Из Википедии, бесплатной энциклопедии
Перейти к навигации Перейти к поиску
Часть серии по
Культура Азии

Азиатское кино - это киноиндустрия и фильмы, производимые на азиатском континенте . Однако в таких странах, как США , он часто используется для обозначения кино только Восточной Азии , Юго-Восточной Азии и Южной Азии . Западноазиатское кино иногда классифицируется как часть ближневосточного кино наряду с кинематографом Египта . Кино Центральной Азии часто группируются с Ближним Востоком или, в прошлом, в кино Советского Союза в период советской Средней Азии эпохи.В Северной Азии преобладает сибирский русский кинематограф , поэтому он считается частью европейского кинематографа .

Кино Восточной Азии представлено кинематографом Японии , Китая , Гонконга , Тайваня и Южной Кореи , включая японскую аниме- индустрию и боевики Гонконга . [1] Южноазиатское кино представлено кинематографом Индии (включая кинотеатры Болливуда , телугу , южноиндийским , бенгальским и пенджабским ), кинематографом Пакистана (включая кинотеатры на пенджаби и урду ), кинематографом Бангладеш.(Бенгальское кино) и кино Непала . Кино Юго-Восточной Азии представлено кинематографом Сингапура , Филиппин , Таиланда , Индонезии и других стран Юго-Восточной Азии. Кино Центральной Азии и Южного Кавказа характерна иранского кино и кино Таджикистана . Западноазиатское кино представлено арабским , иранским , израильским , еврейским и турецким кинематографом .

История [ править ]

Предшественники фильма [ править ]

Основная статья: Предшественники пленки

В глиняной чаше возрастом 5200 лет, найденной в Шахр-и Сохта , Иран , по бокам нарисовано пять изображений козла. Считается, что это пример ранней анимации . [2] [3] [4]

Мо-Ти , китайский философ около 500 г. до н.э., размышлял о феномене перевернутого света из внешнего мира, излучаемого через небольшое отверстие в противоположной стене в затемненной комнате. Театры теней впервые появились во времена династии Хань, а затем стали популярными в Азии . Около 180 г. н.э. Тин Хуань (丁 緩) создал элементарный зоотроп в Китае.

В 1021 году иракский ученый Альхазен экспериментировал с тем же оптическим принципом, описанным Мо-Ти, и записал результаты в своей Книге оптики , которая дала первое четкое описание [5] и правильный анализ камеры-обскуры . [6] Его эксперимент с лампой , в котором несколько различных источников света расположены на большой площади, был первым, в котором с помощью камеры-обскуры удалось спроецировать полное изображение с улицы на экран в помещении . [7]

Эпоха немого кино [ править ]

Первые короткометражные фильмы из Азии были сняты в 1890-х годах. Первые короткие фильмы , произведенные в Японии были испечь Дзидзо ( Дзидзо Ведьмак ) и Shinin нет Sosei ( Воскресения трупа ), оба из 1898. [8] Первый индийский короткий фильм был также произведен в 1898 году, Цветок Персии , направленные по Hiralal Сена . [9]

В начале 1900-х годов израильские немые фильмы демонстрировались в сараях, кафе и других временных сооружениях. [10] В 1905 году кафе «Лоренц» открылось на Яффо-роуд в еврейском районе Неве-Цедек . С 1909 года семья Лоренц начала показ фильмов в кафе. В 1925 году здесь на короткое время разместился кинотеатр «Кессем». [11] Первым восточноазиатским художественным фильмом была « История жизни Тасуке Сиобара» в Японии (1912). За ним последовал первый полнометражный немой фильм Индии - историческая драма « Раджа Харишчандра» (1913) Дадасахеба Пхалке , которого считают отцом индийского кино.. К следующему десятилетию производство индийского кино составляло в среднем 27 фильмов в год. [12]

В 1920-е годы зародившееся советское кино было самым радикальным новаторским. Здесь особенно резко возросло мастерство редактирования, превзойдя его предыдущую роль в продвижении истории. Сергей Эйзенштейн усовершенствовал технику так называемого диалектического или интеллектуального монтажа , в котором нелинейные , часто яростно конфликтующие изображения выражали идеи и вызывали эмоциональные и интеллектуальные реакции у зрителя.

Еврейское кино , особенно еврейский театр евреев-ашкенази , оставило свой след с 1930-х годов. На идиш снято более 100 фильмов, но многие из них сейчас утеряны. Видные фильмы включены Суламифь (1931), первый идиш мюзикл по фильму Любовник его жены (1931), Дочь ее народа (1932), антигитлеровская фильм Вечный жид (1933), идиш Король Лир (1934), «Шир Хаширим» (1935), самый большой хит-фильм на идише всех времен Идл Митн Фидл (1936), « Где мой ребенок?» (1937), Зеленые поля (1937), Дыбук (1937),Поющий кузнец (1938), Тевья (1939), Миреле Эфрос (1939), Ланг ист дер Вег (1948) и Бог, человек и дьявол (1950). Кроме того, фильмы братьев Маркс , Мела Брукса и Вуди Аллена оставили неизгладимый след в кино.

Эпоха раннего звука [ править ]

Звуковые фильмы начали производиться в Азии с 1930-х годов. Известные ранние звуковые фильмы из японского кинематографа включали « Сестры Гиона» Кендзи Мидзогути ( Gion no shimai , 1936), « Осакскую элегию» (1936) и «Историю последних хризантем» (1939), а также « Человечество» и «Бумажные шары» Садао Яманаки ( 1937) и Mikio Naruse «s Wife, Be Like A Rose! ( Tsuma Yo Бар Нет Йони , 1935), который был одним из первых японских фильмов , чтобы получить в кинотеатры в США Тем не менее, с ростом цензурой, то левые фильмы тенденциирежиссеров, таких как Дайсуке Ито, также начали подвергаться критике. Несколько японских короткометражных фильмов были сделаны в 1920-х и 1930-х годах, но первым полнометражным телефоном в Японии стал Fujiwara Yoshie no furusato (1930), в котором использовалась «система Mina Talkie System». В 1935 году Ясудзиро Одзу также снял «Трактир» в Токио , который считается предшественником жанра неореализма .

Ардешир Ирани выпустил первый индийский говорящий фильм « Алам Ара» 14 марта 1931 года. После того, как в Индии начали появляться «звуковые фильмы», некоторые кинозвезды стали пользоваться большим спросом и зарабатывали неплохой доход благодаря игре. По мере развития звуковых технологий, в 1930-е годы в индийском кино произошел подъем музыки, и такие мюзиклы, как « Индра Сабха» и « Деви Девиани» ознаменовали начало песни и танца в индийских фильмах. [13] Студии появились в крупных городах, таких как Ченнаи , Калькутта и Мумбаи, когда кинопроизводство стало устоявшимся ремеслом к ​​1935 году, примером чего является успех Devdas , которому удалось увлечь публику по всей стране.[14]

Золотой век [ править ]

После окончания Второй мировой войны к середине 1940-х период с конца 1940-х по 1960-е годы считается «золотым веком» азиатского кино. [15] [16] [17] Многие из самых признанных критиками азиатских фильмов всех времен были сняты в этот период, в том числе « Поздняя весна» Ясудзиро Одзу (1949) и « Токийская история» (1953); Akira Kurosawa «s Rashomon (1950), Ikiru (1952), Семь самураев (1954) и Трон Крови (1957); Кендзи Мидзогути " Жизнь Охару" (1952), Сансё, судебный пристав(1954) и Угетсу (1954); Satyajit Ray «S АПУ Trilogy (1955-1959), Музыкальный номер (1958) и Чарулат (1964); Гуру Датт «s Pyaasa (1957) и Kaagaz Ke Phool (1959); и Фэй Му 's Весна в маленьком городе (1948), Радж Капур ' s Awaara (1951), Mikio Нарусэ 's Плавающие Облака (1955), Мехбуб Khan ' s Мать Индия (1957), и Ritwik Ghatak «s Subarnarekha ( 1962 г.). [15][16]

В период «золотого века» японского кинематографа в 1950-х и 1960-х годах успешными фильмами были « Расомон» (1950), « Семь самураев» (1954) и «Скрытая крепость» (1958) Акиры Куросавы , а также « Токийская история» Ясудзиро Одзу (1953). ) и исиро хонда «s Годзилла (1954). [18] Эти фильмы оказали глубокое влияние на мировой кинематограф. В частности, « Семь самураев» Куросавы несколько раз переделывались как западные фильмы , такие как «Великолепная семерка» (1960) и « Битва за звездой».(1980), а также послужил вдохновением для нескольких фильмов Болливуда , таких как « Шолай» (1975) и « Китайские ворота» (1998). Расомон был также переделан как «Возмущение» (1964) и вдохновил фильмы с использованием методов рассказывания историй « Эффект Расомон» , такие как Андха Наал (1954), Обычные подозреваемые (1995) и Герой (2002). «Скрытая крепость» также послужила источником вдохновения для создания « Звездных войн» Джорджа Лукаса (1977). Японская Новая волна началась в конце 1950 - х годов и продолжались до 1960 - х годов. Среди других известных японских режиссеров этого периода:Кендзи Мидзогути , Микио Нарусэ , Хироши Инагаки и Нагиса Осима . [16] Позже японское кино стало одним из главных вдохновителей движения « Новый Голливуд » 1960–1980-х годов.

During Indian cinema's 'Golden Age' of the 1950s and 1960s, it was producing 200 films annually, while Indian independent films gained greater recognition through international film festivals. One of the most famous was The Apu Trilogy (1955–1959) from critically acclaimed Bengali film director Satyajit Ray, whose films had a profound influence on world cinema, with directors such as Akira Kurosawa,[19] Martin Scorsese,[20][21] James Ivory,[22] Abbas Kiarostami, Elia Kazan, François Truffaut,[23] Steven Spielberg,[24][25][26] Carlos Saura,[27] Jean-Luc Godard,[28] Isao Takahata,[29] Gregory Nava, Ira Sachs, Wes Anderson[30] and Danny Boyle[31] being influenced by his cinematic style. According to Michael Sragow of The Atlantic Monthly, the "youthful coming-of-age dramas that have flooded art houses since the mid-fifties owe a tremendous debt to the Apu trilogy".[32] Subrata Mitra's cinematographic technique of bounce lighting also originates from The Apu Trilogy.[33] Satyajit Ray's success led to the establishment of the 'Parallel Cinema' movement, which was at its peak during the 1950s and 1960s. Other famous Indian filmmakers from this period include Guru Dutt,[16] Ritwik Ghatak,[15] Mrinal Sen, Bimal Roy, K. Asif and Mehboob Khan.[34]

The cinema of China experienced a 'Golden Age' in the late 1940s. In 1946, Cai Chusheng returned to Shanghai to revive the Lianhua name as the "Lianhua Film Society."[35] This in turn became Kunlun Studios which would go on to become one of the most important Chinese studios of the era, putting out the classics, Myriads of Lights (1948), The Spring River Flows East (1947), and Crows and Sparrows (1949).[36] Wenhua's romantic drama Spring in a Small Town (1948), a film by director Fei Mu shortly prior to the revolution, is often regarded by Chinese film critics as one of the most important films in the history of Chinese cinema, with it being named by the Hong Kong Film Awards in 2004 as the greatest Chinese-language film ever made.[37]

The cinema of Malaysia also had its 'Golden Age' in the post-war period of the 1950s and 1960s. The period saw the introduction of the studio system of filmmaking in Malaysia and influx of influences from Hollywood, the emerging cinema of Hong Kong, and particularly the Indian and Japanese film industries which were themselves experiencing a Golden Age.[38][39]

The cinema of South Korea also experienced a 'Golden Age' in the late 1950s and 1960s,[40] beginning with director Lee Kyu-hwan's tremendously successful remake of Chunhyang-jon (1955).[41] That year also saw the release of Yangsan Province by the renowned director, Kim Ki-young, marking the beginning of his productive career. Both the quality and quantity of filmmaking had increased rapidly by the end of the 1950s. South Korean films, such as Lee Byeong-il's 1956 comedy Sijibganeun nal (The Wedding Day), had begun winning international awards. In contrast to the beginning of the 1950s, when only 5 movies were made per year, 111 films were produced in South Korea in 1959.[42] The year 1960 saw the production of Kim Ki-young's The Housemaid and Yu Hyun-mok's Aimless Bullet, both of which have been listed among the best Korean films ever made.[43]

The late 1950s and 1960s was also a 'Golden Age' for Philippine cinema, with the emergence of more artistic and mature films, and significant improvement in cinematic techniques among filmmakers. The studio system produced frenetic activity in the local film industry as many films were made annually and several local talents started to earn recognition abroad. The premiere Philippine directors of the era included Gerardo de Leon, Gregorio Fernandez, Eddie Romero, Lamberto Avellana, and Cirio Santiago.[44][45]

The 1960s is often cited as being the 'golden age' of Pakistani cinema. Many A-stars were introduced in this period in time and became legends on the silver screen. As black-and-white became obsolete, Pakistan saw the introduction of its first colour films, the first being Munshi Dil's Azra in early 1960s, Zahir Rehan's Sangam (first full-length coloured film) in 1964, and Mala (first coloured cinemascope film). In 1961, the political film Bombay Wallah was released, based on the city of Bombay in neighbouring India, in the wake of the growing tension between the nations.[46] In 1962, Shaheed (Martyr) pronounced the Palestine issue on the silver screen and became an instant hit, leading to a changing tide in the attitude of filmmakers.[citation needed]

The 1960s was the "golden age" of Cambodian cinema. Several production companies were started and more movie theaters were built throughout the country. More than 300 movies were made in Cambodia during the era.[47] A number of Khmer language films were well received in its neougbouring countries at the time.[48] Among the classic films from Cambodia during this period were Lea Haey Duong Dara (Goodbye Duong Dara) and Pos Keng Kang (The Snake King's Wife) by Tea Lim Kun and Sabbseth, and An Euil Srey An (Khmer After Angkor) by Ly Bun Yim.

The range of Jewish entrepreneurs in the American film industry is considerable: Samuel Goldwyn, Louis B. Mayer, the Warner Brothers, David O. Selznick, Marcus Loew, and Adolph Zukor, Fox, and so forth. A more specifically Jewish sensibility can be seen in the films of the Marx Brothers, Mel Brooks, or Woody Allen; other examples of specifically Jewish films from the Hollywood film industry are the Barbra Streisand vehicle Yentl (1983), or John Frankenheimer's The Fixer (1968). In 1966, 2.6 million Israelis went to the cinema over 50 million times. From 1968, when television broadcasting began, theaters began to close down, first in the periphery, then in major cities. 330 standalone theaters were torn down or redesigned as multiplex theaters.[10]

Modern era[edit]

By the late '60s and early '70s, Japanese cinema had begun to become seriously affected by the collapse of the studio system. As Japanese cinema slipped into a period of relative low visibility, the cinema of Hong Kong entered a dramatic renaissance of its own, largely a side effect of the development of the wuxia blending of action, history, and spiritual concerns. Several major figures emerged in Hong Kong at this time - perhaps most famously, King Hu, whose 1966 Come Drink With Me was a key influence upon many subsequent Hong Kong cinematic developments. Shortly thereafter, the American-born Bruce Lee became a global icon in the 1970s.

From 1969 onwards, the Iranian New Wave led to the growth of Iranian cinema, which would later go on to achieve international acclaim in the 1980s and 1990s. The most notable figures of the Iranian New Wave are Abbas Kiarostami, Jafar Panahi, Majid Majidi, Bahram Beizai, Darius Mehrjui, Mohsen Makhmalbaf, Masoud Kimiay, Sohrab Shahid-Saless, Parviz Kimiavi, Samira Makhmalbaf, Amir Naderi, and Abolfazl Jalili. Features of New Wave Iranian film, in particular the works of Kiarostami, have been classified by some as postmodern.[49]

The 1970s also saw the establishment of Bangladeshi cinema following the country's independence in 1971. One of the first films produced in Bangladesh after independence was Titash Ekti Nadir Naam (A River Called Titas) in 1973 by acclaimed director Ritwik Ghatak, whose stature in Bengali cinema is comparable to that of Satyajit Ray and Mrinal Sen. Another great film of Bangladesh is Mita's 'Lathial' (The striker), were the best movies of the year of 1975. 'Lathial' got first National Award as the best film, and mita got first National Award as best director.

In the cinema of India, the 1970s saw a decline in 'Parallel Cinema' and the rise of commercial Hindi cinema in the form of enduring masala films, a genre largely pioneered by screenwriter duo Salim–Javed, with films such as the Mumbai underworld crime drama Deewaar (1975) and the "Curry Western" movie Sholay (1975), which solidified Amitabh Bachchan's position as a lead actor. Commercial cinema further grew throughout the 1980s and the 1990s with the release of films such as Mr. India (1987), Qayamat Se Qayamat Tak (1988), Tezaab (1988), Chandni (1989), Maine Pyar Kiya (1989), Baazigar (1993), Darr (1993), Hum Aapke Hain Koun..! (1994) and Dilwale Dulhaniya Le Jayenge (1995).[50] By this time, the term "Bollywood" was coined to refer to the Hindi-language Bombay (now Mumbai) film industry. The most successful Indian actors between the 1990s and the 2010s are Aamir Khan, Akshay Kumar, Salman Khan and Shah Rukh Khan.

During the 1980s, Japanese cinema - aided by the rise of independent filmmaking and the spectacular success of anime - began to make something of an international comeback. Simultaneously, a new post-Mao Zedong generation of Chinese filmmakers began to gain global attention. Another group of filmmakers, centered around Edward Yang and Hou Hsiao-hsien, launched what has become known as the "Taiwanese New Wave".

The 1980s is also considered the Golden Age of Hong Kong action cinema. Jackie Chan reinvented the martial arts film genre with a new emphasis on elaborate and dangerous stunts and slapstick humour, beginning with Project A (1983). John Woo began the "heroic bloodshed" genre based on triads, beginning with A Better Tomorrow (1986). The Hong Kong New Wave also occurred during this period, led by filmmakers such as Tsui Hark.

With the post-1980 rise in popularity of East Asian cinema in the West, Western audiences are again becoming familiar with many of the industry's filmmakers and stars. A number of these key players, such as Chow Yun-fat and Zhang Ziyi, have "crossed over", working in Western films. Others have gained exposure through the international success of their films, though many more retain more of a "cult" appeal, finding a degree of Western success through DVD sales rather than cinema releases.

In the modern era, the success of Israeli and diaspora Jewish cinema can be observed in industry giants ranging from Michael Ovitz, Michael Eisner, Lew Wasserman, Jeffrey Katzenberg, Steven Spielberg, and David Geffen. However, few of these ever focused on Jewish issues with the sometime exception of Spielberg. In the first decade of the 21st century, several Israeli films won awards in film festivals around the world. Prominent films of this period include Late Marriage (Dover Koshashvili), Broken Wings, Walk on Water and Yossi & Jagger (Eytan Fox), Nina's Tragedies, Campfire and Beaufort (Joseph Cedar), Or (My Treasure) (Keren Yedaya), Turn Left at the End of the World (Avi Nesher), The Band's Visit (Eran Kolirin) Waltz With Bashir (Ari Folman), and Ajami. In 2011, Strangers No More won the Oscar for best Short Documentary.[51] In 2020, Parasite become the first non-English language film to win the Academy Award for Best Picture at the 92nd edition.[52]

Notes[edit]

  1. ^ Carter, David (May 15, 2007). East Asian Cinema. Oldcastle Books Ltd. pp. 315 Pages.
  2. ^ CHTHO produces documentary on world’s oldest animation. Tehran Times. 04-03-2008.
  3. ^ First Animation of the World Found In Burnt City, Iran Archived 2018-04-30 at the Wayback Machine, Persian Journal, 2004
  4. ^ Oldest Animation Discovered In Iran. Animation Magazine. 12-03-2008.
  5. ^ David H. Kelley, Exploring Ancient Skies: An Encyclopedic Survey of Archaeoastronomy:

    "The first clear description of the device appears in the Book of Optics of Alhazen."

  6. ^ Wade, Nicholas J.; Finger, Stanley (2001). "The eye as an optical instrument: from camera obscura to Helmholtz's perspective". Perception. 30 (10): 1157–1177. doi:10.1068/p3210. PMID 11721819. The principles of the camera obscura first began to be correctly analysed in the eleventh century, when they were outlined by Ibn al-Haytham.
  7. ^ Bradley Steffens (2006), Ibn al-Haytham: First Scientist, Chapter Five Archived 2009-03-13 at the Wayback Machine, Morgan Reynolds Publishing, ISBN 1-59935-024-6
  8. ^ "Seek Japan | J-Horror: An Alternative Guide". Archived from the original on 2011-08-24. Retrieved 2009-05-22.
  9. ^ McKernan, Luke (1996-12-31). "Hiralal Sen (copyright British Film Institute)". Retrieved 2006-11-01.
  10. ^ a b Shalit, David (January 3, 2011). "Cinemas in Eretz Yisrael". Boeliem.com. Archived from the original on May 18, 2018. Retrieved August 2, 2011.
  11. ^ Paraszczuk, Joanna (June 5, 2010). "Reviving Tel Aviv's Valhalla". The Jerusalem Post. Retrieved August 2, 2011.
  12. ^ "Jose Nepomuceno Father of Philippine Cinema". Archived from the original on 2014-11-29. Retrieved 2014-11-20.
  13. ^ Burra & Rao, 253
  14. ^ Burra & Rao, 254
  15. ^ a b c Totaro, Donato (January 31, 2003). "The "Sight & Sound" of Canons". Offscreen Journal. Canada Council for the Arts. Retrieved 2009-04-19.
  16. ^ a b c d Kevin Lee (2002-09-05). "A Slanted Canon". Asian American Film Commentary. Archived from the original on 2012-05-31. Retrieved 2009-04-24.
  17. ^ Tracy K. Daniels (January 11, 2008). "Hybrid Cinematics: Rethinking the role of filmmakers of color in American Cinema" (PDF). Massachusetts Institute of Technology. Retrieved 2009-05-22.
  18. ^ Dave Kehr, Anime, Japanese Cinema's Second Golden Age, The New York Times, January 20, 2002.
  19. ^ Robinson, A (2003). Satyajit Ray: The Inner Eye: The Biography of a Master Film-Maker. I. B. Tauris. p. 96. ISBN 1-86064-965-3.
  20. ^ Chris Ingui. "Martin Scorsese hits DC, hangs with the Hachet". Hatchet. Archived from the original on 2007-11-02. Retrieved 2006-06-29.
  21. ^ Jay Antani (2004). "Raging Bull: A film review". Filmcritic.com. Archived from the original on 2007-12-08. Retrieved 2009-05-04.
  22. ^ Sheldon Hall. "Ivory, James (1928-)". Screen Online. Retrieved 2007-02-12.
  23. ^ Dave Kehr (May 5, 1995). "THE 'WORLD' OF SATYAJIT RAY: LEGACY OF INDIA'S PREMIER FILM MAKER ON DISPLAY". Daily News. Archived from the original on 2009-09-15. Retrieved 2009-06-06.
  24. ^ Ray, Satyajit. "Ordeals of the Alien". The Unmade Ray. Satyajit Ray Society. Archived from the original on 2008-04-27. Retrieved 2008-04-21.
  25. ^ Neumann P. "Biography for Satyajit Ray". Internet Movie Database Inc. Retrieved 2006-04-29.
  26. ^ Newman J (2001-09-17). "Satyajit Ray Collection receives Packard grant and lecture endowment". UC Santa Cruz Currents online. Archived from the original on 2005-11-04. Retrieved 2006-04-29.
  27. ^ Suchetana Ray (March 11, 2008). "Satyajit Ray is this Spanish director's inspiration". CNN-IBN. Archived from the original on September 15, 2009. Retrieved 2009-06-06.
  28. ^ André Habib. "Before and After: Origins and Death in the Work of Jean-Luc Godard". Senses of Cinema. Archived from the original on 2006-06-14. Retrieved 2006-06-29.
  29. ^ Daniel Thomas (January 20, 2003). "Film Reviews: Grave of the Fireflies (Hotaru no Haka)". Archived from the original on February 6, 2003. Retrieved 2009-05-30.
  30. ^ "On Ray's Trail". The Statesman. Archived from the original on 2008-01-03. Retrieved 2007-10-19.
  31. ^ Alkarim Jivani (February 2009). "Mumbai rising". Sight & Sound. Archived from the original on 2009-02-01. Retrieved 2009-02-01.
  32. ^ Sragow, Michael (1994). "An Art Wedded to Truth". The Atlantic Monthly. University of California, Santa Cruz. Archived from the original on 2009-04-12. Retrieved 2009-05-11.
  33. ^ "Subrata Mitra". Internet Encyclopedia of Cinematographers. Retrieved 2009-05-22.
  34. ^ "2002 Sight & Sound Top Films Survey of 253 International Critics & Film Directors". Cinemacom. 2002. Retrieved 2009-04-19.
  35. ^ Zhang Yingjin (2007-01-04). "Chinese Cinema - Cai Chusheng". University of California-San Diego. Archived from the original on 2007-03-07. Retrieved 2007-04-25.
  36. ^ "Kunlun Film Company". British Film Institute. 2004. Archived from the original on 2008-01-22. Retrieved 2007-04-25.
  37. ^ "Welcome to the Hong Kong Film Awards". 2004. Retrieved 2007-04-04.
  38. ^ Van der Heide, William (2002). Malaysian cinema, Asian film: border crossings and national cultures. Amsterdam University Press. pp. 132–45. ISBN 90-5356-580-9.
  39. ^ White, Timothy (19 November 2002). "Historical Poetics, Malaysian Cinema, and the Japanese Occupation". Kinema: A Journal for Film and Audiovisual Media. Archived from the original on September 13, 2008. Retrieved 2009-05-23.
  40. ^ "Korean film Festival, DC 2004". September–October 2004. Archived from the original on August 7, 2008. Retrieved 2009-05-22.
  41. ^ Jon Marshall. "A Brief History of Korean Film". Retrieved 2009-05-22.
  42. ^ Darcy Paquet. "1945-1959". Korean Film Page. Retrieved 2009-05-22.
  43. ^ Min, p.46.
  44. ^ Is the Curtain Finally Falling on the Philippine Kovie Industry?. Accessed January 25, 2009.
  45. ^ Aenet: Philippine Film History. Accessed January 22, 2009.
  46. ^ "History of Lollywood". Scripnet Charity. Retrieved 2008-07-06.[dead link]
  47. ^ "Cambodian films are undergoing a rebirth", Associated Press, January 6, 2006. (Retrieved from Taipei Times website on December 24, 2006.)
  48. ^ [1] Archived 2011-07-16 at the Wayback Machine, NEWSGROUP.
  49. ^ "Abbas Kiarostami ? The Truth Behind Reality". Archived from the original on 2007-09-12. Retrieved 2009-05-22.
  50. ^ Rajadhyaksa, 688
  51. ^ Film about Tel Aviv school wins Academy Award Archived August 9, 2011, at the Wayback Machine
  52. ^ Hoad, Phil (10 February 2020). "Parasite's best picture Oscar could kickstart a new era of internationalism". The Guardian. Archived from the original on 18 June 2020. Retrieved 11 June 2020.

See also[edit]

  • Cinema of the world
  • World cinema
  • Sandeep Marwah producer of 1000 short films
  • World Fastest Asian Movie
  • Central Asian and Southern Caucasus Film Festivals Confederation
  • The Network for the Promotion of Asian Cinema
  • Bollywood
  • Mollywood
  • Tollywood
  • Sandalwood
  • Tamil Cinema
  • List of Indian film actors

References[edit]

  • Baskett, Michael (2008). The Attractive Empire: Transnational Film Culture in Imperial Japan. Honolulu: University of Hawai'i Press. ISBN 978-0-8248-3223-0.
  • Burra, Rani Day & Rao, Maithili (2006), "Cinema", Encyclopedia of India (vol. 1), Thomson Gale, ISBN 0-684-31350-2.
  • Min, Eungjun; Joo Jinsook; Kwak HanJu (2003). Korean Film : History, Resistance, and Democratic Imagination. Westport, Connecticut: Praeger Publishers. ISBN 0-275-95811-6.
  • Rajadhyaksa, Ashish (1996), "India: Filming the Nation", The Oxford History of World Cinema, Oxford University Press, ISBN 0-19-811257-2.