно в растительном орнаменте.

Исламское искусство , в котором орнамент в значительной степени заменяет фигуру, превратило византийский свиток растений в полный, бесконечный арабеск , и особенно после монгольских завоеваний 14 века на него повлиял Китай, в том числе потомки греческой лексики. ^[137] Начиная с эпохи Возрождения, некоторые из этих азиатских стилей были представлены на текстиле, фарфоре и других товарах, импортированных в Европу, и повлияли на орнамент там, процесс, который продолжается до сих пор.

Другие искусства [ править ]

Хотя стекло производилось на Кипре в IX веке до нашей эры и к концу этого периода было значительно развито, сохранилось лишь несколько сохранившихся стеклянных изделий до греко-римского периода, которые демонстрируют художественное качество лучших работ. ^[138] Большинство уцелевших - это маленькие флаконы для духов в причудливых цветных «перьях», похожие на другое средиземноморское стекло . ^[139] Эллинистическое стекло стало дешевле и доступным для широких слоев населения.

Греческой мебели не сохранилось, но есть множество ее изображений на вазах и мемориальных барельефах, например , на Гегезо . Очевидно, он часто был очень элегантным, как и стили, заимствованные из него с 18 века. Некоторые резные изделия из слоновой кости, которые использовались в качестве инкрустаций, сохранились, как в Вергине, и несколько резных фигурок из слоновой кости; это было роскошное искусство, которое могло быть очень высокого качества. ^[140]

Из рисунков на вазах видно, что греки часто носили одежду с замысловатыми узорами, а умение ткать было отличительной чертой респектабельной женщины. Сохранились два роскошных куска ткани из гробницы Филиппа Македонского . ^[141] Существует множество упоминаний о декоративных драпировках как для домов, так и для храмов, но ни одно из них не сохранилось.

Распространение и наследие [ править ]

Древнегреческое искусство оказало значительное влияние на культуру многих стран по всему миру, прежде всего на его человеческую фигуру. На Западе греческая архитектура также имела огромное влияние, и как на Востоке, так и на Западе влияние греческого декора прослеживается до наших дней. Этрусское и римское искусство в значительной степени и непосредственно произошло от греческих образцов ^[142], а греческие предметы и влияние достигли кельтского искусства к северу от Альп ^[143], а также всего Средиземноморского мира и Персии. ^[144]

На Востоке, Александр Великий Завоевания «s инициировал несколько веков обмена между греческой, Центральной Азии и индийской культур, что во многом способствовало распространению буддизма , который рано подобран многие греческие черты и мотивы в греко-буддийского искусства , которые затем были переданы как часть культурного пакета в Восточную Азию , даже в Японию , среди художников, которые, без сомнения, совершенно не знали о происхождении мотивов и стилей, которые они использовали. ^[145]

После эпохи Возрождения в Европе гуманистическая эстетика и высокие технические стандарты греческого искусства вдохновили поколения европейских художников, что привело к серьезному возрождению движения неоклассицизма, которое началось в середине 18 века, что совпало с более легким доступом из Западной Европы в Грецию. сам, а также возобновленный импорт греческих оригиналов, наиболее известный как мрамор Элгина из Парфенона. В 19 веке классическая традиция, пришедшая из Греции, доминировала в искусстве западного мира. ^[146]

Историография [ править ]

Высшие классы эллинизированных римлян поздней республики и ранней империи в целом признавали превосходство Греции в искусстве без особых придирок, хотя похвала Плиния за скульптуру и живопись доэллинистических художников может быть основана на более ранних греческих сочинениях, а не на личных знаниях. . Плиний и другие классические авторы были известны в эпоху Возрождения, и это предположение о превосходстве Греции снова было общепринятым. Однако критикам в эпоху Возрождения и намного позже было неясно, какие произведения на самом деле были греческими. ^[147]

Как часть Османской империи , до середины 18 века в Грецию могли попасть лишь очень немногие западные европейцы. Не только греческие вазы , найденные в этрусских кладбищах, но и (более спорно) греческие храмы Пестум были взяты , чтобы быть этрусский или иначе Italic, до конца 18 - го века и за его пределами, заблуждением длительного итальянского националистических настроений. ^[147]

Сочинения Иоганна Иоахима Винкельмана , особенно его книги « Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре» (1750 г.) и « Geschichte der Kunst des Alterthums» («История древнего искусства», 1764 г.), были первыми, в которых проводилось четкое различие между древнегреческим и древнегреческим искусством. Этрусское и римское искусство и определяют периоды в греческом искусстве, прослеживая траекторию от роста к зрелости, а затем к подражанию или упадку, которое продолжает оказывать влияние до наших дней. ^[148]

Полное отделение греческих статуй от их более поздних римских копий и лучшее понимание баланса между гречностью и римлянизмом в греко-римском искусстве потребовало гораздо больше времени и, возможно, все еще продолжается. ^[149] Греческое искусство, особенно скульптура, продолжало пользоваться огромной репутацией, а его изучение и копирование было значительной частью подготовки художников до падения академического искусства в конце 19 века. В этот период фактический известный корпус греческого искусства и, в меньшей степени, архитектуры значительно расширился. Исследование вазы разработали огромную литературу в конце 19 - го и 20 - го веков, сколько на основе идентификации рук отдельных художников, с сэром Джоном Бизливедущая фигура. Эта литература обычно предполагала, что вазная живопись представляет собой развитие независимой среды, только в общих чертах, опираясь на стилистическое развитие в других художественных средствах. Это предположение все чаще подвергается сомнению в последние десятилетия, и некоторые ученые теперь рассматривают его как вторичный носитель, в основном представляющий дешевые копии утраченных металлических изделий, и большая часть их сделана не для обычного использования, а для хранения в захоронениях. ^[150]

См. Также [ править ]

Викискладе есть медиафайлы, связанные с древнегреческим искусством .

• Дионисийское искусство
• Смерть в древнегреческом искусстве
• Парфянское искусство
• Список древнегреческих храмов
• Национальный археологический музей Афин
• Классическая архитектура

Примечания [ править ]

Ссылки [ править ]

• "Бизли" Центр исследований классического искусства Оксфордского университета. Beazley Archive - обширный веб-сайт о классических жемчужинах; заголовки страниц, используемые как ссылки
• Бордман, Джон изд., Оксфордская история классического искусства , Oxford University Press , 1993, ISBN 0198143869 
• Бернетт, Эндрю, Монеты; Интерпретация прошлого , Калифорнийский университет / Британский музей, 1991, ISBN 0520076281 
• Шаму, Франсиос, Эллинистическая цивилизация , перевод Мишеля Русселя, Оксфорд: Blackwell Publishing, 2002 [1981], ISBN 0631222421 . 
• Коэн, Ада, Искусство в эпоху Александра Великого: парадигмы мужественности и их культурные традиции , Нью-Йорк: Cambridge University Press, 2010, ISBN 9780521769044 
• Повар, RM , греческое искусство , пингвин, 1986 (перепечатка 1972 г.), ISBN 0140218661 
• Данбабин, Кэтрин, доктор медицины , Мозаики греческого и римского мира , Кембридж: Cambridge University Press , 1999, ISBN 0521002303 
• Хардиман, Крейг И. (2010). «Классическое искусство до 221 года до нашей эры», Ин Ройсман, Джозеф; Уортингтон, Ян, Спутник Древней Македонии , Оксфорд: Wiley-Blackwell, 2010, ISBN 9781405179362 . 
• Хонор, Хью , неоклассицизм. Стиль и цивилизация 1968 (переиздано 1977), Penguin
• Хаугего, Кристофер, Древняя история из монет , Рутледж, 1995, ISBN 041508993X 
• Карузоу, Семни, Национальный музей: иллюстрированный путеводитель по музею (Нью-Мексико, Афины), 1980, Ekdotike Athenon SA, ISBN 9789602130049 (более позднее издание) 
• Расмуссен, Том, Спайви, Найджел , редакторы, глядя на греческие вазы , 1991, Cambridge University Press, ISBN 9780521376792 , книги Google 
• Роусон, Джессика , Китайский орнамент: лотос и дракон , 1984, Публикации Британского музея, ISBN 0714114316 
• Смит, Р.Р.Р., эллинистическая скульптура, справочник , Thames & Hudson, 1991, ISBN 0500202494 
• Уильямс, Дайфри. Шедевры классического искусства , 2009, British Museum Press, ISBN 9780714122540 
• Вудфорд, Сьюзен, Введение в греческое искусство , 1986, Дакворт, ISBN 9780801419942 
• Греция: от Микен до Парфенона , Анри Стирлен, ТАШЕН , 2004 г.

Дальнейшее чтение [ править ]

• Шанкс, Майкл (1999). Искусство и греческий город-государство . Кембридж: Издательство Кембриджского университета. ISBN 0 521 56117 5.
• Бетанкур, Филип П. Введение в искусство Эгейского моря . Филадельфия: INSTAP Academic Press, 2007.
• Гори, Лусилла. Эллинистическое искусство: от Александра Великого до Августа . Лос-Анджелес: Музей Дж. Пола Гетти, 2004.
• Колдстрим, Дж. Н. Геометрическая Греция: 900-700 гг . До н . Э. 2-е изд. Лондон: Рутледж, 2003.
• Дженкинс, Йен, Селеста Фардж и Виктория Тернер. Определение красоты: тело в древнегреческом искусстве . Лондон: Британский музей, 2015.
• Лэнгдон, Сьюзен Хелен. Искусство и идентичность в Греции темных веков, 1100-700 гг. До н.э. Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 2008.
• Линг, Роджер. Создание классического искусства: процесс и практика . Страуд, Глостершир: Темпус, 2000.
• Луна, Уоррен Г. Древнегреческое искусство и иконография . Мэдисон: Висконсинский университет Press, 1983.
• Педли, Джон Гриффитс. Греческое искусство и археология . 5-е изд. Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Prentice Hall, 2012.
• Планцос, Димитрис. Эллинистические гравированные драгоценные камни . Оксфорд: Clarendon Press, 1999.
• Поллитт, Дж. Дж. Искусство в эпоху эллинизма . Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 1986.
• -. Искусство и опыт в классической Греции . Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 1972.
• Смит, Тайлер Джо и Димитрис Планцос. Соратник греческого искусства . Сомерсет: Уайли, 2012.
• Стюарт, Эндрю Ф. Классическая Греция и рождение западного искусства . Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 2008.
• Ятроманолакис, Димитриос. Эпиграфия искусства: древнегреческие вазы-надписи и вазы-картины . Оксфорд: Археопресс, 2016.

Внешние ссылки [ править ]

Wikisource имеет текст 1911 Британской энциклопедии статью греческого искусства .

• Ресурс по истории греческого искусства
• Древнегреческая керамика