Живопись итальянского Возрождения

Рафаэль , Обручение Богородицы , 1504 г.

Живопись итальянского Возрождения - это живопись периода, начинающегося в конце 13 века и процветающего с начала 15 до конца 16 веков, происходящего на итальянском полуострове, который в то время был разделен на множество политических государств, некоторые из которых были независимыми, а другие контролировались внешними полномочия. Художники Италии эпохи Возрождения, хотя часто были привязаны к определенным дворам и были привязаны к определенным городам, тем не менее бродили вдоль и поперек Италии, часто занимая дипломатический статус и распространяя художественные и философские идеи. ^[1]

Город Флоренция в Тоскане известен как место рождения эпохи Возрождения и, в частности, живописи эпохи Возрождения, хотя позже, в эпоху Рима и Венеции, все большее значение в живописи приобретали. Подробная информация содержится в сопутствующих статьях « Искусство эпохи Возрождения» и « Архитектура эпохи Возрождения» .

Живопись итальянского Возрождения чаще всего делится на четыре периода: проторенессанс (1300–1425), раннее возрождение (1425–1495), высокое Возрождение (1495–1520) и маньеризм (1520–1600). Даты этих периодов представляют собой общую тенденцию в итальянской живописи и не охватывают всех художников, поскольку жизни отдельных художников и их личные стили накладывались на эти периоды.

Прото-ренессанс начинается с профессиональной жизни художника Джотто и включает Таддео Гадди , Орканью и Альтикьеро . Стиль раннего Возрождения был начат Мазаччо, а затем развит Фра Анджелико , Паоло Уччелло , Пьеро делла Франческа , Сандро Боттичелли , Верроккьо , Доменико Гирландайо и Джованни Беллини . Период Высокого Возрождения был периодом Леонардо да Винчи , Микеланджело , Рафаэля , Андреа дель Сарто., Кореджо , Джорджоне , последние работы Джованни Беллини и Тициана . Период маньеризма, о котором идет речь в отдельной статье, включал последние работы Микеланджело, а также Понтормо , Пармиджанино , Бронзино и Тинторетто .

Боттичелли: Рождение Венеры для Медичи

Влияния [ править ]

Влияния на развитие живописи эпохи Возрождения в Италии оказали влияние на философию, литературу, архитектуру, теологию, науку, правительство и другие аспекты жизни общества. Ниже приводится краткое изложение вопросов, более полно рассмотренных в основных статьях, процитированных выше.

Философия [ править ]

Стал доступен ряд классических текстов, которые на протяжении столетий были утеряны западноевропейскими учеными. Среди них были философия, поэзия, драма, наука, диссертация по искусству и раннехристианское богословие. Возникший в результате интерес к гуманистической философии означал, что отношения человека с человечеством, вселенной и с Богом больше не были исключительной прерогативой Церкви. Возрождение интереса к классике привело к первому археологическому исследованию римских останков архитектором Брунеллески и скульптором Донателло . Возрождение стиля архитектуры, основанного на классических прецедентах, вдохновило соответствующий классицизм в живописи, который проявился еще в 1420-х годах в картинахМазаччо и Паоло Уччелло .

Наука и техника [ править ]

Одновременно с получением доступа к классическим текстам Европа получила доступ к продвинутой математике, которая имеет свое происхождение в трудах византийских и исламских ученых. Появление подвижного типа печати в 15 - м веке означает , что идеи могут быть легко распространены, и все большее количество книг были написаны для широкой публики. Развитие масляной краски и ее появление в Италии оказали длительное влияние на искусство живописи.

Общество [ править ]

Создание банка Медичи и последующая торговля, которую он породил, принесли беспрецедентное богатство единственному итальянскому городу Флоренции . Козимо Медичи установил новый стандарт покровительства искусствам, не связанным с церковью или монархией. Счастливой случайностью присутствие в регионе Флоренции определенных лиц художественного гения, особенно Джотто , Мазаччо , Брунеллески, Пьеро делла Франческа , Леонардо да Винчи и Микеланджело , сформировали дух , который поддерживал и поощрял много меньших художников , чтобы достигнуть работы исключительного качества. ^[2]

Подобное наследие художественных достижений произошло в Венеции благодаря талантливой семье Беллини , их влиятельному правителю Мантенья , Джорджоне , Тициану и Тинторетто . ^{[2] [3] [4]}

Темы [ править ]

Многие картины эпохи Возрождения были заказаны католической церковью или для нее . Эти работы были часто больших масштабах и часто были циклы окрашены в фреске из жизни Христа , о жизни Богородицы или жизни святого, особенно святого Франциска Ассизского . Также было много аллегорических картин на тему Спасения и роли Церкви в его достижении. Церкви также заказывали алтари , которые были написаны темперой на панно, а затем маслом на холсте.. Помимо больших алтарей, в очень большом количестве были созданы маленькие религиозные картины как для церквей, так и для частных лиц, наиболее распространенной темой была Мадонна с младенцем .

На протяжении всего периода гражданские комиссии также играли важную роль. Местные правительственные здания были украшены фресками и другими произведениями светскими, такие как Лоренцетти «s Аллегория хорошего и плохого правительство , и религиозная, такие как Симона Мартини » s фреска из Maesta , в Палаццо Pubblico , Сиена .

Портретный была редкостью в 14 и начале 15 веков, в основном ограничиваются гражданскими памятные фотографиями , такие как конно портреты Guidoriccio да Fogliano по Симоне Мартини , 1327, в Сиене , и в начале 15 - го века, Хоквуд по Uccello в Флорентийском соборе и его компаньон изображая Никколо да Толентино от Андреа дель Кастаньо .

В течение 15-го века портретная живопись стала обычным явлением, первоначально часто формализованные портреты в профиль, но все чаще портреты в три четверти лица и до бюста. Покровители произведений искусства, таких как запрестольные образы и циклы фресок, часто были включены в сцены, примечательным примером является включение семей Сассетти и Медичи в цикл Доменико Гирландайо в капелле Сассетти . Портретная живопись должна была стать основным предметом для художников Высокого Возрождения, таких как Рафаэль и Тициан, и продолжаться в период маньеризма в работах таких художников, как Бронзино .

С ростом гуманизма художники обратились к классическим темам, особенно для выполнения заказов по украшению домов богатых покровителей, самым известным из которых является « Рождение Венеры» Боттичелли для Медичи. Все чаще классические темы также рассматривались как подходящий аллегорический материал для общественных комиссий. Гуманизм также повлиял на способ изображения религиозных тем, особенно на потолке Микеланджело в Сикстинской капелле .

Другие мотивы были взяты из современной жизни, иногда с аллегорическим смыслом, иногда чисто декоративными. Инциденты, важные для конкретной семьи, могут быть записаны, например, в Camera degli Sposi, которую Мантенья нарисовал для семьи Гонзага в Мантуе . Все чаще, натюрморты и декоративные сцены из жизни были написаны, например, на концерт по Лоренцо Коста около 1490.

Важные события часто записывались или отмечались на картинах, таких как битва Уччелло при Сан-Романо , как и важные местные религиозные праздники. История и исторические персонажи часто изображались таким образом, чтобы отражать текущие события или жизнь нынешних людей. Часто портреты современников изображали в образе персонажей истории или литературы. В трудах Данте , Voragine в Золотой Легенде и Боккаччо «s Декамерона были важными источниками темы.

Во всех этих предметах все чаще и в работах почти всех художников развивались определенные основные живописные практики: наблюдение за природой, изучение анатомии, света и перспективы. ^{[2] [3] [5]}

Живопись проторенессанса [ править ]

Традиции тосканской живописи 13 века [ править ]

В искусстве региона Тоскана в конце 13 века доминировали два мастера итало-византийского стиля, Чимабуэ из Флоренции и Дуччо из Сиены . Их заказы были в основном религиозными картинами, некоторые из них представляли собой очень большие запрестольные изображения Мадонны с младенцем. Эти два художника, а также их современники, Гвидо из Сиены , Коппо ди Марковальдо и таинственный художник, на стиле которого, возможно, была основана школа, так называемый Мастер Сен-Бернардино, все работали в манере, которая была в высшей степени формализованной и зависела от древняя традиция иконописи. ^[6] В этой темперацииМногие детали картин жестко фиксировались сюжетом, например, точное положение рук Мадонны и Младенца Христа было продиктовано природой благословения, которое картина вызывала у зрителя. Угол наклона головы и плеч Девы, складки ее вуали и линии, определяющие ее черты лица, были повторены в бесчисленном множестве подобных картин. Чимабуэ и Дуччо сделали шаги в направлении большего натурализма, как и их современник Пьетро Каваллини из Рима. ^[2]

Джотто [ править ]

Джотто (1266–1337), по традиции мальчик-пастух с холмов к северу от Флоренции, стал учеником Чимабуэ и стал самым выдающимся художником своего времени. ^[7] Джотто, возможно, находившийся под влиянием Пьетро Каваллини и других римских художников, основывал свои фигуры не на какой-либо живописной традиции, а на наблюдении за жизнью. В отличие от его византийских современников, фигуры Джотто твердо трехмерны; они стоят прямо на земле, имеют четкую анатомию и одеты в одежду, имеющую вес и структуру. Но больше всего то, что отличает фигуры Джотто от фигур его современников, - это их эмоции. На лицах фигур Джотто - радость, ярость, отчаяние, стыд, злоба и любовь. Цикл фресокиз жизни Христа и жизни Богородицы , что он написал в капелле Скровеньи в Падуе установил новый стандарт для описательных картин. Его Мадонна Огниссанти висит в галерее Уффици во Флоренции, в одной комнате с Мадонной Санта-Тринита Чимабуэ и Мадонной Руччеллаи Дуччо, где можно легко провести стилистические сравнения между этими тремя. ^[8] Одной из особенностей работ Джотто является его наблюдение за натуралистической перспективой. Он считается вестником Возрождения. ^[9]

Современники Джотто [ править ]

У Джотто было много современников, которые либо были обучены им и находились под его влиянием, либо чьи наблюдения за природой привели их в том же направлении. Хотя некоторые из учеников Джотто усвоили направление, в котором пошла его работа, ни одному из них не удалось добиться такого же успеха, как он. Таддео Гадди создал первую большую картину ночной сцены в Благовещении пастухам в часовне Барончелли церкви Санта-Кроче во Флоренции. ^[2]

Картины в Верхней церкви в базилике святого Франциска, Ассизи , являются примерами натуралистической живописи периода, часто приписываемой самому Джотто, но более вероятно , работа художников , окружающих Каваллини . ^[9] Поздняя картина Чимабуэ в Нижней церкви Ассизи, изображающая Мадонну и Святого Франциска , также явно демонстрирует больший натурализм, чем его панно и остатки его более ранних фресок в верхней церкви.

Смертность и искупление [ править ]

Распространенной темой в оформлении средневековых церквей был Страшный суд , который в церквях Северной Европы часто занимает скульптурное пространство над западной дверью, но в итальянских церквях, таких как капелла Скровеньи Джотто, он нарисован на внутренней западной стене. Черная смерть 1348 вызвала его выжившим внимание на необходимость смерти подхода в состоянии раскаяния и отпущения грехов. Неизбежность смерти, награды для кающихся и наказания за грех были подчеркнуты в ряде фресок, замечательных своими мрачными изображениями страданий и их сюрреалистическими изображениями мучений ада .

К ним относятся Триумф смерти ученика Джотто Орканья , который сейчас находится в фрагментарном состоянии в музее Санта-Кроче, и Триумф смерти в Монументале Кампосанто в Пизе неизвестного художника, возможно, Франческо Трэйни или Буонамико Буффалмакко, которые работали над другим. три из серии фресок на тему Спасения. Точно неизвестно, когда были начаты эти фрески, но обычно предполагается, что они датируются 1348 годом ^[2].

В конце 14 века в Падуе работали два выдающихся художника-фреска: Альтичиеро и Джусто де Менабуои . Шедевр Джусто, украшение Падуанского баптистерия , следует теме Сотворения, Падения и Спасения человечества, а также имеет редкий цикл Апокалипсиса в маленьком алтаре. В то время как вся работа исключительна по своей широте, качеству и неповрежденному состоянию, обработка человеческих эмоций консервативна по сравнению с распятием Альтичиеро в базилике Сант-Антонио., также в Падуе. Работа Джусто опирается на формализованные жесты, в которых Альтикьеро рассказывает об инцидентах, связанных со смертью Христа, с большой человеческой драматичностью и интенсивностью. ^[10]

Во Флоренции, в испанской капелле Санта-Мария-Новелла , Андреа ди Бонайуто было поручено подчеркнуть роль церкви в искупительном процессе и, в частности, роли Доминиканского ордена . Его фреска « Аллегория действующей и торжествующей церкви» примечательна изображением флорентийского собора с куполом, построенным только в следующем столетии. ^[2]

Международная готика [ править ]

В конце 14 века интернациональная готика была стилем, который доминировал в тосканской живописи. Отчасти это можно увидеть в работах Пьетро и Амброджо Лоренцетти, которые отмечены формализованной сладостью и изяществом фигур и позднеготической грациозностью драпировок. Стиль полностью разработан в работах Симоне Мартини и Джентиле да Фабриано , которые отличаются элегантностью и богатством деталей, а также идеализированным качеством, несовместимым с более суровой реальностью картин Джотто. ^[2]

В начале 15 века мосты между международной готикой и эпохой Возрождения заполняют картины Фра Анджелико , многие из которых, будучи темперными алтарями, демонстрируют готическую любовь к изысканности, сусальному золоту и ярким цветам. Именно на своих фресках в монастыре Святого Марка Фра Анджелико изображает себя художественным учеником Джотто. Эти религиозные картины, которые украшают кельи и коридоры, населенные монахами, представляют эпизоды из жизни Иисуса , многие из которых являются сценами Распятия . Они предельно простые, сдержанные по цвету и насыщенные по настроению, поскольку художник стремился сделать духовные откровения визуальной реальностью. ^{[2] [11]}

Живопись раннего Возрождения [ править ]

Флоренция [ править ]

Самые ранние изображения эпохи Возрождения во Флоренции датируются 1401 годом, хотя это не картины. В том же году был проведен конкурс среди семи молодых художников, чтобы выбрать художника для создания пары бронзовых дверей для Флорентийского баптистерия , самой старой сохранившейся церкви в городе. Каждый из участников должен был разработать бронзовое панно аналогичной формы и размера, представляющее Жертвоприношение Исаака .

Сохранились две панели конкурса - Лоренцо Гиберти и Брунеллески . Каждая панель демонстрирует несколько строго классических мотивов, указывающих направление, в котором развивались искусство и философия в то время. Гиберти использовал обнаженную фигуру Исаака для создания небольшой скульптуры в классическом стиле. Фигура стоит на коленях на гробнице, украшенной свитками аканта, которые также являются отсылкой к искусству Древнего Рима. На панели Брунеллески одна из дополнительных фигур, включенных в сцену, напоминает хорошо известную римскую бронзовую фигуру мальчика, вытаскивающего шип из своей ноги. Творчество Брунеллески бросает вызов своей динамичной насыщенности. Менее элегантный, чем у Гиберти, он больше о человеческой драме и надвигающейся трагедии. ^[12]

Гиберти выиграл соревнование. На создание его первого набора дверей баптистерия потребовалось 27 лет, после чего ему было поручено изготовить еще один. За 50 лет, в течение которых Гиберти работал над ними, двери стали тренировочной площадкой для многих художников Флоренции. Будучи повествовательной по сюжету и использовав не только навыки построения фигуративных композиций, но и растущее мастерство линейной перспективы , двери должны были оказать огромное влияние на развитие флорентийского изобразительного искусства.

Часовня Бранкаччи [ править ]

Первые фрески или картины раннего Возрождения были начаты в 1425 году, когда два художника начали писать цикл фресок Житие Святого Петра в часовне семьи Бранкаччи в церкви кармелитов во Флоренции. Их обоих звали по имени Томмазо и прозвали Мазаччо и Мазолино , по-словенски Том и Маленький Том.

Больше, чем любой другой художник, Мазаччо осознавал значение работы Джотто. Он продолжил практику рисования с натуры. Его фрески демонстрируют понимание анатомии, ракурса, линейной перспективы, света и исследования драпировки. В капелле Бранкаччи его фреска « Дань денег» имеет единственную точку схода и использует сильный контраст между светом и темнотой, чтобы передать трехмерность работы. Кроме того, фигуры изгнанных из Эдема Адама и Евы , нарисованные на стороне арки в часовне, известны своим реалистичным изображением человеческого облика и человеческих эмоций. Они контрастируют с нежными и красивыми фигурами, нарисованными Масолино на противоположной стороне.Адам и Ева получают запретный плод . Роспись капеллы Бранкаччи осталась незавершенной, когда Мазаччо умер в возрасте 26 лет в 1428 году. Дани был завершен Мазолино, а остальная часть работы в часовне была завершена Филиппино Липпи в 1480-х годах. Работы Мазаччо стали источником вдохновения для многих более поздних художников, включая Леонардо да Винчи и Микеланджело . ^[13]

Развитие линейной перспективы [ править ]

В первой половине 15-го века достижение эффекта реалистичного пространства в картине с использованием линейной перспективы было главной заботой многих художников, а также архитекторов Брунеллески и Альберти, которые теоретизировали по этому поводу. Брунеллески, как известно, провел ряд тщательных исследований площади и восьмиугольного баптистерия за пределами Флорентийского собора, и считается, что он помог Мазаччо в создании его знаменитой ниши trompe-l'œil вокруг Святой Троицы, которую он нарисовал в Санта-Мария-Новелла . ^[13]

По словам Вазари, Паоло Уччелло был настолько одержим перспективой, что он мало о чем думал и экспериментировал с ней на многих картинах, самой известной из которых являются три картины Битва при Сан-Романо (завершенные к 1450-м годам), на которых на земле используется сломанное оружие и поля на далеких холмах, чтобы создать впечатление перспективы.

В 1450-х годах Пьеро делла Франческа в таких картинах, как «Бичевание Христа» , продемонстрировал свое мастерство в линейной перспективе, а также в науке о свете. Существует еще одна картина - городской пейзаж, написанная неизвестным художником, возможно, Пьеро делла Франческа, которая демонстрирует своего рода эксперимент, который проводил Брунеллески. С этого времени линейная перспектива стала понятной и регулярно использовалась, например, Перуджино в его « Христе, дающем ключи Святому Петру» (1481–82) в Сикстинской капелле . ^[12]

Понимание света [ править ]

Джотто использовал тональность для создания формы. Таддео Гадди в своей ночной сцене в часовне Барончелли продемонстрировал, как можно использовать свет для создания драмы. Паоло Уччелло сто лет спустя экспериментировал с драматическим эффектом света на некоторых из своих почти монохромных фресок. Некоторые из них он сделал in terra verde («зеленая земля»), оживив свои композиции оттенками киноваря. Наиболее известен его конный портрет Джона Хоквуда на стене Флорентийского собора.. И здесь, и на четырех головах пророков, которые он нарисовал вокруг внутреннего циферблата в соборе, он использовал сильно контрастирующие тона, предполагая, что каждая фигура освещалась естественным источником света, как если бы источник был настоящим окном в собор. ^[14]

Пьеро делла Франческа продолжил изучение света. В « Бичевании» он демонстрирует знание того, как свет распространяется пропорционально от точки его происхождения. На этой картине есть два источника света: один внутри здания, а другой - снаружи. Хотя сам источник света невидим, его положение можно вычислить с математической точностью. Леонардо да Винчи должен был продолжить работу Пьеро о свете. ^[15]

Мадонна [ править ]

Пресвятая Дева Мария , почитаются католическая церковь во всем мире, особенно вызвали во Флоренции, где было чудесным образом ее на колонке на рынке кукурузы и где оба собора «Богоматерь цветов» и большой Dominican Церковь Санта-Мария-Новелла была названа в ее честь.

Чудесный образ на кукурузном рынке был уничтожен пожаром, но заменен новым изображением в 1330-х годах Бернардо Дадди , помещенным в тщательно спроектированный и богато выполненный навес от Orcagna . Открытый нижний этаж здания был огорожен и посвящен Орсанмикеле .

Изображения Мадонны с младенцем были очень популярным видом искусства во Флоренции. Они принимали любую форму: от небольших терракотовых бляшек массового производства до великолепных алтарей, таких как работы Чимабуэ , Джотто и Мазаччо .

В 15-м и первой половине 16-го веков одна мастерская более чем какая-либо другая доминировала в производстве Мадонн. Они принадлежали к семье делла Роббиа, и они были не художниками, а лепными лепками. Лука делла Роббиа , известный своей галереей кантории в соборе, был первым скульптором, который использовал глазурованную терракоту для больших скульптур. Многие из долговечных произведений этой семьи сохранились. Мастерство делла Роббиа, особенно Андреа делла Роббиа , заключалось в том, чтобы придать больший натурализм младенцам, которых они моделировали как Иисуса , и проявить великое благочестие и милосердие к Мадонне. Они должны были установить стандарт, которому должны были подражать другие художники Флоренции.

Среди тех, кто рисовал религиозные Мадонны в эпоху Раннего Возрождения, были Фра Анджелико , Фра Филиппо Липпи , Верроккьо и Давиде Гирландайо . Этот обычай был продолжен Боттичелли, создавшим серию Мадонн в течение двадцати лет для Медичи ; Перуджино , чьи Мадонны и святые известны своей сладостью, и Леонардо да Винчи , для которого сохранилось несколько небольших приписываемых Мадонн, таких как Мадонна Бенуа . Даже Микеланджело, который в первую очередь был скульптором, убедили написать Дони Тондо , а Рафаэля, они входят в число его самых популярных и многочисленных работ.

Живопись раннего Возрождения в других частях Италии [ править ]

Андреа Мантенья в Падуе и Мантуе [ править ]

Одним из самых влиятельных художников северной Италии был Андреа Мантенья из Падуи , которому посчастливилось побывать в подростковом возрасте в то время, когда там работал великий флорентийский скульптор Донателло . Донателло создал огромную конную бронзу, первую со времен Римской Империи, кондотьера Гаттемелата , которая все еще видна на постаменте на площади перед базиликой Сант-Антонио . Он также работал над главным алтарем и создал серию бронзовых панелей, в которых он достиг замечательной иллюзии глубины, с перспективой в архитектурных декорациях и очевидной округлостью человеческой формы на очень мелком рельефе.

Всего в 17 лет Мантенья принял свой первый заказ - циклы фресок Жития святых Джеймса и Кристофера для часовни Оветари в трансепте церкви Эремитани , недалеко от капеллы Скровеньи в Падуе. К сожалению, здание было в основном разрушено во время Второй мировой войны, и они известны только по фотографиям, которые показывают уже сильно развитое чувство перспективы и знание древности, благодаря которым древний Падуанский университет стал широко известен в начале 15-го века. век. ^[16]

Последняя работа Мантеньи в Падуе был монументальный Сан Zeno запрестольный , созданный для настоятеля базилики Сан - Зено , Verona от 1457 до 1459. ^[17] Это полиптиха из которых пределле панели особенно заметны для обработки элементов ландшафта, было повлиять на дальнейшее развитие искусства эпохи Возрождения в Северной Италии. ^{[17] [18]}

Самая известная работа Мантенья - внутреннее убранство Камеры дельи Спози в герцогском дворце в Мантуе , датируемое примерно 1470 годом. Стены украшены фресками со сценами из жизни семьи Гонзага , говорящей, приветствующей младшего сына и его наставника по их возвращении. из Рима, подготовка к охоте и другие подобные сцены, которые не имеют очевидного отношения к историческим, литературным, философским или религиозным вопросам. Они замечательны тем, что просто посвящены семейной жизни. Единственная уступка - это рассеяние веселых крылатых путти , которые держат бляхи и гирлянды и карабкаются по иллюзионистской пронзенной балюстраде, которая окружает вид неба с высоты птичьего полета, украшающий потолок зала.^[12] Основным наследием Мантеньи считается введение пространственного иллюзионизма, воплощенного в мастерстве перспективы, как в фресках, так и вкартинах sacra converazione : его традиции украшения потолков соблюдались на протяжении почти трех столетий.

Антонелло да Мессина [ править ]

В 1442 году Альфонсо V Арагонский стал правителем Неаполя , привезя с собой коллекцию фламандских картин и основав Академию гуманистов . Антонелло да Мессина, похоже, имел доступ к коллекции короля, которая, возможно, включала работы Яна ван Эйка . ^[19] Недавние данные показывают, что Антонелло, вероятно, контактировал с наиболее опытным последователем Ван Эйка, Петрусом Христом , в Милане в начале 1456 года и, вероятно, изучил методы масляной живописи, в том числе рисование почти микроскопических деталей и мельчайших градаций света, непосредственно от Кристуса. . ^[20] Кроме того, более спокойные выражения лиц людей и спокойствие в общей композиции его работ также, кажется, имеют нидерландское влияние. ^[21] Антонелло отправился в Венецию в 1475 году и оставался там до осени 1476 , так что, вероятно , что Антонелло передал технику использования масляных красок, ^[22] картина градацию света и принципы спокойствию в венецианских художников , включая Джованни Беллини, одного из самых значительных художников Высокого Возрождения в Северной Италии, во время этого визита. ^{[23] [2] [16]}

Антонелло писал в основном маленькие кропотливые портреты яркими цветами. Но одна из его самых известных работ, « Св. Иероним в своем кабинете» , демонстрирует его превосходные способности обращаться с линейной перспективой и светом. Композицию небольшой картины обрамляет позднеготическая арка, сквозь которую просматривается внутреннее убранство, домашнее с одной стороны и церковное - с другой, в центре которого святой сидит в деревянном загоне, окруженный своими вещами, а его лев крадется в тени по полу. То, как свет проникает через каждую дверь и окно, отбрасывая как естественный, так и отраженный свет на архитектуру и все объекты, взволновал бы Пьеро делла Франческа . ^{[2] [16]}

Продвижение к Высокому Возрождению [ править ]

Патронаж и гуманизм [ править ]

Во Флоренции в конце 15 века большинство произведений искусства, даже те, которые выполнялись для украшения церквей, обычно заказывались и оплачивались частными покровителями. Большая часть покровительства исходила от семьи Медичи или тех, кто был тесно связан с ними или был связан с ними, таких как Сассетти, Ручеллаи и Торнабуони.

В 1460, Козимо де Медичи был создан Марсилио Фичино как его резидентной гуманистического философ, и способствовал его перевод Платона и его учение о философии Платона , в котором основное внимание на человечество как центр естественной вселенной, личные отношения каждого человека с Богом и о братской или «платонической» любви как о наиболее близком к человеку способе подражания или понимания любви Бога. ^[24]

В период Средневековья все, что относилось к классическому периоду, воспринималось как связанное с язычеством. В эпоху Возрождения он стал все больше ассоциироваться с просвещением . Фигуры классической мифологии начали играть новую символическую роль в христианском искусстве, и, в частности, богиня Венера взяла на себя новое усмотрение. Рожденная полностью сформировавшейся в результате своего рода чуда, она была новой Евой , символом невинной любви или даже, в более широком смысле, символом самой Девы Марии . Мы видим Венеру в обеих этих ролях в двух знаменитых картинах темперой, которые Боттичелли написал в 1480-х годах для племянника Козимо, Пьерфранческо де Медичи , Примаверы.и Рождение Венеры . ^[25]

Тем временем Доменико Гирландайо , скрупулезный и аккуратный рисовальщик и один из лучших портретистов своего времени, выполнил два цикла фресок для сотрудников Медичи в двух больших церквях Флоренции, капелле Сассетти в Санта-Трините и капелле Торнабуони в Санта-Мария-Новелла. . В этих циклах Жития Святого Франциска и Жития Девы Марии и Жития Иоанна Крестителя было место для портретов покровителей и покровителей покровителей. Благодаря покровительству Сассетти, есть портрет самого человека с его работодателем, Лоренцо иль Маньифико.и трое сыновей Лоренцо со своим наставником, поэтом-гуманистом и философом Аньоло Полициано . В капелле Торнабуони находится еще один портрет Полициано в сопровождении других влиятельных членов Платонической академии, включая Марсилио Фичино. ^[24]

Фламандское влияние [ править ]

Примерно с 1450 года, с прибытием в Италию фламандского художника Рогира ван дер Вейдена и, возможно, раньше, художники познакомились с масляной краской . Несмотря на то, что и темпера, и фреска подходили для изображения узора, ни один из них не представлял собой успешного способа реалистичного представления естественных текстур. Очень гибкая среда из масел, которую можно было сделать непрозрачной или прозрачной и допускать изменения и дополнения в течение нескольких дней после того, как она была заложена, открыла новый мир возможностей для итальянских художников.

В 1483 году во Флоренцию прибыл огромный алтарь « Поклонение пастухов», написанный Хуго ван дер Гусом . Расписанный еще в 1475 году по приказу семьи Портинари, он был доставлен из Брюгге и установлен в часовне Сант-Эджидио в больнице Санта-Мария-Нуова. Алтарь светится яркими красными и зелеными оттенками, контрастируя с глянцевыми черными бархатными одеяниями жертвователей Портинари. На переднем плане натюрмортцветов в контрастных контейнерах, один из глазурованной керамики, а другой из стекла. Одной стеклянной вазы было достаточно, чтобы привлечь внимание. Но самым важным аспектом триптиха была чрезвычайно естественная и реалистичная картина трех пастухов с короткими бородками, изношенными руками и выражениями лица, варьирующимися от восхищения до удивления и непонимания. Доменико Гирландайо тут же написал свою версию с красивой итальянской Мадонной вместо длиннолицой фламандской, а сам, театрально жестикулируя, как один из пастухов. ^[12]

Папская комиссия [ править ]

В 1477 году Папа Сикст IV заменил заброшенную старую часовню в Ватикане, в которой проводились многие папские службы. Интерьер новой часовни, названной в его честь Сикстинской капеллой , по всей видимости, изначально планировался так, чтобы между пилястрами на среднем уровне располагалась серия из 16 больших фресок, а над ними - серия нарисованных портретов пап. В 1480 году работа была заказана группе художников из Флоренции: Боттичелли, Пьетро Перуджино , Доменико Гирландайо и Козимо Росселли . Этот цикл фресок должен был изображать Истории из жизни Моисея на одной стороне часовни и Истории из жизни Христа.с другой - фрески, тематически дополняющие друг друга. Рождество Иисуса и Обретение Моисея соседствовали на стене позади алтаря, с алтарем из Успения Богородицы между ними. Эти картины, все работы Перуджино, были позже уничтожены, чтобы нарисовать Страшный суд Микеланджело .

Остальные 12 картин показывают виртуозность, которой достигли эти художники, и очевидное сотрудничество между людьми, которые обычно использовали очень разные стили и навыки. Картины раскрывали весь спектр их возможностей, поскольку они включали большое количество фигур мужчин, женщин и детей, а также персонажей, от ангелов-проводников до разъяренных фараонов и самого дьявола. Каждая картина требовала пейзажа . Из-за масштаба фигур, о котором договорились художники, на каждой картине пейзаж и небо занимают всю верхнюю половину сцены. Иногда, как в сцене Боттичелли « Очищение прокаженного» , в пейзаже происходят дополнительные небольшие повествования, в данном случаеИскушения Христа .

Сцена Перуджино « Христос дает ключи Святому Петру» примечательна ясностью и простотой композиции, красотой фигуративной живописи, которая включает автопортрет среди зрителей, и особенно перспективным городским пейзажем, включающим ссылки на Петра в Риме благодаря наличию двух триумфальных арок и расположенного в центре восьмиугольного здания, которое могло быть христианским баптистерием или римским мавзолеем . ^[26]

Живопись высокого Возрождения [ править ]

Высокое Возрождение живописи было кульминацией разнообразных средств выражения ^[27] и различных достижений в технике живописи, таких как линейная перспектива ^[28], реалистичного изображения как физических ^{[29], так} и психологических особенностей ^[30] и манипулирование светом и тьмой, включая контраст тонов, сфумато (смягчение перехода между цветами) и кьяроскуро (контраст между светом и тьмой) ^[31] в едином объединяющем стиле ^[32], который выражает общий композиционный порядок, баланс и гармонию. ^[33]В частности, отдельные части картины имели сложное, но уравновешенное и сплоченное отношение к динамическому целому. ^[34] Живопись Высокого Возрождения считается абсолютным зенитом западной живописи ^[35] и достигла уравновешивания и примирения в гармонии противоречивых и, казалось бы, взаимоисключающих художественных позиций, таких как реальное против идеального, движение против покоя, свобода против закона, пространство против плоскости и линия против цвета. ^[36]

Большинство искусствоведы утверждают , что Высокого Возрождения началось около 1495 или 1500 ^[37] и закончился в 1520 году со смертью Рафаэля , ^[38] , хотя некоторые говорят , что Высокое Возрождение закончилось около 1525 ^[39] или в 1527 с вкладышем Рима армия Карла V, императора Священной Римской империи , ^[40] или около 1530 года. ^[41] Многие цитируют «Тайную вечерю» Леонардо да Винчи , начатую в 1495 году и завершенную в 1498 году, как первое произведение Высокого Возрождения. ^[42] В своей книге «История искусства: живопись, скульптура и архитектура»., 1985, Фредерик Хартт утверждает, что 1520-1530 годы были переходным периодом между Высоким Возрождением и маньеризмом. В эпоху Высокого Возрождения доминировали три художника: Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль; в то время как Джованни Беллини, Джорджоне и Тициан были лидерами венецианской живописи Высокого Возрождения, а Корреджо и Андреа дель Сарто были другими значительными художниками стиля Высокого Возрождения.

Леонардо да Винчи [ править ]

Леонардо (1452–1519) провел годы становления во флорентийской мастерской Верроккьо, а затем переехал в Милан, где работал с 1482 по 1499 год, а затем вернулся во Флоренцию с 1500 по 1506 год. Талант, который он продемонстрировал во многих различных областях, считается архетипом « человека эпохи Возрождения ». Но прежде всего как художник, которым он восхищался в свое время, и как художник он опирался на знания, которые он получил из других своих интересов.

Леонардо был научным наблюдателем. Он учился, глядя на вещи. Он изучал и рисовал цветы полей, водовороты реки, формы скал и гор, то, как свет отражался от листвы и сверкал в драгоценном камне. В частности, он изучал человеческую форму, рассекая тридцать или более невостребованных трупов из больницы, чтобы понять мышцы и сухожилия.

Леонардо достиг определенной степени реализма в выражении человеческих эмоций, прообразом которой был Джотто, но неизвестной со времен « Адама и Евы» Мазаччо . « Тайная вечеря» Леонардо , написанная с 1495 по 1498 год в трапезной монастыря Санта-Мария-делле-Грацие (Милан) , стала эталоном религиозной повествовательной живописи на следующее половину тысячелетия. Многие другие художники эпохи Возрождения рисовали версии Тайной вечери , но только Леонардо суждено было воспроизводиться бесчисленное количество раз из дерева, алебастра, гипса, литографии, гобелена, вязания крючком и настольных ковров.

Больше, чем любой другой художник, он продвинул исследование и живопись «атмосферы». В своих картинах, таких как « Мона Лиза» (около 1503-1517 гг.) И « Дева в скалах» (1483-1486 гг.) (Самая ранняя полная работа, выполненная полностью его рукой), он использовал свет и тень с такой тонкостью, что из-за отсутствия вернее, он стал известен как «сфумато» Леонардо или «дым». Он продемонстрировал революционное использование цвета, определив переход между фигурами с помощью цветовой модуляции, а не фактических линий. ^[43] Его работы пригласили зрителя в таинственный мир движущихся теней, хаотических гор и кружащихся потоков. Еще одним значительным произведением Леонардо было «Мадонна с младенцем и святой Анной».(c.1503-1519); Монументальная трехмерность группы и рассчитанные эффекты динамизма и напряжения в композиции сделали ее образцом, в равной мере вдохновившим классиков и маньеристов. ^[44] Помимо прямого воздействия самих работ, исследования Леонардо в области света, анатомии, пейзажа и человеческого выражения были распространены частично благодаря его щедрости среди свиты студентов. ^[45]

Микеланджело [ править ]

В 1508 году папе Юлию II удалось добиться согласия флорентийского скульптора Микеланджело (1475-1564) на продолжение декоративной схемы Сикстинской капеллы. Сикстинская капелла потолок был построен таким образом , что было двенадцать скошенные парусов , поддерживающие свод , что образованные идеальные поверхности , на которых рисовать Двенадцать Апостолов . Вскоре Микеланджело разработал совершенно иную схему, гораздо более сложную как по дизайну, так и по иконографии. Масштаб работы, которую он выполнял в одиночку, за исключением ручной помощи, был титаническим, и на ее выполнение ушло почти пять лет.

План Папы для апостолов тематически образовал бы наглядную связь между ветхозаветными и новозаветными повествованиями на стенах и папами в галерее портретов. ^[26] Это двенадцать апостолов и их лидер Петр как первый епископ Рима, которые создают этот мост. Но план Микеланджело пошел в противоположном направлении. Тема потолка Микеланджело - не великий Божий план спасения человечества. Тема о позоре человечества. Это о том, почему человечество и вера нуждались в Иисусе. ^[46]

На первый взгляд потолок - гуманистическая конструкция. Фигуры имеют сверхчеловеческое измерение и, в случае Адама , такой красоты, что, по словам биографа Вазари , действительно похоже, что фигуру создал сам Бог, а не Микеланджело. Но, несмотря на красоту отдельных фигур, Микеланджело не прославил человеческое государство и, конечно же, не представил гуманистический идеал платонической любви . Фактически, предки Христа, которых он нарисовал вокруг верхней части стены, демонстрируют все худшие аспекты семейных отношений, демонстрируя дисфункцию в столь же разных формах, как и семьи. ^[46]

Вазари похвалил, казалось бы, бесконечную изобретательность Микеланджело в создании поз для фигур. Рафаэль , который был дан предварительным просмотр по Браманту после Микеланджело опрокинул свою кисть и штурмовал в Болонью сгоряча, окрашен по крайней мере , две фигуре в подражании пророков Микеланджело, один в церкви Санта Агостино , а другой в Ватикане , его портрет самого Микеланджело в Афинской школе . ^{[26] [47] [48]}

Более поздняя работа Микеланджело « Страшный суд» , написанная на алтарной стене Сикстинской капеллы между 1534 и 1541 годами, демонстрирует стиль маньеризма с обычно удлиненными телами, который перенял стиль Высокого Возрождения между 1520 и 1530 годами.

Рафаэль [ править ]

С Леонардо да Винчи и Микеланджело , Рафаэль (1483-1520) Название «S является синонимом Высокого Возрождения, хотя он был моложе Микеланджело 18 лет и Леонардо почти 30 и умер в возрасте 37 всего за один год после Леонардо. Нельзя сказать, что он значительно продвинул состояние живописи, как это сделали два его знаменитых современника. Скорее, его творчество было кульминацией всех достижений Высокого Возрождения.

Рафаэль родился в семье художника, поэтому его карьера, в отличие от Микеланджело, сына мелкой знати, была решена без ссор. Через несколько лет после смерти отца он работал в умбрийской мастерской Перуджино , превосходным художником и превосходным техником. Его первая подписанная и датированная картина, выполненная в возрасте 21 года, - « Обручение Богородицы» , которая сразу же обнаруживает свое происхождение в « Христе Перуджино, дающем ключи Святому Петру» . ^[16]

Рафаэль, который переехал во Флоренцию в 1504 году и в Рим в 1508 году, без зазрения совести опирался на навыки известных художников, чья продолжительность жизни была такой же, как и у него. В его работах соединились индивидуальные качества многих художников. Округлые формы и светящиеся цвета Перуджино, реалистичные портреты Гирландайо, реализм и освещение Леонардо, а также мощное рисование Микеланджело объединились в картинах Рафаэля. За свою короткую жизнь он выполнил ряд больших запрестольных образов, впечатляющую классическую фреску с изображением морской нимфы, Галатеи, выдающиеся портреты с двумя папами и известным писателем среди них, и, пока Микеланджело расписывал потолок Сикстинской капеллы , серию стен фрески в Рафаэле Румс изАпостольский дворец рядом, из которых Афинская школа (1509-11) в Stanza делла Segnatura однозначно значительна. Эта фреска изображает собрание всех самых ученых древних афинян, собравшихся в величественной классической обстановке вокруг центральной фигуры Платона , которого Рафаэль создал по образцу Леонардо да Винчи . Задумчивая фигура Гераклита , сидящего у большой каменной глыбы, является портретом Микеланджело и является отсылкой к его картине пророка Иеремии в Сикстинской капелле. Его собственный портрет находится справа, рядом с его учителем Перуджино. ^[49]

Но главным источником популярности Рафаэля были не его главные произведения, а его маленькие флорентийские картины Мадонны и Младенца Христа. Снова и снова он рисовал, в немного разных позах, такую ​​же пухлую блондинку со спокойным лицом и ее пухлых младенцев, наиболее известной из которых, вероятно, была «Бель Жардиньер» («Мадонна в прекрасном саду»), которая сейчас находится в Лувре . Его более крупная работа, Сикстинская Мадонна , использованная в качестве дизайна для бесчисленных витражей , появилась в 21 веке, чтобы обеспечить культовое изображение двух маленьких херувимов, которое было воспроизведено на всем, от бумажных салфеток до зонтиков. ^{[50] [51]}

Джованни Беллини [ править ]

Лидер венецианской живописи , Джованни Беллини (1430-1516) родился в год своего брата Джентиле , его брат-в-законе Мантеньи и Антонелло да Мессина , но жил десять лет дольше , чем первые два , и почти три десятилетия дольше последний. Он рисовал вплоть до своей смерти, и его работы иллюстрируют несколько влияний. Его ранние работы демонстрируют влияние Мантеньи с резкими линиями и четко очерченными цветами ^{[52], в} то время как после пребывания Мессины в Венеции с 1475 по 1476 год его работы переняли фламандский реализм и яркие цвета, что показывает, что он был очень успешен в применении техник. масляной живописи, привезенной Мессиной. ^[53]Сначала он был учителем Джорджоне ^[54] и Тициана ^[55], но позже на него повлиял Джорджоне, в первую очередь в принятии тонализма, когда краска наносится наложенными друг на друга слоями, создавая мягкий диффузный эффект, так что фигуры и пейзажи становятся более единообразными в атмосфере. ^{[56] [57]}

Беллини стал единственным великим художником 15-го века, который переступил порог стиля Раннего Возрождения до Высокого Возрождения, создав такие работы, как « Портрет дожа Леонардо Лоредана» (1501 г.) ^{[58], в} котором Дож демонстрирует спокойствие, которое Беллини, вероятно, перенял у Мессины, ^[59] и Крещение Христа (1500–1502 гг.). Беллини, как и Рафаэль , также создал множество маленьких Мадонн насыщенного сияющего цвета, обычно более интенсивного тона, чем его флорентийский аналог.

Традиционно в росписи запрестольных образов Мадонны с Младенцем возведенная на трон фигура Богородицы сопровождается святыми, которые стоят в определенных пространствах, физически разделенных в виде политиха или определенных нарисованными архитектурными границами. Пьеро делла Франческа использовал классическую нишу в качестве декорации для возведенных на трон Мадонн (со святыми, сгруппированными вокруг трона), поскольку Мазаччо использовал ее в качестве декорации для своей Святой Троицы в Санта-Мария-Новелла .

Беллини использовал ту же форму, известную как Священные беседы , в нескольких своих более поздних запрестольных образах, например, в венецианской церкви Сан-Заккария (1505 г.). Это мастерская композиция, которая использует тонализм и расширяет реальную архитектуру здания до иллюзионистской архитектуры картины, превращая нишу в своего рода лоджию, открытую для ландшафта и дневного света, который струится через фигуры Богородицы и Младенца. две святые женщины и маленький ангел, играющий на альте, что делает их ярче, чем святые Петр и святой Иероним на переднем плане. ^[60]

Джорджоне [ править ]

Несмотря на краткость его карьеры (он умер в 1510 году примерно в 35 лет) ^[61] и небольшое количество работ, которые, по общему мнению, были полностью выполнены его рукой (всего четыре или пять), ^[62] Джорджоне часто приписывают основатель венецианского стиля Высокого Возрождения, ^[63] хотя разные ученые приводят разные причины для утверждения этого.

Одним из них является его все более широкое использование градаций цвета и света (цветовая модуляция), включая сфумато , часто достигаемую с помощью тонализма ^[56], для определения форм фигур и пейзажей и для создания атмосферы, в которой все компоненты картины объединены. ^[64] Некоторые полагают, что его этому мог научить Леонардо да Винчи, который, как говорят, посетил Венецию в 1501 году. ^[65] В его « Мадонне Кастельфранко» , 1505, использование линейной и цветовой модуляции одинаково сбалансировано, но в «Буре» , c.1510, цветовая модуляция почти полностью заменяет линию, создавая художественное видение, в котором сочетаются человечество и природа. ^[66] Некоторые считают Бурюодна из самых важных картин, созданных в Италии, поскольку компоненты скреплены цветом и создают мечтательную атмосферу совершенной гармонии. ^[67] Джорджоне был первым художником, который отводил природе ведущую роль ^[68], и всякий раз, когда на его картинах изображен пейзаж, он становится неотъемлемой частью картины. ^[69]

Castelfranco Мадонна , по сравнению с Джованни Беллини аналогичным Сан - Захария алтарем , иллюстрирует еще одно новшество Джорджоне - корректировки направления и позиции фигур, таких как пикой , проведенного Санкт - Либерале слева и складки мантии Мадонны помещаются параллельно, чтобы еще больше унифицировать предметы. ^[70] Наконец, картины Джорджоне всегда неоднозначны по своему значению и открыты для различных интерпретаций. ^[71] В «Буре» обнаженная женщина, кормящая младенца и одетого мужчину, и вспышка молнии, возможно, представляют Адама и Еву в их дни после Эдема, а возможно, нет. ^[72]Другая приписываемая ему картина «Три философа» может изображать волхвов, планирующих свое путешествие в поисках младенца Христа, а может и нет. ^[73] Ни одна из картин Джорджоне никогда не имела определенной интерпретации. ^[74]

До недавнего времени казалось несомненным, что Джорджоне нарисовал самую первую обнаженную женщину, которая стоит, или, скорее, лжет, как объект, который нужно изображать и восхищать своей красотой наедине со Спящей Венерой , 1510 год. Хотя давно считалось, что Тициан закончил пейзаж картины после смерти Джорджоне, многие искусствоведы все чаще задаются вопросом, нарисовал ли Джорджоне все женское тело. ^[75]

Тициан [ править ]

Тициан (ок. 1490–1576) обучался в мастерской Джованни Беллини вместе с Джорджоне, а затем помогал Джорджоне. ^[76] После смерти Джорджоне он более 60 лет был монархом венецианской школы. ^[77] Его ранние работы демонстрируют сильное влияние Беллини и Джорджоне, ^[78] но вскоре он взял принципы формы и цвета, объявленные этими двумя ^[79], и установил цвет, а не линию, как главный определяющий фактор в живописи, ^{[ 80],} завершив тем самым стиль венецианского Высокого Возрождения. ^[81] Он сделал это, нанося цвета пастообразной краски в виде пятен рядом друг с другом с помощью рыхлых и широких мазков кисти. ^[82]Это в равной мере высвободило свет и цвет; ^[83] он был известен в свое время как мастер света и цвета. ^[84]

Еще одной сильной стороной Тициана была композиция его картин. ^[85] В « Мадонне Пезаро» , 1519–1526, он перемещает Мадонну из центра, вместо этого помещая ее в верхнюю вершину мощной диагональной линии (в отличие от обычной вертикальной или горизонтальной), которая все еще фокусирует внимание на Мадонне. ^[86] Это была одна из первых работ, в которых фигуры группируются в круговую восходящую структуру. ^[87]

Успение Богородицы , 1516–1518 гг., Также имеет диагональные линии (сформированные херувимами, окружающими Богородицу), которые несут торжествующее послание картины вверх на верхние уровни церкви Фрари в Венеции, на алтаре которой она стоит. ^[88] Эта работа была первой, в которой было визуальное представление о движении; ^[89] все работы Тициана обладают новым динамизмом в движениях людей по сравнению со статичными элементами других художников Высокого Возрождения. ^[90] Успение Богородицы также имеет, каквсе его картину, светящееся, глубокие, насыщенные цвета изза нанесение слоя Тициана после слоя краски, иногда разных цветов. ^[91]

Тициан также был самым востребованным портретистом своего времени и довел портретную живопись до того же уровня, что и повествовательная живопись. ^[92] Особо следует отметить конный портрет Карла V 1548 года, конный портрет в пурпурной симфонии, и портрет дожа Андреа Гритти , правителя Венеции, возможно, самый мощный портрет Тициана.

С возрастом Тициан сохранял в целом стиль Высокого Возрождения до последних лет своей жизни, когда фигура почти полностью растворилась в движении цвета ^[93], так что он стал все более изолированным от мейнстрима итальянской живописи, которая почти полностью перешла в сторону маньеризма. к 1530 г. ^[94] Во многих отношениях Тициана можно считать основоположником современной живописи. ^[95]

Корреджо [ править ]

Корреджо (1489–1534), который никогда не был в Риме, но, должно быть, видел работы Рафаэля, Микеланджело и Тициана, работал в собственном стиле Высокого Возрождения в Парме, в Северной Италии. ^[96] Он изобрел открытое небо, наполненное плавающими фигурами, церковный купол, который стал отличительной чертой периода барокко 17-го века с его « Видением святого Иоанна Богослова» (1520–1524 гг.) В Пармском Сан-Джованни-Евангелисте и Успением Богоматери Богородица , 1526–1530 гг., В Пармском соборе. ^[97] Один ученый-искусствовед утверждает, что в последнем Корреджо создает «ослепительную иллюзию: архитектура купола растворяется, а форма словно взрывается сквозь здание, увлекая зрителя в кружащийся водоворот святых и ангелов, которые устремляются вверх, чтобы сопровождать Богородица на небесах ». ^[98]

В этих куполах и других работах его смелое использование перспективы, обычно путем установки темного цвета на фоне светлых, чтобы усилить иллюзию глубины, описывается как поразительное. ^[99] Его главным интересом было рисование света, и он ожидает, что эффекты будут достигнуты Караваджо в начале следующего столетия. ^[100] Его мастерство ракурса (заставляющего объекты казаться короче, потому что они расположены под углом к ​​зрителю) для создания перспективы описывается как, пожалуй, самое искусное из когда-либо существовавших. ^[101]

В « Юпитере и Ио» , 1531–1532 гг. Корреджо нарисовал сильный контраст между светящейся фигурой Ио и мягкими, но темными облаками, заполняющими небо ^[102], которые, кажется, окутывают сияющее тело Ио. ^[103] Корреджо смог идеально передать диффузный эффект облаков, дымки или тумана ^[104] и вместе с цветовой модуляцией наделял своих персонажей отчетливым ощущением невесомости. ^[105] Он рисовал плоть в нежной, чувственной манере, которая никогда не была превзойдена ^[106], и представляет новую концепцию женской красоты, открывшуюся заново только в период рококо . ^[107]У Корреджо было много учеников, но ни один из них не сохранил его стиль, но он прообразил многие компоненты живописи в стиле барокко . ^[108]

Другие известные художники Высокого Возрождения [ править ]

Андреа дель Сарто (1486-1530), флорентийский, основывали как Микеланджело и Рафаэль в своей работе, но выходит далеко за их пределы в изображении мимики и жестов, о чем свидетельствует Мадонна гарпий , 1517. ^[109] His фигуры показывают большую индивидуальность, чем ранние работы Высокого Возрождения, не теряя при этом никакой благородства. ^[110] В 1520-е годы он оставался верным идеалам Высокого Возрождения, например, в композициях картин ^[111], и лица его фигур обычно были спокойными и часто красивыми, не показывая мучений его современников-маньеристов. , ^[112] некоторые из которых были его учениками. ^[113]

Лоренцо Лотто (1480–1556), один из самых важных художников эпохи Возрождения в Венеции, ^[114] также проводил время в других областях Северной Италии, возможно, из-за его большего внимания к реалистическим деталям и линиям, чем к цвету по сравнению с в венецианской школе его не очень ценили в Венеции. ^[115] Хотя он рисовал множество предметов, он был прекрасным портретистом, который обладал превосходной способностью видеть душу своих предметов и изображать глубину чувств в картине. ^[116] Он обычно включал другие объекты на заднем или переднем плане портрета, чтобы изобразить характер объекта. ^[117]

Влияние итальянской живописи эпохи Возрождения [ править ]

Жизнь Микеланджело и Тициана продолжалась во второй половине 16 века. Оба увидели, что их стили, а также стили Леонардо , Мантенья , Джованни Беллини , Антонелло да Мессина и Рафаэля адаптированы более поздними художниками, чтобы сформировать разрозненный стиль, известный как маньеризм , и неуклонно двигаться к великому излиянию воображения и живописной виртуозности периода барокко .

Художниками, которые больше всего развили тенденции в больших фигуративных композициях Тициана, были Тинторетто и Веронезе , хотя многие считают Тинторетто маньеристом. Знание Рембрандтом произведений Тициана и Рафаэля очевидно в его портретах. Прямое влияние Леонардо и Рафаэля на их собственных учеников оказало влияние на поколения художников, включая Пуссена, и школы классических художников 18 и 19 веков. Творчество Антонелло да Мессина оказало прямое влияние на Альбрехта Дюрера и Мартина Шонгауэра, а благодаря гравюрам последнего - бесчисленное количество художников, включая немецкую, голландскую и английскую школы витражей.производителей до начала 20 века. ^[16]

Потолок Сикстинской капеллы Микеланджело, а затем и «Страшный суд» оказали непосредственное влияние на фигуративные композиции сначала Рафаэля и его учеников, а затем почти каждого последующего художника XVI века, который искал новые и интересные способы изобразить человеческую форму. Его стиль образной композиции можно проследить через Андреа дель Сарто , Понтормо , Бронзино , Пармиджанино , Веронезе , Эль Греко , Карраччи , Караваджо , Рубенс , Пуссен и Тьеполо как в классическом стиле.и художников- романтиков XIX века, таких как Жак-Луи Давид и Делакруа .

Под влиянием итальянской живописи Возрождения были основаны многие современные академии искусств, такие как Королевская академия , и именно для сбора произведений итальянского Возрождения некоторые из самых известных в мире коллекций произведений искусства, такие как Национальная Галерея в Лондоне .

См. Также [ править ]

• Жизни выдающихся художников, скульпторов и архитекторов
• Старый мастер
• Хронология итальянских художников до 1800 года

Примечания и ссылки [ править ]

Библиография [ править ]

Общие [ править ]

• Джорджио Вазари, Жизни художников , (1568), издание 1965 года, транс Джордж Булл, Пингвин, ISBN 0-14-044164-6 
• Фредерик Хартт, История итальянского искусства эпохи Возрождения , (1970) Темза и Гудзон, ISBN 0-500-23136-2 
• RE Вольф и Р. Миллен, Возрождение и искусство маньеризма , (1968) Абрамс, ISBN неизвестен
• Кейт Кристиансен, итальянская живопись , (1992) Хью Лаутер Левин / Макмиллан, ISBN 0883639718 
• Хелен Гарднер, Искусство сквозь века , (1970) Harcourt, Brace and World, ISBN 0-15-503752-8 
• Майкл Баксандалл, Живопись и опыт в Италии пятнадцатого века , (1974) Oxford University Press, ISBN 0-19-881329-5 
• Маргарет Астон, Пятнадцатый век, Проспект Европы , (1979) Темза и Гудзон, ISBN 0-500-33009-3 
• Илан Рахум, Возрождение, иллюстрированная энциклопедия , (1979) Octopus, ISBN 0-7064-0857-8 
• Диана Дэвис, Иллюстрированный словарь искусства и художников Харрапа , (1990) Harrap Books, ISBN 0-245-54692-8 
• Лучано Берти, Флоренция: город и его искусство , (1971) Скала, ISBN неизвестен
• Рона Гоффен, Соперники эпохи Возрождения: Микеланджело, Леонардо, Рафаэль, Тициан , (2004) Yale University Press, ISBN 0300105894 
• Арнольд Хаузер, Социальная история искусства, Vol. 2: Возрождение, маньеризм, барокко , (1999) Рутледж, ISBN 0415199468 
• Лучано Берти, Уфицци , (1971) Скала, Флоренция. ISBN неизвестен
• Майкл Уилсон, Национальная галерея, Лондон , (1977) Скала, ISBN 0-85097-257-4 
• Хью Росс Уильямсон, Лоренцо Великолепный , (1974) Майкл Джозеф, ISBN 0-7181-1204-0 
• Sciacca, Кристина (2012). Флоренция на заре Возрождения: живопись и освещение, 1300-1500 . Публикации Getty. ISBN 978-1-60606-126-8. Архивировано из оригинала на 2012-09-20.

Художники [ править ]

• Джон Уайт, Дуччо , (1979) Темза и Гудзон, ISBN 0-500-09135-8 
• Сесилия Джаннелла, Дуччо ди Буонинсенья , (1991) Скала / Риверсайд, ISBN 1-878351-18-4 
• Сарел Эймерл, Мир Джотто , (1967) Время / Жизнь, ISBN 0-900658-15-0 
• Mgr. Джованни Фоффани, Фрески Джусто де Менабуои , (1988) Дж. Деганелло, ISBN неизвестен
• Орнелла Касацца, Мазаччо и часовня Бранкаччи , (1990) Скала / Риверсайд, ISBN 1-878351-11-7 
• Аннарита Паольери, Паоло Уччелло, Доменико Венециано, Андреа дель Кастаньо , (1991) Скала / Риверсайд, ISBN 1-878351-20-6 
• Алессандро Анджелини, Пьеро делла Франческа , (1985) Скала / Риверсайд, ISBN 1-878351-04-4 
• Питер Мюррей и Пьер Луиджи Векки, Пьеро делла Франческа , (1967) Пингвин, ISBN 0-14-008647-1 
• Умберто Бальдини, Primavera , (1984) Абрамс, ISBN 0-8109-2314-9 
• Раньери Варезе, Il Palazzo di Schifanoia , (1980) Образец / Скала, ISBN неизвестен
• Анджела Оттино делла Кьеза, Леонардо да Винчи , (1967) Пингвин, ISBN 0-14-008649-8 
• Джек Вассерман, Леонардо да Винчи , (1975) Абрамс, ISBN 0-8109-0262-1 
• Массимо Джакометти, Сикстинская капелла , (1986) Книги Гармонии, ISBN 0-517-56274-X 
• Людвиг Гольдшидер, Микеланджело , (1962) Файдон, ISBN неизвестен
• Габриэль Бартц и Эберхард Кениг, Микеланджело , (1998) Кёнеманн , ISBN 3-8290-0253-X 
• Дэвид Томпсон, Рафаэль, жизнь и наследие , (1983) BBC, ISBN 0-563-20149-5 
• Жан-Пьер Кузен, Рафаэль, его жизнь и творчество, (1985) Chartwell, ISBN 0-89009-841-7 
• Мариолина Оливари, Джованни Беллини , (1990) Скала. ISBN неизвестен
• Сесил Гулд, Тициан , (1969) Хэмлин, ISBN неизвестен