В художественной критике 1960-х и 1970-х годов плоскостность описывала гладкость и отсутствие кривизны или деталей поверхности двумерного произведения искусства.
Просмотры [ править ]
Критик Клемент Гринберг считал, что плоскостность, или двумерность, была важным и желательным качеством в живописи , критерием, который подразумевает отказ от живописности и импастичности . Повышение ценности плоскостности привело к появлению ряда художественных движений, включая минимализм и пост-живописный абстракционизм . [1] [2]
Модернизм в искусстве произошел во второй половине 19 века и распространился на большую часть 20 века. Этот период искусства определяется формами искусства, состоящими из изображения на плоской двухмерной поверхности. Эта эволюция искусства началась в 1860-х годах и достигла своей кульминации 50 лет спустя. К этому времени почти все трехмерные работы были ликвидированы. Этот новый подход к живописи должен был создать визуальный эффект реализма. Глядя на поверхность только с двумя измерениями, наше восприятие глубины является иллюзией. Уменьшение глубины в живописи было следствием исследования. Эта новая сущность самоанализа пыталась установить опыт или эффект от зрителя картины. [3]
Терминология и история [ править ]
Термин плоскостность можно использовать для описания большей части популярных американских произведений искусства 1950-х и 1960-х годов. Искусство этого периода имело простой, но красочный дизайн, который имел некоторую двумерную форму. Таким образом, термин плоскостность используется для описания этой среды. Идея основы минимализма началась в России в 1913 году, когда Казимир Малевич поместил черный квадрат на белом фоне, заявив, что:
«Искусство больше не заботится о служении государству и религии, оно больше не желает иллюстрировать историю нравов, оно не хочет иметь ничего общего с объектом как таковым и верит, что оно может существовать само по себе и без вещей». [4]
Одно из первых произведений минимализма было создано в 1964 году Дэном Флавином . Он создал неоновую скульптуру « Памятник В. Татлину» . Эта работа представляла собой упрощенную сборку неоновых трубок, которые не были вырезаны или сконструированы каким-либо образом. Идея заключалась в том, что они не должны были ничего символизировать, а просто существовали. Минималистский подход к искусству заключался в том, чтобы задумать перед исполнением. Традиционные приемы художественной композиции были отвергнуты в пользу импровизации, непосредственности и автоматизма . Этот новый экспрессионистский стиль состоял из импровизированного создания узоров, в котором каждый мазок кисти рассматривался как выражение и субъективная свобода. [5]
Поп-арт [ править ]
Эта концепция вдохновила на создание совершенно нового вида искусства - поп-арта . Он сохранил цветовую схему и простоту минимализма , но заимствовал образы из поп-культуры, чтобы сделать их интересными. Рассматриваемые сейчас работы имели значение для зрителя со знакомыми образами, но все же сохраняли авангардный подход минимализма . Поп-арт - хорошо известное движение в культуре 1960-х годов. Этот вид искусства был очень модным и бунтарским. Это было дико и красочно, но многие работы сохранили идею двумерной плоскостности. [6]
Оп-арт [ править ]
Поп-арт вышел из моды, и возникло новое движение. Оп-арт или оптическое искусство теперь были последней тенденцией в домашнем декоре и моде. Эта форма современного искусства тесно связана с культурной мыслью и дизайном 1960-х годов. Этот новый вид искусства сфокусирован на беспредметной живописи, в которой основное внимание уделяется дизайну, цвету, форме и линиям. Эти картины были нарисованы вручную или созданы с помощью механических средств. Они имели плоскую двухмерную конструкцию, которая могла казаться почти трехмерной. Некоторые части выглядят так, как будто они движутся из-за формы и расположения линий, создающих фокус для глаза . Этот вид искусства был создан, чтобы проверить пределы сознательного восприятия зрителя. [7]
Яркие цвета больше не были популярны, так как большая часть оп-арта черно-белая с минимальным использованием цвета. Представленные дизайны вернулись к минималистской идее искусства, просто существующего, а не представляющего идеал. Известной художницей этого стиля является Бриджит Райли, которая сформировала сцену современного искусства начала 50-х и 70-х годов. Ее работы призваны притягивать взгляд, растягивать и нарушать восприятие. Она считается новаторским художником в области современного искусства. Ее работы в основном состоят из подробных рисунков линий и кругов, которые создают оптическую сложность для зрителя. [8]
Райли составляет свое искусство с мыслью о том, что у всех нас есть узкое представление о том, как мы видим вещи, и наше видение редко ограничивается новыми способностями. Ее работа вызывает у наблюдателя новые образные ощущения, и общая цель творчества художника исчезает и заменяется тем, что представляет зритель. У этого вида искусства нет четко очерченной темы, поэтому он дает полную свободу для творчества. Работа Райли игнорирует объект и вместо этого сосредотачивается на визуальном движении, чтобы создать, казалось бы, бесконечный узор. Искусство Райли появилось в моде той эпохи. Подобные узоры и сегодня остаются популярными в одежде. [9]
Ссылки [ править ]
- ↑ Art-Lex. Архивировано 17февраля2009 г. в Wayback Machine , "Flat".
- ^ Том Вулф , Раскрашенное слово (Bantam, 1975: ISBN 0-553-38065-6 )
- ^ Стивен Кродди. «Объясняя модернизм», http://www.bu.edu/wcp/Papers/Aest/AestCrod.htm .
- ^ Никос Стангос. Концепции современного искусства. Темза и Гудзон, 1974.
- ^ Никос Стангос. Концепции современного искусства . Темза и Гудзон, 1974.
- ^ Ирвинг Сэндлер. Американское искусство 1960-х . Харпер и Роу, 1988.
- ^ Хьюстон, Джо. Искусство восприятия зрительного нерва 1960-х. Лондон, Нью-Йорк: Merrell Publishers Limited, 2007.
- ^ Брайан Робертсон. Живопись и графика Бриджит Райли 1951–1971 . Галерея Хейворда, 1971 год.
- ^ Брайан Робертсон. Живопись и графика Бриджит Райли 1951–1971 . Галерея Хейворда, 1971 год.
