Искусство модерн

Искусство модерн

По часовой стрелке сверху слева: станция парижского метро Abbesses работы Гектора Гимара (1900 г.); Литография Альфонса Мухи (1898 г.); Навесной шкаф Луи Мажореля ; Интерьер отеля Tassel работы Виктора Орты (1892–1893); Лампа Луи Комфорт Тиффани (1900–1910).
Активные годы	c.  1890–1910
Страна	западный мир

Art Nouveau ( / ˌ ɑ т т п ˙U v oʊ , ˌ ɑ г / ; французский:  [aʁ нуво] ) является международной стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства , в особенности декоративно - прикладного искусства , известные в разных языках по разным названия: Jugendstil на немецком языке, Stile Liberty на итальянском, Modernisme català на каталонском и т. д. На английском языке он также известен как стиль модерн (британский стиль модерн).. Этот стиль был наиболее популярен между 1890 и 1910 годами. ^[1] Это была реакция на академическое искусство , эклектизм и историзм архитектуры и декора 19 века. Его часто вдохновляли природные формы, такие как извилистые изгибы растений и цветов. ^[2] Другими характеристиками ар-нуво были чувство динамизма и движения, часто задаваемое асимметрией или линиями хлыста , а также использование современных материалов, в частности железа, стекла, керамики, а позже и бетона, для создания необычных форм и больших открытых пространств. ^[3]

Одной из основных целей ар-нуво было сломать традиционное различие между изобразительным искусством (особенно живописью и скульптурой) и прикладным искусством. Наиболее широко он использовался в дизайне интерьеров, графике, мебели, искусстве стекла, текстиле, керамике, ювелирных изделиях и изделиях из металла. Стиль откликнулся на ведущих теоретиков 19 века, таких как французский архитектор Эжен-Эммануэль Виолле-ле-Дюк (1814–1879) и британский искусствовед Джон Раскин (1819–1900). В Британии на него повлияли Уильям Моррис и движение искусств и ремесел . Немецкие архитекторы и дизайнеры искали духовно возвышающий Gesamtkunstwerk.(«полное произведение искусства»), которое объединит архитектуру, обстановку и искусство в интерьере в едином стиле, чтобы поднять настроение и вдохновить жителей. ^[3]

Первые дома в стиле модерн и внутреннее убранство появились в Брюсселе в 1890-х годах в архитектуре и дизайне интерьеров домов, спроектированных Полом Ханкаром , Генри ван де Вельде и особенно Виктором Ортой , чей Hôtel Tassel был завершен в 1893 году. ^{[4] [ 5] [6]} Он быстро переместился в Париж, где был адаптирован Гектором Гимаром , который увидел работы Орты в Брюсселе и применил стиль для входов в новое парижское метро . Своего пика он достиг на Парижской международной выставке 1900 года , на которой были представлены работы таких художников, как Луи Тиффани, в стиле модерн.. Он появился в графическом искусстве на плакатах Альфонса Мухи и в посуде Рене Лалика и Эмиля Галле .

Из Бельгии и Франции он распространился на остальную Европу, принимая разные имена и характеристики в каждой стране (см. Раздел «Именование» ниже). Он часто появлялся не только в столицах, но и в быстрорастущих городах, которые хотели создать художественную идентичность ( Турин и Палермо в Италии; Глазго в Шотландии; Мюнхен и Дармштадт в Германии), а также в центрах движения за независимость ( Хельсинки в Финляндии). , затем часть Российской империи; Барселона в Каталонии , Испания).

К 1914 году и с началом Первой мировой войны модерн в значительной степени исчерпал себя. В 1920-х годах он был заменен в качестве доминирующего архитектурного и декоративного стиля ар-деко, а затем модернизмом . ^[7] Стиль ар-нуво начал получать более положительное внимание критиков в конце 1960-х, когда в 1970 году в Музее современного искусства прошла крупная выставка работ Гектора Гимара . ^[8]

Именование [ править ]

Термин « модерн» впервые был использован в 1880-х годах в бельгийском журнале L'Art Moderne для описания работ Ле Винта , двадцати художников и скульпторов, стремящихся к реформе через искусство. Название было популяризировано Maison de l'Art Nouveau («Дом нового искусства»), художественной галереей, открытой в Париже в 1895 году франко-немецким торговцем произведениями искусства Зигфридом Бингом . В Великобритании широко использовался французский термин « модерн» , а во Франции его часто называли словом « стиль модерн» (сродни британскому термину « современный стиль» ) или « стиль 1900 года» . ^[9] Во Франции его также иногда называлиСтиль Жюля Верна (по мотивам романиста Жюля Верна ), Стиль Метро (по мотивам железных и стеклянных входов в метро Гектора Гимара ), Art Belle Époque или Art fin de siècle . ^[10]

Ар-нуво связано, но не идентично стилям, которые возникли во многих странах Европы примерно в то же время. Их местные названия часто использовались в их странах для описания всего движения.

• В Бельгии его недоброжелатели иногда называли Style coup de fouet («стиль хлыста»), Paling Stijl («стиль угря») или Style nouille («стиль лапши»). ^[10]
• В Британии , помимо ар-нуво, он был известен как стиль модерн или, из-за работ школы Глазго , как стиль Глазго . Термин « Модерн» также используется в Азербайджане , Казахстане , России и Украине , а « Модерн» - в Литве .
• В Германии и Скандинавии он назывался Reformstil («стиль реформ») или Jugendstil («молодежный стиль») в честь популярного немецкого художественного журнала с таким названием ^[10], а также Wellenstil («стиль волн») или Лилиенстиль («Лилийский стиль»). ^[9] Теперь он называется Jugend в Финляндии и Швеции, Juugend в Эстонии и Jūgendstils в Латвии .
• В Дании он известен как Skønvirke («Работа красоты»).
• В Австрии и соседних странах, которые тогда входили в состав Австро-Венгерской империи , Wiener Jugendstil или Secessionsstil («стиль сецессиона»), в честь художников Венского сецессиона ( венгерский : szecesszió , чешский : secese , словацкий : secesia , польский : secesja ).
• В Италии его часто называли стилем Либерти , в честь Артура Ласенби Либерти , основателя лондонской Liberty & Co , чьи текстильные рисунки были популярны. Его также иногда называли Stile floreale («Цветочный стиль») или Arte nuova («Новое искусство»). ^[10]
• В Соединенных Штатах, из-за его ассоциации с Луи Комфорт Тиффани , его иногда называли «стилем Тиффани». ^{[3] [11] [9] [12]}
• В Нидерландах это называлось Nieuwe Kunst («Новое искусство») или Nieuwe Stijl («Новый стиль»). ^{[11] [9]}
• В Португалии Arte nova .
• В Испании - Modernismo , Modernisme (по-каталонски) и Arte joven («Молодое искусство»).
• В Швейцарии Style Sapin («сосновый стиль»). ^[9]
• В Финляндии в стиле Калевала .
• В России - Модерн («Модерн») или, для живописи, Мир Искусства ( Мир Искусства , «Мир искусства»).
• В Японии Широ-Ума . ^[13]
• В Румынии - Arta Nouă («Новое искусство») или Noul Stil («Новый стиль»). ^[14]

История [ править ]

Истоки [ править ]

• Красный дом на Уильям Моррис и Филипп Уэбб (1859)

• Японская гравюра на дереве Утагавы Кунисада (1850-е гг.)

• Павлинья комната , Джеймс Эббот Макнил Уистлер (1876–1877)

• Уильям Моррис печатный текстильный дизайн (1883)

• Дизайн обоев в стиле лебедя, тростника и ириса Уолтера Крейна (1883)

• Стул, разработанный Артуром Макмурдо (1882-1883)

Новое движение в искусстве берет свое начало в Британии, в цветочном орнаменте Уильяма Морриса и в движении искусств и ремесел, основанном учениками Морриса. Ранние прототипы стиля включают Красный дом с интерьерами Моррисом и архитектурой Филиппом Уэбб (1859), и щедрым Павлин номер по Уистлер . Новое движение также находилось под сильным влиянием художников-прерафаэлитов , включая Данте Габриэля Россетти и Эдварда Бёрн-Джонса , и особенно британских художников-графиков 1880-х годов, в том числе Селвина Имидж , Хейвуда Самнера., Уолтер Крейн , Альфред Гилберт и особенно Обри Бердсли . ^[15] Стул, разработанный Артуром Макмёрдо , был признан предшественником дизайна в стиле модерн. ^[16]

Во Франции он находился под влиянием теоретика архитектуры и историка Эжена Виолле-ле-Дюк , объявленного врагом исторического архитектурного стиля изящных искусств . В своей книге « Entretiens sur l'architecture» 1872 года он писал: «Используйте средства и знания, данные нам нашим временем, без вмешательства традиций, которые сегодня уже не жизнеспособны, и таким образом мы сможем создать новую архитектуру. функция его материала; для каждого материала его форма и его украшение ". ^[17] Эта книга оказала влияние на целое поколение архитекторов, включая Луи Салливана , Виктора Орта , Гектора Гимара и Антони Гауди . ^[18]

Французские художники Морис Дени , Пьер Боннар и Эдуар Вюйар сыграли важную роль в интеграции живописи изобразительного искусства с декором. «Я считаю, что прежде всего картина должна украшать», - писал Денис в 1891 году. «Выбор сюжетов или сцен - ничто. Благодаря ценности тонов, цветной поверхности и гармонии линий я могу достичь духа и пробуди эмоции ". ^[19] Все эти художники рисовали как в традиционной, так и в декоративной живописи на экранах, в стекле и в других средах. ^[20]

Другим важным влиянием на новый стиль был японизм . Это была волна энтузиазма по поводу японской гравюры на дереве , особенно работ Хиросигэ , Хокусая и Утагава Кунисада , которые были импортированы в Европу с 1870-х годов. Предприимчивый Зигфрид Бинг основал ежемесячный журнал Le Japon artistique в 1888 году и опубликовал тридцать шесть выпусков, прежде чем он закончился в 1891 году. Он оказал влияние как на коллекционеров, так и на художников, в том числе Густава Климта . Стилизованные черты японской гравюры проявились в графике ар-нуво, фарфоре, украшениях и мебели. С начала 1860 г. дальневосточнаявнезапно проявилось влияние. В 1862 году любители искусства из Лондона или Парижа могли покупать японские произведения искусства , потому что в этом году Япония впервые выступила в качестве экспонента на Международной выставке в Лондоне. В том же 1862 году в Париже был открыт магазин La Porte Chinoise на улице Риволи , где продавались японские укиё-э и другие предметы с Дальнего Востока. В 1867 г. появились « Примеры китайских орнаментов » Оуэна Джонса , в 1870 г. « Искусство и промышленность в Японии » Р. Олкока, а два года спустя О. Мозер и Т. В. Катлер опубликовали книги о японском искусстве. Некоторые художники в стиле модерн, например Виктор Орта, владел коллекцией дальневосточного искусства, особенно японского. ^[13]

Новые технологии в полиграфии и издательском деле позволили ар-нуво быстро достичь глобальной аудитории. Художественные журналы, иллюстрированные фотографиями и цветными литографиями , сыграли важную роль в популяризации нового стиля. Студия в Англии, Arts et idèes и Art et décoration во Франции и Jugend в Германии позволили стилю быстро распространиться во всех уголках Европы. Обри Бердсли в Англии, Эжен Грассе , Анри де Тулуз-Лотрек и Феликс Валлотон добились международного признания как иллюстраторы. ^[21] С плакатами Жюля Шере.для танцовщицы Лои Фуллер в 1893 году и Альфонса Мухи для актрисы Сары Бернар в 1895 году плакат стал не просто рекламой, а формой искусства. Сара Бернар отложила большое количество своих плакатов для продажи коллекционерам. ^[22]

Развитие - Брюссель (1893–1898) [ править ]

• Hankar Дом на Поле Hankar (1893)

• Фасад отеля с кисточкой. Автор Виктор Орта (1892–1893)

• Лестница отеля Tassel

• Дом Bloemenwerf Генри ван де Вельде (1895)

• Стул Bloemenwerf, сделанный Ван де Вельде для своей резиденции (1895 г.)

• Плакат для Международной выставки по Анри Прайват Ливмонту (1897)

Первые таунхаусы в стиле модерн, Hankar Дом на Поле Hankar (1893) и Hôtel кисточка от Виктора Орта (1892-1893), ^{[4] [5]} были построены почти одновременно в Брюсселе . Ханкара особенно вдохновили теории французского архитектора Эжена Виолле-ле-Дюк . С целью создания синтеза изобразительного искусства и декоративного искусства он пригласил Адольфа Креспина  [ фр ] и Альберта Чамберлани  [ фр ], чтобы украсить интерьер и экстерьер сграффито., или фрески. Ханкар украсил магазины, рестораны и галереи, что местный критик назвал «настоящим бредом оригинальности». Он умер в 1901 году, когда движение начало получать признание. ^[23]

Виктор Орта был одним из самых влиятельных архитекторов раннего модерна, а его Hôtel Tassel (1892–1893) - одна из достопримечательностей этого стиля. ^{[24] [25]} Орта получил архитектурное образование в качестве помощника Альфонса Балата , архитектора Леопольда II из Бельгии , который строил монументальные железные и стеклянные теплицы Лакена . ^[26]В 1892–1893 годах он применил этот опыт совсем по-другому. Он спроектировал резиденцию выдающегося бельгийского химика Эмиля Тасселя на очень узком и глубоком участке. Центральным элементом дома была лестница, не огражденная стенами, а открытая, украшенная вьющимися коваными перилами и помещенная под высоким потолочным окном. Полы поддерживали тонкие железные колонны, похожие на стволы деревьев. Мозаичные полы и стены были украшены изящными арабесками в цветочных и растительных формах, которые стали самой популярной визитной карточкой этого стиля. ^{[27] [28]} За короткий период Орта построил еще три таунхауса, все с открытыми интерьерами и все с мансардными окнами для максимального внутреннего освещения: Hôtel Solvay , Hôtel van Eetvelde, а также Maison & Atelier Horta . Все четыре в настоящее время являются частью Всемирного наследия ЮНЕСКО .

Генри ван де Вельде , родившийся в Антверпене , был еще одной фигурой в зарождении стиля модерн. Проекты Ван де Вельде включали интерьер его резиденции Bloemenwerf (1895 г.). ^{[29] [30]} Внешний вид дома был вдохновлен Красным домом , резиденцией писателя и теоретика Уильяма Морриса , основателя движения искусств и ремесел . По образованию художник, Ван де Вельде обратился к иллюстрации, затем к дизайну мебели и, наконец, к архитектуре. Для Bloemenwerf он создал текстиль, обои, столовое серебро, украшения и даже одежду, которые соответствовали стилю резиденции. ^[31]Ван де Вельде отправился в Париж, где он спроектировал мебель и украшения для Самуэля Бинга , чья парижская галерея дала стилю название. Он также был одним из первых теоретиков ар-нуво, требовавших использования динамичных, часто противоположных линий. Ван де Вельде писал: «Линия - это сила, подобная всем другим элементарным силам. Несколько линий, соединенных вместе, но противостоящих друг другу, имеют такое же сильное присутствие, как и несколько сил». В 1906 году он уехал из Бельгии в Веймар (Германия), где основал Великокняжескую школу искусств и ремесел, где преподавание исторических стилей было запрещено. Он играл важную роль в немецком Werkbund , прежде чем вернуться в Бельгию. ^[32]

Дебют архитектуры ар-нуво в Брюсселе сопровождался волной декоративного искусства в новом стиле. Среди выдающихся художников были Гюстав Штраувен , который использовал кованое железо для создания эффектов барокко на фасадах Брюсселя; дизайнер мебели Гюстав Серюрье-Бови , известный своими очень оригинальными стульями и шарнирно-металлической мебелью; и ювелирный дизайнер Филипп Вольферс , который делал украшения в виде стрекоз, бабочек, лебедей и змей. ^[33]

Брюссель Международная выставка состоялась в 1897 году привлекли международное внимание к стилю; Орта, Ханкар, Ван де Вельде и Серрюрье-Бови, среди прочих, приняли участие в оформлении ярмарки, а Анри Прива-Ливемонт создал плакат для выставки.

Париж - Maison de l'Art Nouveau (1895) и Кастель Беранже (1895–1898) [ править ]

• Зигфрид Бинг пригласил художников показать современные работы в своем новом Доме искусства в стиле модерн (1895).

• Галерея Зигфрида Бинга Maison de l'Art Nouveau (1895)

• Плакат Феликса Валлоттона для нового Дома искусства в стиле модерн (1896 г.)

• Ворота замка Беранже - Гектор Гимар (1895–1898)

Франко-немецкий торговец произведениями искусства и издатель Зигфрид Бинг сыграл ключевую роль в популяризации этого стиля. В 1891 году он основал журнал, посвященный искусству Японии, который способствовал популяризации японизма в Европе. В 1892 году он организовал выставку семи художников, в том числе Пьера Боннара , Феликса Валлотона , Эдуарда Вюйара , Тулуз-Лотрека и Эжена Грассе , которая включала как современные картины, так и декоративные работы. Эта выставка была показана в Société nationale des beaux-arts в 1895 году. В том же году Бинг открыл новую галерею Maison de l'Art Nouveau на улице Прованс, 22 в Париже., посвященная новым произведениям как изобразительного, так и декоративного искусства. Интерьер и мебель галереи были разработаны бельгийским архитектором Генри ван де Вельде , одним из пионеров архитектуры ар-нуво. В Maison de l'Art Nouveau были представлены картины Жоржа Сёра , Поля Синьяка и Тулуз-Лотрека , стекло от Louis Comfort Tiffany и Эмиля Галле , украшения Рене Лалика и постеры Обри Бердсли.. Представленные работы были отнюдь не однотипными. Бинг писал в 1902 году: «Ар-нуво во время своего создания никоим образом не стремился удостоиться чести стать общим термином. Это было просто название дома, открытого для объединения всех молодых и молодых людей. ярые художники, которым не терпится показать современность своих тенденций ». ^[34]

Этот стиль быстро заметили в соседней Франции. После посещения Hôtel Tassel в Орте, Гектор Гимар построил замок Беранже , одно из первых парижских зданий в новом стиле, между 1895 и 1898 годами. ^{[Nb 1]} Парижане жаловались на однообразие архитектуры бульваров, построенных при Наполеоне III . Жорж-Эжен Осман . Замок Беранже представлял собой любопытную смесь неоготики и ар-нуво с изогнутыми краями.линии и естественные формы. Гимар, опытный публицист своей работы, заявил: «Чего следует избегать любой ценой, так это ... параллели и симметрии. Природа - величайший строитель из всех, а природа не создает ничего параллельного и ничего симметричного». ^[36]

Парижане приветствовали оригинальный и живописный стиль Гимара; Замок Беранже был выбран как один из лучших новых фасадов Парижа, положив начало карьере Гимара. Гимар получил заказ на проектирование входов в новую систему метро Paris Métro , которая привлекла внимание миллионов посетителей Всемирной выставки 1900 года . ^[10]

Парижская выставка Universelle (1900) [ править ]

• Главный вход в Парижскую выставку 1900 Universelle

• Павильон фанатиков, демонстрирующий работы художника-керамиста Александра Биго.

• Вход в австрийский павильон с экспонатами, созданными Йозефом Хоффманном.

• Немецкий павильон Бруно Меринга

• Вход на станцию ​​парижского метро Abbesses, спроектированный Гектором Гимаром для Вселенской выставки 1900 года.

• Армас Линдгрен и Элиэль Сааринен получили международное признание за дизайн павильона Финляндии.

• Меню, разработанное Альфонсом Мухой для ресторана Bosnia Pavilion

• Портик Севрского фарфорового павильона (1900), сейчас на площади Феликса-Дезрюэля в Париже

Всемирная выставка «Париж 1900 года» ознаменовала расцвет стиля модерн. В период с апреля по ноябрь 1900 года он привлек почти пятьдесят миллионов посетителей со всего мира и продемонстрировал архитектуру, дизайн, изделия из стекла, мебель и декоративные предметы этого стиля. Архитектура экспозиции часто представляла собой смесь архитектуры ар-нуво и изящных искусств : главный выставочный зал, Большой дворец, имел фасад в стиле изящных искусств, совершенно не связанный с впечатляющей лестницей в стиле ар-нуво и выставочным залом в интерьере.

Все французские дизайнеры сделали для выставки специальные работы: хрусталь и украшения Lalique ; украшения Анри Вевера и Жоржа Фуке ; Стекло Даума ; Севрская фарфоровая мануфактура в фарфоре ; керамика Александра Биго ; скульптурные стеклянные светильники и вазы Эмиля Галле ; мебель Эдуара Колонна и Луи Мажореля ; и многие другие известные фирмы декоративно-прикладного искусства. На выставке 1900 года в Париже Зигфрид Бинг представил павильон под названием Art Nouveau Bing., в котором было представлено шесть различных интерьеров, полностью оформленных в стиле. ^{[37] [38]}

Выставка стала первой международной выставкой дизайнеров и художников в стиле модерн со всей Европы и за ее пределами. Среди лауреатов и участников были Альфонс Муха , который сделал фрески для павильона Боснии и Герцеговины и разработал меню для ресторана павильона; декораторы и дизайнеры Бруно Пауль и Бруно Меринг из Берлина; Карло Бугатти из Турина ; Бернхардт Панкок из Баварии ; Российский архитектор-дизайнер Федор Шехтель и компания Louis Comfort Tiffany and Company из США. ^[39] Венский архитектор Отто Вагнербыл членом жюри и представил модель ванной комнаты в стиле модерн своей городской квартиры в Вене со стеклянной ванной. ^[40] Йозеф Хоффманн разработал венскую выставку на парижской выставке, подчеркнув дизайн Венского Сецессиона . ^[41] Элиэль Сааринен впервые получил международное признание за свой творческий проект павильона Финляндии. ^[42]

Хотя Парижская выставка была безусловно самой большой, другие экспозиции сделали многое для популяризации этого стиля. 1888 Barcelona Universal Exposition ознаменовало начало Modernisme стиля в Испании, с некоторыми зданиями Доменек-и-Монтанер . На выставке Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna 1902 года в Турине, Италия, были представлены дизайнеры со всей Европы, в том числе Виктор Орта из Бельгии и Йозеф Мария Ольбрих из Вены, а также местные художники, такие как Карло Бугатти , Галилео Кини и Эухенио Куарти . ^[43]

Местные варианты [ править ]

Ар-нуво во Франции [ править ]

• Плакат для танцовщицы Лои Фуллер с Жюлем Шере (1893)

• Плакат Альфонса Мухи для Жисмонды с Сарой Бернхардт (1894)

• Лестница Пети-Пале , Париж (1900 г.)

• Проем в Lavirotte здания по Джулс Лавиротт , 29, проспект Рапп , Париж (1901)

• Ювелирный магазин Жоржа Фуке по адресу 6, rue Royale , Paris, спроектированный Альфонсом Мухой , теперь находится в Музее Карнавале (1901 г.)

• Гребень из рога, золота и бриллиантов - Рене Лалик (около 1902 г.) ( Musée d'Orsay )

• Вилла Мажорель в Нанси для мебели дизайнера Луи Мажорель архитектора Анри Sauvage (1901-02)

• Мебель для спальни виллы Мажорель (1901–02), сейчас находится в Музее изящных искусств Нанси.

• Стеклянная и кованая решетка входной двери виллы Мажорель (1901 г.)

После выставки 1900 года столицей стиля модерн стал Париж. Самые экстравагантные резиденции в этом стиле построил Жюль Лавиротт , который полностью покрыл фасады керамическими скульптурными украшениями. Самый яркий пример - здание Лавиротт , 29, авеню Рапп (1901 г.). Офисные здания и универмаги представляли собой высокие дворы с витражными куполами и керамической отделкой. Стиль был особенно популярен в ресторанах и кафе, в том числе Maxim's at 3, rue Royale и Le Train bleu на Лионском вокзале (1900 г.). ^[44]

Статус Парижа привлекал в город иностранных художников. Художник швейцарского происхождения Эжен Грассе был одним из первых создателей французского плаката в стиле модерн. Он участвовал в оформлении знаменитого кабаре Le Chat Noir в 1885 году, создал свои первые плакаты для Парижского фестиваля и знаменитый плакат Сары Бернар в 1890 году. В Париже он преподавал в художественной школе Герена ( École normale d'enseignement du dessin). ), где его учениками были Аугусто Джакометти и Поль Бертон . ^{[45] [46]} Швейцарский уроженец Теофиль-Александр Стейнлен создал знаменитый плакат для парижского кабаре. Le Chat Noir в 1896 году чешский художник Альфонс Муха (1860-1939) прибыл в Париж в 1888 году, а в 1895 году сделал плакат для актрисы Сары Бернар в спектакле Gismonda по Викторьена Сарду в Театре де ла Возрождения . Успех этого плаката привел к заключению контракта на изготовление плакатов еще для шести пьес Бернхардта.

Другой французской столицей нового стиля стал город Нанси в Лотарингии . В 1901 году был основан Союз провинциальных искусств , также известный как École de Nancy , целью которого было нарушение иерархии, которая ставила живопись и скульптуру выше декоративного искусства. Среди крупных художников, работающих здесь, были создатели стеклянных ваз и ламп Эмиль Галле , братья Даум в дизайне стекла и дизайнер Луи Мажорель , создавший мебель с изящными цветочными и растительными формами. Архитектор Анри Соваж привнес новый архитектурный стиль в Нанси со своей виллой Мажорель в 1902 году.

Французский стиль широко пропагандировался новыми журналами, в том числе The Studio , Arts et Idées и Art et Décoration , чьи фотографии и цветные литографии сделали стиль известным дизайнерам и богатым клиентам по всему миру.

Во Франции этот стиль достиг своего пика в 1900 году, а затем быстро вышел из моды, практически исчезнув из Франции к 1905 году. Ар-нуво был роскошным стилем, который требовал опытных и высокооплачиваемых мастеров и не мог быть легко или дешево массовым. -производится. Одним из немногих продуктов в стиле ар-нуво, которые можно было производить массово, были флаконы для духов, и они все еще производятся в этом стиле.

Ар-нуво в Бельгии [ править ]

• Hôtel ван Eetvelde на Виктора Орта , Брюссель (1898-1900)

• Деталь Зимнего сада отеля van Eetvelde

• Бывший универмаг « Старая Англия » Пола Сэйнтенуа , Брюссель (1898–1899)

• Дом Сен-Сир, Гюстав Штраувен , Брюссель (1901–1903)

• Дом архитектора Поля Коши с изображением сграффито , Брюссель (1905 г.)

• Стул Генри ван де Вельде (1896 г.)

• Кровать и зеркало работы Гюстава Серюрье-Бови (1898–1899), ныне в Музее Орсе , Париж

• Филипп Вольферс , Плюм де Паон, (Коллекция Фонда короля Бодуэна, депо: KMKG-MRAH)

Бельгия была ранним центром ар-нуво, во многом благодаря архитектуре Виктора Орта , который спроектировал один из первых домов в стиле ар-нуво, отель Tassel в 1893 году, и три других таунхауса в вариациях того же стиля. Сейчас они внесены в список Всемирного наследия ЮНЕСКО . Орта оказал сильное влияние на творчество молодого Гектора Гимара , который приехал посмотреть строящийся отель Tassel, а позже заявил, что Орта был «изобретателем» стиля модерн. ^[47]Новаторство Орты заключалось не в фасаде, а в интерьере, в котором использовалось большое количество железа и стекла, чтобы открыть пространство и залить светом комнаты, а также украсить их коваными железными колоннами и перилами в изогнутых растительных формах, которые отражались на полу и стены, а также мебель и ковры, разработанные Horta. ^[48]

Поль Ханкар был еще одним пионером брюссельского ар-нуво. Его дом был завершен в 1903 году, в том же году, что и Hôtel Tassel Орты, и украшен фресками сграффити на фасаде. На Ханкара повлияли как Виолле-ле-Дюк, так и идеи движения английского искусства и ремесел . Его идея заключалась в том, чтобы объединить декоративное и изобразительное искусство в единое целое. Он поручил скульптору Альфреду Крику и художнику Адольфу Креспину  [ фр ] украсить фасады домов своими работами. Самым ярким примером является дом и студия, построенные для художника Альберта Чамберлани по адресу: rue Defacqz / Defacqzstraat, 48.в Брюсселе, для которого он создал роскошный фасад, покрытый фресками сграффито с раскрашенными фигурами и орнаментом, воссоздающий декоративную архитектуру Quattrocento или Италии 15-го века. ^[49] Ханкар умер в 1901 году, когда его работа только-только получила признание. ^[50]

Гюстав Штраувен был ассистентом Орты, прежде чем он начал свою собственную практику в возрасте 21 года. Его самая известная работа - это Maison Saint Cyr на площади Амбиорикс в Брюсселе. Ширина всего четыре метра, она сверху донизу украшена изогнутым орнаментом в стиле ар-нуво-барокко.

Среди других важных художников ар-нуво из Бельгии были архитектор и дизайнер Генри ван де Вельде , хотя наиболее важная часть его карьеры была проведена в Германии; он сильно повлиял на оформление югендстиля . Среди других были декоратор Гюстав Серрюрье-Бови и художник-график Фернан Кнопф . ^{[5] [51] [52]} Бельгийские дизайнеры воспользовались обильными поставками слоновой кости, импортированной из Бельгийского Конго ; были популярны смешанные скульптуры из камня, металла и слоновой кости, созданные такими художниками, как Филипп Вольферс . ^[53]

Nieuwe Kunst в Нидерландах [ править ]

• Амстердамская товарная биржа, Хендрик Петрус Берлаге (1896–1903)

• Кабинет / стол Берлаге (1898)

• Плакат Дельфтского салата Яна Торопа (1893 г.)

• Ваза с абстрактным цветочным орнаментом от Тео Коленбрандера (1898 г.)

• Фарфоровая ваза, разработанная Дж. Юрриааном Коком и украшенная В. Р. Стеркеном (1901 г.)

В Нидерландах этот стиль был известен как Nieuwe Stijl («Новый стиль») или Nieuwe Kunst («Новое искусство»), и он принял направление, отличное от более цветочного и изогнутого стиля в Бельгии. На него повлияли более геометрические и стилизованные формы немецкого модерна и австрийского венского сецессиона . ^[53] На это также повлияло искусство и импорт древесины из Индонезии , а затем из Голландской Ост-Индии , в частности, дизайн тканей и батика с Явы .

Самым важным архитектором и дизайнером мебели в этом стиле был Хендрик Петрус Берлаге , который осуждал исторические стили и выступал за чисто функциональную архитектуру. Он писал: «Необходимо бороться с искусством иллюзий, чтобы распознать ложь, чтобы найти сущность, а не иллюзию». ^[54] Как Виктор Орта и Гауди , он был поклонником архитектурных теорий Виолле-ле-Дюк . ^[55]Его мебель была спроектирована так, чтобы быть строго функциональной и уважать естественные формы дерева, а не гнуть или скручивать ее, как если бы она была металлической. Он указал на пример египетской мебели и предпочел стулья с прямыми углами. Его первой и самой известной архитектурной работой была Биржа Берлаге (1896–1903), Амстердамская товарная биржа, которую он построил в соответствии с принципами конструктивизма . Все было функционально, в том числе линии заклепок, украшавшие стены главной комнаты. Он часто включал в свои здания очень высокие башни, чтобы сделать их более заметными - практика, которую использовали другие архитекторы в стиле модерн того периода, в том числе Йозеф Мария Ольбрих в Вене и Элиэль Сааринен в Финляндии.^[56]

Другие здания в этом стиле включают Американский отель (1898–1900), также построенный Берлаге; и « Астория» (1904–1905) Германа Хендрика Бандерса и Геррита ван Аркеля в Амстердаме ; железнодорожная станция в Харлеме (1906-1908) и бывшее административное здание Holland America Lines (1917) в Роттердаме , в настоящее время отель Нью - Йорк .

Выдающиеся художники-графики и иллюстраторы этого стиля включали Яна Торопа , чьи работы были склонны к мистике и символизму , даже в его плакатах для салата. В своих цветах и ​​дизайне они также иногда проявляли влияние искусства Java. ^[56]

Среди важных деятелей голландской керамики и фарфора были Юрриан Кок и Тео Коленбрандер . Они использовали красочный цветочный узор и более традиционные мотивы ар-нуво в сочетании с необычными формами керамики и контрастными темными и светлыми цветами, заимствованными из декора батика Явы. ^[57]

Современный стиль и школа Глазго в Великобритании [ править ]

• Здание паба (1899-1900) Джеймса Хои Крейги (1870-1930). 59 Dumbarton Road, Глазго

• Дизайн обложки Артура Макмёрдо для книги о Кристофере Рене (1883 г.)

• Уиллоу Tearooms по Чарльз Ренни Макинтош , 217 Сошихолл Street , Глазго (1903)

• Здание "Hatrack" Джеймса Сэлмона , 142a, 144 Сент-Винсент-стрит , Глазго (1899–1902)

• Бывшая типография Эверарда , Брод-стрит , Бристоль, Генри Уильямс (1900)

• Ремень с пряжкой Archibald Knox для универмага Liberty

• Вышитые панно Маргарет Макдональд Макинтош (1902)

• Здание Royal Liver , Ливерпуль, Уолтер Обри Томас (1908-11)

Ар-нуво берет свое начало в Британии, в движении искусств и ремесел, которое началось в 1860-х годах и достигло международного признания к 1880-м годам. Он призвал к лучшему обращению с декоративным искусством и вдохновлялся средневековым мастерством и дизайном, а также природой. ^[58] Одним из ярких ранних примеров современного стиля является дизайн Артура Макмёрдо для обложки его эссе о городских церквях сэра Кристофера Рена , опубликованного в 1883 году, как и его стул из красного дерева того же года. ^[59]

Другими важными новаторами в Великобритании были графические дизайнеры Обри Бердсли, чьи рисунки изображали изогнутые линии, которые стали самой узнаваемой чертой стиля. Можно также добавить свободное кованое железо 1880-х годов или несколько плоских цветочных текстильных узоров, большинство из которых было связано с узорами дизайна 19-го века. Среди других британских художников-графиков, которые занимали важное место в этом стиле, были Уолтер Крейн и Чарльз Эшби . ^[60]

Liberty универмаг в Лондоне играет важную роль, через свои красочные стилизованные цветочные узоры для текстиля, и серебро, олово, и ювелирные изделия конструкции из острова Мэн (шотландского происхождения) Арчибальд Нокс . Его украшения из материалов и форм полностью отходят от исторических традиций ювелирного дизайна.

Для архитектуры ар-нуво и дизайна мебели самым важным центром в Великобритании был Глазго с творениями Чарльза Ренни Макинтоша и школы Глазго , чьи работы были вдохновлены шотландской баронской архитектурой и японским дизайном. ^[61] Начиная с 1895 года, Макинтош выставлял свои работы на международных выставках в Лондоне, Вене и Турине; его проекты особенно повлияли на стиль сецессиона в Вене. Его архитектурные творения включали здание Глазго Геральд (1894 г.) и библиотеку художественной школы Глазго (1897 г.). Он также приобрел репутацию дизайнера и декоратора мебели, тесно сотрудничая со своей женой,Маргарет Макдональд Макинтош , выдающийся художник и дизайнер. Вместе они создали поразительный дизайн, сочетающий геометрические прямые линии с мягко изогнутыми цветочными орнаментами, в частности, знаменитый символ этого стиля - розу Глазго » ^[62].

Леон-Виктор Солон внес важный вклад в керамику в стиле модерн в качестве арт-директора Mintons. Он специализировался на мемориальных досках и вазах с трубчатыми вставками, которые продавались как «сепаратистская посуда» (обычно называемые в честь венского художественного движения ). ^[63] Помимо керамики, он разработал ткани для шелковой промышленности порея ^[64] и дублюры для переплетчика (Г.Т. Баггули из Ньюкасла под Лаймом), который запатентовал переплет Сазерленда в 1895 году.

Джордж Скиппер был, пожалуй, самым активным архитектором в стиле ар-нуво в Англии. Здание Эдварда Эверарда в Бристоле, построенное в 1900–1901 годах для размещения типографий Эдварда Эверарда , отличается фасадом в стиле ар-нуво. Изображенные фигуры - Иоганнеса Гутенберга и Уильяма Морриса , оба выдающиеся в области печати. Крылатая фигура символизирует «Дух Света», а фигура, держащая лампу и зеркало, символизирует свет и истину.

Югендстиль в Германии [ править ]

• Обложка пан журналу по Джозефу Заттлер (1895)

• Обложка Jugend по Отто Экман (1896)

• Гобелен Пять Лебеди на Отто Экмана (1896-97)

• Плакат Мюнхенского отделения. Автор Франц Штук (1898–1900)

• Дверная ручка в стиле модерн в Берлине (около 1900 г.)

• Стул Ричарда Римершмида (1902 г.)

• Обеденный сервиз и посуда в стиле модерн от Питера Беренса (1900–1901)

• Кувшин из керамики Ричарда Римершмида (1902 г.)

• Оловянная посуда Jugendstil от WMF Design no 232. 1906 г.

Немецкий ар-нуво широко известен под своим немецким названием « югендстиль» или «молодежный стиль». Название взято из художественного журнала Die Jugend , или Youth , который издавался в Мюнхене. Журнал был основан в 1896 году Георгом Хиртом , который оставался редактором до своей смерти в 1916 году. Журнал просуществовал до 1940 года. В начале 20 века югендстиль применялся только в области графики. ^[65] Это особенно относилось к формам типографики и графического дизайна, которые можно найти в немецких журналах, таких как Jugend , Pan и Simplicissimus . Jugendstilпозже был применен к другим версиям модерна в Германии, Нидерландах. Термин был заимствован из немецкого языка несколькими языками стран Балтии и Северной Европы для описания стиля модерн (см. Раздел « Именование »). ^{[11] [66]}

В 1892 году Георг Хирт выбрал название Мюнхенский сецессион для Ассоциации художников-визуалов Мюнхена . Венский сецессион , основанный в 1897 году, ^[67] и Берлинский сецессион также заняли свои имена из группы Мюнхена.

Журналы Jugend и Simplicissimus , издаваемые в Мюнхене, и Pan , издаваемые в Берлине, были важными сторонниками модерна . Искусство югендстиля сочетало извилистые кривые и геометрические линии и использовалось для обложек романов, рекламных объявлений и выставочных плакатов. Дизайнеры часто создавали оригинальные стили шрифтов, которые гармонировали с изображением, например, шрифт Арнольда Бёклина в 1904 году.

Отто Экманн был одним из самых известных немецких художников, связанных как с Die Jugend, так и с Pan . Его любимым животным был лебедь, и его влияние было настолько велико, что лебедь стал символом всего движения. Другим выдающимся дизайнером этого стиля был Ричард Римершмид , который создавал мебель, керамику и другие предметы декора в строгом геометрическом стиле, ориентированном на ар-деко. ^[68] Швейцарский художник Герман Обрист , живущий в Мюнхене, проиллюстрировал coup de fouet или мотив хлыстовой травмы - сильно стилизованную двойную кривую, предполагающую движение стебля цветка цикламена .

• Дом Эрнста Людвига Джозефа Марии Ольбрих (1900 г.), в котором сейчас находится музей колонии Дармштадт.

• Свадебная башня в Дармштадтской колонии художников (1908 г.)

• Спа-комплекс Sprudelhof в Бад-Наухайме (1905–1911)

• Станция Мексикоплац в Берлине (1902–1904)

• Hackesche Höfe в Берлине (1906)

• Дверь в стиле модерн с декоративным мотивом подсолнуха (Рыбник Силезия)

В колонии Дармштадт художников была основана в 1899 году Эрнест Людвиг, великого герцога Гессен . Архитектором, построившим дом великого князя, а также крупнейшее строение колонии (Свадебную башню), был Йозеф Мария Ольбрих , один из основателей Венского сецессиона . Другими известными художниками колонии были Питер Беренс и Ганс Христиансен . Эрнест Людвиг также поручил перестроить курортный комплекс в Бад-Наухайме в начале века. Совершенно новый комплекс Sprudelhof  [ de ] был построен в 1905–1911 гг. Под руководством Вильгельма Йост  [ de]] и достиг одной из главных целей югендстиля: синтеза всех искусств. ^[69] Еще одним членом правящей семьи, построившим здание в стиле модерн, была принцесса Елизавета Гессенская и Рейнская . Она основала Марфо-Мариинский женский монастырь в Москве в 1908 году, и его католикон признан шедевром модерна. ^[70]

Еще одним заметным союзом в Германской империи был Deutscher Werkbund , основанный в 1907 году в Мюнхене по инициативе Германа Муфезиуса художниками Дармштадтской колонии Йозефом Марией Ольбрихом , Петером Беренсом ; другим основателем Венского сецессиона Йозефом Хоффманном , а также Wiener Werkstätte (основанный Хоффманном), Рихардом Римершмидом , Бруно Полем и другими художниками и компаниями. ^[71] Позже к движению присоединился бельгиец Генри ван де Вельде ^{[№ 2]} . Великокняжеская школа искусств и ремесел  [de ] , основанная им в Веймаре , была предшественницей Баухауза , одного из самых влиятельных течений в архитектуре модернизма . ^[73]

В Берлине Югендстиль был выбран для строительства нескольких вокзалов. Наиболее заметный ^[74] является Bülowstraße от Bruno Möhring (1900-1902), другие примеры являются Mexikoplatz (1902-1904), ботанический сад (1908-1909), Frohnau (1908-1910), Wittenbergplatz (1911-1913) и Панки (1912–1914) станции. Еще одно известное строение Берлина - Hackesche Höfe (1906 г.), в котором для фасада внутреннего двора использовался полихромный глазурованный кирпич.

Стиль ар-нуво в Страсбурге (в то время входивший в состав Германской империи в качестве столицы Рейхсланда Эльсас-Лотринген ) был особым брендом, поскольку он сочетал в себе влияния Нанси и Брюсселя с влияниями Дармштадта и Вены , чтобы создать местный синтез. в котором отражена история города между германским и французским владениями.

Сецессия в Австро-Венгрии [ править ]

Венский Сецессион [ править ]

• Сецессиона зал в Вене Ольбрих (1897-98)

• Вампир в Ver Sacrum # 12 (1899) стр. 8 от Эрнста Штера

• Кресло Коломана Мозера (ок. 1900)

• Женщина в желтом платье, Макс Курцвейл (1907)

• Поцелуй от Gustav Klimt (1907-08)

Вена стала центром отличного варианта модерна, известного как Венский сецессион . Движение получило свое название от Мюнхенского Сецессиона, основанного в 1892 году. Венский Сецессион был основан в апреле 1897 года группой художников, в которую входили Густав Климт , Коломан Мозер , Йозеф Хоффманн , Йозеф Мария Ольбрих , Макс Курцвейл , Эрнст Штер и другие. ^[67] Художник Климт стал президентом группы. Они возражали против консервативной ориентации на историзм, выраженной Венским Künstlerhaus., официальный союз художников. Сецессион основал журнал Ver Sacrum для продвижения своих работ во всех СМИ. ^[75] Архитектор Йозеф Ольбрих спроектировал купольное здание Сецессиона в новом стиле, которое стало витриной для картин Густава Климта и других художников Сецессиона.

Климт стал самым известным художником Сецессиона, часто стирая границу между живописью изобразительного искусства и декоративной живописью. Коломан Мозер был чрезвычайно разносторонним художником в этом стиле; его работы, включая журнальные иллюстрации, архитектуру, столовое серебро, керамику, фарфор, текстиль, витражи и мебель.

• Цветочный дизайн Алоиса Людвига на фасаде дома Майолика Отто Вагнера (1898)

• Карлсплатц Stadtbahn станция по Отто Вагнера (1899)

• Интерьер Кирхе-ам-Штайнхоф работы Отто Вагнера (1904–1907)

• Дворец Stoclet в Брюсселе Йозефа Гофмана (1905-1911)

Самый известный архитектор Венского Сецессиона был Отто Вагнер , ^[76] он присоединился к движению вскоре после его начала , чтобы следовать своим ученикам Hoffmann и Olbrich. Его основные проекты включали несколько станций городской железнодорожной сети ( Stadtbahn ), здания Linke Wienzeile (состоящие из Дома Майолики, Дома медальонов и дома на Кёстлергассе). Станция Karlsplatz теперь является выставочным залом Венского музея . Kirche утра SteinhofПсихиатрической больницы Штайнхоф (1904–1907) - это уникальный и тщательно продуманный образец религиозной архитектуры сецессиона с традиционным куполообразным внешним видом, но гладким, современным интерьером в золотых и белых тонах, освещенным множеством современных витражей.

В 1899 году Йозеф Мария Ольбрих переехал в Дармштадтскую колонию художников , а в 1903 году Коломан Мозер и Йозеф Хоффманн основали Wiener Werkstätte , учебную школу и мастерскую для дизайнеров и мастеров мебели, ковров, текстиля и декоративных предметов. ^[77] В 1905 году Коломан Мозер и Густав Климт отделились от Венского Сецессиона, позже, в 1907 году, Коломан Мозер также покинул Wiener Werkstätte , а другой ее основатель Йозеф Хоффманн присоединился к Deutscher Werkbund . ^[71] Густав Климт иЙозеф Хоффманн продолжил сотрудничество, они организовали выставку Kunstschau  [ de ] в 1908 году в Вене и построили дворец Стокле в Брюсселе (1905–1911), который объявил о приходе модернистской архитектуры . ^{[78] [79]} Он был назначен в качестве всемирного наследия по ЮНЕСКО в июне 2009 года ^[80]

Венгерский Szecesszió [ править ]

• Музей прикладного искусства в Будапеште по Одон Lechner (1893-1896)

• Геологический музей Будапешта по Одон Lechner (1898-1899)

• Дворец Грофа в Сегеде - Ференц Райхле (1913)

Пионер и пророк Szecesszió (Сецессион на венгерском языке), архитектор Оден Лехнер создал здания, которые ознаменовали переход от историзма к модернизму для венгерской архитектуры. ^[81] Его идея венгерского архитектурного стиля заключалась в использовании архитектурной керамики и восточных мотивов. В своих работах он использовал пигорганит, выпускавшийся к 1886 году на Жолнайском фарфоровом заводе . ^[81] Этот материал использовался при строительстве известных венгерских зданий других стилей, например, здания венгерского парламента и церкви Матьяша .

Работы Одона Лехнера ^[82] включают Музей прикладного искусства (1893–1896), другие здания с аналогичными отличительными чертами - Геологический музей (1896–1899) и здание Почтовой сберегательной кассы (1899–1902), все в Будапеште . Однако из-за сопротивления венгерского архитектурного истеблишмента успеху Лехнера он вскоре не смог получить новые заказы, сопоставимые с его предыдущими постройками. ^[81] Но Лехнер был вдохновителем и мастером для следующего поколения архитекторов, сыгравших главную роль в популяризации нового стиля. ^[81] В процессе мадьяризациимногочисленные здания были переданы его ученикам на окраинах королевства: например, Марселлу Комору  [ ху ] и Дезсу Якабу было поручено построить синагогу (1901–1903) и ратушу (1908–1910) в Шабадке (ныне Суботица , Сербия ), Префектура графства (1905–1907) и Дворец культуры (1911–1913) в Марошвашархей (ныне Тыргу-Муреш , Румыния ). Позже в 1909–1913 годах Лехнер сам построил Голубую церковь в Позшонах (современная Братислава , Словакия ).

Другим важным архитектором был Кароли Кос , последователь Джона Раскина и Уильяма Морриса . Кос взял за образец движение финского национального романтизма, а за вдохновение - диалект Трансильвании. ^[83] Его самые известные здания включают Римско-католическую церковь в Зебегени (1908–09), павильоны Будапештского муниципального зоопарка (1909–1912) и Национальный музей Секели в Сепсисентдьёрдь (ныне Сфынту Георге , Румыния, 1911–12).

• Мозаика Миксы Рота в здании банка Török  [ fr ] в Будапеште (1906 г.)

• Рельеф на фасаде дворца Грешам работы Гезы Мароти в Будапеште (1906 г.)

• Кабинет Одона Фараго из Будапешта (1901)

Движение , которое способствовало Szecesszió в искусстве было Gödöllő Art Colony, основанный Aladár Körösfői-Kriesch , также последователь Джон Раскин и Уильям Моррис и профессор Королевской школы прикладного искусства в Будапеште в 1901 году ^[84] Его художники приняли участие в многие проекты, в том числе Музыкальная академия Ференца Листа в Будапеште. ^[85]

Сотрудник Художественной колонии Гёдёллё, ^[86] Микса Рот также участвовал в нескольких десятках проектов Сецессио, в том числе в зданиях Будапешта, включая Дворец Грешам (витраж, 1906 г.) и Банк Терёк  [ фр ] (мозаика, 1906 г.), а также создавал мозаики и окрашивал стекло для Дворца культуры (1911–1913) в Марошвашархее.

Известным дизайнером мебели является Оден Фараго  [ ху ], который объединил традиционную народную архитектуру, восточную архитектуру и международный модерн в очень живописном стиле. Пал Хорти  [ ху ] , другой венгерский дизайнер, имел гораздо более сдержанный и функциональный стиль, сделанный из дуба с нежными узорами из черного дерева и латуни.

Другие варианты [ править ]

• Фрески Муниципальный дом в Праге по Альфонса Мухи

• Витраж Альфонса Мухи в соборе Святого Вита из Праги

• Керамический барельеф театра Виола в Праге - Ладислав Шалоун

• Новая ратуша из Праги (1908-1911)

Самым плодовитым словенским архитектором в стиле модерн был Цирил Метод Кох . ^[87] Он учился в классах Отто Вагнера в Вене и работал в городском совете Лайбаха (ныне Любляна , Словения ) с 1894 по 1923 год. После землетрясения в Лайбахе в 1895 году он спроектировал многие светские здания в стиле сецессион, который он принял. с 1900 по 1910 год: ^[87] Дом Погачника (1901), Здание Чудена (1901), Фермерский ссудный банк (1906–07), отреставрированное здание Гауптмана в стиле сецессион в 1904 году. Кульминацией его карьеры стал ссудный банк в Радманнсдорфе. (ныне Радовлица ) в 1906 г. ^[87]

Самые известные здания сецессиона в Праге - это образцы тотального искусства с характерной архитектурой, скульптурой и картинами. ^[88] Главный железнодорожный вокзал (1901–1909) был спроектирован Йозефом Фанта и украшен картинами Вацлава Янсы и скульптурами Ладислава Шалоуна и Станислава Сухарда, а также других художников. Муниципальный дом (1904-1912) был разработан Освальда Поливки и Антонин Balšánek, написанный известным чешским художником Альфонсом Мухой и особенности скульптуры Йозеф Маратка и Шалоун. Поливка, Маржатка и Шалоун одновременно участвовали в строительстве Новой ратуши (1908–1911) вместе со Станиславом Сухардой , а позже Муха расписал витражи собора Святого Вита в своем самобытном стиле.

Стиль сочетания венгерского Сецессио и национальных архитектурных элементов был характерен для словацкого архитектора Душана Юрковича . Его самые оригинальные работы - Дом культуры в Шакольце (ныне Скалица в Словакии , 1905 г.), здания курорта в Лугачовицах (ныне Чешская Республика) в 1901–1903 гг. И 35 военных кладбищ недалеко от Нового Жмигруда в Галиции (ныне Польша), большая часть на них сильно повлияло местное лемковское ( русинское ) народное искусство и столярные изделия (1915–1917).

Ар-нуво в Румынии [ править ]

• Дом на улице Димитрия Раковицэ, Бухарест

• Центр печи из городского дома в районе площади Розетти (Бухарест)

• Дверной проем на площади Михаила Когэлничану, Бухарест

• Рельеф на фасаде небольшого квартала за больницей Колеа, Бухарест

• Дом велосипедиста Мина из Бухареста (1900), сочетание эпохи возрождения барокко и модерна

• Дом Диану из Крайовы (1900-1905)

• Дом Дину Липатти из Бухареста Петре Антонеску (1902 г.), ^[89] сочетание эпохи Возрождения барокко и модерна.

• Дом Ромула Пореску из Бухареста Думитру Маймаролу (1905), ^[90] Ар-нуво с влиянием эпохи возрождения барокко

• Казино Константы Даниэль Renard и Петре Антонеску (1905-1910)

• Верх изразцовой печи из музея Джорджа Северяну, Бухарест

• Деталь на заборе на бульваре Ласкэр Катарджу, Бухарест

• Фрески на потолке портика из Антима монастырь Церкви из Бухареста

Казино Константы , вероятно, самый известный иллюстративный югендстиля в Румынии. Казино , Курхаус или Kursaal тема специфична для Прекрасной эпохи. Автором казино, основанного в 1905 году и завершенного в 1910 году, является архитектор Даниэль Ренар, который учился в Париже с 1894 по 1900 годы. Он подписал архитектурные и декоративные планы казино. Характерной чертой стиля модерн является рельефный орнамент фасадов с натуралистическими цветочными мотивами, например, из школы Нанси, или мотивами морской фауны, такими как ракушки и дельфины. Один из домов Бухареста в стиле модерн - Дом Дину Липатти (№ 12, бульвар Ласкэр Катарджу) работы Петре Антонеску, центральным мотивом которого является входная арка, над которой находится женский тушь для ресниц в горельефе.. Среди примеров архитектуры ар-нуво в Бухаресте - таунхаусы, в которых иногда есть только окна в форме подковы или другие формы или украшения, характерные для ар-нуво. Примером может служить дом Ромула Пореску (№ 12, улица Доктора Палеологу), в угловых окнах которого также есть витражи в стиле египетского возрождения . Некоторые из зданий эпохи возрождения барокко в Бухаресте имеют влияние модерна или неорокайля, в том числе Бухарестская обсерватория (№ 21, бульвар Ласкэр Катарджу), дом №. 58 на улице Сфинций Войевози, Дом велосипедиста Миля (№ 9, улица Бисерица Амзей или № 11, улица Христиана Телля) и дворец Кантакузино (№ 141, проспект Победы ). ^[91]

• Весна , декоративное панно Штефана Лучяна (1901)

• Молодая женщина Штефана Лучиана, рисунок для обложки журнала Ileana Magazine

• Фея воды , Елена Александрина Беднарик (1908)

• Обложка небольшого сборника стихов 1908 года.

• Титульный лист небольшой книги стихов с 1908

• Обложка небольшого поэтического журнала из серии Biblioteca Societății (1912)

Одним из самых известных художников в стиле ар-нуво из Румынии был Штефан Лучиан , который на короткое время быстро перенял новаторские и декоративные направления ар-нуво. Этот момент совпал с основанием Общества Илеана в 1897 году, одним из основателей которого он был, компании, которая организовала выставку (1898 г.) в отеле Юнион под названием «Выставка независимых художников» и выпустила журнал «Илеана». ^[92]

Стил Либерти в Италии [ править ]

• Афиша Туринской выставки 1902 года

• Виллино Флорио в Палермо Эрнесто Базиле (1899–1902)

• Палаццо Кастильони в Милане , Джузеппе Соммаруга (1901–1903)

• Цветочная ваза Галилео Кини (1896–98).

• Карло Бугатти , стул и стол Cobra (1902), Бруклинский музей

• Вход в Дом Гуаццони (1904–05) в Милане - Джованни Баттиста Босси (1904–06)

Стиль модерн в Италии был известен как arte nuova , stile floreale , stile moderno и особенно style Liberty . Стиль Либерти получил свое название от Артура Ласенби Либерти и магазина, который он основал в 1874 году в Лондоне, Liberty Department Store , который специализировался на импорте украшений, текстиля и предметов искусства из Японии и с Дальнего Востока и чьи красочные ткани были особенно популярны в Италии. . Среди известных итальянских дизайнеров этого стиля был Галилео Чини , чья керамика часто была вдохновлена майоликой.узоры. Позже он был известен как художник и оформитель театральных декораций; он разработал декорации для двух знаменитых опер Пуччини « Джанни Скикки» и « Турандот» . ^{[93] [94] [11]}

Архитектура стиля либерти сильно различалась и часто следовала историческим стилям, особенно барокко. Фасады часто были залиты декором и скульптурой. Примеры стиля Либерти включают Виллино Флорио (1899–1902) Эрнесто Базиле в Палермо ; Палаццо Кастильони в Милане на Джузеппе Соммаруге (1901-1903); Милан и Дом Гуаццони (1904–05) в Милане Джованни Баттиста Босси (1904–06). ^[95]

Красочные фрески, расписанные или из керамики, и скульптуры, как внутри, так и снаружи, были популярной чертой стиля Либерти. В них использованы как классические, так и цветочные мотивы. как в купальнях Acque della Salute, так и в Casa Guazzoni в Милане.

Самой важной фигурой в дизайне стиля Либерти был Карло Бугатти , сын архитектора и декоратора, отец Рембрандта Бугатти , скульптора Либерти, и Этторе Бугатти , известного автомобильного дизайнера. Он учился в Миланской академии Брера , а затем в Академии изящных искусств.в Париже. Его работы отличались экзотичностью и эксцентричностью, включая столовое серебро, текстиль, керамику и музыкальные инструменты, но больше всего его помнят за его новаторский дизайн мебели, впервые представленный на Миланской ярмарке изящных искусств 1888 года. Его мебель часто украшалась замочной скважиной и имела необычное покрытие, в том числе пергамент и шелк, а также вставки из кости и слоновой кости. Иногда он имел удивительные органические формы, скопированные с улиток и кобр. ^[96]

Модернизм в Каталонии и Испании [ править ]

• Базилика Саграда Фамилия в Барселоне Антонио Гауди (1883–)

• Trencadis фасад Дом Бальо по Антони Гауди и Хосеп Мария Jujol (1904-06)

• Дом Мила Антонио Гауди (1906–1912) ^[97]

• Госпиталь Сан-Пау, автор - Луис Доменек и Монтанер (1901–1930)

• Каса - де - ле Punxes по Хосеп Пуч Кадафалк (1905)

• Святилище Марии Магдалены  [ ca ] в Новельде , Валенсия

Весьма оригинальный вариант стиля возник в Барселоне , Каталония , примерно в то же время, что стиль модерн появился в Бельгии и Франции. Он назывался « Модернизм» по-каталонски и « Модернизм» по-испански. Самым известным его создателем был Антони Гауди . Гауди совершенно по-новому использовал цветочные и органические формы в Палау Гуэль (1886–1890). Согласно ЮНЕСКО, «архитектура парка объединила элементы движения декоративно-прикладного искусства, символизма, экспрессионизма и рационализма, а также предвосхитила и повлияла на многие формы и методы модернизма 20-го века». ^{[98] [99] [100]} Он интегрировал такие ремесла, как керамика., Витражи , кованые изделия из железа ковка и плотницкий в его архитектуру. В своих павильонах Гуэля (1884–1887), а затем в Парке Гуэля (1900–1914) он также использовал новую технику под названием trencadís , в которой использовались ненужные керамические изделия. Его проекты примерно 1903 года, Дом Бальо (1904–1906) и Дом Мила (1906–1912) ^[97] наиболее тесно связаны со стилистическими элементами ар-нуво. ^[101] Более поздние постройки, такие как Саграда Фамилия, сочетают в себе элементы модерна с возрожденческой неоготикой . ^[101] Дом Бальо , Дом Мила , Павильоны Гуэля и Парк Гуэля были результатом его сотрудничества с Хосепом Марией Жухолем , который сам построил дома в Сан-Хуан-Деспи (1913–1926 гг.), Несколько церквей недалеко от Таррагоны (1918 и 1926 гг.) И извилистый Дом Планель (1924) в Барселоне .

Помимо доминирующего присутствия Гауди, Луис Доменек и Монтанер также использовал ар-нуво в Барселоне в таких зданиях, как Castell dels Tres Dragons (1888 г.), Casa Lleó Morera , Palau de la Música Catalana (1905) и Hospital de Sant Pau (1901–1901–190) 1930). ^[101] Два последних здания были перечислены ЮНЕСКО как всемирного культурного наследия . ^[102]

Другим крупным модернистом был Хосеп Пуч-и-Кадафальч , спроектировавший Casa Martí и его кафе Els Quatre Gats, текстильную фабрику Casimir Casaramona (ныне художественный музей CaixaFòrum ), Casa Macaya, Casa Amatller , Palau del Baró de Quadras (где находится Casa Àsia в течение 10 лет до 2013 года) и Casa de les Punxes («Дом шипов»).

Отличительное движение в стиле модерн также в Валенсии . Некоторыми из известных архитекторов были Деметрио Рибес Марко, Висенте Паскуаль Пастор , Тимотео Бриет Монтауд и Хосе Мария Мануэль Кортина Перес . Определяющими характеристиками валенсийского модерна являются использование керамики в декоре фасада и орнамента, а также использование региональных мотивов Валенсии.

Другой замечательный вариант - это Мадриленский модерн, или "Modernismo madrileño", с такими примечательными зданиями, как дворец Лонгория , Мадридское казино или Cementerio de la Almudena , среди прочих. Известными модернистами из Мадрида были архитекторы Хосе Лопес Саллаберри , Фернандо Арбос-и-Треманти и Франсиско Андрес Октавио  [ es ] .

• Рамон Касас и Пере Ромеу на Тандем по Рамон Касас (1897)

• Скульптура из полихромной терракоты работы Ламберта Эскалера  [ ca ]

• Трал по Антони Гауди (1889)

• Витражный потолок Palau de la Música Catalana Антони Ригальта (1905–1908)

• Мебель от Gaspar Homar  [ ca ]

Движение модернизма оставило обширное художественное наследие, включая рисунки, картины, скульптуры, изделия из стекла и металла, мозаику, керамику и мебель. Часть его находится в Национальном художественном музее Каталонии .

Вдохновленный парижским кафе Le Chat Noir , где он раньше работал, Pere Romeu i Borràs  [ ca ] решил открыть в Барселоне кафе под названием Els Quatre Gats («Четыре кошки» по-каталонски). ^[103] Кафе стало центральным местом встречи самых выдающихся деятелей модерна Барселоны , таких как Пабло Пикассо и Рамон Касас-и-Карбо, которые своими плакатами и открытками помогали продвигать движение. Для кафе он создал картину « Рамон Касас и Пере Ромё в тандеме», которая была заменена его другой композицией под названием « Рамон Касас и Пере Ромё в автомобиле». в 1901 году, символизируя новый век.

Антони Гауди спроектировал мебель для многих построенных им домов; Одним из примеров является кресло под названием Battle House . Он оказал влияние на другого известного каталонского дизайнера мебели, Гаспара Хомара  [ ca ] (1870–1953), который часто сочетал маркетри и мозаику со своей мебелью. ^[104]

Arte Nova в Португалии [ править ]

• Фасад резиденции майора Песоа в Авейру (1907–1909) ^[105]

• Атриум резиденции Major Pessoa

• Музей-резиденция доктора Анастасио Гонсалвеша в Лиссабоне (1904–1905)

• Livraria Lello книжный магазин в Порто , Португалия (1906)

• Детали Almirante Reis, здание 2-2K в Лиссабоне (1908 г.)

• Керамическая плитка Cooperativa Agrícola в Авейру (1913 г.)

Вариант ар-нуво в Авейру (Португалия) назывался Arte Nova , и его главной отличительной чертой была показная демонстрация: этот стиль использовался буржуазией, которая хотела выразить свое богатство на фасадах, оставив при этом интерьеры консервативными. ^[106] Еще одной отличительной особенностью Arte Nova было использование плитки местного производства с мотивами ар-нуво. ^[106]

Самым влиятельным художником Arte Nova был Франсиско Аугусто да Силва Роша. ^[106] Хотя он не был архитектором, он спроектировал множество зданий в Авейру и других городах Португалии. ^{[107] [106]} Один из них, резиденция Major Pessoa, имеет фасад и интерьер в стиле модерн, а теперь здесь находится Музей Арте Нова. ^[106]

Есть и другие образцы Arte Nova в других городах Португалии. ^{[108] [109]} Некоторые из них являются Музей-резиденция Анастасио Гонзальвеса по Мануэль Жоаким Норте Жуниор  [ пт ] (1904-1905) в Лиссабоне , кафе Majestic по Жоао Queiroz  [ пт ] (1921) и Livraria Lello книжный магазин по Ксавье Эстевес  [ pt ] (1906), оба в Порту .

Югендстиль в странах Северной Европы [ править ]

Финляндия [ править ]

• Главный вход в здание страховой компании Pohjola (1899–1901), скульптуры Хильды Флодин.

• У реки Туонела (1903 г.) в финском национальном романтическом стиле , Аксели Галлен-Каллела

• Собор Тампере в финском национальном романтическом стиле (1902–1907). Автор Ларс Сонк.

• Председатель Элиэля Сааринена (1907–1908)

• Статуи на Центральном вокзале Хельсинки - Эмиль Викстрём

Ар-нуво был популярен в странах Северной Европы , где он обычно назывался югендстиль , и часто сочетался с национальным романтическим стилем каждой страны. Скандинавской страной с наибольшим количеством построек в стиле модерн является Великое княжество Финляндское , тогда входившее в состав Российской империи . ^[110] Период модерн совпал с Золотым веком финского искусства и национальным пробуждением. После Парижской выставки 1900 года ведущим финским художником стал Аксели Галлен-Каллела . ^[111] Он известен своими иллюстрациями Калевалы., финский национальный эпос, а также роспись многочисленных юдендстильских построек в герцогстве.

Архитекторами финского павильона на выставке выступили Герман Гезеллиус , Армас Линдгрен и Элиэль Сааринен . Они работали вместе с 1896 по 1905 год и построили множество известных зданий в Хельсинки, в том числе здание Pohjola Insurance (1899–1901) и Национальный музей Финляндии (1905–1910) ^[112], а также их совместную резиденцию Hvitträsk в Киркконумми (1902). Архитекторов вдохновляли скандинавские легенды и природа, грубый гранитный фасад стал символом принадлежности к финскому народу. ^[113] После распада фирмы Сааринен спроектировалЖелезнодорожный вокзал Хельсинки (1905–1914) в более четких формах под влиянием американской архитектуры. ^[113] Скульптором, который работал с Саариненом при строительстве Национального музея Финляндии и железнодорожного вокзала Хельсинки, был Эмиль Викстрём .

Еще одним архитектором, создавшим несколько известных работ в Финляндии, был Ларс Сонк . Его основные работы в стиле модерн включают собор Тампере (1902–1907), Айнола , дом Яна Сибелиуса (1903), штаб-квартиру Хельсинкской телефонной ассоциации (1903–1907) и церковь Каллио в Хельсинки (1908–1912). Кроме того, Магнус Шерфбек , брат Элен Шерфбек , в 1903 году создал туберкулезный санаторий, известный как санаторий Нуммела, в стиле югендстиль. ^{[114] [115] [116]}

Норвегия [ править ]

• Графический дизайн Герхарда Мунте (1914)

• Стул викинг в стиле модерн от норвежского дизайнера Ларса Кинсарвика (1900 г.)

• Центр ар-нуво в Олесунне (1905–1907)

• Интерьер центра ар-нуво в Олесунне

• Орнаменты двери в Центре ар-нуво в Олесунне

Норвегия также стремилась к независимости (от Швеции), и местный модерн был связан с возрождением, вдохновленным народным искусством и ремеслами викингов . Среди известных дизайнеров были Ларс Кисарвик, который разработал стулья с традиционными викинговыми и кельтскими узорами, и Герхард Мунте , который разработал стул со стилизованной эмблемой в виде головы дракона с древних кораблей викингов, а также широкий спектр плакатов, картин и графики. ^{[117] [ требуется полная ссылка ]}

Норвежский город Олесунн считается главным центром модерна в Скандинавии, потому что он был полностью реконструирован после пожара 23 января 1904 года. ^[118] Около 350 зданий были построены в период с 1904 по 1907 год в соответствии с планом города, разработанным инженером Фредериком Нессер. Слияние единства и разнообразия породило стиль, известный как Ål Stil. Здания этого стиля имеют линейный декор и отголоски как югендстиля, так и народных элементов, например, башни деревянных церквей или гребенчатые крыши. ^{[118] В} одном из зданий, «Лебединая аптека», сейчас находится Центр ар-нуво .

Швеция и Дания [ править ]

• Ваза с ежевикой, картина Пера Алгота Эрикссона и серебро Э. Лефевра, в Музее Брёхана (Берлин)

• Чашка с блюдцем из сервиза 'iris' (1897 г.), в Музее искусств округа Лос-Анджелес.

• Чернильница и коробка для марок, Йенс Даль-Йенсен (ок. 1900 г.), в Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Дармштадт, Германия)

• Большой зал городской библиотеки Орхуса Карла Хансена Рейструпа

• Алтарь Engelbrektskyrkan в Стокгольме (1914 г.)

• Плакат Балтийской выставки в Мальмё (1914)

Шедевры югендстиля из других стран Северной Европы включают Engelbrektskyrkan (1914) и Королевский драматический театр (1901–1908) в Стокгольме , Швеция ^[119], а также бывшую Городскую библиотеку (ныне Датский национальный деловой архив ) в Орхусе , Дания (1898–1901). ^[120] Архитектором последнего является Хак Кампманн , в то время сторонник национального романтического стиля, который также создал таможню , театр и виллу Кампен в Орхусе . Самым известным дизайнером в стиле ар-нуво в Дании был ювелир Георг Йенсен.. Выставка Baltic в Мальмё 1914 можно рассматривать как последнее крупное проявление югендстиля в Швеции. ^[121]

Современный в России [ править ]

• Яйцо Фаберже в стиле модерн ^{[№ 3]} (1898)

• Иллюстрация Firebird по И. Билибина (1899)

• Набор для Николая Римского-Корсакова «с балетной Шехерезады по Бакста (1910)

• Оформление программы Леона Бакста "После полудня фавна" для русских балетов (1912)

• Стулья Сергея Малютина , Талашкинская художественная колония

• Керамический камин на тему русского фольклора Михаила Врубеля (1908)

Модерн («Модерн») - очень красочная русская вариация модерна, появившаяся в Москве и Санкт-Петербурге в 1898 году с выходом нового художественного журнала «Мир искусства» (транслитерация: Мир Искусства ) («Мир искусства»). , российских художников Александра Бенуа и Леона Бакста и главного редактора Сергея Дягилева . Журнал организовывал выставки ведущих художников России, в том числе Михаила Врубеля , Константина Сомова , Исаака Левитана , книжного иллюстратора Ивана Билибина.. Стиль «Мир искусства» меньше использовал растительные и цветочные формы французского модерна; в нем были использованы яркие цвета и экзотические мотивы русского фольклора и сказок. Самым значительным вкладом «Мира искусства» стало создание новой балетной труппы Ballets Russes во главе с Дягилевым, костюмы и декорации которой разработали Бакст и Бенуа. Премьера новой балетной труппы состоялась в Париже в 1909 году и выступала там каждый год до 1913 года. Экзотические и красочные декорации, созданные Бенуа и Бакстом, оказали большое влияние на французское искусство и дизайн. Эскизы костюмов и декораций воспроизводились в ведущих парижских журналах L'Illustration , La Vie parisienne и Gazette du bon ton., а русский стиль стал известен в Париже как а-ля Бакст . Компания застряла в Париже сначала из-за начала Первой мировой войны, а затем из-за русской революции 1917 года и, по иронии судьбы, никогда не выступала в России. ^[122]

Из русских архитекторов наиболее заметным в чистом стиле модерн был Федор Шехтель . Самый известный пример - Дом Рябушинского в Москве. Он был построен российским бизнесменом и владельцем газеты, а затем, после русской революции , стал резиденцией писателя Максима Горького , а сейчас это Музей Горького. Его главная лестница, сделанная из полированного заполнителя из бетона, мрамора и гранита, имеет плавные, вьющиеся линии, похожие на морские волны, и освещена лампой в виде плавающей медузы. В интерьере также присутствуют двери, окна и потолок, украшенные красочными мозаичными фресками. ^[123] Шехтель, который также считается важной фигурой вРусский символизм спроектировал несколько других знаковых зданий в Москве, включая реконструкцию Московского Ярославского вокзала в более традиционном стиле московского возрождения. ^[123]

• Дом Рябушинского в Москве Федора Шехтеля (1900)

• Парадная лестница Дома Рябушинского Москва Федора Шехтеля (1900)

• Дом «Теремок» в Талашкино - произведение Сергея Малютина в стиле русского возрождения (1901–1902).

• Картуш с маскароном на фасаде Дома певцов работы Павла Сузора (1904 г.)

• Дом Перцовой Сергея Малютина в Москве (1905–1907)

• Фасад гостиницы «Метрополь» в Москве с мозаикой Михаила Врубеля (1899–1907).

• Столовая Гранд Отеля Европа в Санкт-Петербурге (1910 г.)

• Внешний вид Ярославского вокзала в стиле русского возрождения. Автор Федор Шехтель в Москве (1902–1904).

• Храм Святого Духа в Талашкино , Сергей Малютин

Другие русские архитекторы того периода создали архитектуру русского возрождения , которая опиралась на историческую русскую архитектуру . Эти постройки создавались в основном из дерева и относились к архитектуре Киевской Руси . Например, дом «Теремок» в Талашкино (1901–1902) Сергея Малютина и Дом Перцова (также известный как Дом Перцова) в Москве (1905–1907). Он также был членом движения « Мир искусства ». Санкт - Петербург архитектор Николай Васильев , построенный в диапазоне стилей до эмиграции в 1923 г. Это здание является наиболее заметным для резьбы по камню , сделанного Сергей Вашков вдохновленных рельефовДмитриевский собор во Владимире и Георгиевский собор в Юрьеве-Польском XII и XIII веков. Марфо-Мариинская обитель (1908-1912) от Алексея Щусева представляет собой обновленный вариант классической русской православной церкви . Позднее Щусев спроектировал Мавзолей Ленина (1924 г.) в Москве.

Несколько художественных колоний в России в этот период были построены в стиле русского возрождения . Две самые известные колонии находились в Абрамцево , финансировались Саввой Мамонтовым , и Талашкино , Смоленская губерния , финансировались княжной Марией Тенишевой . Одним из примеров архитектуры русского возрождения является Марфо-Мариинский женский монастырь (1908–1912), обновленная русская православная церковь Алексея Щусева , который позже, по иронии судьбы, спроектировал Мавзолей Ленина в Москве.

Jūgendstils (модерн в Риге) [ править ]

• Фасад дома на улице Элизабетес, 10б, автор Михаил Эйзенштейн (1903 г.)

• Лестница в Пекшенском доме Константина Пекшенса (1903 г.), где сейчас находится Рижский музей Югендстиля

• Национальный романтический декор дома, построенного Константином Пекшенсом (1908 г.)

• Министерство образования, построенное Эдгаром Фризендорфом (1911 г.)

Рига , нынешняя столица Латвии , была в то время одним из крупнейших городов Российской империи . Архитектура в стиле модерн в Риге, тем не менее, развивалась в соответствии со своей собственной динамикой, и этот стиль стал чрезвычайно популярным в городе. Вскоре после Латвийской этнографической выставки в 1896 году и промышленной и ремесленной выставки в 1901 году модерн стал доминирующим стилем в городе. ^[124] Таким образом, архитектура в стиле модерн составляет одну треть всех зданий в центре Риги, что делает его городом с самой высокой концентрацией таких зданий в мире. Количество и качество архитектуры в стиле модерн были одними из критериев включения Риги вВсемирное культурное наследие ЮНЕСКО . ^[125]

В Риге были разные вариации архитектуры модерна:

• в эклектичном стиле модерн наиболее популярны цветочные и другие элементы декора, вдохновленные природой. Примеры такой вариации - работы Михаила Эйзенштейна ,
• в перпендикулярном стиле модерн геометрические орнаменты интегрировались в вертикальные композиции фасадов. Несколько универмагов были построены в этом стиле, и его иногда также называют «стилем универмага» или Warenhausstil на немецком языке.
• Национальный романтический модерн вдохновлен местным народным искусством, монументальными объемами и использованием природных строительных материалов.

Некоторые более поздние неоклассические постройки также содержали детали ар-нуво.

Стиль Сапен в Ла Шо-де-Фон, Швейцария [ править ]

• Вилла Фалле с еловым декором (1906 г.) Эдуарда Жаннере ( Ле Корбюзье ) (1905 г.)

• Крематорий (1908–10), интерьер, стилизованный под елку на потолке. Позже были добавлены фрески-символисты Л'Эпплаттенье.

• Крематорий (1908–10), стилизованный под «сапин» или деталь в виде сосновой шишки.

• Крематорий (1908–10), деталь из сосновой шишки.

Вариант под названием Style Sapin («Стиль соснового дерева») появился в Ла-Шо-де-Фон в кантоне Невшатель в Швейцарии. Стиль был запущен художника и художника Чарльз Лаеплаттеньер и был вдохновлен особенно в Sapin или сосны и других растений и диких животных в горах Юра . Одной из его главных работ был Крематорий в городе, в котором использовались треугольные формы деревьев, сосновые шишки и другие природные мотивы этого региона. Стиль также сочетался с более геометрическими стилистическими элементами модерна и венского сецессиона . ^[126]

Еще одно примечательное здание в этом стиле - вилла Фалле Ла Шо-де-Фон , шале, спроектированное и построенное в 1905 году учеником Л'Эпплаттенье, восемнадцатилетним Шарлем-Эдуардом Жаннере (1887–1965), который позже стал Более известный как Ле Корбюзье , дом имел форму традиционного швейцарского шале , но в оформлении фасада использовались треугольные деревья и другие природные элементы. Жаннере построил еще два шале в этом районе, в том числе виллу Stotzer, в более традиционном стиле шале. ^{[127] [126] [128] [129]}

Тиффани Стайл и Луи Салливан в США [ править ]

• Часовня Тиффани из Колумбийской выставки Word 1893 года, теперь в Музее американского искусства Чарльза Хосмера Морса в Винтер-парке , Флорида

• Стеклянная ваза Луи Комфорта Тиффани сейчас в Художественном музее Цинциннати (1893–96)

• Плакат века по Луи Джон Rhead (1894)

• Лампа из глицинии Луи Комфорт Тиффани (около 1902 г.) в Музее изящных искусств Вирджинии.

• Окно Тиффани в его доме в Ойстер-Бэй, Нью-Йорк

• Окно " Полет душ" Луи Комфорта Тиффани завоевало золотую медаль на Парижской выставке 1900 года.

• Окна Уэйнрайт здания по Луис Салливан (1891)

• Саут-Стейт-стрит, вход в магазин Carson, Pirie, Scott и Company (1899) Луи Салливана

• Деталь здания Prudential (Guaranty) , Нью-Йорк Луи Салливан (1896 г.)

• Национальный фермерский банк Оватонны Луи Салливана (1907–08)

В США фирма Луи Комфорт Тиффани сыграла центральную роль в американском стиле модерн. Родился в 1848 году, учился в Национальной академии дизайна.в Нью-Йорке начал работать со стеклом в возрасте 24 лет, вошел в семейный бизнес, начатый его отцом, а в 1885 году основал собственное предприятие, посвященное прекрасному стеклу, и разработал новые методы его окраски. В 1893 году он начал изготавливать стеклянные вазы и чаши, снова разрабатывая новые методы, позволяющие создавать более оригинальные формы и цвета, и начал экспериментировать с декоративным оконным стеклом. Слои стекла были напечатаны, покрыты мрамором и наложены друг на друга, придавая исключительное богатство и разнообразие цветов. В 1895 году его новые работы были представлены в галерее Зигфрида Бинга в стиле модерн, что дало ему новую европейскую клиентуру. После смерти своего отца в 1902 году он взял на себя все предприятие Tiffany, но по-прежнему уделял много времени проектированию и производству предметов искусства из стекла. По настоянию Томаса Эдисона, он начал производить электрические лампы с разноцветными стеклянными абажурами в структурах из бронзы и железа или украшенные мозаикой, выпускаемые многочисленными сериями и выпусками, каждая из которых сделана с заботой о ювелирном изделии. Над каждым изделием работала команда дизайнеров и мастеров. Лампа Тиффани, в частности, стала одной из икон стиля модерн, но мастера Тиффани (и мастерицы) спроектировали и изготовили необычные окна, вазы и другие изделия из стекла. Стекло Тиффани также имело большой успех на Всемирной выставке 1900 года в Париже; его витраж под названием « Полет душ» получил золотую медаль. ^[130] Колумбийская выставка была важным местом для Тиффани; Спроектированная им часовня была представлена ​​в Художественно-промышленном павильоне. Часовня Тиффани вместе с одним из окон дома Тиффани в Нью-Йорке теперь выставлена ​​в Музее американского искусства Чарльза Хосмера Морса в Винтер-Парке , Флорида.

Другой важной фигурой американского ар-нуво был архитектор Луи Салливан . Салливан был ведущим пионером современной американской архитектуры. Он был основателем Чикагской школы , архитектором некоторых из первых небоскребов и учителем Фрэнка Ллойда Райта . Его самая известная поговорка была «Форма следует за функцией». Хотя форма его зданий определялась их функцией, его убранство было образцом американского ар-нуво. На Всемирной Колумбийской выставке 1893 года в Чикаго, наиболее известной благодаря неоклассической архитектуре его знаменитого Белого города , он спроектировал впечатляющий вход в стиле модерн для очень функционального Транспортного здания. ^{[131] [132]}

В то время как архитектура его Карсона, Пири, Скотта и Компани Билдинг (1899) (ныне Центр Салливана ) была поразительно современной и функциональной, он окружил окна стилизованным цветочным декором. Он изобрел столь же оригинальное украшение для Национального фермерского банка в Оватонне, штат Миннестота (1907–1908), и для Национального банка купцов в Гринелле, штат Айова. Он изобрел специфически американскую разновидность ар-нуво, заявив, что декоративные формы должны бесконечно колебаться, колебаться, смешиваться и развиваться. Он создавал очень точные произведения, в которых иногда сочетались готика с темами ар-нуво. ^[133]

Ар-нуво в Аргентине [ править ]

• Витражи и скульптуры Эрколе Пазины в доме Кализе в Буэнос-Айресе (1911 г.)

• Интерьер Галерии Гуэмес , Буэнос-Айрес , Франсиско Джанотти (1913)

• Паласио Бароло в Буэнос - Айресе по Марио Паланти (1919-1923)

• Металлические изделия, керамика и статуи на фасаде здания  [ es ] Club Español в Росарио (1912 г.)

• Керамический дымоход Confitería La Europea в Росарио (1916 г.)

Аргентина, наводненная европейскими иммигрантами, приветствовала все европейские художественные и архитектурные стили, включая ар-нуво. ^[134] Городами с наиболее заметным наследием ар-нуво в Аргентине являются Буэнос-Айрес , Росарио и Мар-дель-Плата . ^[135]

Париж был прототипом Буэнос-Айреса с постройкой больших бульваров и проспектов в 19 веке. ^[134] Местный стиль наряду с французским влиянием также следовал за итальянской свободой, поскольку многие архитекторы ( Вирджинио Коломбо , Франсиско Джанотти , Марио Паланти ) были итальянцами. В работах Хулиана Гарсиа Нуньеса  [ эс ] можно отметить каталонское влияние, когда он завершил учебу в Барселоне в 1900 году. ^[134] Влияние Венского Сецессиона можно найти в здании Paso y Viamonte. ^[134]

Введение ар-нуво в Росарио связано с Франсиско Рока Симо  [ эс ], который обучался в Барселоне. ^[136] Его здание Club Español  [ es ] (1912) показывает один из самых больших витражей в Латинской Америке, произведенных (а также плиткой и керамикой) местной фирмой Buxadera, Fornells y Cía. ^[137] Скульптор здания - Диего Масана из Барселоны. ^[137]

Бельгийское влияние на аргентинский модерн представлено виллой Ортис Басуальдо, в которой сейчас находится Муниципальный художественный музей Хуана Карлоса Кастаньино в Мар-дель-Плата, где мебель, интерьеры и освещение созданы Гюставом Серрурье-Бови .

Ар-нуво в остальном мире [ править ]

• Théâtre муниципальный в Тунисе (1902)

• Goerke-Haus в Людерице , Намибия (1909–1910)

• Ар-нуво / неоклассицизм Palacio de Bellas Artes в Мехико (1904–1934)

• Статуя Пегаса в Мехико

• Аллегорическая свадьба: Набросок для ковра (Триптих справа налево): Изгнание, Брак, Искупление Эфраима Моисея Лилиена (1906)

• Бистро в отеле Sofitel Legend Metropole Hanoi (1902 г.) в стиле ар-нуво и колониальном стиле.

Как и в Аргентине, в ар-нуво в других странах больше всего повлияли иностранные художники:

• За проектами ар-нуво в Гаване , Куба , стояли испанцы , они даже не имели достаточной квалификации, чтобы называться архитекторами. ^[138] Испанцы не принимали непосредственного участия в работах в Понсе, Пуэрто-Рико, но были источником вдохновения и предметом изучения для местных архитекторов в Понсе, Пуэрто-Рико , ^[139]
• Французы стояли за ар-нуво в Тунисе (тогда это был французский протекторат ),
• Немцы стояли за наследием югендстиля в Людерице , Намибия ; ^[140] Циндао , Китай,
• Итальянцы стояли за ар-нуво в Вальпараисо , Чили ; ^[141] Монтевидео , Уругвай ; Рио-де-Жанейро , Бразилия , ^[142]
• Русские стояли за наследием ар-нуво Харбина , Китай, ^[143]
• Наследие ар-нуво в Лиме - это работы итальянцев братьев Маспери, французского архитектора Клода Саута и британских мастеров витражей ^[144]
• Palacio de Bellas Artes в Мехико - результат сотрудничества итальянцев (архитектор Адамо Боари и скульптор Леонардо Бистольфи ), местного архитектора Федерико Марискаль  [ эс ] , венгерских художников Аладара Кёрёсфди-Криша , Гезы Мароти и Миксы Рот , каталонского скульптора Куусти. Субиратс и французский мастер Эдгар Брандт . ^[145]

Мотивы ар-нуво также можно найти во французской колониальной архитектуре по всему Индокитаю .

Заметное художественное движение под названием школа Бецалель появилось в регионе Палестины в период позднего Османского и британского мандата . Он был описан как «сплав восточного искусства и югендстиля». ^[146] Несколько художников, связанных со школой Бецалеля, были известны своим стилем модерн, в том числе Зеев Рабан , Эфраим Моисей Лилиен и Абель Панн . ^[147]

Характеристики [ править ]

• Пол отеля Tassel , Виктор Орта , с хлыстовым растительным мотивом (1893 г.)

• Coup de Fouet или мотив хлыста , изображающий стебли цветов цикламена , Германа Обриста (1895)

• Стилизованные растительные формы; Вход на станцию ​​метро Anvers в Париже - Гектор Гимар (1900)

• Цветочные узоры. Лампа с глицинией, дизайн Луи Комфорт Тиффани (1899-1900)

• Экзотические материалы и декор. Шкаф из красного дерева и амурет из дерева с украшением кувшинками из позолоченной бронзы Луи Мажореля (1905–08).

• Стилизованные цветочные узоры на балконах и перилах. Лестница Отто Вагнера в Доме майолики, Вена (1898 г.)

• Геометрические линии Венского Сецессиона ; Дворец Стокле - Йозеф Хоффманн (1905–1911)

Ранний модерн, особенно в Бельгии и Франции, характеризовался волнистыми изогнутыми формами, вдохновленными лилиями, виноградными лозами, цветочными стеблями и другими природными формами. использовался, в частности, в интерьерах Виктора Орты и украшениях Луи Мажореля и Эмиля Галле . ^[148] В нем также использовались узоры с изображением бабочек и стрекоз, заимствованные из японского искусства, которые в то время были популярны в Европе. ^[149]

Ранний модерн также часто отличался более стилизованными формами, выражающими движение, такими как coup de fouet или « хлыстовая » линия, изображенная на цикламенах, нарисованных дизайнером Германом Обристом в 1894 году. Описание настенной подвески Германа Обриста, опубликованное в журнале Pan. Цикламен (1894 г.) сравнил его с «внезапными резкими изгибами, порожденными ударом кнута» ^[150] . Термин «хлыстовая травма», хотя изначально он использовался для насмешек над стилем, часто применяется к характерным кривым, используемым Художники в стиле модерн. ^[150]Такие декоративные волнистые и плавные линии в синкопированном ритме и асимметричной форме часто встречаются в архитектуре, живописи, скульптуре и других формах дизайна в стиле модерн. ^[150]

Были популярны и другие цветочные формы, вдохновленные лилиями, глициниями и другими цветами, особенно в лампах Луи Комфорт Тиффани и стеклянных предметах, созданных художниками Школы Нанси и Эмилем Галле . Другие изогнутые и волнистые формы, заимствованные у природы, включали бабочек, павлинов, лебедей и водяных лилий. На многих рисунках женские волосы были переплетены со стеблями лилий, ирисов и других цветов. ^[151] Стилизованные цветочные формы особенно использовались Виктором Ортой в коврах, балюстрадах, окнах и мебели. Они также широко использовались Гектором Гимаром для балюстрад и, что наиболее известно, для ламп и перил у входов вПарижское метро . Гимар объяснил: «Во всем непрерывном следует избегать параллельности и симметрии. Природа - величайший строитель, и природа не создает ничего параллельного и ничего симметричного». ^[152]

Более ранняя мебель в стиле модерн, такая как мебель Луи Мажореля и Генри ван де Вельде , отличалась использованием экзотических и дорогих материалов, в том числе красного дерева со вставками из ценных пород дерева и отделки, а также изогнутыми формами без прямых углов. Это давало ощущение легкости.

Во второй фазе модерна, после 1900 года, декор стал более чистым, а линии - более стилизованными. Изогнутые линии и формы превратились в многоугольники, а затем в кубы и другие геометрические формы. Эти геометрические формы особенно эффектно использовались в архитектуре и мебели Йозефа Марии Ольбрих , Отто Вагнера , Коломана Мозера и Йозефа Хоффмана , особенно во Дворце Стокле в Брюсселе, который объявил о приходе ар-деко и модернизма . ^{[78] [79] [80]}

Другой характерной чертой архитектуры в стиле модерн было использование света путем открытия внутренних пространств, удаления стен и широкого использования световых люков, чтобы внести максимальное количество света в интерьер. В резиденции-студии Виктора Орты и других построенных им домах были большие световые люки, поддерживаемые изогнутыми железными каркасами. В отеле Tassel он убрал традиционные стены вокруг лестницы, так что лестница стала центральным элементом интерьера.

Связь с современными стилями и движениями [ править ]

Как художественный стиль, ар-нуво имеет сходство со стилями прерафаэлитов и символистов , и таких художников, как Обри Бердсли , Альфонс Муха , Эдвард Бёрн-Джонс , Густав Климт и Ян Тороп, можно отнести к нескольким из этих стилей. Однако, в отличие от живописи символистов, ар-нуво имеет характерный внешний вид; и, в отличие от ремесленника ориентированного искусств и ремесел движения , модерн художники охотно использовали новые материалы, обработанные поверхности, и абстракцию в службе чистого дизайна.

Модерн не отказался от использования машин, в отличие от движения искусств и ремесел. Для скульптуры основными материалами были стекло и кованое железо, что придавало скульптурные свойства даже архитектуре. Керамика также использовалась при создании изданий скульптур таких художников, как Огюст Роден . ^[153], хотя его скульптура не считается ар-нуво.

Архитектура ар-нуво использовала многие технологические инновации конца 19 века, особенно использование открытого железа и больших кусков стекла неправильной формы для архитектуры.

Тенденции ар-нуво также были поглощены местными стилями. В Дании, например, это был один из аспектов Skønvirke («эстетическая работа»), который сам более тесно связан со стилем искусств и ремесел . ^{[154] [155]} Точно так же художники переняли многие цветочные и органические мотивы ар-нуво в стиле Młoda Polska («Молодая Польша») в Польше. ^[156] Młoda Polska , однако, также включала в себя другие художественные стили и охватывала более широкий подход к искусству, литературе и образу жизни. ^[157]

Жанры [ править ]

Модерн представлен в живописи и скульптуре , но наиболее заметен он в архитектуре и декоративном искусстве . Он хорошо подходил для графики , особенно плаката , дизайна интерьера , искусства металла и стекла , ювелирных изделий , дизайна мебели , керамики и текстиля .

Плакаты и графика [ править ]

• Павлин юбка ,помощью Обри Бердслея , (1892)

• Первый выпуск «Студии» с обложкой Обри Бердсли (1893 г.)

• Плакат для галерей Графтона Эжена Грассе (1893)

• Литография « Японский диван » Анри де Тулуз-Лотрека (1892–93)

• Обложка журнала Inland Printer Уилла Х. Брэдли (1894 г.)

• Плакат для главы книги Уилла Х. Брэдли (1895)

• Печенье Лефевр-Utile по Альфонсу Мухе (1896)

• Зодиакальный календарь Альфонса Мухи (1896 г.)

• Мотоциклы Comiot от Теофиля-Александра Стейнлена из Les Maîtres de l'affiche (1899)

• Ver Sacrum иллюстрация Коломана Мозера (1899)

• иллюстрация из Ver Sacrum Коломана Мозера (1900)

• Фестивальный плакат Людвига Хольвайна (1910 г.)

Графическое искусство процветало в период модерна благодаря новым технологиям печати, особенно цветной литографии , которая позволила массовое производство цветных плакатов. Искусство больше не ограничивалось галереями, музеями и салонами; его можно было найти на стенах Парижа и в иллюстрированных журналах по искусству, которые распространялись по всей Европе и в Соединенных Штатах. Самой популярной темой плакатов в стиле модерн были женщины; женщины, символизирующие гламур, современность и красоту, часто в окружении цветов.

В Великобритании ведущим художником-графиком в стиле модерн был Обри Бердсли (1872–1898). Он начал с гравированных книжных иллюстраций к «Смерти д'Артура» , затем с черно-белых иллюстраций к « Саломее » Оскара Уайльда (1893 г.), которые принесли ему известность. В том же году он начал гравировать иллюстрации и плакаты для художественного журнала The Studio , который помогал рекламировать европейских художников, таких как Фернан Кнопф, в Великобритании. Изогнутые линии и замысловатые цветочные узоры привлекали не меньше внимания, чем текст. ^[158]

Швейцарско-французский художник Эжен Грассе (1845–1917) был одним из первых создателей французского плаката в стиле модерн. Он участвовал в оформлении знаменитого кабаре Le Chat noir в 1885 году и создал свои первые плакаты для Парижского фестиваля . Он сделал знаменитый плакат Сары Бернар в 1890 году и множество книжных иллюстраций. Художники-дизайнеры Жюль Шере , Жорж де Фер и художник Анри де Тулуз-Лотрек делали плакаты для парижских театров, кафе, танцевальных залов кабаре. Чешский художник Альфонс Муха(1860-1939) прибыли в Париже в 1888 году, а в 1895 году сделал плакат для актрисы Сары Бернара в пьесе Gismonda по Викторьену Сарду . Успех этого плаката привел к заключению контракта на изготовление плакатов еще для шести пьес Бернхардта. В течение следующих четырех лет он также создавал для актрисы декорации, костюмы и даже украшения. ^{[159] [160]} Опираясь на успех своих театральных плакатов, Муха создал плакаты для самых разных товаров, от сигарет и мыла до пивного печенья, все с изображением идеализированной женской фигуры с фигурой песочных часов. Он продолжал разрабатывать продукты, от украшений до коробок для печенья, в своем неповторимом стиле. ^[161]

В Вене самым плодовитым дизайнером графики и плакатов был Коломан Мозер (1868–1918), который вместе с Густавом Климтом и Йозефом Хоффманном активно участвовал в движении Сецессион , а также делал иллюстрации и обложки для журнала движения Ver Sacrum as. а также картины, мебель и украшения. ^[162]

Живопись [ править ]

• Пьер Боннар , « Женщины в саду» (1890–91), роспись ширм в японском стиле камемоно.

• Le корсаж Райи по Эдуару Вюйар (1895), Национальная галерея искусств

• Поль Серюзье , Женщины у источника , Музей Орсе (1898)

• Бетховенский фриз в Sezessionshaus в Вене Густава Климта (1902)

• Акварель и тушь « Танцующая Лойя Фуллер » Коломана Мозера (1902 г.)

• Славия по Альфонсу Мухе (1908)

• Сграффито Пола Коши в его резиденции и студии, Брюссель (1905)

• Деталь фриза Густава Климта во Дворце Стокле в Брюсселе (1905–1911)

Живопись была еще одной областью ар-нуво, хотя большинство художников, связанных с ар-нуво, в первую очередь описываются как представители других движений, особенно постимпрессионизма и символизма . Альфонс Муха был известен своими плакатами в стиле модерн, которые его расстраивали. По словам его сына и биографа Иржи Мухи , он не слишком много думал о модерне. «Что это такое, ар-нуво ?» - спросил он. «... Искусство никогда не может быть новым». ^[163] Он гордился своей работой как исторический художник. Его единственная картина, вдохновленная ар-нуво, «Слава», это портрет дочери его покровителя в славянском костюме, созданный по образцу его театральных афиш. ^[163]

Художниками, наиболее тесно связанными с модерном, были Les Nabis , художники-постимпрессионисты, работавшие в Париже с 1888 по 1900 годы. Одна из заявленных ими целей заключалась в том, чтобы сломать барьер между изящным и декоративным искусством. Они расписывали не только полотна, но и декоративные ширмы и панно. На многие их работы повлияла эстетика японской гравюры. Среди участников были Пьер Боннар , Морис Дени , Поль Рансон , Эдуард Вюйар , Кер-Ксавье Руссель , Феликс Валлотон и Поль Серюзье . ^[164]

В Бельгии Фернан Кнопфф работал как в живописи, так и в графическом дизайне. Фотообои Густава Климта были интегрированы в декоративную схему Йозефа Гофмана для Дворца Стокле . Фреска Климта для столовой Дворца Стокле (1905–1911) считается шедевром позднего модерна.

Один предмет действительно появился и в традиционной живописи, и в стиле модерн; американскую танцовщицу Лойю Фуллер изображали французские и австрийские художники и плакаты. ^[165]

Одним из конкретных стилей, который стал популярным в период ар-нуво, особенно в Брюсселе, был сграффито , изобретенный в эпоху Возрождения метод нанесения слоев тонированной штукатурки для изготовления фресок на фасадах домов. Это было использовано, в частности, бельгийским архитектором Полом Ханкаром для домов, которые он построил для двух друзей-художников, Поля Коши и Альберта Чамберлани.

Стеклянное искусство [ править ]

• Кубок Par ипе Telle Nuit от Эмиля Галле , Франция, (1894)

• Lampe aux ombelles , Эмиль Галле , Франция (около 1902 г.)

• Кубок Rose de France от Эмиля Галле (1901 г.)

• Ваза Daum , Франция, (1900)

• Лампа Daum , Франция (1900)

• Анри де Тулуз-Лотрек , Луи Комфорт Тиффани , Au Nouveau Cirque, Papa Chrysanthème , около 1894 г., витражи, Музей Орсе

• Витраж Veranda де ла Саль по Жака Грубера в Нанси , Франция (1904)

• Выдувное стекло с цветочным узором Карла Кеппинга, Германия, (1896 г.)

• Стекло, разработанное Отто Прутшером (Австрия) (1909 г.)

• Окно в дом любителя искусства, Маргарет Макдональд Макинтош (1901)

• Лампа-кувшин Луи Комфорт Тиффани (1900–1910)

• Радужная ваза Луи Комфорта Тиффани (1904)

• Ваза «Джек за кафедрой», Луи Комфорт Тиффани, США (1910) ^[166]

• Витраж Архитектура на Джона Ла Farge США (1903)

• Витражи Коломана Мозера для церкви Св. Леопольда , Вена (1902–07)

Стеклянное искусство было средой, в которой модерн находил новые и разнообразные способы выражения. Интенсивные эксперименты продолжались, особенно во Франции, чтобы найти новые эффекты прозрачности и непрозрачности: в гравировке выигрышной камеи, двойных слоев и кислотной гравировки, техники, которая позволяла производить серийное производство. Город Нанси стал важным центром французской стекольной промышленности, и здесь находились мастерские Эмиля Галле и студия Даума , возглавляемая Огюстом и Антонином Даумом. Они работали со многими известными дизайнерами, включая Эрнеста Бюссьера  [ фр ] , Анри Берже (иллюстратор)  [ фр ], и Амальрик Уолтер . Они разработали новый метод инкрустации стекла путем вдавливания осколков разноцветного стекла в необработанное изделие. Они часто сотрудничали с дизайнером мебели Луи Мажорелем , чей дом и мастерские находились в Нанси. Другой особенностью ар-нуво было использование витражей с цветочными мотивами в жилых салонах, особенно в домах в стиле модерн в Нанси. Многие из них были работы Жака Грюбера , который делал окна для виллы Мажорель и других домов. ^[167]

В Бельгии ведущей фирмой была стекольная фабрика Val Saint Lambert , которая создавала вазы в органических и цветочных формах, многие из которых были разработаны Филиппом Вольферсом . Вольферс был известен прежде всего созданием произведений из символистского стекла, часто с металлическими украшениями. В Богемии , тогдашнем регионе Австро-Венгерской империи, известном производством хрусталя, компании J. & L. Lobmeyr и Joh. Лоэтц Витветакже экспериментировал с новыми техниками окраски, создавая более яркие и насыщенные цвета. В Германии эксперименты возглавил Карл Кеппинг, который использовал выдувное стекло для создания чрезвычайно тонких бокалов в форме цветов; настолько хрупкие, что немногие выживают сегодня. ^[168]

В Вене стеклянные конструкции движения Сецессион были гораздо более геометрическими, чем у Франции или Бельгии; Отто Пручер был самым строгим дизайнером стекла в механизме. ^[168] В Британии Маргарет Макдональд Макинтош создала несколько цветочных витражей для архитектурной экспозиции под названием «Дом любителя искусства».

В Соединенных Штатах Луи Комфорт Тиффани и его дизайнеры стали особенно известны своими лампами, в стеклянных абажурах которых использовались общие цветочные мотивы, сложенные вместе. Лампы Тиффани приобрели популярность после Всемирной Колумбийской выставки в Чикаго в 1893 году, когда Тиффани выставил свои лампы в византийской часовне. Tiffany много экспериментировала с процессами окрашивания стекла, запатентовав в 1894 году процесс Favrile glass , в котором оксиды металлов использовались для окрашивания внутренней части расплавленного стекла, придавая ему радужный эффект. Его мастерские выпустили несколько различных серий ламп Тиффани.в различных цветочных решениях, а также в витражах, ширмах, вазах и различных декоративных предметах. Его работы были сначала импортированы в Германию, затем во Францию Зигфридом Бингом , а затем стали одной из декоративных сенсаций Экспозиции 1900 года. Американский конкурент Тиффани, Steuben Glass , был основан в 1903 году в Корнинге, штат Нью-Йорк , Фредериком Кардером , который, как и Тиффани, использовал процесс Fevrile для создания поверхностей с переливающимися цветами. Другим известным американским художником по стеклу был Джон Ла Фарж , который создавал замысловатые и красочные витражи как на религиозные, так и на чисто декоративные темы. ^[168]

Примеры витражей в церквях можно найти в статье о религиозных зданиях в стиле модерн .

Металлическое искусство [ править ]

• Балкон замка Беранже в Париже, Гектор Гимар (1897–98)

• Перила Луи Мажореля для банка Renauld в Нанси

• Канделябры из тюльпанов - Фернан Дюбуа (1899)

• Настольная лампа Франсуа-Рауля Ларша из позолоченной бронзы с танцовщицей Лой Фуллер в качестве модели (1901 г.)

• Входная решетка на вилле Мажорель в Нанси (1901–02)

• Светильник Виктора Орта (1903 г.)

• Чугунные балясины Джорджа Гранта Элмсли (1899-1904)

• Лампа немецкого архитектора Фридриха Адлера (1903–04).

• Лампа Эрнста Ригеля из серебра и малахита (1905 г.)

• Ворота Дворца Стокле - Йозеф Хоффманн , Брюссель (1905-1911)

• Ворота виллы Кнопф в Страсбурге (1905 г.)

Архитектурный теоретик 19-го века Виолле-ле-Дюк выступал за то, чтобы показывать, а не скрывать железные каркасы современных зданий, но архитекторы в стиле модерн Виктор Орта и Гектор Гимар пошли еще дальше: они добавили железные украшения в изгибы, вдохновленные цветами и растительностью. формы как внутри, так и снаружи их зданий. Они приняли форму перил лестниц в интерьере, светильников и других деталей интерьера, балконов и других украшений снаружи. Они стали одними из самых отличительных черт архитектуры ар-нуво. Вскоре металлическое украшение в растительных формах появилось также в изделиях из серебра, лампах и других декоративных предметах. ^[169]

В Соединенных Штатах дизайнер Джордж Грант Элмсли создал чрезвычайно сложные чугунные конструкции для балюстрад и другого внутреннего убранства зданий чикагского архитектора Луи Салливана .

В то время как французские и американские дизайнеры использовали цветочные и растительные формы, Джозеф Мария Ольбрих и другие художники Сецессиона создали чайники и другие металлические предметы в более геометрическом и сдержанном стиле. ^[170]

Ювелирные изделия [ править ]

• Резной рог, украшенный жемчугом, работы Луи Окока (около 1900 г.)

• Полупрозрачные эмалевые цветы с мелкими бриллиантами в прожилках, автор Луи Окок (около 1900 г.)

• Брошь "Флора" Луи Окока (около 1900 г.)

• Орнамент корсаж Луи Тиффани (1900)

• Брошь «Дама-стрекоза» Рене Лалика , сделанная из золота, эмали, хризопраза, лунного камня и бриллиантов (1897–98)

• Брошь с женщиной от René Lalique

• Ожерелье Чарльза Роберта Эшби (1901)

• Брошь из рога с эмалью, золотом и аквамарином - Поль Фолло (1904–09).

• Филипп Вольферс , Брошь Нике (1902 г.), собрание Фонда короля Бодуэна , депо: KMKG-MRAH

Украшения в стиле модерн характеризуются тонкими изгибами и линиями. В его дизайне часто используются природные объекты, в том числе цветы, животные или птицы. Женское тело также популярно, часто появляется на камее . Он часто включал в себя длинные ожерелья из жемчуга или цепочек из стерлингового серебра, перемежающихся стеклянными бусинами или заканчивающихся серебряным или золотым кулоном, который сам часто проектировался как украшение для единственного ограненного драгоценного камня из аметиста , перидота или цитрина . ^[171]

Период модерна принес в ювелирную промышленность заметную стилистическую революцию, во главе которой стояли крупные парижские фирмы. В течение двух предыдущих столетий акцент в ювелирном искусстве делался на создание ярких оправ для бриллиантов. В период правления модерна бриллианты обычно играли второстепенную роль. Ювелиры экспериментировали с широким спектром других камней, включая агат , гранат , опал , лунный камень , аквамарин и другие полудрагоценные камни, а также с широким спектром новых техник, в том числе с эмалью , и новыми материалами, включая рог , формованное стекло, и слоновая кость .

Среди первых известных парижских ювелиров в стиле ар-нуво был Луи Осок , чья семейная ювелирная фирма работала с 1821 года. Самый известный дизайнер периода модерна, Рене Лалик , обучался в ателье Aucoc с 1874 по 1876 год. Лалик стал центром внимания. Фигурка в стиле модерн из ювелирных украшений и стекла, использующая природу, от стрекоз до трав, в качестве моделей. Художники, не относящиеся к традиционному миру ювелирных украшений, такие как Поль Фолло , наиболее известный как дизайнер мебели, экспериментировали с ювелирным дизайном. Среди других известных французских дизайнеров ювелирных украшений в стиле модерн были Жюль Брато и Жорж Анри. В США самым известным дизайнером был Луи Комфорт Тиффани., работы которого демонстрировались в магазине Зигфрида Бинга, а также на Парижской выставке 1900 года.

В Великобритании наиболее известной фигурой был дизайнер Liberty & Co. Арчибальд Нокс , который создал множество предметов в стиле модерн, в том числе серебряные пряжки для ремня. CR Ashbee разработал подвески в виде павлинов. Универсальный дизайнер из Глазго Чарльз Ренни Макинтош также создавал украшения с использованием традиционных кельтских символов. В Германии центром югендстиля был город Пфорцхайм , где располагалось большинство немецких фирм, в том числе Theodor Fahrner . Они быстро создали работы, соответствующие требованиям нового стиля. ^[171]

Архитектура и орнамент [ править ]

• Вход в Hôtel Solvay в Брюсселе Виктора Орта (1898)

• Деталь фасада виллы Мажорель работы Анри Соважа в Нанси (1901–02).

• Чертополох и закругленные маскароны в украшении здания Les Chardons Шарля Кляйна в Париже (1903 г.)

• Прямой маскарон в стиле модерн в Риге , Латвия (1906 г.)

• Хлыстовые мотивы на Витебском вокзале Симы Михаша и Станислава Бжозовского, Санкт-Петербург (1904)

• Один из маскаронов, созданных Адамо Боари на фасаде Дворца изящных искусств в Мехико, Мексика (1904–1934).

• Асимметричный фасад с изогнутыми линиями здания Де Бек работы Гюстава Штраувена в Брюсселе (1905 г.)

• Ирисы и маскарон на фасаде здания Шихтеля работы Алоиса Вальтера в Страсбурге , Франция (1905–06)

Архитектура в стиле модерн была реакцией на эклектические стили, которые доминировали в европейской архитектуре во второй половине XIX века. Это выражалось в декоре: орнаментальном (на основе цветов и растений, например, чертополоха, ^[172] ирисов, ^[173] цикламенов, орхидей, водяных лилий и т. Д.) Или скульптурного (см. Соответствующий раздел ниже). В то время как лица людей (или маскароны ) относятся к орнаменту, использование людей в различных формах скульптуры (статуи и барельефы: см. Соответствующий раздел ниже) также было обычным явлением в некоторых формах ар-нуво. До Венского Сецессиона , Модернизма и различных формФасады в национальном романтическом стиле были асимметричными, часто украшались полихромной керамической плиткой. Украшение обычно предполагало движение; не было различия между структурой и орнаментом. ^[174] Керлинг или мотив «хлыста» , основанный на формах растений и цветов, широко использовался в раннем стиле модерн, но украшения стали более абстрактными и симметричными в Венском сецессионе и других более поздних версиях стиля, как в Дворец Стокле в Брюсселе (1905–1911). ^[175]

Впервые этот стиль появился в брюссельском доме « Ханкар » Поля Ханкара (1893 г.) и в отеле «Тассель» (1892–93 гг.) Виктора Орты . Hôtel Tassel посетил Эктор Гимар , который использовал тот же стиль в своей первой крупной работе « Кастель Беранже» (1897–98). Орта и Гимар также разработали мебель и внутреннее убранство, вплоть до дверных ручек и коврового покрытия. В 1899 году, благодаря известности замка Беранже, Гимар получил заказ на проектирование входов на станции нового парижского метро , открывшегося в 1900 году. Хотя немногие из оригиналов сохранились, они стали символом движения в стиле модерн. в Париже.

В Париже архитектурный стиль также был реакцией на строгие правила, наложенные на фасады зданий Жоржем-Эженом Османном , префектом Парижа при Наполеоне III . Эркерные окна были наконец разрешены в 1903 году, и архитекторы в стиле модерн подошли к противоположной крайности, особенно в домах Жюля Лавирота , которые были по существу большими скульптурными произведениями, полностью покрытыми украшениями. Важный район домов в стиле модерн возник во французском городе Нанси , вокруг виллы Мажорель (1901–02), резиденции дизайнера мебели Луи Мажореля . Он был разработан Анри Соважем.как витрина дизайна мебели Мажорель. ^[176]

• Винтовая лестница в Maison и Atelier Хорта по Виктору Орта в Брюсселе (1898-1901)

• Деталь дворца Стокле в Брюсселе (1905–1911)

• Интерьер Palau de la Música Catalana в Барселоне (1905–1909)

• Входные здания в Парк Гуэль по Антони Гауди в Барселоне (1900-1914)

Многие здания в стиле модерн были внесены в список всемирного культурного наследия ЮНЕСКО как часть их городских центров (в Берне , Будапеште , Львове , Париже, Порту , Праге , Риге , Санкт-Петербурге , Страсбурге ( Нойштадт ), Вене ). Наряду с ними в список как отдельные объекты вошли постройки:

•  Бельгия : труды Виктор Орта ( Hôtel кисточка , Hôtel Solvay , Hôtel ван Eetvelde , Maison и Atelier Хорт ) ^[5] и Stoclet дворец на Josef Hoffmann в Брюсселе ;
•  Испания : работы Луиса Доменека и Монтанера ^[102] ( Дворец каталонской музыки и Госпиталь Сан-Пау в Барселоне ) и работы Антонио Гауди ^[177] ( Парк Гуэль , Дворец Гуэля , Саграда Фамилия , Дом Бальо , Дом Мила , Casa Vicens в Барселоне ; Колония Гуэль в Санта-Колома-де-Сервельо ).

Скульптура [ править ]

• Танцовщица с шарфом работы Агафона Леонара , сделанная для Национальной мануфактуры в Севре , Франция (1898 г.)

• Статуя из полихромной терракоты работы Ламберта Эскалера  [ ca ] в Барселоне (1901 г.)

• Горельефные лебедей и статуй в интерьере Орхус театра по Карлам Хансен Реистрапом в Орхусе , Дания (1897-1900)

• Горельеф с совами в Катаянокке работы Георга Васастьерна, Хельсинки (1903 г.)

• Скульптура Эрнеста Бюссьера в Нанси , Франция

• Статуя медведя работы Эмиля Викстрёма в Национальном музее Финляндии (1905–1910)

• Барельеф в Шпрудельхофе Генриха Йобста в Бад-Наухайме , Германия (1905–1911)

• Памятник осаде Сарагосы работы Агусти Керола Субиратса (1908 г.)

• Керамический рельеф и статуя работы Станислава Сухарда в Градец Кралове , Чешская Республика (1909–1912)

• Горгулья Хосепа Плантада и Артига в Тортосе , Каталония , Испания (1915)

• Атланты , кариатиды в Санкт-Манг-Бруннене Георга Врба в Кемптене , Германия (1905)

• Керамические путти в Музыкальной консерватории Барселоны Эусеби Арнау (1916–28)

Скульптура была еще одной формой выражения художников в стиле модерн, иногда пересекаясь с керамикой. Фарфоровая статуэтка « Танцовщица с шарфом» работы Агафона Леонара получила признание и в керамике, и в скульптуре на Парижской выставке 1900 года. Керамические скульптуры создавали скульпторы из других стран: богемские Станислав Сухарда и Ладислав Шалоун , бельгиец Шарль Ван дер Стаппен и каталонец Ламберт Эскалер.  [ ca ] , создавший статуи из полихромной терракоты. Еще одним известным скульптором того времени был Агусти Керол Субиратс из Каталонии.кто создал статуи в Испании, Мексике, Аргентине и на Кубе . ^[178]

В архитектурной скульптуре использовались не только статуи, но и рельефы. Архитекторы и скульпторы в стиле ар-нуво нашли вдохновение в животных мотивах (бабочки, ^[179] павлины, ^[180] лебеди, ^[181] совы, ^[182] летучие мыши, ^[183] драконы, ^[184] медведи ^[185] ). Также использовались атланты , ^[186] кариатиды , ^[187] путти , ^[188] и горгульи ^[189] .

Мебель [ править ]

• Председатель Генри ван де Вельде , Бельгия (1896 г.)

• Председатель Чарльз Ренни Макинтош , Великобритания (1897–1900)

• Табурет Пола Ханкара , Бельгия (1898 г.)

• Гардероб Рихарда Римершмида , Германия (1902 г.)

• Спальня Луи Мажореля (1903–1904)

• Столовая Эжена Валлена , Франция (1903 г.)

• Стул Руперта Карабина , Франция (1895 г.)

• Комплект мебели Виктора Орта в Hôtel Aubeque из Брюсселя (1902–1904)

• Председатель Чарльз Рольфс , США (1898–1899)

• "Стул-улитка" и другая мебель Карло Бугатти , Италия (1902 г.)

• Председатель Гаспара Хомара, Испания (1903 г.)

• Кровать "Рассвет и закат" Эмиля Галле , Франция (1904 г.)

• Регулируемое кресло модели 670 «Сидящая машина», разработанное Йозефом Хоффманном , Австрия (1904–1906)

• Виктор Орта , мебель из Турина (1902 г.), из собрания Фонда короля Бодуэна.

Дизайн мебели в период модерна был тесно связан с архитектурой зданий; архитекторы часто проектировали мебель, ковры, светильники, дверные ручки и другие декоративные детали. Мебель часто была сложной и дорогой; Чистая отделка, обычно полированная или покрытая лаком, считалась важной, а континентальный дизайн обычно был очень сложным, с изогнутыми формами, которые было дорого делать. У него также был недостаток, заключающийся в том, что владелец дома не мог менять мебель или добавлять предметы в другом стиле, не нарушая общего эффекта комнаты. По этой причине, когда архитектура ар-нуво вышла из моды, стиль мебели также в значительной степени исчез.

In France, the centre for furniture design and manufacture was in Nancy, where two major designers, Émile Gallé and Louis Majorelle had their studios and workshops, and where the Alliance des industries d'art (later called the School of Nancy) had been founded in 1901. Both designers based on their structure and ornamentation on forms taken from nature, including flowers and insects, such as the dragonfly, a popular motif in Art Nouveau design. Gallé was particularly known for his use of marquetry in relief, in the form of landscapes or poetic themes. Majorelle was known for his use of exotic and expensive woods, and for attaching bronze sculpted in vegetal themes to his pieces of furniture. Both designers used machines for the first phases of manufacture, but all the pieces were finished by hand. Other notable furniture designers of the Nancy School included Eugène Vallin and Émile André; both were architects by training, and both designed furniture that resembled the furniture from Belgian designers such as Horta and Van de Velde, which had less decoration and followed more closely the curving plants and flowers. Other notable French designers included Henri Bellery-Desfontaines, who took his inspiration from the neo-Gothic styles of Viollet-le-Duc; and Georges de Feure, Eugène Gaillard, and Édouard Colonna, who worked together with art dealer Siegfried Bing to revitalize the French furniture industry with new themes. Their work was known for "abstract naturalism", its unity of straight and curved lines, and its rococo influence. The furniture of de Feure at the Bing pavilion won a gold medal at the 1900 Paris Exposition. The most unusual and picturesque French designer was François-Rupert Carabin, a sculptor by training, whose furniture featured sculpted nude female forms and symbolic animals, particularly cats, who combined Art Nouveau elements with Symbolism. Other influential Paris furniture designers were Charles Plumet, and Alexandre Charpentier.^[190] In many ways the old vocabulary and techniques of classic French 18th-century Rococo furniture were re-interpreted in a new style.^[10]

In Belgium, the pioneer architects of the Art Nouveau movement, Victor Horta and Henry van de Velde, designed furniture for their houses, using vigorous curving lines and a minimum of decoration. The Belgian designer Gustave Serrurier-Bovy added more decoration, applying brass strips in curving forms. In the Netherlands, where the style was called Nieuwe Kunst or New Art, H. P. Berlag, Lion Cachet and Theodor Nieuwenhuis followed a different course, that of the English Arts and Crafts movement, with more geometric rational forms.

In Britain, the furniture of Charles Rennie Mackintosh was purely Arts and Crafts, austere and geometrical, with long straight lines and right angles and a minimum of decoration.^[191] Continental designs were much more elaborate, often using curved shapes both in the basic shapes of the piece, and in applied decorative motifs. In Germany, the furniture of Peter Behrens and the Jugendstil was largely rationalist, with geometric straight lines and some decoration attached to the surface. Their goal was exactly the opposite of French Art Nouveau; simplicity of structure and simplicity of materials, for furniture that could be inexpensive and easily mass-manufactured. The same was true for the furniture of designers of the Wiener Werkstätte in Vienna, led by Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich and Koloman Moser. The furniture was geometric and had a minimum of decoration, though in style it often followed national historic precedent, particularly the Biedemeier style.^[192]

Italian and Spanish furniture design went off in their own direction. Carlo Bugatti in Italy designed the extraordinary Snail Chair, wood covered with painted parchment and copper, for the Turin International Exposition of 1902. In Spain, following the lead of Antoni Gaudí and the Modernismo movement, the furniture designer Gaspar Homar designed works that were inspired by natural forms with touches of Catalan historic styles.^[117]

In the United States, furniture design was more often inspired by the Arts and Crafts movement, or by historic American models, than by the Art Nouveau. One designer who did introduce Art Nouveau themes was Charles Rohlfs in Buffalo, New York, whose designs for American white oak furniture were influenced by motifs of Celtic Art and Gothic art, with touches of Art Nouveau in the metal trim applied to the pieces.^[117]

Ceramics[edit]

• Glazed earthenware vase by Émile Gallé(1880–1885) (Metropolitan Museum)

• Earthenware plate and sculpted stand (1884) by Émile Gallé (Metropolitan Museum)

• Faience or earthenware vase with two feet, with mountain night scene on the back and a floral daylight scene with butterfly on the front, by Émile Gallé (1884–1885)

• Vase by Maurice Dufrêne, France, (1900)

• Bowl by Auguste Delaherche, Paris, (1901)

• Edmond Lachenal, vase, France (1902)

• Limoges enamel by Paul Bonnaud, France (1903)

• Faience vase by Thorvald Bindesbøll, Denmark, (1893)

• Vase by Alf Wallander, Sweden (1897)

• Vase with copper ornaments by the Rosenthal ceramics factory, Bavaria, Germany, (1900)

• Porcelain stoneware punch bowl by Richard Riemerschmid, Germany, (1902)

• Ceramic facade decoration of Lavirotte Building by Alexandre Bigot, Paris (1901)

• Ceramic tile façade decoration by Galileo Chini, Italy, (1904)

• Vase by József Rippl-Rónai Hungary, (1900)

• Vase with vines and snails by Pál Horti, Hungary (1900)

• Glazed earthenware pot by the Grueby Faience Company of Boston (1901)

• Amphora with elm-leaf and blackberry manufactured by Stellmacher & Kessner

• Rookwood Pottery Company vase of ceramic overlaid with silver by Kataro Shirayamadani, U.S., (1892)

• Rookwood Pottery Company vase by Carl Schmidt (1904)

• Zsolnay factory and Miksa Róth mosaics of Schmidl Mausoleum in Budapest (1902–03)

• Tile of Cooperativa Agrícola in Aveiro (1913)

Ceramic art, including faience, was another flourishing domain for Art Nouveau artists, in the English-speaking countries falling under the wider art pottery movement. The last part of the 19th century saw many technological innovations in the manufacture of ceramics, particularly the development of high temperature (grand feu) ceramics with crystallised and matte glazes. At the same time, several lost techniques, such as sang de boeuf glaze, were rediscovered. Art Nouveau ceramics were also influenced by traditional and modern Japanese and Chinese ceramics, whose vegetal and floral motifs fitted well with the Art Nouveau style. In France, artists also rediscovered the traditional stoneware (grés) methods and reinvented them with new motifs.^[193]

Émile Gallé, in Nancy, created earthenware works in natural earth colors with naturalistic themes of plants and insects. Ceramics also found an important new use in architecture: Art Nouveau architects, Jules Lavirotte and Hector Guimard among them, began to decorate the façades of buildings with architectural ceramics, many of them made by the firm of Alexandre Bigot, giving them a distinct Art Nouveau sculptural look.^[193]

One of the pioneer French Art Nouveau ceramists was Ernest Chaplet, whose career in ceramics spanned thirty years. He began producing stoneware influenced by Japanese and Chinese prototypes. Beginning in 1886, he worked with painter Paul Gauguin on stoneware designs with applied figures, multiple handles, painted and partially glazed, and collaborated with sculptors Félix Bracquemond, Jules Dalou and Auguste Rodin. His works were acclaimed at the 1900 Exposition.

The major national ceramics firms had an important place at the 1900 Paris Exposition: the Manufacture nationale de Sèvres outside Paris; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch in Germany, and Doulton in Britain. Other leading French ceramists included Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse [fr] and Auguste Delaherche.^[194]

In France, Art Nouveau ceramics sometimes crossed the line into sculpture. The porcelain figurine Dancer with a Scarf by Agathon Léonard, made for the Manufacture nationale de Sèvres, won recognition in both categories at the 1900 Paris Exposition.

The Zsolnay factory in Pécs, Hungary, was founded by Miklós Zsolnay (1800–1880) in 1853 and led by his son, Vilmos Zsolnay (1828–1900) with chief designer Tádé Sikorski (1852–1940) to produce stoneware and other ceramics. In 1893, Zsolnay introduced porcelain pieces made of eosin. He led the factory to worldwide recognition by demonstrating its innovative products at world fairs and international exhibitions, including the 1873 World Fair in Vienna, then at the 1878 World Fair in Paris, where Zsolnay received a Grand Prix. Frost-resisting Zsolnay building decorations were used in numerous buildings, specifically during the Art Nouveau movement.^[195]

Ceramic tiles were also a distinctive feature of Portuguese Arte Nova that continued the long azulejo tradition of the country.

Mosaics[edit]

• Majolica House in Vienna by Otto Wagner (1898)

• Majolica fireplace, house of Bazhanov, Abramtsevo Colony, by Mikhail Vrubel (1898)

• Mosaics of Fox and Anchor pub by William James Neatby in London (1898)

• Mosaic which portrays summer as a woman, with a Byzantine Revival golden background, in Antwerp, Belgium

• Mosaics designed by Oskar Graf for Merkel’sches Schwimmbad [de] in Esslingen am Neckar, Germany (1905–1907)

• Mosaics of Villa l'Aube by Auguste Donnay, Belgium

• Mandylion by Nicholas Roerich in Talashkino, Russia (1908–1914)^[196]

• Mosaics for Palace of Culture by Aladár Körösfői-Kriesch and Miksa Róth in Târgu Mureș, Romania (1911–1913)

• Trencadís mosaics in Park Güell by Antoni Gaudí in Barcelona (1914)

• Tile of Cooperativa Agrícola in Aveiro (1913)

• Maiolica mural of Abramtsevo Colony in Russia (1870s–1890s)

• Mosaics by Louis Comfort Tiffany (1915)

Mosaics were used by many Art Nouveau artists of different movements, especially of Catalan Modernisme (Hospital de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó-Morera and many others). Antoni Gaudí invented a new technique in the treatment of materials called trencadís, which used waste ceramic pieces.

Colourful Maiolica tile in floral designs wee a distinctive feature of the Majolica House in Vienna by Otto Wagner, (1898) and of the buildings of the works of the Russian Abramtsevo Colony, especially those by Mikhail Vrubel.

Textiles and wallpaper[edit]

• Silk and wool tapestry design, Cyclamen, by Hermann Obrist, an early example of the Whiplash motif based on the stem of a cyclamen flower (1895)

• Page on the Water Lily, from the book by Eugène Grasset on ornamental uses of flowers (1899)

• Textile design by Koloman Moser (1899)

• Printed cotton from the Silver Studio, for Liberty department store, U.K. (1904)

• The Shepherd tapestry by János Vaszary (1906) combined Art Nouveau motifs and a traditional Hungarian folk theme

• Victor Horta, A carpet in the collection King Baudouin Foundation.

Textiles and wallpapers were an important vehicle of Art Nouveau from the beginning of the style, and an essential element of Art Nouveau interior design. In Britain, the textile designs of William Morris had helped launch the Arts and Crafts movement and then Art Nouveau. Many designs were created for the Liberty department store in London, which popularized the style throughout Europe. One such designer was the Silver Studio, which provided colourful stylized floral patterns. Other distinctive designs came from Glasgow School, and Margaret Macdonald Mackintosh. The Glasgow school introduced several distinctive motifs, including stylized eggs, geometric forms and the "Rose of Glasgow".

In France, a major contribution was made by designer Eugène Grasset who in 1896 published La Plante et ses applications ornamentales, suggesting Art Nouveau designs based on different flowers and plants. Many patterns were designed for and produced by for the major French textile manufacturers in Mulhouse, Lille and Lyon, by German and Belgian workshops. The German designer Hermann Obrist specialized in floral patterns, particularly the cyclamen and the "whiplash" style based on flower stems, which became a major motif of the style. The Belgian Henry van de Velde presented a textile work, La Veillée d'Anges, at the Salon La Libre Esthéthique in Brussels, inspired by the symbolism of Paul Gauguin and of the Nabis. In the Netherlands, textiles were often inspired by batik patterns from the Dutch colonies in the East Indies. Folk art also inspired the creation of tapestries, carpets, embroidery and textiles in Central Europe and Scandinavia, in the work of Gerhard Munthe and Frida Hansen in Norway. The Five Swans design of Otto Eckmann appeared in more than one hundred different versions. The Hungarian designer János Vaszary combined Art Nouveau elements with folkloric themes.^[197]

Museums[edit]

There are 4 types of museums featuring Art Nouveau heritage:

• Broad-scope museums (not specifically dedicated to Art Nouveau but with large collection of items in this style). Art Nouveau monuments are italicised;
• House-museums of Art Nouveau artists (all but Alphonse Mucha museum are Art Nouveau monuments);
• Museums dedicated to local Art Nouveau movements (all are Art Nouveau monuments);
• Other Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside (not dedicated to local Art Nouveau movements/specific artists).

Country	Broad-scope museums	House-museums of Art Nouveau artists	Museums dedicated to local Art Nouveau movements	Other Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside
Austria	Museum of Applied Arts in Vienna		Secession Building in Vienna	Wagner Pavilions at Karlsplatz and Hietzing in Vienna
Argentina				Juan Carlos Castagnino Municipal Museum of Art in Mar del Plata
Belgium	Fin-de-Siècle Museum in Brussels	Maison and Atelier Horta in Brussels		Belgian Comic Strip Center, Musical Instrument Museum in Brussels
Chile				Palacio Baburizza in Valparaiso
Czech Republic	East Bohemian Museum in Hradec Kralove	Alphonse Mucha Museum in Prague		Museum of Modern Art in Olomouc
Denmark	Museum Sønderjylland in Skærbæk
France	Musée d'Orsay, Museum of Decorative Arts, Carnavalet Museum, Petit Palais in Paris; Musée historique in Haguenau; Musée d'art moderne et contemporain in Strasbourg, Museum of Fine Arts of Nancy	Villa Majorelle in Nancy; Musée Lalique [fr] in Wingen-sur-Moder;	Museum of the Nancy School in Nancy	Maxim's Art Nouveau "Collection 1900" above Maxim's restaurant in Paris (groups of twenty or more persons only)
Finland	Ateneum and Finnish National Museum in Helsinki, Turku Art Museum in Turku	Hvitträsk (house of Herman Gesellius, Armas Lindgren, and Eliel Saarinen) in Kirkkonummi and Gallen-Kallela Museum in Espoo
Germany	Bröhan Museum in Berlin, Museum in der Majolika in Karlsruhe, Landesmuseum in Mainz, Museum Wiesbaden in Wiesbaden		Darmstadt Colony Museum [de] in Darmstadt	Osthaus Museum in Hagen
Hungary	Museum of Applied Arts and its branch Villa György Ráth in Budapest	Miksa Róth House museum in Budapest	House of Hungarian Szecesszió in Budapest	Geological Museum in Budapest
Italy	Municipal museum [it] in Casale Monferrato			Villa Bernasconi [it] in Cernobbio
Latvia			Riga Art Nouveau Museum in Riga
Mexico				Museo del Objeto del Objeto in Mexico City
Norway			Jugendstil Centre in Ålesund	Norwegian Museum of Contemporary Art in Oslo
Portugal			Museum of Arte Nova in Aveiro	Museum-Residence of Dr. Anastácio Gonçalves in Lisbon
Romania	Székely National Museum in Sfântu Gheorghe
Russia	Abramtsevo Colony in Moscow region; All-Russian Decorative Art Museum and Gorky Museum in Moscow; State Russian Museum, Museum of Political History of Russia in Saint Petersburg	Fyodor Livchak House Museum in Ulyanovsk[198]	Museum of Talashkino Art Colony in Flenovo, Smolensk Oblast (in Russian only)	Museum of Silver Age of Russian literature in Moscow, Museum of Modern in Samara, Estate of Aseevs in Tambov; Municipal Museum in Primorsk and Estate-museum of Scherbov in Gatchina (both Leningrad Oblast), Taganrog Museum of Architecture and Urbanism in Taganrog, Museum of Belle Epoque Architecture in Ulyanovsk
Spain	National Art Museum of Catalonia in Barcelona, CaixaFòrum in Madrid, Museo Art Nouveau and Art Déco in Salamanca	Gaudí House Museum in Barcelona, Lluís Domènech i Montaner House-Museum in Canet de Mar	Museum of Catalan Modernisme [ca] in Barcelona, Art Nouveau House-Museum [es] in Novelda	Sagrada Família, Hospital de Sant Pau in Barcelona
Sweden				Biological museum in Stockholm, Röhsska Museum in Gothenburg
Switzerland	Musée des Beaux-Arts in La Chaux-de-Fonds [fr]
UK	Victoria and Albert Museum in London; Kelvingrove Museum in Glasgow, Haworth Art Gallery in Accrington[199]	Mackintosh House in Hunterian Museum and Art Gallery in Glasgow		Horniman Museum in London
Ukraine				Art Museum in Chernivtsi, Museum of Local Lore in Poltava
USA	Charles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida, Metropolitan Museum of Art in New York, Getty Center in Los Angeles; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City, Art Institute of Chicago in Chicago

There are many other Art Nouveau buildings and structures that do not have museum status but can be officially visited for a fee or unofficially for free (e.g. railway stations, churches, cafes, restaurants, pubs, hotels, stores, offices, libraries, cemeteries, fountains as well as numerous apartment buildings that are still inhabited).

See also[edit]

• Aestheticism
• Art Nouveau in Poland
• Art Nouveau religious buildings
• Belle Époque
• Fin de siècle
• Paris architecture of the Belle Époque
• Réseau Art Nouveau Network
• Secession (art)
• Second Industrial Revolution
• Timeline of Art Nouveau
• World Art Nouveau Day

References[edit]

Notes[edit]

Bibliography[edit]

• Bony, Anne, L'Architecture Moderne, Paris, Larousse (2012) ISBN 978-2-03-587641-6
• Bouillon, Jean-Paul, Journal de L'Art Nouveau, Paris, Skira, 1985. ISBN 2-605-00069-9
• Culot, Maurice and Pirlot, Ann-Marie, Bruxelles Art Nouveau, Brussels, Archives d'Architecture Moderne (in French), (2005), ISBN 2-87143-126-4
• Duncan, Alastair, Art Nouveau, World of Art, New York: Thames and Hudson, 1994. ISBN 0-500-20273-7
• Fahr-Becker, Gabriele (2015). L'Art Nouveau (in French). H.F. Ullmann. ISBN 978-3-8480-0857-5.
• Heller, Steven, and Seymour Chwast, Graphic Style from Victorian to Digital, new ed. New York: Harry N. Abrams, Inc., 2001. pp. 53–57.
• Huyges, René, L'Art et le monde moderne, Volume 1, Librarie Larousse, Paris, 1970
• Journel, Guillemette Morel (2015). Le Corbusier- Construire la Vie Moderne (in French). Editions du Patrimoine: Centre des Monument Nationaux. ISBN 978-2-7577-0419-6.
• Lahor, Jean (2007) [1901]. L'Art nouveau (in French). Baseline Co. Ltd. ISBN 978-1-85995-667-0.
• Ormiston, Rosalind; Robinson, Michael (2013). Art Nouveau – Posters, Illustration and Fine Art. Flame Tree Publishing. ISBN 978-1-84786-280-8.
• Plum, Gilles (2014). Paris architectures de la Belle Époque. Éditions Parigramme. ISBN 978-2-84096-800-9.}
• Renault, Christophe and Lazé, Christophe, les Styles de l'architecture et du mobliier, Éditions Jean-Paul Gisserot, 2006 (in French). ISBN 978-2-87747-465-8
• Riley, Noël (2004). Grammaire des Arts Décoratifs (in French). Flammarion.
• Sarnitz, August (2018). Otto Wagner (in French). Cologne: Taschen. ISBN 978-3-8365-6432-8.
• Sato, Tamako (2015). Alphonse Mucha - the Artist as Visionary. Cologne: Taschen. ISBN 978-3-8365-5009-3.
• Sembach, Klaus-Jürgen (2013). L'Art Nouveau- L'Utopie de la Réconciliation (in French). Taschen. ISBN 978-3-8228-3005-5.
• Sterner, Gabriele, Art Nouveau, an Art of Transition: From Individualism to Mass Society, 1st English ed. (original title: Jugendstil: Kunstformen zwischen Individualismus und Massengesellschaft), translated by Frederick G. Peters and Diana S. Peters, publisher Woodbury, N.Y.: Barron's Educational Series, 1982. ISBN 0-8120-2105-3
• Texier, Simon (2012). Paris- Panorama de l'architecture. Parigramme. ISBN 978-2-84096-667-8.
• Thiébaut, Philippe (2018). Mucha et l'Art Nouveau (in French). Paris: Éditions du Chêne. ISBN 978-2-81231-806-1.
• Vigne, George (2016). Hector Guimard - Le geste magnifique de l'Art Nouveau (in French). Paris: Editions du Patrimoine - Centre des monuments nationaux. ISBN 978-2-7577-0494-3.

Further reading[edit]

• Art Nouveau Grange Books, Rochester, England 2007 ISBN 978-1-84013-790-3
• William Craft Brumfield. The Origins of Modernism in Russian Architecture (Berkeley: University of California Press, 1991) ISBN 0-520-06929-3
• Debora L. Silverman, Art Nouveau in Fin-de-siècle France: Politics, Psychology, and Style, 1992
• Auslander, Leora (1996). Taste and Power: Furnishing Modern France. University of California Press. ISBN 978-0-520-92094-1.
• L'Art appliqué : le style moderne, revue internationale, Éditeur : H. Laurens (Paris) 1903–04, Bibliothèque nationale de France
• Modern'style (Art Nouveau): Le Dictionnaire Pratique de Menuiserie – Ebénisterie – Charpente, Par J. Justin Storck, édition de 1900
• Goss, Jared (2014). French Art Deco. Metropolitan Museum of Art. ISBN 978-0-300-20430-8.

External links[edit]

Wikimedia Commons has media related to Art Nouveau.

• Art Nouveau Teaching resource on the Art Nouveau movement from the National Gallery of Art in Washington, D.C.
• Réseau Art Nouveau Network, a European network of Art Nouveau cities
• Art Nouveau European Route, a non-profit association for the international promotion and protection of Art Nouveau heritage
• Europeana virtual exhibition of Art Nouveau