История балета

Рекламное фото к премьере балета Чайковского " Спящая красавица" (1890).

Балет - формализованная форма танца, берущая свое начало при дворах итальянского Возрождения 15-16 веков. Балет распространился из Италии во Францию с помощью Екатерины Медичи , где балет получил дальнейшее развитие под ее аристократическим влиянием. Одним из первых примеров развития балета Екатерины является работа «Парадиз д'Амур», произведение, представленное на свадьбе ее дочери, Маргариты де Валуа и Генриха Наваррского.. Аристократические деньги были ответственны за начальные этапы развития «придворного балета», поскольку именно королевские деньги диктовали идеи, литературу и музыку, используемые в балетах, которые были созданы, в первую очередь, для развлечения аристократов того времени. Первый официально признанный «придворный балет» был поставлен в 1573 году - «Ballet des Polonais». В истинной форме королевского развлечения, «Ballet des Polonais» был заказан Екатериной Медичи в честь польских послов, которые посещали Париж после вступления Генриха Анжуйского на трон Польши. В 1581 году Екатерина Медичи заказала еще один придворный балет - Ballet Comique de la Reine , но это был ее соотечественник Бальтазар де Божуайе., организовавший балет. Катрин Медичи и Бальтазар де Божуайе были ответственны за представление первого придворного балета, когда-либо применявшего принципы Академии Баифа, путем интеграции поэзии, танца, музыки и декораций для передачи единой драматической сюжетной линии. Более того, ранняя организация и развитие «придворного балета» финансировались, находились под влиянием и производились аристократами того времени, удовлетворяя их потребности как в личных развлечениях, так и в политической пропаганде.

В конце 17 века Людовик XIV основал Королевскую академию музыки ( Парижская опера ), в рамках которой возникла первая профессиональная театральная балетная труппа - Балет Парижской оперы . Преобладание французского языка в балетной лексике отражает эту историю. Театральный балет вскоре стал самостоятельной формой искусства, хотя все еще часто поддерживал тесную связь с оперой, и распространился из сердца Европы в другие страны. Датский Королевский балет и Императорский балет в Российской империибыли основаны в 1740 и начал процветать, особенно после того, как около 1850. В 1907 году русский балет в свою очередь , вернулся во Францию, где балетные русы из Сергея Дягилева и его преемники были особенно влиятельны. Вскоре балет распространился по миру с образованием новых трупп, включая Лондонский Королевский балет (1931 г.), Балет Сан-Франциско (1933 г.), Американский театр балета (1937 г.), Королевский балет Виннипега (1939 г.), Австралийский балет (1940 г.). ), Нью-Йорк Сити балет (1948), Национальный балет Канады (1951) и Национальная балетная академия и доверие Индии(2002). ^[1]

В 20-м веке стили балета продолжали развиваться и сильно влияли на более широкий концертный танец , например, в Соединенных Штатах хореограф Джордж Баланчин разработал то, что сейчас известно как неоклассический балет , последующие разработки включали современный балет и постструктурный балет, например замечен в работе Уильяма Форсайта в Германии.

Этимологии слова «балет» отражает его историю. Слово балет пришло из французского языка и было заимствовано из английского языка примерно в 17 веке. Французское слово, в свою очередь, происходит от итальянского балетто , уменьшительного от слова ballet (танец). Балет в конечном итоге восходит к итальянскому баллару , что означает «танцевать» . ^[2]

Истоки [ править ]

Возрождение - Италия и Франция [ править ]

Балет возник в ренессансной суде как вырост суда зрелища в Италии , ^[3] , где аристократические свадьбы были пышными торжествами. Пачки , балетные туфли и пуанты еще не использовались. Хореография была адаптирована из шагов придворного танца. ^[4] Артисты, одетые по моде того времени. Для женщин это означало официальные платья, закрывающие ноги до щиколотки. ^[5] Ранний балет был коллективным, публика присоединялась к танцу ближе к концу.

Доменико да Пьяченца (ок. 1400–1470) был одним из первых мастеров танцев. Вместе со своими учениками, Антонио Корнаццано и Гульельмо Эбрео да Пезаро , он обучался танцам и отвечал за обучение этому искусству дворян. Да Пьяченца оставил одну работу: De arte saltandi et choreus ducendi (Об искусстве танцев и дирижирования танцев), которую сочинили его ученики. ^[6]

В 1489 году Галеаццо, герцог Миланский , женился на Изабелле Арагонской в Тортоне . Итальянский танцевальный мастер Бергонцио ди Ботта устроил праздничное танцевальное шоу. Танцы были связаны тонким повествованием о Ясоне и аргонавтах , и каждый соответствовал своему блюду на обед. Тристано Калько из Милана написал об этом событии, которое было сочтено настолько впечатляющим, что многие подобные представления были организованы в других местах. ^{[7] [8]}

Балет был сформирован французским балетом de Cour , который состоял из общественных танцев, исполняемых знати в тандеме с музыкой, речью, стихами, песнями, театрализованными представлениями, декором и костюмами. ^[9] Когда Катерина Медичи , итальянская аристократка, интересовавшаяся искусством, вышла замуж за французского наследника Генриха II , она принесла свой энтузиазм к танцам во Францию ​​и оказала финансовую поддержку. Блестящие развлечения Екатерины поддерживали цели придворной политики и обычно были организованы вокруг мифологических тем. ^[10] Первым балетным театром был Ballet de Polonais.Этот балет был показан в 1573 году по случаю визита польского посла. Он был поставлен Бальтазаром де Божуайёльксом и представлял собой часовой танец для шестнадцати женщин, каждая из которых представляла французскую провинцию. Ballet Comique de la Reine (1581), постановкой и постановкой которого также был Бальтазар де Божуайлькс , был заказан Луизой Лотарингской , супругой короля Генриха III , сына Екатерины, чтобы отпраздновать свадьбу фаворита Генриха герцога де Жуайаза с Маргарита де Лотарингия, сестра королевы Луизы. Балет длился более пяти часов, в нем танцевали двадцать четыре танцора: двенадцать наядов и двенадцать пажей. ^[11][12]

В том же году публикация « Il Ballarino» Фабритио Карозо , технического руководства по придворным танцам, как исполнительским, так и социальным, помогла Италии стать центром технического развития балета. ^[13]

17 век - Франция и придворный танец [ править ]

Балет как вид искусства, ориентированный на исполнение, развился во Франции во время правления Людовика XIV , страстно увлеченного танцами. ^[14] Его интерес к балету был политически мотивирован. Он установил строгий социальный этикет с помощью танцев и превратил их в один из важнейших элементов придворной общественной жизни, эффективно удерживая власть над дворянами и правя государством. ^[15] Посвященные Луи привели к переработке и совершенствованию социальных танцев среди аристократов как способа демонстрации королевской власти, дальнейшего объединения искусства классического балета с недавно установленными правилами и протоколами. ^[16]

В 1661 году Людовик XIV, решивший продвигать свои амбиции в управлении дворянством ^[17] и обратить вспять падение танцевальных стандартов, начавшееся в 17 веке, основал Королевскую академию танцев . ^[14] До этого аристократы считали танцы, верховую езду и военное обучение тремя основными дисциплинами для демонстрации своего благородства. Тем не менее, создание Луи Академии отвлекло их внимание от военного искусства к социальным функциям суда, от войны к балету, еще больше ужесточив правила, касающиеся их. ^[18]

Чтобы расширить влияние французской культуры на всю Европу, Луи приказал Пьеру Бошану , личному учителю танцев короля и любимому партнеру по балету 1650-х годов ^[19], создать «способ сделать танец понятным на бумаге». ^[20] Бошан был также назначен интендантом королевского балета и в 1680 году стал директором танцевальной академии, и занимал эту должность до 1687 года. ^[19] Этот приказ привел к интенсивным исследованиям в этой области многими балетмейстерами, однако, была признана только система танцевальной нотации Бошампа. ^[21] В своей системе он систематизировал пять основных положений ног в балете. ^[19]Рауль Огер Фейе, парижский балетмейстер, позже принял его систему и опубликовал свои работы в 1700 году. Его система обозначений стала значительно популярной в Европе. ^[22]

Фёйе сконцентрировал свои усилия на наиболее влиятельном придворном танце, названном «La belle danse», или также известном как «французский благородный стиль». Этот вид танца был популярен на балах или кортах с более сложными навыками. "Entrée grave", как одна из высших форм la belle danse , обычно исполнялась одним или двумя мужчинами с изящными и достойными движениями, за которыми следовала медленная и элегантная музыка. В настоящее время только мужчины исполняют la belle danse и entrée grave . Женщины выступали на балетах королевы и других светских мероприятиях, но не на входе в могилу., королевские балеты, при дворе или на сценах Парижа, только в 1680-х годах. В то время мужчины считались чемпионами и мастерами искусства, демонстрируя свой мужской, достойный и благородный танец, танец короля. Это также послужило образцом для классического балета. ^[23]

Придворный балет издавна сочетал танец и этикет с эпохи Возрождения, но когда дело дошло до la belle danse , этикет в балете поднялся на совершенно новую высоту. Каждое правило этикета при дворе Людовика было подробно изложено в la belle danse, и по их танцам, безусловно, можно было увидеть благородный статус других. ^[24] Пять положений тел, систематизированные Бошаном, а затем Фёйе, описывали тело как миниатюрный двор с головой в качестве центральной точки, координирующей свои конечности, как король, управляющий своим государством. Танцовщица, исполняющая настоящего дворянина, исполняла бы пять разных позиций, чем танцор, исполняющий персонажей крестьянина или более низкого ранга. ^[25]Доказательство благородства также проявлялось в использовании масок, макияжа, костюмов, особенно обуви в la belle danse . ^[26]

Жан-Батист Люлли , итальянский скрипач, танцор, хореограф и композитор, который присоединился ко двору Людовика XIV в 1652 году ^[27], сыграл значительную роль в установлении общего направления, которому балет будет следовать в следующем столетии. Поддерживаемый королем Людовиком XIV и восхищающийся им, Люлли часто ставил короля в свои балеты. Титул Короля-Солнца для французского монарха возник после роли Людовика XIV в балете Люлли « Нюи» (1653 г.). Четырнадцатилетний Людовик XIV танцевал пять партий в этом 12-часовом балете. ^[28] Этот балет был роскошным и включал сцену, в которой сгорела часть дома, включая ведьм, оборотней, цыган, пастухов, воров и богинь Венеру и Диану. ^[29]Тем не менее, главной темой балета была не тьма и ночные ужасы, а Луи, который появился в конце как Солнце, положив конец ночи. ^[30] Основным вкладом Люлли в балет были его нюансированные композиции. Его понимание движений и танцев позволило ему сочинять музыку специально для балета, с музыкальными фразами, которые дополняли физические движения. ^[29] Люлли также сотрудничал с французским драматургом Мольером . Вместе они взяли стиль итальянского театра, комедию дель арте , и адаптировали его в своей работе для французской публики, создав комедию-балет . Среди их величайших постановок с Бошаном в качестве хореографа ^[19] былLe Bourgeois Gentilhomme (1670). ^[31]

В 1669 году Людовик XIV основал Академию Оперы с Пьером Перреном в качестве директора. ^[32] Людовик XIV ушел в отставку в 1670 году, в основном из-за чрезмерного увеличения веса. Ранее, в 1661 году, он основал школу Adacemie Royale de danse . Бошан был первым балетмейстером Оперы и создал танцы для первой постановки Pomone новой труппы на музыку Роберта Камбера . ^[19] Позже, после того, как Перрен обанкротился, король восстановил оперу как Королевскую академию музыки и назначил Люлли директором. ^[32] Бошан был одним из ведущих хореографов. ^[19] В этой позиции Люлли со своим либреттистомФилипп Кино создал новый жанр, трагедию с музыкой , в каждом действии которой присутствовал дивертисмент , представлявший собой миниатюрную балетную сцену. ^[27] Почти во всех своих важных творениях Жан-Батист Люлли объединил музыку и драму с элементами итальянского и французского танца. Его работы создали наследие, которое определит будущее балета.

Популярность во всей Европе [ править ]

Французский двор был в некотором смысле ведущим источником модной культуры для многих других королевских дворов Европы. Имитировались стили развлечения, в том числе королевские балеты. Суды Испании, Португалии, Польши, Германии и других стран стали зрителями и участниками балетов. Помимо Франции, Италия оказала большое влияние на этот вид искусства, в первую очередь на Венецию .

Профессиональные балетные труппы начали организовываться и гастролировать по Европе, выступая для аристократической публики. В Польше король Владислав IV Ваза (1633–1648) устраивал итальянские оперные постановки, в некоторых сценах которых участвовали артисты балета. Известные европейские балетмейстеры, работавшие на польский двор, включают Жан Фавье , Антуан Питро , Антонио Сакко и Франческо Казелли . ^[33]

18 век [ править ]

Франция и развитие как форма искусства [ править ]

XVIII век был периодом развития технических стандартов балета и периодом, когда балет стал серьезным видом драматического искусства наравне с оперой. Центральным в этом достижении была основополагающая работа Жана-Жоржа Новерра , Lettres sur la danse et les ballets (1760 г.), в которой основное внимание уделялось развитию балета , в котором движения танцоров призваны выразить характер и помочь в этом. повествование. Новерр считал, что балет должен быть техническим, но в то же время эмоционально волновать публику, сюжеты должны быть объединены, декорации и музыка должны поддерживать сюжет и быть объединенными в рассказе, а пантомима должна быть простой и понятной. ^[34]

Реформы в балетной композиции осуществили такие композиторы, как Кристоф Виллибальд Глюк . Наконец, балет был разделен на три формальные техники sérieux , demi-caractère и comique . Балет также стал появляться в операх в виде интермедий, называемых дивертисментами.

За пределами Франции [ править ]

Венеция продолжала оставаться центром танцев в Европе, особенно во время Венецианского карнавала , когда танцоры и гости со всего континента приезжали в город для оживленного культурного обмена. Городской театр Сан-Бенедетто стал известной достопримечательностью во многом благодаря проводимым здесь балетам. Приемы итальянского балета оставались доминирующим влиянием в большей части южной и восточной Европы, пока русские методы не вытеснили их в начале 20 века.

Балетные представления распространились на Восточную Европу в 18 веке, в такие регионы, как Венгрия, где они проводились в частных театрах в аристократических замках. Были созданы профессиональные труппы, которые выступали по всей Венгрии, а также гастролировали за рубежом. Национальный театр Будапешта все чаще становится домом для танцоров. ^[35]

Одними из ведущих танцоров того времени, выступавших по всей Европе, были Луи Дюпре , Шарль Ле Пик с Анной Бинетти , Гаэтано Вестрис и Жан-Жорж Новер . ^[33]

19 век [ править ]

Балерина стала самым популярным танцем исполнителем в Европе в первой половине 19 - го века, постепенно превращаясь в центре внимания от танцора. Во многих постановках героев балета играла женщина, как и главный мальчик в пантомиме . ^[36]

Профессионализм балетных трупп стал центром внимания нового поколения балетмейстеров и танцоров. Вена была важным источником влиятельных балетных тренеров. Первым балетмейстером Венгерского национального театра и Королевской оперы был уроженец Вены Фриджес Кампилли , проработавший в Будапеште 40 лет. ^[37]

XIX век был периодом больших социальных изменений, которые отразились в балете, отказавшись от аристократических чувств, которые доминировали в более ранние периоды через романтический балет . Такие балерины, как Женевьева Госслен , Мари Тальони и Фанни Элсслер экспериментировали с новыми техниками, такими как пуанты, которые сделали балерину идеальной сценической фигурой. Тальони была известна как «христианская танцовщица», поскольку ее образ был легким и чистым (связанный с ее ролью сильфиды в «Сильфиде»). Ее обучал в основном ее отец, Филипо Тальони. В 1834 году Фанни Элсслер прибыла в Парижскую оперу и получила прозвище «Языческая танцовщица» из-за пламенных качеств ее девушки.Танец Качуча , прославивший ее. Профессиональные либреттисты начали сочинять рассказы в балетах. Такие учителя, как Карло Бласис, систематизировали балетную технику в базовой форме, которая используется до сих пор. Балетные туфли с квадратным носком были изобретены для поддержки работы на пуантах.

Романтическое движение [ править ]

Романтическое движение в искусстве, литературе, и в театре был реакцией против формальных ограничений и механики индустриализации. [22] Zeitgeist под руководством хореографов сочинять романтические балеты , которые появились легкие, воздушные и свободно , что будет действовать как противовес распространению редукционизма науки через многие аспекты повседневной жизни , которые были, по словам Эдгара Аллана По, «загнал Кобра из лес ». В этих «нереальных» балетах женщины изображались как хрупкие неземные существа, неземные существа, которых можно было легко поднять и которые, казалось, почти парили в воздухе. Балерины стали носить костюмы с пастельными струящимися юбками, обнажающими голени. Истории вращались вокруг сверхъестественных фольклорных духов. Пример одного из таких романтических балетов - «Сильфида»., один из старейших романтических балетов, исполняемых до сих пор.

Одним из направлений романтического движения было новое исследование фольклора и традиционной этнической культуры. Это влияние проявилось в появлении европейского народного танца и западных изображений народов Африки, Азии и Ближнего Востока на европейских сценах. В балетах этого периода неевропейские персонажи часто создавались как злодеи или как глупые отвлекающие маневры, чтобы соответствовать востоковедному западному пониманию мира. ^[38] Национальная опера Украины , исполнительское искусство театр с резидентной оперной труппой, была создана в Киевев 1867 г. В него также входила небольшая резидентская труппа артистов балета, которые во время оперных постановок исполняли в основном народные танцы. К 1893 году труппа выросла до достаточно большой, чтобы ставить большие балеты. Народные танцы и балеты на украинские сюжеты были одними из первых постановок. ^[39]

Многие ведущие европейские профессиональные балетные труппы, сохранившиеся до наших дней, были созданы в новых театрах европейских столиц в середине - конце 19 века, включая Киевский балет , Венгерский национальный балет , Национальный театр балета (Прага) и Венский государственный балет. (бывший балет Венской государственной оперы ). Эти театры обычно объединяли под одной крышей крупные оперные, драматические и балетные труппы. Затем композиторы, драматурги и хореографы смогли создавать произведения, в которых использовалась возможность сотрудничества между этими театральными труппами.

Россия [ править ]

В то время как Франция сыграла важную роль в раннем балете, другие страны и культуры вскоре приняли эту форму искусства, в первую очередь Россия. В России есть признанные традиции балета, и русский балет на протяжении всей истории имел большое значение в этой стране. После 1850 года балет в Париже пошел на убыль, но он процветал в Дании и России благодаря таким мастерам, как Август Бурнонвиль , Жюль Перро , Артур Сен-Леон , Энрико Чеккетти и Мариус Петипа . В конце девятнадцатого века ориентализмбыл в моде. Колониализм привел к осознанию азиатской и африканской культур, но искажен дезинформацией и фантазиями. Восток часто воспринимался как далекое место, где все было возможно, при условии, что оно было роскошным, экзотическим и декадентским. Петипа пришелся по душе популярным произведениям «Дочь фараона» (1862 г.), а затем «Талисман» (1889 г.) и «Баядерка» (1877 г.). Петипа больше всего помнят по сотрудничеству с Чайковским . Он использовал свою музыку для хореографии «Щелкунчика» (1892, хотя это вызывает некоторые споры среди историков), «Спящей красавицы» (1890) и окончательного возрождения « Лебединого озера» (1895, с Львом Ивановым).). Все эти произведения были взяты из европейского фольклора.

Классическая пачка танцовщиц, как она признана сегодня, начала появляться именно в это время. Он состоял из короткой жесткой юбки, подкрепленной слоями кринолина или тюля, которые подчеркивали акробатические движения ног, в сочетании с широкой ластовицей, служившей для сохранения скромности.

Аргентина [ править ]

В середине 19 века балетные труппы из Европы начали прибыльные гастроли по театрам Северной, Центральной и Южной Америки. Престижный Театр Колон в Буэнос-Айресе, Аргентина, принимал на своей сцене иностранных артистов балета, а гастроли из Европы уже в 1867 году представляли полные балеты. ^[40] К 1880-м годам у Театра Колон была собственная профессиональная балетная труппа. Однако пройдет еще несколько десятилетий, прежде чем большинство стран за пределами Европы смогут заявить о своих собственных профессиональных балетных труппах.

20 век и модернизм [ править ]

Россия и русский балет [ править ]

Сергей Дягилев вернул балет в Париж, открыв свою труппу Ballets Russes . В его состав вошли танцоры из русской эмигрантской общины в Париже после революции.

Дягилев и композитор Игорь Стравинский объединили свои таланты, чтобы оживить русский фольклор в постановке Фокина «Жар-птица» и « Петрушка ». Следующие хореографические комиссии Дягилева достались Нижинскому. Его первым балетом был « После полудня фавна» на музыку Дебюсси. Он отличался двумерными формами и отсутствием балетной техники. Это вызвало споры, изображая фавна, который натирает себя шарфом одной из девушек, симулируя мастурбацию. Однако самой противоречивой работой Ballets Russes была «Весна священная».в постановке Нижинского на музыку Стравинского. Современная музыка балета, топанье «голубиных носков» и тема человеческих жертвоприношений настолько потрясли публику, что они взбунтовались.

После «золотого века» Петипа Мишель Фокин начал свою карьеру в Санкт-Петербурге, но переехал в Париж и работал с Дягилевым и Русскими балетами.

Русский балет продолжал развиваться и при советской власти. После революции в стране осталось мало талантов, но их хватило, чтобы посеять новое поколение. После застоя 1920-х, к середине 1930-х на сцене появилось новое поколение танцоров и хореографов. Техническое совершенство и точность танца пропагандировались (и требовались) Агриппиной Вагановой , которую преподавали Петипа и Чекетти и которая возглавляла Академию балета Вагановой , школу подготовки танцоров для Кировского балета в Санкт-Петербурге / Ленинграде.

Балет пользовался популярностью у публики. Действовали и московский Большой, и петербургский (тогда Ленинград) балетные труппы Кирова. Идеологическое давление вынудило создать множество произведений социалистического реализма , большинство из которых не произвело большого впечатления на публику и были позже удалены из репертуара обеих трупп.

Однако некоторые произведения той эпохи были замечательными. « Ромео и Джульетта » Прокофьева и Лавровского - шедевр. « Пламя Парижа» , хотя и демонстрирует все недостатки искусства социалистического реализма, явилось пионером в активном использовании кордебалета в представлении и потребовало потрясающей виртуозности. Версия балета из Пушкина поэмы Бахчисарайский фонтан с музыкой из Бориса Асафьева и хореографии Ростислава Захарова была также хитом.

Знаменитый балет « Золушка» , музыку для которого исполнил Прокофьев, также является продуктом советского балета. В советское время эти произведения были в основном неизвестны за пределами Советского Союза, а затем и за пределами Восточного блока . Однако после распада Советского Союза они получили большее признание.

Например, выдающимся успехом имела североамериканская премьера балета Кирова в Нью-Йорке в 1999 году «Бахчисарайский фонтан» . В советское время Русский балет уделял большое внимание технике, виртуозности и силе. Это требовало силы, обычно превышающей нормы современных западных танцоров. При просмотре отреставрированных старых кадров можно только поразиться таланту их прима-балерин, таких как Галина Уланова , Наталья Дудинская и Майя Плисецкая, и таких хореографов, как Петр Гусев .

Российские труппы, особенно после Второй мировой войны, неоднократно гастролировали по всему миру, что оживило балет на Западе.

Девичья башня ^[41] , написанная Афрасияба Бадалбейли является первым балетом в мусульманском Востоке. ^{[42] [43] [41]}

Соединенные Штаты [ править ]

После переезда Ballets Russes во Францию ​​балет стал иметь более широкое влияние, особенно в Соединенных Штатах Америки.

Из Парижа после разногласий с Дягилевым Фокин уехал в Швецию, а затем в США и поселился в Нью-Йорке. Дягилев считал, что традиционный балет предлагает немного больше, чем красивость и атлетизм. Для Фокина этого было мало. Помимо технической виртуозности он требовал драматизма, экспрессии и исторической достоверности. Хореограф должен исследовать период и культурный контекст декорации и отказаться от традиционной пачки в пользу костюмов того времени.

Фокин поставил « Шехерезаду» и « Клеопатру» . Также он переработал « Петрушку» и «Жар-птицу» . Одно из самых известных его произведений - «Умирающий лебедь» в исполнении Анны Павловой . Помимо таланта балерины, Павлова обладала театральными талантами, чтобы воплотить в жизнь видение Фокина балета как драмы. Легенда гласит, что Павлова настолько отождествляла себя с ролью лебедя, что попросила свой костюм лебедя со своего смертного одра.

Джордж Баланчин разработал передовую технику в Америке, открыв школу в Нью-Йорке. Он адаптировал балет к новым медиа, кино и телевидению. ^[44] Плодотворный работник, Баланчин рехореографировал такие классические произведения, как « Лебединое озеро» и « Спящая красавица», а также создавал новые балеты. Он произвел оригинальные интерпретации драм Уильяма Шекспира, таких как « Ромео и Джульетта» и «Сон в летнюю ночь» , а также «Веселая вдова» Франца Лехара .

В 1967 году « Драгоценности» Баланчина порвали с повествовательной традицией и драматизировали тему, а не сюжет. Этот фокус соответствует финансируемым государством источникам финансирования в Соединенных Штатах, которые стремились поощрять «свободу и свободомыслие» в отличие от танца, основанного на повествовании, который считался слишком тесно связанным с социализмом, особенно советским коммунизмом . ^[45] Сегодня, отчасти благодаря Баланчину, балет - один из наиболее хорошо сохранившихся танцев в мире. ^{[ необходима цитата ]}

Барбара Каринска была русской эмигранткой и опытной швеей, которая в сотрудничестве с Баланчиным подняла искусство дизайна костюмов из второстепенной роли в неотъемлемую часть балетного представления. Она представила косой крой и упрощенную классическую пачку, которая давала танцору больше свободы движений. С тщательным вниманием к деталям она украсила свои пачки вышивкой бисером, вышивкой, вязанием крючком и аппликацией.

Неоклассический балет [ править ]

Джорджа Баланчина часто считают первым пионером того, что сейчас известно как неоклассический балет , стиль танца между классическим балетом и современным современным балетом. Тим Шолль, автор балета « От Петипа до Баланчина» , считает « Аполлон» Баланчина (1928) первым неоклассическим балетом. Это было возвращение к форме в ответ на абстрактные балеты Сергея Дягилева . Аполлон и другие произведения по-прежнему исполняются и сегодня, преимущественно Нью-Йорк Сити Балет . Однако другие компании могут вносить плату за права на исполнение произведений Джорджа Баланчина.

Фредерик Эштон - еще один выдающийся хореограф, связанный с неоклассическим стилем. Три его работы стали стандартными произведениями в международном репертуаре: « Сильвия» (1952), « Ромео и Джульетта» (1956) и « Ундина» (1958), последняя из которых была создана как средство демонстрации Марго Фонтейн .

Современное [ править ]

Одним танцором, который тренировался у Баланчина и впитал большую часть этого неоклассического стиля, был Михаил Барышников . После назначения Барышникова художественным руководителем Американского театра балета в 1980 году он работал с различными современными хореографами, в первую очередь с Твайлой Тарп . Тарп поставил « Толчок к удару» для АБТ и Барышникова в 1976 году; в 1986 году она создала In The Upper Room для своей собственной компании. Обе эти пьесы считались новаторскими, поскольку в них использовались отчетливо современные движения, смешанные с использованием пуантов и танцоров, получивших классическое образование - для использования ими современного балета.

Тарп также работал с труппой Joffrey Ballet , основанной в 1957 году Робертом Джоффри . В 1973 году она поставила для них « Deuce Coupe» , используя поп-музыку и смесь современных и балетных техник. Балет Джоффри продолжал исполнять множество современных произведений, многие из которых были поставлены соучредителем Джеральдом Арпино .

Сегодня существует множество современных балетных трупп и хореографов. К ним относятся Мадридский балет ; Королевский балет Фландрии ; Алонзо Кинг и его труппа, Alonzo King LINES Ballet ; Начо Дуато и Национальная компания Данза ; Уильям Форсайт, который много работал с Франкфуртским балетом и сегодня руководит труппой Форсайта ; и Иржи Килиан , бывший художественный руководитель театра Nederlands Dans . Традиционно «классические» труппы, такие как Кировский балет и балет Парижской оперы , также регулярно исполняют современные произведения.

Развитие балетной методики [ править ]

Несколько известных методов балета названы в честь их создателей. Например, две преобладающие системы из России известны как метод Вагановой в честь Агриппины Вагановой и метод Легата в честь Николая Легата . Метод Чеккетти был изобретен итальянским танцором Энрико Чекетти (1850–1928), а метод Бурнонвилля, изобретенный Августом Бурнонвилем (1805–1879), используется главным образом в Дании, родной Бурнонвилля.

См. Также [ править ]

• Список балетов по названию
• Балетная музыка
• История танца

Ссылки [ править ]

Дальнейшее чтение [ править ]

• Андерсон, Джек (1992). Балет и современный танец: краткая история (2-е изд.). Принстон, Нью-Джерси: Книжная компания Принстона, издательства. ISBN 0-87127-172-9.
• Андре, Пол; Аркадьев, В. (1999) Великая история русского балета: его искусство и хореография (1999).
• Блэнд, Александр (1976). История балета и танца в западном мире . Нью-Йорк: Издательство Praeger. ISBN 0-275-53740-4.
• Кэдди, Давиния. (2012). Русские балеты и за его пределами: музыка и танец в парижской Belle-Epoque. Кембридж: Издательство Кембриджского университета.
• Коэн, Сельма Жанна, редактор-основатель (1998). Международная энциклопедия танца . Нью-Йорк: Издательство Оксфордского университета.
• Кросс, Сэмюэл Х. (1944) "Русский балет до Дягилева". Славянское и восточноевропейское обозрение. Американская серия 3.4 (1944): 19–49. в JSTOR
• Эзрахи, Кристина. (2012) Кремлевские лебеди: балет и власть в Советской России (Университет Питтсбурга); исследует устойчивость художественного творчества в истории балетов Большого и Мариинского / Кировского.
• Франко, Марк (1993). Танец как текст: идеологии тела в стиле барокко . Кембридж: Издательство Кембриджского университета.
• Хоманс, Дженнифер, (2010). Ангелы Аполлона: История балета . Нью-Йорк: Рэндом Хаус.
• Джонсон, Альфред Эдвин. (1913) Русский балет (Houghton Mifflin) онлайн
• Кассинг, Гейл. (2007). История танца: подход интерактивного искусства . Шампейн, Иллинойс: Кинетика человека.
• Ли, Кэрол (2002). Балет в западной культуре: история его происхождения и развития . Нью-Йорк: Рутледж. ISBN 0-415-94256-X.
• Лифарь, Серж. (1954). История русского балета от истоков до наших дней (Хатчинсон)
• Макгоуэн, Маргарет М. (1978). L'art du Ballet de Cour en France, 1581–1643 . Париж: Национальный центр научных исследований.
• Проперт, Уолтер Арчибальд. (1972) Русский балет в Западной Европе, 1909-1920. Б. Блом
• Рославлева Наталья. (1966). Эра русского балета, Нью-Йорк: EP Dutton & Co., Inc.
• Сэди, Стэнли, изд. (1992). Новый оперный словарь Grove (4 тома). Лондон: Макмиллан. ISBN 978-1-56159-228-9.
• Суритес, Э. И͡А и Э. И︠А︡ Суритос︡. (1990) Советские хореографы в 1920-е годы (Duke Univ Press, 1990).
• Вили, Роланд Джон. (1990) Век русского балета: документы и отчеты, 1810-1910 (Oxford University Press)