С древних времен греки , этруски и кельты населяли юг, центр и север итальянского полуострова соответственно. Очень многочисленным наскальным рисункам в Валькамонике около 8000 лет до н.э., здесь есть богатые остатки этрусского искусства из тысяч гробниц, а также богатые останки греческих колоний в Пестуме , Агридженто и других местах. В конце концов, Древний Рим стал доминирующей державой Италии и Европы. Римские останки в Италии необычайно богаты, от величественных императорских памятников самого Рима до сохранившихся исключительно сохранившихся обычных зданий вПомпеи и соседние участки. После падения Римской империи , в средние века Италии, особенно на севере, оставался важным центром, не только Каролингов искусства и Оттонов искусства из императоров Священной Римской империи , но и для византийского искусства в Равенне и других сайтов.
Италия была главным центром художественных событий на протяжении Ренессанса (1300-1600), начиная с прото-ренессансом в Джотто и достижение определенного пика в Высоком Возрождении от Леонардо да Винчи , Микеланджело и Рафаэля , работа которого вдохновила позднюю фазу Возрождение, известное как маньеризм . Италия сохраняла свое художественное господство в 17 веке с барокко (1600-1750) и в 18 веке с неоклассицизмом (1750-1850). В этот период культурный туризмстал главной опорой итальянской экономики. И барокко, и неоклассицизм зародились в Риме [1] [2] и распространились на все западное искусство . Италия сохраняла присутствие на международной художественной сцене с середины 19 века и далее, с такими движениями, как Macchiaioli , Futurism , Metaphysical , Novecento Italiano , Spatialism , Arte Povera и Transavantgarde .
Итальянское искусство на протяжении веков оказало влияние на несколько основных движений и произвело на свет несколько великих художников, включая художников, архитекторов и скульпторов. Сегодня Италия занимает важное место на международной арене искусства с несколькими крупными художественными галереями, музеями и выставками; к крупным художественным центрам страны относятся Рим, Флоренция, Венеция, Милан, Турин, Генуя, Неаполь, Палермо, Лечче и другие города. В Италии расположено 55 объектов всемирного наследия , это самое большое количество среди всех стран мира.
Этрусское искусство [ править ]
Этрусские бронзовые фигуры и терракотовые надгробные рельефы включают примеры энергичной центральной итальянской традиции, которая ослабла к тому времени, когда Рим начал строить свою империю на полуострове.
Этрусские картины, сохранившиеся до наших дней, в основном представляют собой настенные фрески из могил, в основном из Тарквинии . Это наиболее важные образцы доримского изобразительного искусства Италии, известные ученым.
Фрески состоят из росписи поверх свежей штукатурки, поэтому, когда штукатурка высыхает, картина становится частью штукатурки и неотъемлемой частью стены, что помогает ей так хорошо выжить (действительно, почти все сохранившиеся этрусские и римские картины находится в фреске). Краски были сделаны из камней и минералов разных цветов, которые измельчились и смешались в среде, а тонкие кисти были сделаны из шерсти животных (даже самые лучшие кисти производятся из воловьей шерсти). С середины 4 века до н.э. светотень.стали использоваться для изображения глубины и объема. Иногда изображаются сцены повседневной жизни, но чаще традиционные мифологические. Понятие пропорции не встречается ни в каких сохранившихся фресках, и мы часто находим изображения животных или людей с несоразмерными частями тела. Одна из самых известных этрусских фресок - гробница Львицы в Тарквинии.
Римское искусство [ править ]
Этруски были ответственны за строительство самых ранних монументальных зданий Рима. Римские храмы и дома были основаны на этрусских моделях. Элементы этрусского влияния в римских храмах включали подиум и акцент на передней части за счет остальных трех сторон. Большие этрусские дома были сгруппированы вокруг центрального зала почти так же, как и римский город. Большие дома позже были построены вокруг атриума . Влияние этрусской архитектуры постепенно уменьшалось во время республики перед лицом влияний (особенно греческих) из других источников. Сама этрусская архитектура находилась под влиянием греков, поэтому, когда римляне переняли греческие стили, это не было полностью чуждой культурой. Во время республики, вероятно, происходило постоянное поглощение архитектурных влияний, в основном из эллинистического мира, но после падения Сиракуз в 211 г. до н.э. греческие произведения искусства наводнили Рим. В течение 2 века до нашей эры поток этих работ и, что более важно, греческих мастеров продолжался, что оказало решающее влияние на развитие римской архитектуры . К концу республики, когда Витрувийнаписал свой трактат по архитектуре, греческая архитектурная теория и пример были доминирующими. С расширением империи римская архитектура распространилась на обширную территорию, использовалась как для общественных зданий, так и для некоторых более крупных частных. Во многих областях на элементы стиля повлияли местные вкусы, в частности, украшение, но архитектура оставалась узнаваемой римской. На стили народной архитектуры в разной степени повлияла римская архитектура, и во многих регионах римские и местные элементы объединены в одном здании.
К I веку нашей эры Рим стал самым большим и развитым городом в мире. Древние римляне изобрели новые технологии для улучшения санитарных систем, дорог и зданий города. Они разработали систему акведуков, по которым в город поступала пресная вода, и построили канализационные трубы, которые удаляли городские отходы. Самые богатые римляне жили в больших домах с садами. Однако большая часть населения жила в многоквартирных домах из камня, бетона или известняка. Римляне разработали новые методы и использовали такие материалы, как вулканическая почва из Поццуоли, деревни недалеко от Неаполя, чтобы сделать цемент более твердым и прочным. Этот бетон позволил им построить большие многоквартирные дома, называемые инсулами .
Настенные росписи украшали дома зажиточных людей. Картины часто изображали садовые пейзажи, события из греческой и римской мифологии, исторические сцены или сцены повседневной жизни. Римляне украшали полы мозаикой - картинами или рисунками, созданными из маленькой цветной плитки. Богато раскрашенные картины и мозаики помогли сделать комнаты в римских домах больше и ярче и продемонстрировали богатство владельца. [3]
В христианскую эпоху поздней Империи, с 350 по 500 год нашей эры, настенная живопись, мозаика на потолке и полу и погребальная скульптура процветали, в то время как полноразмерная круглая скульптура и панно вымерли, скорее всего, по религиозным причинам. [4] Когда Константин перенес столицу империи в Византию (переименованный в Константинополь ), римское искусство включило в себя восточные влияния, чтобы создать византийский стиль поздней империи. Когда в V веке был разграблен Рим, ремесленники переехали в восточную столицу и нашли там работу. В церкви Святой Софии в Константинополе работало около 10 000 рабочих и ремесленников, что стало последним всплеском римского искусства при императоре Юстиниане I , который также приказал создать знаменитые мозаикиРавенна . [5]
Средневековое искусство [ править ]
В средние века итальянское искусство состояло в основном из архитектурных украшений (фресок и мозаик). Византийское искусство в Италии представляло собой весьма формальное и изысканное украшение со стандартизированной каллиграфией и замечательным использованием цвета и золота. До 13 века искусство в Италии было почти полностью региональным, на которое влияли внешние европейские и восточные течения. После c. 1250 г. искусство разных регионов приобрело общие черты, так что наблюдается определенное единство, а также большая оригинальность.
Византийское искусство [ править ]
С падением западной столицы Римская империя просуществовала еще 1000 лет под руководством Константинополя . [6] Византийские мастера использовались в важных проектах по всей Италии, а византийские стили живописи можно найти до 14 века.
Готическое искусство [ править ]
Готический период знаменует собой переход от средневековья к эпохе Возрождения и характеризуется стилями и взглядами, взращенными влиянием доминиканского и францисканского орденов монахов, основанных Святым Домиником и Святым Франциском Ассизским соответственно.
Это было время религиозных споров внутри церкви. Францисканцы и доминиканцы были основаны в попытке разрешить эти споры и вернуть католическую церковь к основам. Ранние дни францисканцев запомнились особенно состраданием Святого Франциска, а доминиканцы помнят как орден, наиболее ответственный за зарождение инквизиции .
Готическая архитектура зародилась в Северной Европе и распространилась на юг до Италии.
Искусство эпохи Возрождения [ править ]
В средние века художники и скульпторы пытались придать своим работам духовность. Они хотели, чтобы зрители сконцентрировались на глубоком религиозном значении их картин и скульптур. Но художники и скульпторы эпохи Возрождения, как и писатели эпохи Возрождения, хотели реалистично изображать людей и природу. Средневековые архитекторы спроектировали огромные соборы, чтобы подчеркнуть величие Бога и смирить человеческий дух. Архитекторы эпохи Возрождения проектировали здания, пропорции которых были основаны на пропорциях человеческого тела, а орнамент имитировал древний дизайн.
Искусство 14 - начала 15 веков [ править ]
В начале 14 века флорентийский художник Джотто стал первым художником, реалистично изображающим природу, после падения Римской империи. Он создал великолепные фрески (картины на влажной штукатурке) для церквей Ассизи, Флоренции, Падуи и Рима. Джотто пытался создавать реалистичные фигуры, демонстрирующие настоящие эмоции. Он изобразил многие свои фигуры в реалистичных декорациях.
В начале 15 века работала замечательная группа флорентийских архитекторов, художников и скульпторов. Среди них были художник Мазаччо , скульптор Донателло и архитектор Филиппо Брунеллески .
Лучшей работой Мазаччо была серия фресок, которые он написал около 1427 года в капелле Бранкаччи церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции. На фресках реалистично изображены эмоционально накаленные библейские сцены. В этих картинах Мазаччо использовал систему Брунеллески для достижения линейной перспективы.
В своих скульптурах Донателло пытался изобразить достоинства человеческого тела в реалистичных и часто драматических деталях. Среди его шедевров - три статуи библейского героя Давида. В версии, законченной в 1430-х годах, Донателло изобразил Давида изящным обнаженным юношей через несколько мгновений после того, как он убил гигантского Голиафа. Работа высотой около 5 футов (1,5 метра) была первой большой отдельно стоящей обнаженной натурой, созданной в западном искусстве со времен классической античности.
Брунеллески был первым архитектором эпохи Возрождения, возродившим древнеримский стиль архитектуры. В своих проектах он использовал арки, колонны и другие элементы классической архитектуры. Одно из его самых известных зданий - это прекрасно и гармонично построенная капелла Пацци во Флоренции. Часовня, начатая в 1442 году и завершенная около 1465 года, была одним из первых зданий, построенных в стиле нового ренессанса. Брунеллески также был первым художником эпохи Возрождения, освоившим линейную перспективу , математическую систему, с помощью которой художники могли отображать пространство и глубину на плоской поверхности.
Искусство конца 15 - начала 16 веков [ править ]
В искусстве конца 15 - начала 16 веков доминировали трое мужчин. Это были Микеланджело , Рафаэль и Леонардо да Винчи .
Микеланджело преуспел как художник, архитектор и поэт. Кроме того, его называют величайшим скульптором в истории. [7] Микеланджело был мастером изображения человеческой фигуры. Например, его знаменитая статуя вождя израильтян Моисея (1516 г.) производит ошеломляющее впечатление физической и духовной силы. Эти качества также проявляются в фресках на библейские и классические сюжеты, которые Микеланджело нарисовал на потолке Сикстинской капеллы Ватикана . Фрески, написанные с 1508 по 1512 год, входят в число величайших произведений искусства эпохи Возрождения.
Картины Рафаэля мягче очертаний и поэтичнее, чем у Микеланджело. Рафаэль умел создавать перспективу и деликатно использовать цвета. Он написал ряд прекрасных изображений Мадонны (Девы Марии) и множество выдающихся портретов. Одна из его величайших работ - фреска «Афинская школа» . В живописи оказали влияние классические греческие и римские образцы. На нем изображены великие философы и ученые Древней Греции в обстановке классических арок. Таким образом, Рафаэль установил связь между культурой классической античности и итальянской культурой своего времени.
Леонардо да Винчи написал два самых известных произведения искусства эпохи Возрождения, настенную живопись «Тайную вечерю» и портрет Моны Лизы . Леонардо был одним из самых пытливых умов за всю историю. Он хотел знать, как работает все, что он видел в природе. На более чем 4000 страницах блокнотов он нарисовал подробные диаграммы и записал свои наблюдения. Леонардо сделал тщательные рисунки человеческих скелетов и мышц, пытаясь понять, как работает тело. Благодаря своему пытливому уму Леонардо стал символом духа учености и интеллектуального любопытства эпохи Возрождения. [8]
Создателем архитектуры высокого Возрождения был Донато Браманте , который приехал в Рим в 1499 году, когда ему было 55 лет. Его первый римский шедевр, Темпьетто (1502 г.) в Сан-Пьетро-ин-Монторио, представляет собой централизованную купольную структуру, напоминающую классическую храмовую архитектуру. Папа Юлий II выбрал Браманте в качестве папского архитектора, и вместе они разработали план по замене старого собора Святого Петра 4-го века новой церковью гигантских размеров. Однако проект был завершен лишь спустя много времени после смерти Браманте.
Гуманистические исследования продолжались при могущественных папах Высокого Возрождения, Юлии II и Льве X , равно как и развитие полифонической музыки. Сикстинской хор , где р \ д, привлек музыкант и певец из всей Италии и Северной Европы. Среди самых известных композиторов, которые стали членами, были Жоскен де Пре и Джованни Пьерлуиджи да Палестрина .
Маньеризм [ править ]
Маньеризм был элегантным придворным стилем. Он процветал во Флоренции, Италия, где его ведущими представителями были Джорджо Вазари и Бронзино . Стиль был представлен французскому двору Россо Фьорентино и Франческо Приматиччо . Венецианский художник Тинторетто находился под влиянием этого стиля.
Маньеристический подход к живописи повлиял и на другие искусства.
В архитектуре выдающимся примером является работа итальянского архитектора Джулио Романо . Итальянец Бенвенуто Челлини и фламандец Джамболонья были главными представителями стиля в скульптуре. [9]
Некоторые историки считают этот период перерождением классицизма Высокого Возрождения или даже промежутком между Высоким Возрождением и барокко, и в этом случае даты обычно датируются ок. 1520–1600, и это считается законченным позитивным стилем.
Искусство барокко и рококо [ править ]
В начале 17 века Рим стал центром возрождения итальянского господства в искусстве. В Парме Антонио да Корреджо украсил церковные своды живыми фигурами, мягко плывущими на облаках - схема, которая оказала глубокое влияние на росписи потолков в стиле барокко. Бурные картины Караваджо со светотенью и мощные иллюзионистские картины семьи Карраччи из Болоньи дали начало периоду барокко в итальянском искусстве. Доменикино , Франческо Альбани , а затем Андреа Сакки были среди тех, кто воплотил классический смысл в искусстве Карраччи.
С другой стороны, Гвидо Рени , Гверчино , Орацио Джентилески , Джованни Ланфранко , а затем Пьетро да Кортона и Андреа Поццо , будучи тщательно обученными классической аллегорической манере, сначала были склонны писать динамические композиции, полные жестикулирующих фигур в манере. ближе к Караваджо. Выдающимся виртуозом барочного изобилия и величия скульптуры и архитектуры был Джан Лоренцо Бернини . К 1640 году многие художники склонялись к классическому стилю, который был выдвинут в Риме французским эмигрантом Николя Пуссеном . Скульпторы Алессандро Альгарди иФрансуа Дюкенуа тоже тяготел к классике. Известными художниками позднего барокко являются генуэзец Джованни Баттиста Гаулли и неаполитанцы Лука Джордано и Франческо Солимена .
Светильники 18 века пришли из Венеции. Среди них был блестящий представитель стиля рококо Джованни Баттиста Тьеполо ; архитектурные художники Франческо Гварди , Каналетто , Джованни Баттиста Пьяцетта и Бернардо Беллотто ; и гравер римских древностей Джованни Баттиста Пиранези .
Итальянское неоклассическое искусство и искусство XIX века [ править ]
Как и в других частях Европы, итальянское неоклассическое искусство в основном основывалось на принципах древнеримского и древнегреческого искусства и архитектуры, а также на архитектуре итальянского Возрождения и ее основах, таких как Вилла Капра «Ла Ротонда» .
Классицизм и неоклассицизм в итальянском искусстве и архитектуре развивались во время итальянского Возрождения , особенно в произведениях и проектах Леона Баттисты Альберти и работ Филиппо Брунеллески . Он делает упор на симметрию, пропорции, геометрию и регулярность деталей, как они демонстрируются в архитектуре классической античности и, в частности, в архитектуре Древнего Рима., из которых сохранилось много примеров. Упорядоченное расположение колонн, пилястр и перемычек, а также использование полукруглых арок, полусферических куполов, ниш и эдикул заменили более сложные пропорциональные системы и неправильные профили средневековых зданий. Этот стиль быстро распространился в других итальянских городах, а затем и в остальной части континентальной Европы.
Скульптор Антонио Канова был ведущим представителем неоклассического стиля. Получив международную известность, он считался самым блестящим скульптором Европы. [10]
Франческо Хайес - величайший представитель романтизма в Италии: многие из его работ, обычно средневекового окружения, содержат зашифрованное патриотическое послание Рисорджименто .
Маккьяйоли [ править ]
Италия произвела свою собственную форму импрессионизма , художников Маккьяйоли , которые на самом деле были первыми, до более известных импрессионистов: Джованни Фаттори , Сильвестро Лега , Телемако Синьорини , Джузеппе Аббати . Художники Маккьяйоли были предшественниками импрессионизма во Франции. Они считали, что области света и тени, или макчи (буквально пятна или пятна), были главными компонентами произведения искусства. Слово маккиа обычно использовалось итальянскими художниками и критиками в 19 веке для описания сверкающего качества рисунка или картины, будь то из-за схематичного и спонтанного исполнения или из-за гармоничной широты его общего эффекта.
Враждебная рецензия, опубликованная 3 ноября 1862 года в журнале Gazzetta del Popolo, знаменует собой первое появление в печати термина Macchiaioli. [11] Этот термин имел несколько коннотаций: он насмешливо говорил о том, что готовые работы были не более чем набросками, и напоминал фразу «дарси алла макчия», что идиоматически означало прятаться в кустах или кустарниках. Художники действительно писали большую часть своих работ в этих диких местах. Это значение имени также отождествляло художников с преступниками, отражая мнение традиционалистов о том, что новая школа художников работает вне правил искусства, в соответствии со строгими законами, определяющими художественное выражение того времени.
Современное итальянское искусство [ править ]
В начале 20 века представители футуризма разработали динамичное видение современного мира, Джорджио де Кирико выразил странную метафизическую тишину, а Амедео Модильяни присоединился к парижской школе. Среди одаренных более поздних современных художников - скульпторы Джакомо Манцу , Марино Марини , художник-натюрморт Джорджо Моранди и художник-иконоборец Лючио Фонтана . Во второй половине 20 века итальянские дизайнеры, особенно миланские, своими творческими и гениальными функциональными работами оказали глубокое влияние на международные стили.
Футуризм [ править ]
Футуризм был итальянским художественным движением, процветавшим с 1909 по 1916 год. Это было первое из многих художественных движений, пытавшихся порвать с прошлым во всех сферах жизни. Футуризм воспевал силу, скорость и азарт, присущие машинной эре. Благодаря французским художникам-кубистам и фотографии с множественной экспозицией футуристы научились разбивать реалистичные формы на несколько изображений и перекрывающиеся фрагменты цвета. Таким образом они пытались изобразить энергию и скорость современной жизни. В литературе футуризм требовал отмены традиционных структур предложений и стихотворных форм. [12]
Впервые о футуризме было объявлено 20 февраля 1909 года, когда парижская газета Le Figaro опубликовала манифест итальянского поэта и редактора Филиппо Томмазо Маринетти . (См. « Манифест футуризма» .) Маринетти придумал слово «футуризм», чтобы отразить его цель - отказаться от искусства прошлого и прославить перемены, оригинальность и новаторство в культуре и обществе. Манифест Маринетти прославлял новые автомобильные технологиии красота его скорости, мощности и движения. Превознося насилие и конфликты, он призвал к полному отказу от традиционных ценностей и разрушению культурных учреждений, таких как музеи и библиотеки. Риторика манифеста была страстно напыщенной; его агрессивный тон был намеренно направлен на то, чтобы вызвать гнев общественности и вызвать споры.
Манифест Маринетти вдохновил группу молодых художников в Милане применить идеи футуризма в изобразительном искусстве. Умберто Боччони , Карло Карра , Луиджи Руссоло , Джакомо Балла и Джино Северини опубликовали несколько манифестов по живописи в 1910 году. Как и Маринетти, они прославляли оригинальность и выражали свое пренебрежение к унаследованным художественным традициям.
Боччони также заинтересовался скульптурой , опубликовав манифест на эту тему весной 1912 года. Считается, что он наиболее полно реализовал свои теории в двух скульптурах, « Развитие бутылки в космосе» (1912), в которых он представил как внутреннее и внешние контуры бутылки, и « Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913), в которых человеческая фигура не изображается как одна цельная форма, а вместо этого состоит из множества плоскостей в пространстве, через которые она движется. Принципы реалистичности распространились и на архитектуру. Антонио Сант'Элия сформулировал футуристический манифест по архитектуре в 1914 году. Его дальновидные рисунки высокомеханизированных городов и смелых современных небоскребов служат прообразом некоторых из самых творческих архитектурных планов 20-го века.
Боччони, который был самым талантливым художником в группе [13], и Сант'Элия оба умерли во время военной службы в 1916 году. Смерть Боччони в сочетании с расширением состава группы и отрезвляющими реалиями разрушений, вызванных Первой мировой войной. , положил конец футуристическому движению как важной исторической силе в изобразительном искусстве.
Метафизическое искусство [ править ]
Метафизическая живопись - это итальянское художественное направление, родившееся в 1917 году благодаря работам Карло Карра и Джорджо де Кирико в Ферраре. Слово «метафизический», принятое самим Де Кирико, лежит в основе поэтики этого движения.
Они изображали сказочные образы с фигурами и объектами, кажущимися застывшими во времени. Художники метафизической живописи принимают представление видимого мира в традиционном перспективном пространстве, но необычное расположение людей в виде манекенов, объектов в странных, нелогичных контекстах, нереального света и цветов, неестественной статики неподвижных фигур.
Novecento Italiano [ править ]
Движение Novecento, группа итальянских художников, основанная в 1922 году в Милане, выступала за возвращение к великому итальянскому изобразительному искусству прошлого.
Членами-основателями движения Novecento ( итал .: XX век) были критик Маргарита Сарфатти и семь художников: Ансельмо Буччи , Леонардо Дудревиль , Акилле Фуни , Джан Эмилио Малерба, Пьеро Маруссиг, Убальдо Оппи и Марио Сирони. Под руководством Сарфатти группа стремилась обновить итальянское искусство, отвергая европейские авангардные движения и принимая художественные традиции Италии.
Другие художники, связанные с Новеченто, включали скульпторов Марино Марини и Артуро Мартини, а также художников Оттоне Росай , Массимо Кампильи , Карло Карра и Феличе Казорати .
Пространство [ править ]
Движение, основанное итальянским художником Лусио Фонтана как movimento spaziale , его принципы повторялись в манифестах между 1947 и 1954 годами.
Сочетая в себе элементы конкретного искусства, дадаизма и тахизма, приверженцы движения отвергли станковую живопись и приняли новые технологические разработки, стремясь включить время и движение в свои работы. Резаные и пронзенные картины Фонтаны иллюстрируют его тезисы.
Arte Povera [ править ]
| Часть серии о |
| Культура Италии |
|---|
| История |
| Люди |
| Языки |
| Традиции |
| Кухня |
| Фестивали |
| Религия |
| Изобразительное искусство |
| Литература |
| Спорт |
|
Arte Povera - художественное движение, зародившееся в Италии в 1960-х годах, сочетающее в себе аспекты концептуального, минималистского и исполнительского искусства и использующее бесполезные или обычные материалы, такие как земля или газеты, в надежде подорвать коммерциализацию искусства. Фраза итальянская и буквально означает «обедневшее искусство».
Трансавангард [ править ]
Термин Transavantgarde - изобретение итальянского критика Ахилле Бонито Оливы . Он определил искусство Трансавангарда как традиционное по формату (то есть в основном живопись или скульптуру); аполитичный; и, прежде всего, эклектичный.
Список основных музеев и галерей Италии [ править ]
Пропаганда и ограничения [ править ]
В соответствии с поправками к 2017 году итальянский Codice деи бэни Culturali е дель Paesaggio , [14] [15] произведение искусства может быть юридически определен общественной и культурный интерес , если она была завершена , по крайней мере 70 лет назад. Предыдущий лимит был 50 лет. Чтобы упростить экспорт и международную торговлю предметами искусства в качестве средства сбережения , впервые частным владельцам и их дилерам была предоставлена возможность самостоятельно подтверждать коммерческую стоимость менее 13 500 евро, чтобы быть имеет право вывозить товары за пределы страны в Европейский Союз, без государственного административного разрешения. [16] [17] Законопроект принят и вступает в силу 29 августа., 2017. [15] Для археологических останков, обнаруженных под землей или под уровнем моря, должно быть получено публичное разрешение. [14]
См. Также [ править ]
- Итальянская литература
- История Италии
- Культура Италии
Ссылки [ править ]
- ^ [1]
- ^ Дорога из Рима в Париж. Рождение современного неоклассицизма
- ^ Алекс Т. Найс, доктор философии, бывший приглашенный адъюнкт-профессор классики, программа классических исследований, Университет Уилламетт.
Милый, Алекс Т. "Древний Рим". Мировая книга Advanced. Всемирная книга, 2011. Интернет. 30 сентября 2011 г. - ^ Пайпер, стр. 261.
- ^ Пайпер, стр. 266.
- ^ [2] Византия. Фордхэмский университет. Интернет. 06 октября 2011 г.
- ↑ Папа-Хеннесси, Джон Виндхэм. Итальянская скульптура эпохи Возрождения и барокко. Phaidon Press, 1996. стр. 13. Интернет. 5 октября 2011 г.
« Микеланджело был первым художником в истории, которого современники признали гением в нашем современном понимании. Канонизированный перед смертью, он оставался великолепным, грозным и далеким. Некоторые из препятствий на пути установления тесных контактов с его ум присущ его бескомпромиссному характеру; он был величайшим скульптором из когда-либо живших, и величайший скульптор не обязательно является самым доступным ». - ^ Джеймс Хэнкинс, доктор философии, профессор истории Гарвардского университета.
Хэнкинс, Джеймс. "Эпоха Возрождения." Мировая книга Advanced. Всемирная книга, 2011. Интернет. 1 октября 2011 г. - ↑ Эрик М. Зафран, доктор философии, куратор отдела европейской живописи и скульптуры, Wadsworth Atheneum.
Зафран, Эрик М. «Маньеризм». Мировая книга Advanced. Всемирная книга, 2011. Интернет. 1 октября 2011 г. - ^ Розенблюм, Роберт; Янсон, Хорст Вольдемар. Искусство 19 века. Абрамс, 1984. с. 104. Интернет. 5 октября 2011 года.
« Антонио Канова (1757–1822) был не только величайшим скульптором своего поколения; он был самым известным художником западного мира с 1790-х годов до долгой после своей смерти ». - ^ Броуде, стр. 96.
- ^ Дуглас К.С. Хайленд, доктор философии, директор Художественного музея Сан-Антонио.
Хайленд, Дуглас К.С. «Футуризм». Мировая книга Advanced. Всемирная книга, 2011. Интернет. 4 октября 2011 г. - ^ Уайлдер, Джесси Брайант. История искусства для чайников. John Wiley & Sons, 2007. стр. 310. Интернет. 6 октября 2011 г.
- ^ a b "Codice dei beniulturali e del paesaggio" . Палата депутатов (Италия) (на итальянском языке).
- ^ a b "LEGGE 4 agosto 2017, n. 124" . Gazzetta Ufficiale (на итальянском языке).в статье n. 175.
- ^ "L'Appello a Mattarella -" I beniulturali non sono Commerciali: президент не фирмы ил Dl Concorrenza " " . Il Fatto Quotidiano (на итальянском языке). 4 августа 2017 года.
- ^ «Стенограмма парламентской сессии, состоявшейся 28 июня 2017 г.» . Палата депутатов (Италия) (на итальянском языке).
Внешние ссылки [ править ]
- [3] Итальянское искусство. kdfineart-italia.com. Интернет. 5 октября 2011 г.
- [4] Изобразительное искусство в итальянском и тосканском стилях. italianartstudio.com. Интернет. 5 октября 2011 г.
- [5] Заметки об итальянском искусстве
| vтеХронология итальянских художников | |
|---|---|
 | |
| vте Статьи Италии | |||||
|---|---|---|---|---|---|
| История |
| ||||
| География |
| ||||
| Политика |
| ||||
| Экономика |
| ||||
| Общество |
| ||||
| |||||
Категория
