Из Википедии, бесплатной энциклопедии
  (Перенаправлен из венецианской школы (искусство) )
Перейти к навигации Перейти к поиску
Тициан , Саломея с головой Иоанна Крестителя ок. 1515; это религиозное произведение также функционирует как идеализированный портрет красавицы - венецианский жанр, разработанный Тицианом, предположительно часто использующим в качестве моделей венецианские куртизанки .

Венецианская живопись была главной силой в живописи итальянского Возрождения и за его пределами. Начиная с работ Джованни Беллини (ок. 1430–1516) и его брата Джентиле Беллини (ок. 1429–1507) и их мастерских, крупнейшими художниками венецианской школы были Джорджоне (ок. 1477–1510), Тициан (ок. 1489–1576), Тинторетто (1518–1594), Паоло Веронезе (1528–1588) и Якопо Бассано (1510–1592) и его сыновья. Считается, что цвет отдает приоритет линии, [1] традиция венецианской школы контрастирует с маньеризмом.распространен в остальной части Италии. Венецианский стиль оказал большое влияние на последующее развитие западной живописи . [2]

Каналетто , вход в Гранд-канал , гр. 1730 г., типичная ведута .

Случайно основные этапы венецианской живописи довольно точно вписались в века. За славой 16-го века последовал большой спад в 17-м, но неожиданное возрождение в 18-м, [3] когда венецианские живописцы пользовались большим успехом по всей Европе, когда живопись барокко обратилась к рококо . Это закончилось полностью на вымирание от Венецианской республики в 1797 году и с тех пор, хотя и сильно окрашенные другими, Венеция не имела продолжающуюся стиль или традиции своей собственной. [4]

Несмотря на то, что длительный спад политической и экономической мощи республики начался до 1500 года, Венеция на тот момент оставалась «самым богатым, самым могущественным и самым густонаселенным итальянским городом» [5] и контролировала значительные территории на материке, известные как терраферма. , который включал в себя несколько небольших городов, которые внесли свой вклад в венецианскую школу художников, в частности Падуя , Брешиа и Верона . Территории республики также включали Истрию , Далмацию и острова, которые сейчас находятся у хорватского побережья, которые также внесли свой вклад. В самом деле, «крупнейшие венецианские художники шестнадцатого века редко были уроженцами города» [6].а некоторые в основном работали на других территориях республики или за ее пределами. [7]

Джованни Беллини , Алтарь Сан-Заккария , 1505 г., поздняя работа, Сан-Заккария , Венеция

Остальная часть Италии имела тенденцию игнорировать или недооценивать венецианскую живопись; Пренебрежение Джорджо Вазари к школе в первом издании его Жизни самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов в 1550 году было настолько заметным, что он понял, что ему нужно посетить Венецию для получения дополнительных материалов во втором издании 1568 года [8]. ]Напротив, иностранцы, для которых Венеция часто была первым крупным итальянским городом, который посещали, всегда высоко ценили ее, и, после самой Венеции, лучшие коллекции теперь находятся в крупных европейских музеях, а не в других итальянских городах. На высшем, княжеском уровне, венецианские художники, как правило, были наиболее востребованными для заказов за границей, начиная с Тициана, и в 18 веке большинство лучших художников проводили значительные периоды за границей, как правило, с большим успехом. [9]

Медиа и методы [ править ]

Венецианские художники были одними из первых итальянцев, использование масляной живописи , [10] , а также рисовать на холсте , а не деревянных панелей. В качестве морской державы в Венеции всегда имелось в наличии холст хорошего качества, в котором также начинало не хватать древесины. Большой размер многих венецианских алтарей (например, Алтарь Сан-Заккария Беллини 1505 года, первоначально на панно) и других картин способствовал этому, поскольку большие поверхности панелей были дорогими и сложными в изготовлении.

Венецианцы не развили «родную школу» фресковой живописи, часто полагаясь на Падую и Верону , венецианскую с 1405 года, чтобы поставлять художников (особенно Паоло Веронезе ). Они продолжали добавлять мозаику из золотой земли в Сан-Марко еще долгое время после того, как остальная часть Европы отказалась от этой среды. Несколько извращенно, они были счастливы добавить фрески снаружи палаццо , где они испортились даже быстрее, чем где-либо в Италии, и оставили лишь несколько темных следов, кроме Дворца дожей., мало использовал их в других интерьерах. Быстрое ухудшение внешних фресок часто приписывают приморскому венецианскому климату, возможно, ошибочно. [11] Вероятно, отчасти по этой причине, до 18 века (за редкими исключениями) венецианские церкви никогда не имели последовательной схемы украшения, но имели «богатое изобилие различных предметов в живописной беспорядке», часто с большим пространством на стенах вверх по грандиозным стенам-гробницам. [12]

По сравнению с флорентийской живописью , венецианские художники в основном использовали и оставили меньше рисунков. [13] Возможно, по этой причине, и несмотря на то, что Венеция была крупнейшим центром печати и публикации в Италии на протяжении всего итальянского Возрождения и в течение значительного времени после этого, вклад Венеции в создание гравюры меньше, чем можно было ожидать. Как и Рафаэль , Тициан экспериментировал с гравюрами, используя специалистов, но в меньшей степени. Гравер Агостино Венециано переехал в Рим, когда ему было 20 лет, а Джулио Кампаньола и его приемный сын Доменико Кампаньола.являются основными художниками 16-го века, которые сосредоточились на гравюре и остались в Венецианской республике , по-видимому, в основном в Падуе. [14] Ситуация была иной в 18 веке, когда и Каналетто, и два Тьеполо были значительными граверами , а Джованни Баттиста Пиранези , хотя и прославился своими взглядами на Рим, продолжал называть себя венецианцем в течение десятилетий после переезда в Рим. [15]

Раннее развитие, до 1500 г. [ править ]

14 век [ править ]

Паоло Венециано , запрестольный полиптих с коронацией Богородицы , ок. 1350

Паоло Венециано , вероятно, действовавший между 1320 и 1360 годами, является первой крупной фигурой, которую мы можем назвать, и «основателем венецианской школы». Кажется, он представил «составной запрестольный образ» из множества маленьких сцен в сложной позолоченной деревянной раме, которая оставалась доминирующей в церквях на протяжении двух столетий. Они передали в роспись форму огромного, инкрустированного драгоценностями и очень известного Pala d'Oro за главным алтарем в Сан-Марко , эмалевые панели для которого были сделаны в Константинополе , а затем вывезены из него для последующих дожей . [16]Фактически, одна из задач Венециано заключалась в том, чтобы нарисовать панно «будний день», чтобы оно соответствовало Пале, которая открывалась только для праздников. В его стиле нет влияния Джотто , работавшего поколением ранее. [17]

Самая ранняя форма итальянской живописи эпохи Возрождения была впервые замечена в Венеции, когда Гуариенто ди Арпо из Падуи было поручено нарисовать фрески во Дворце дожей в 1365 году.

15 век [ править ]

Дополнительная информация: Венецианский ренессанс

Традиционный итало-византийский стиль сохранялся примерно до 1400 года, когда доминирующий стиль начал сдвигаться в сторону международной готики , что продолжилось в довольно очаровательной работе Микеле Джамбоно (ок. 1400 - ок. 1462), который также создавал мозаику для Сан-Марко. Джентиле да Фабриано и Пизанелло были в Венеции в течение большей части 1405–1409 годов, расписывая фрески (ныне утерянные) во Дворце Дожей и в других местах. [18]

К середине века, когда флорентийское кватроченто стало полностью зрелым, Венеция все еще сильно отставала. Возможно, самой заметной работой Венеции в тосканском стиле была мозаика « Смерть Богородицы» в Капелле Масколи в Сан-Марко, рядом с дизайном Гамбоно, хотя другие работы в городе включали фрески Андреа Кастаньо . [19] Виварини и Беллини семьи были два главных династий художников 15- го века в городе, и Виварини, хотя в конце концов , более консервативны, были первоначально первым , чтобы охватить стили с юга. [20]

Карло Кривелли (ок. 1430–1495) родился в городе, но свою зрелую карьеру провел за пределами территории республики. Его стиль - в высшей степени индивидуальный, довольно линейный и несколько невротический - не оказал никакого влияния на более позднюю венецианскую живопись. [21]

Витторе Карпаччо, Чудо реликвии Креста на Понте ди Риальто , ок. 1496

С конца 15 века венецианская живопись развивалась благодаря связям с Андреа Мантенья (1431–1506) (из соседней Падуи ) и визита Антонелло да Мессина (около 1430–1479), который представил технику масляной живописи раннего нидерландского языка. живопись , вероятно, приобретенная во время обучения в Неаполе . [22] Другим внешним фактором был визит Леонардо да Винчи , который оказал особое влияние на Джорджоне . [23]

Джованни Беллини за свою долгую карьеру создал венецианский стиль. [2] После более ранних работ, таких как « Мадонна маленьких деревьев» (ок. 1487 г.), которые в значительной степени отражают линейный подход Мантеньи, он позже разработал более мягкий стиль, в котором светящиеся цвета используются для представления формы и создания атмосферной дымки. . Применяя этот подход в своем алтаре Сан-Заккария (1505 г.), высокая точка обзора, лаконичные и взаимосвязанные фигуры, расположенные в пространстве, и тонкие жесты объединяются, чтобы сформировать спокойный, но величественный образ. [24] С такими работами он описывается как достигший Высокого Возрождения [24] идеалы, и, безусловно, выражает ключевые отличительные черты венецианской школы.

Витторе Карпаччо (ок. 1465–1525 / 1526) был учеником Беллини с особым стилем. Он был довольно консервативен и игнорировал стиль Высокого Возрождения, развившийся в более позднюю часть его карьеры, действительно сохраняя поэзию поздней готики во многих произведениях. С Джентиле Беллини , многие из крупных работ Карпаччо дают нам известные сцены современной жизни в городе; в то время такие взгляды были необычными. Он был одним из первых художников, которые в основном использовали холст, а не панно. Были и другие художники, продолжавшие по существу стили кватроченто в течение двух десятилетий после 1500 года; Чима да Конельяно (ок. 1459 - ок. 1517) является наиболее значительным. [25]

16 век [ править ]

Джорджоне и Тициан [ править ]

Ранняя драматическая мадонна Пезаро (1526 г.) Тициана с богатым венецианским колоритом.

Giorgione and Titian were both apprentices at Bellini's workshop. They collaborated on numerous paintings, and their styles could be so similar that it is difficult to conclusively assign authorship. A speciality of Giorgione's were idyllic Arcadian scenes, with an example being his Three Philosophers, and this element was adopted by his master Bellini, who increased the landscape in his many Madonnas,[26] and by Titian in work like Pastoral Concert (1508) and Sacred and Profane Love (1515). This emphasis on nature as a setting was a major contribution of the Venetian School.

Titian, through his long and productive life, with a wide variety of themes and subjects was the most influential and greatest of all the Venetian painters.[27][28] His early Pesaro Madonna (1519–1528) shows a bold new composition for such a traditional religious subject,[29] putting the focal point of the Madonna off from the centre and on a steep diagonal. Colours are used to enliven the painting, but also to unify the composition, such as by the large red flag on the left counterbalancing the red in the Madonna[30] and such skilful and sumptuous use of colour became a hallmark of the Venetian style.

Titian's reclining Venus of Urbino (1538), with a lapdog on the right, balancing the face on the left, is an erotic work.

Although pre-figured by the Sleeping Venus (completed by Titian after Giorgione's death in 1510) Titian is credited with establishing the reclining female nude as an important subgenre in art. Using mythological subjects, works such as the Venus of Urbino (1538) richly depict the fabrics and other textures, and use a composition that is carefully controlled by organising colours. As an example, in this painting the diagonal of the nude is matched by the opposite diagonal between the red of the cushions in the front with the red skirts of the woman in the background.[31]

With other Venetian painters such as Palma Vecchio, Titian established the genre of half-length portraits of imaginary beautiful women, often given rather vague mythological or allegorical titles, with attributes to match. The artists apparently did nothing to discourage the belief that these were modelled for by the most celebrated of Venice's famous courtesans, and in some cases this may have been the case.

Titian continued to paint religious subjects with growing intensity, and mythological subjects, which produced many of his most famous later works, above all the poesie series for Philip II of Spain.

With such paintings, readily transported by virtue of being oils on canvas, Titian became famous, and helped establish a reputation for Venetian art. Possession of such paintings symbolised luxurious wealth,[32] and for his skills in portraiture he was sought by powerful, rich individuals, such as in his long relationship working for Emperor Charles V and Philip II of Spain.[33][34]

After Giorgione[edit]

Miracle of the Slave (1548), one of a trio of Tintoretto works on St Mark, the patron saint of Venice

The long dominance of Titian in the Venetian painting scene could be a problem for other ambitious Venetian painters. Palma Vecchio (c. 1480–1528) was slightly older than Titian, and apparently content to follow in the wake of the two great innovators; many easel paintings long attributed to Titian may actually be by him.[35] His great-nephew, Palma il Giovane (1548/50–1628), Titian's pupil, much later played a similar role, using the styles of Tintoretto and Veronese.[36]

Lorenzo Lotto (c. 1480–1556/57) was born in the city, but spent most of his mature career in the terraferma, especially Bergamo. He painted religious subjects and portraits in a highly individual and sometimes eccentric style, which despite their rich colouring have a restlessness that is at odds with the Venetian mainstream.[37]

Sebastiano del Piombo (c. 1485–1547) accepted a good commission in Rome in 1511, and never worked in Venice again. But in Rome he soon found that Michelangelo was equally dominant, and began a long and complicated relationship with him; eventually they fell out. His style combined Venetian colour and Roman classical grandeur, and did something to spread Venetian style to the new centre of Italian painting.[38]

Paolo Veronese (1528–1588), from Verona in the Venetian terraferma, came to Venice in 1553, once he was established, commissioned to paint huge fresco schemes for the Doge's Palace, and stayed for the rest of his career.

Although Tintoretto is sometimes classified as a Mannerist artist,[39] he also incorporates Venetian and individualistic aspects. In his Miracle of the Slave (1548), the Mannerist features include the crowded scene, the twisting linking of figures (as in the central figures, from the foreshortened slave on the ground to the miraculous figure of St. Mark in the sky, through the turbaned, grey-robed figure), and the drama in the gestures and poses. But the colouring maintains the warm reds, golds and greens of the Venetian school, and the figures are arranged in real three-dimensional space, in contrast to the more compressed compositions of many Mannerist works, and with its intensely theatrical, stage-like display his painting is a forerunner of the Baroque.[40]

Jacopo Bassano (c. 1510–1592), followed by the four sons in his workshop, developed an eclectic style, with influences not just from Titian but a range of other painters, which he then utilized for decades from his small hometown of Bassano del Grappa, some 65 km from Venice. His sons continued to work in it long after his death; Baroque painting was very slow to appeal to the Venetian market.[41]

These are a few of the most outstanding in the great number of artists in the Venetian tradition, many originally from outside the Republic's territory.

  • The Bravo, an example of a painting often attributed to Titian or Giorgione, but also to Palma Vecchio[42]

  • La Bella, Palma Vecchio, 1518-20

  • Sebastiano del Piombo, Visitation, 1518–19

  • Lorenzo Lotto, Portrait of Andrea Odoni, 1527

  • Paolo Veronese, The Conversion of Mary Magdalene, c. 1548

  • Andrea Schiavone, Judgement of Midas, c. 1548–50

  • Jacopo Bassano, The Way to Calvary, c. 1540

17th century[edit]

Bernardo Strozzi, Personification of Fame, probably 1635–6

The 17th century was a low point in Venetian painting, especially in the first decades when Palma Giovane, Domenico Tintoretto (the son), the Bassani sons, Padovanino and others continued to turn out works essentially in the styles of the previous century. The most significant artists working in the city were all immigrants: Domenico Fetti (c. 1589–1623) from Rome, Bernardo Strozzi (c. 1581–1644) from Genoa, and the north German Johann Liss (c. 1590? – c. 1630). All were aware of the Baroque painting of Rome or Genoa, and in different ways developed styles reflecting and uniting these and traditional Venetian handling of paint and colour.[43]

New directions were taken by two individual painters, Francesco Maffei from Vicenza (c. 1600–60) and Sebastiano Mazzoni from Florence (1611–78), who both worked mainly in Venice or the terraferma in unorthodox and free Baroque styles, both marked by the Venetian trait of bravura brushwork.[44]

Visits to Venice by the leading Neapolitan painter Luca Giordano in 1653 and 1685 left a body of work in the latest Baroque style, and had an energising effect on younger artists such as Giovan Battista Langetti, Pietro Liberi, Antonio Molinari, and the German Johann Carl Loth.[45]

  • Domenico Fetti, David with the Head of Goliath, c. 1620 (Royal Collection version)

  • Francesco Maffei, Rinaldo's Conquest of the Enchanted Forest, 1650–55

  • Sebastiano Mazzoni, Annunciation, c. 1650

18th century[edit]

Sebastiano Ricci, Triumph of the Marine Venus, c. 1713
Giovanni Battista Tiepolo, The Banquet of Cleopatra, 1743–44

At the end of the 17th century things began to change dramatically, and for much of the 18th century Venetian painters were in remarkable demand all over Europe, even as the city itself declined and was a much reduced market, in particular for large works;[46] "Venetian art had become, by the mid-eighteenth century, a commodity primarily for export."[47] The first significant artist in the new style was Sebastiano Ricci (1659–1734), from Belluno in the terraferma, who trained in Venice before leaving under a cloud. He returned for a decade in 1698, and then again at the end of his life, after time in England, France and elsewhere. Drawing especially on Veronese, he developed a light, airy, Baroque style that foreshadowed the painting of most of the rest of the century, and was a great influence on young Venetian painters.[48]

Giovanni Antonio Pellegrini was influenced by Ricci, and worked with his nephew Marco Ricci, but also by the later Roman Baroque. His career was mostly spent away from the city, working in several countries north of the Alps, where the new Venetian style was greatly in demand for decorating houses. It was actually slower to be accepted in Venice itself. Jacopo Amigoni (a. 1685–1752) was another travelling Venetian decorator of palaces, who was also popular for proto-Rococo portraits. He ended as a court painter in Madrid.[49] Rosalba Carriera (1675–1757), the most significant Venetian woman artist, was purely a portraitist, mostly in pastel, where she was an important technical innovator, preparing the way for this important 18th-century form. She achieved great international success, in particular in London, Paris and Vienna.[50]

Giovanni Battista Tiepolo (1696–1770) is the last great Venetian painter, who was also in demand all over Europe, and painted two of his largest fresco schemes in the Würzburg Residence in northern Bavaria (1750–53) and the Royal Palace of Madrid, where he died in 1770.[51]

The final flowering also included the varied talents of Giambattista Pittoni, Canaletto, Giovan Battista Piazzetta, and Francesco Guardi, as well as Giovanni Domenico Tiepolo, the most distinguished of several of the family to train with and assist Giovanni Battista Tiepolo.[52]

Canaletto, his pupil and nephew Bernardo Bellotto, Michele Marieschi, and Guardi specialized in landscape painting, painting two distinct types: firstly vedute or detailed and mostly accurate panoramic views, usually of the city itself, many bought by wealthy northerners making the Grand Tour. Few Canalettos remain in Venice. The other type was the capriccio, a fanciful imaginary scene, often of classical ruins, with staffage figures. Marco Ricci was the first Venetian painter of capricci, and the form received a final development by Guardi, who produced many freely painted scenes set in the lagoon, with water, boats and land in "paintings of great tonal delicacy, whose poetic mood is tinged with nostalgia".[53]

Pietro Longhi (c. 1702–1785) was Venetian painting's most significant genre painter, turning early in his career to specialize in small scenes of contemporary Venetian life, mostly with an element of gentle satire. He was one of the first Italian painters to mine this vein, and was also an early painter of conversation piece portraits. Unlike most Venetian artists, large numbers of lively sketches by him survive.[54]

The death of Guardi in 1793, soon followed by the extinction of the Republic by French Revolutionary armies in 1797, effectively brought the distinctive Venetian style to an end; it had at least outlasted its rival Florence in that respect.[55]

  • Giovanni Antonio Pellegrini, Alexander with the Corpse of Darius, 1708

  • Giovanni Battista Pittoni, The Sacrifice of Polyxena, 1733–34

  • Rosalba Carriera, pastel portrait of Antoine Watteau, 1721

  • Clara the rhinoceros by Pietro Longhi, 1751

Legacy[edit]

Francesco Guardi, View of the Venetian Lagoon with the Tower of Maghera, 1770s, 21.3 cm (8.3 ″) x 41.3 cm (16.2 ″)

The Venetian school had a great influence of subsequent painting, and the history of later Western art has been described as a dialogue between the more intellectual and sculptural/linear approach of the Florentine and Roman traditions, and the more sensual, poetic, and pleasure-seeking of the colourful Venetian school.[56] Specifically through the presence of Titians in Spain (he was careful to avoid going there in person), the Venetian style influenced later Spanish art, especially in portraits, including that of Velázquez, and through Rubens was more broadly transmitted through the rest of Europe.[57]

Venice as a subject for visiting artists has been extremely popular, especially from shortly after Venetian artists ceased to be significant. Among the best known to frequently depict the city are J.M.W. Turner, James Abbott McNeill Whistler and Claude Monet.

See also[edit]

  • List of painters and architects of Venice

Notes[edit]

  1. ^ Steer, 7-10; Martineau, 38-39, 41-43
  2. ^ a b Gardner, p. 679.
  3. ^ Steer, 175 describes the cause of the revival as "something of a mystery"; it is also a "mystery" to Wittkower, 479.
  4. ^ Steer, 208
  5. ^ Freedberg, 123
  6. ^ Freedberg, 123
  7. ^ In the 16th century, Lorenzo Lotto, Carlo Crivelli and others; in the 18th century most major Venetian painters spent long periods abroad (see below).
  8. ^ Martineau, 38-39
  9. ^ Martineau, 47-48
  10. ^ Steer, 58-59
  11. ^ Steer, 28 quoted; Penny, xiii
  12. ^ Steer, 16
  13. ^ Martineau, 243-244
  14. ^ Martineau, 303-305
  15. ^ RA, 21
  16. ^ Steer, 11, 15-22 (15 quoted)
  17. ^ Steer, 22
  18. ^ Steer, 28-33
  19. ^ Steer, 35-36
  20. ^ Steer, 36-43
  21. ^ Steer, 43-44
  22. ^ Prado Guide, p. 223.
  23. ^ Prado Guide, p. 248.
  24. ^ a b Gardner, p. 681.
  25. ^ Steer, 66-68, 90; Freedberg, 166; Martineau, 66
  26. ^ Gardner, pg. 680
  27. ^ Gardner, p. 684
  28. ^ Prado Guide, p. 248
  29. ^ Gardner, p. 685
  30. ^ Gombrich, p. 254
  31. ^ Gardner, p. 686
  32. ^ Prado Guide, p. 244
  33. ^ Prado Guide, p. 254
  34. ^ Gardner, p. 687
  35. ^ Steer, 101-102
  36. ^ Steer, 131, 144, 169
  37. ^ Steer, 103-106; Martineau, 33, 175-182
  38. ^ Steer, 92-94
  39. ^ Gombrich, p. 283
  40. ^ Gardner, p. 688
  41. ^ Steer, 146-148, 169
  42. ^ Steer, 114-116
  43. ^ Steer, 169-174; Wittkower, 106-108
  44. ^ Wittkower, 348; Steer, 173-174. They differ markedly in their evaluation of Maffei.
  45. ^ Wittkower, 347-349; Steer, 174
  46. ^ Steer, 175-177
  47. ^ Steer, 201
  48. ^ Steer, 176-177; Wittkower, 479-481
  49. ^ Steer, 179-180
  50. ^ Steer, 132
  51. ^ Steer, 186-195
  52. ^ Steer, 180-186; Wittkower, 481-484
  53. ^ Steer, 198-208; Wittkower, 491-505
  54. ^ RA, 277-278; Steer, 198; Wittkower, 496-497
  55. ^ Steer, 208
  56. ^ Gardner, pp. 682–683.
  57. ^ Martineau, 47-48; Prado Guide, p. 118.

References[edit]

  • Freedburg, Sidney J. Painting in Italy, 1500–1600, 3rd edn. 1993, Yale, ISBN 0300055870
  • Gardner's: Art Through the Ages—International Edition, Brace Harcourt Jovanovich, 9th edition, 1991.
  • "RA": Martineau, Jane (ed), The Genius of Venice, 1500–1600, 1983, Royal Academy of Arts, London.
  • Martineau, Jane, and Robison, Andrew, eds., The Glory of Venice: Art in the Eighteenth Century, 1994, Yale University Press/Royal Academy of Arts, ISBN 0300061862 (catalogue for exhibition in London and Washington).
  • Penny, Nicholas, National Gallery Catalogues (new series): The Sixteenth Century Italian Paintings, Volume II, Venice 1540–1600, 2008, National Gallery Publications Ltd, ISBN 1857099133
  • The Prado Guide, Ed. Maria Dolores Jimenez-Blanco, Museo National Del Prado, English 2nd revised edition, 2009.
  • Steer, John, Venetian painting: A concise history, 1970, London: Thames and Hudson (World of Art), ISBN 0500201013
  • Wittkower, Rudolf, Art and Architecture in Italy, 1600–1750, Penguin/Yale History of Art, 3rd edition, 1973, ISBN 0-14-056116-1

Further reading[edit]

  • Rosand, David, Painting in Sixteenth-Century Venice: Titian, Veronese, Tintoretto, 2nd ed 1997, Cambridge UP ISBN 0521565685
  • Federico Zeri, Elizabeth E. Gardner: Italian Paintings: Venetian School: A Catalogue of the Collection of the Metropolitan Museum of Art, (New York, N.Y.) (online)

External links[edit]