Из Википедии, бесплатной энциклопедии
  (Перенаправлено из Музыкальных фильмов )
Перейти к навигации Перейти к поиску
Поющие под дождем (1952) постер к фильму

Музыкальный фильм - это жанр кино, в котором песни персонажей вплетаются в повествование, иногда сопровождаясь танцами. Песни обычно продвигают сюжет или развивают персонажей фильма, но в некоторых случаях они служат просто перерывами в сюжетной линии, часто в виде сложных «производственных номеров».

Музыкальный фильм стал естественным развитием сценического мюзикла после появления технологии звукового кино. Как правило, самая большая разница между кино и сценическими мюзиклами заключается в использовании роскошных фоновых декораций и локаций, что было бы непрактично в театре. Музыкальные фильмы обычно содержат элементы, напоминающие театр; исполнители часто относятся к своим песенным и танцевальным номерам так, как если бы за ними смотрела живая публика. В некотором смысле зритель становится диегетической аудиторией, поскольку исполнитель смотрит прямо в камеру и исполняет ее.

С появлением звука в конце 1920-х годов мюзиклы приобрели популярность у публики, примером чему служат фильмы Басби Беркли , хореографа, известного своими характерными и сложными декорациями с участием нескольких танцовщиц. Эти щедрые постановочные номера типичны его хореографической работой в фильмах «42-я улица» , « Золотодобытчики» 1933 г. , « Парад футлайта» (все из 1933 г.). В 1930-е годы музыкальные фильмы Фреда Астера и Джинджер Роджерс стали в глазах американской публики огромным культурным достоянием. Эти фильмы включали: Top Hat (1935), Follow the Fleet , Swing Time (оба 1936) и Shall We Dance.(1937). Фильм Виктора Флеминга « Волшебник из страны Оз» (1939) стал знаковым фильмом для мюзиклов, поскольку он экспериментировал с новыми технологиями, такими как Technicolor .

В течение 1940-х и 1950-х годов регулярно показывались музыкальные фильмы из мюзиклов MGM . Эти работы включали: « Встретимся в Сент-Луисе» (1944), « Пасхальный парад» (1948), « В городе» (1949), «Американец в Париже» (1951), « Поющие под дождем» (1952), «Групповой фургон» (1953). , Высшее общество (1956) и Джиджи (1958). В это время в MGM были сняты фильмы, не входящие в группу Артура Фрида , « Холидей Инн» (1942 г.), « Белое Рождество» (1954 г.) и « Смешное лицо» (1957 г.), а также « Оклахома!».(1955), Король и я (1956), Карусель и южная часть Тихого океана (1958). Эти фильмы той эпохи обычно опирались на звездную силу таких звезд, как Фред Астер , Джин Келли , Бинг Кросби , Фрэнк Синатра , Джуди Гарланд , Энн Миллер , Кэтрин Грейсон и Говард Кил . Они также полагались на таких режиссеров, как Стэнли Донен и Винсенте Миннелли, а также на авторов песен Комдена и Грина , Роджерса и Хаммерштейна , Ирвинга Берлина ,Коул Портер и братья Гершвин .

В 60-е годы фильмы, основанные на сценических мюзиклах, продолжали иметь успех у критиков и кассовых сборов. Среди этих фильмов: « Вестсайдская история» (1961), « Цыган» (1962), «Музыкальный человек» (1962), « Прощай, Берди» (1963), « Моя прекрасная леди» , « Мэри Поппинс» (оба, 1964), «Звуки музыки» (1965), А. Забавная вещь, которая произошла на пути к форуму , « Как добиться успеха в бизнесе, не особо стараясь» , Совершенно современная Милли (все 1967), Оливер! , и Смешная девчонка(оба 1968 года). В 1970-х годах кинокультура и меняющаяся демография кинозрителей уделяли больше внимания суровому реализму, в то время как чистое развлечение и театральность классических голливудских мюзиклов считались старомодными. Несмотря на это, Willy Wonka и шоколадная фабрика (1971), Fiddler on the Roof (1971), Cabaret (1972), 1776 (1972), Disney's Bedknobs and Broomsticks (1971) и Pete's Dragon (1977), а также Grease и волшебник(оба 1978 года), были более традиционными мюзиклами, тесно адаптированными из сценических шоу, и имели большой успех у критиков и публики. На протяжении 1980-х и 1990-х годов мюзиклы в основном создавались из анимационных фильмов Диснея того периода, написанных композиторами и авторами текстов, Говардом Эшманом , Аланом Менкеном и Стивеном Шварцем . Дисней Ренессанс начался с 1989 по Русалочки , затем следуют Красавица и Чудовище (1991), Aladdin (1992), The Lion King (1994), Покахонтас (1995), Горбун из Нотр - Дам (1996), Hercules(1997) и Мулан (1998).

Начиная с 21 века, музыкальный жанр обновился за счет более мрачных мюзиклов, музыкальных биографий, музыкальных ремейков, эпических драматических мюзиклов и комедийно-драматических мюзиклов, таких как Мулен Руж! (2001), Чикаго (2002), Призрак оперы (2004), Аренда , Переступить черту (оба 2005), Девушки мечты (2006), Через Вселенную , Зачарованные , Лак для волос , Суини Тодд: демон-парикмахер с Флит-стрит (весь 2007 год), Mamma Mia! (2008), Девять (2009), Маппеты (2011), Отверженные (2012),Into the Woods , Muppets Most Wanted (оба 2014), La La Land (2016), The Greatest Showman (2017), Mamma Mia! Это снова мы! , «Звезда родилась» , « Мэри Поппинс возвращается» (все 2018 г.) и « Ракетман» (2019 г.).

Голливудские музыкальные фильмы [ править ]

Волшебник из страны Оз (1939) считается одним из величайших фильмов всех времен.

1930-1950: Первая эра классического звука или Первая музыкальная эра [ править ]

С 1930-х по начало 1950-х годов считается золотым веком музыкального кино, когда популярность этого жанра была наивысшей в западном мире . Дисней « Белоснежка и семь гномов» , самый ранний анимационный фильм Диснея, был мюзиклом, получившим почетный «Оскар» для Уолта Диснея на 11-й церемонии вручения премии Оскар .

Первые мюзиклы [ править ]

Музыкальные короткометражные фильмы были сняты Ли де Форестом в 1923–24. Начиная с 1926 года были выпущены тысячи короткометражных фильмов Vitaphone , многие из которых были с участием групп, вокалистов и танцоров. Самые ранние полнометражные фильмы с синхронизированным звуком содержали только саундтрек с музыкой и случайные звуковые эффекты, которые играли, пока актеры изображали своих персонажей, как в немых фильмах: без слышимого диалога. [1] «Певец джаза» , выпущенный в 1927 году компанией Warner Brothers , был первым, в котором звуковая дорожка включала недиегетическую музыку и диегетическую музыку, но содержала лишь короткую последовательность разговорных диалогов. Этот полнометражный фильм также был мюзиклом с участием Эла Джолсона.пение «Грязные руки, грязное лицо», «Гудок, Гудок, Тутси», « Голубое небо » и « Моя мама ». Историк Скотт Эйман писал: «Когда фильм закончился и аплодисменты усилились вместе с освещением в доме, жена Сэма Голдвина Фрэнсис огляделась на знаменитостей в толпе. Она увидела« ужас на всех их лицах », сказала она, как будто они знали, что «игра, в которую они играли годами, наконец-то закончилась». [2] Тем не менее, только отдельные последовательности содержали «живой» звук; большая часть фильма имела только синхронную партитуру. [1] В 1928 году Warner Brothers последовали за этим с другим частичным звуком Джолсона, The Singing Fool ,который стал хитом-блокбастером. [1]Театры пытались установить новое звуковое оборудование и нанять бродвейских композиторов для написания мюзиклов для экрана. [3] Первый полнометражный фильм « Огни Нью-Йорка» включал музыкальный эпизод в ночном клубе. Энтузиазм публики был настолько велик, что меньше чем через год все крупные студии создавали исключительно звуковые картинки. В «Мелодии Бродвея» (1929) был сюжет шоу-бизнеса о двух сестрах, соревнующихся за очаровательного певца и танцующего мужчину. Рекламируемый MGM как первый полнометражный художественный фильм «Все говорят, все поют, все танцуют», он стал хитом и получил премию Оскар за лучший фильм.на 1929 год. Студии спешили нанимать талантов со сцены, чтобы они снимались в обильно снятых версиях бродвейских хитов. «Парад любви» (Paramount 1929) с участием Мориса Шевалье и новичка Жанетт Макдональд , сценарий написан ветераном Бродвея Гаем Болтоном . [3]

Warner Brothers выпустили первую экранную оперетту «Песня в пустыне» в 1929 году. Они не пожалели денег и сняли большую часть фильма в цвете Technicolor . За этим последовала первая полноцветная музыкальная полнометражка под названием « На шоу» (1929). Самым популярным фильмом 1929 года был второй полноцветный, многоязычный полнометражный фильм, названный « Золотоискатели Бродвея» (1929). Этот фильм побил все рекорды кассовых сборов и оставался самым кассовым фильмом из когда-либо созданных до 1939 года. Внезапно рынок заполонили мюзиклы, ревю и оперетты. Только в 1929 и 1930 годах были выпущены следующие полноцветные мюзиклы: The Hollywood Revue 1929 (1929),Шоу шоу (1929), Салли (1929), Король бродяг (1930), Follow Thru (1930), Bright Lights (1930), Golden Dawn (1930), Hold Everything (1930), The Rogue Song (1930) , Песня пламени (1930), Песня Запада (1930), Милая Китти Беллэрс (1930), Под луной в Техасе (1930), Полковая невеста (1930), Whoopee! (1930), Король джаза (1930), Венские ночи (1930) и Kiss Me Again(1930). Кроме того, было выпущено множество музыкальных функций с цветовыми последовательностями.

В 1930 году Голливуд выпустил более 100 музыкальных фильмов, но только 14 в 1931 году. [4] К концу 1930 года аудитория была перенасыщена мюзиклами, и студии были вынуждены вырезать музыку из фильмов, которые выходили в свет. Например, « Жизнь партии» (1930) изначально создавалась как многоцветная музыкальная комедия, говорящая на все темы. Однако перед его выпуском песни были вырезаны. То же самое произошло с « Пятьдесят миллионов французов» (1931) и « Парад на Манхэттене» (1932), оба из которых были полностью сняты в технике «Техниколор» . Марлен Дитрих успешно пела песни в своих фильмах, а Роджерс и Хартнаписали несколько хорошо принятых фильмов, но даже их популярность к 1932 году пошла на убыль. [4] Публика быстро стала ассоциировать цвет с мюзиклами, и, таким образом, снижение их популярности также привело к упадку цветного производства.

Басби Беркли [ править ]

Вкус к мюзиклам снова возродился в 1933 году, когда режиссер Басби Беркли начал дополнять традиционный танцевальный номер идеями, почерпнутыми из точности упражнений, которую он испытал, будучи солдатом во время Первой мировой войны . В таких фильмах, как « 42-я улица» и « Золотодобытчики 1933 (1933)», Беркли поставил несколько фильмов в своем уникальном стиле. Номера Беркли обычно начинаются на сцене, но постепенно выходят за рамки ограничений театрального пространства: его гениальные рутины, в которых человеческие тела образуют узоры, подобные калейдоскопу, никогда не могли поместиться на реальной сцене, а предполагаемая перспектива просматривается прямо сверху. [5]

Музыкальные звезды [ править ]

Музыкальные звезды, такие как Фред Астер и Джинджер Роджерс, были одними из самых популярных и уважаемых личностей в Голливуде в классическую эпоху; Сочетание Фреда и Джинджер было особенно успешным, что привело к появлению ряда классических фильмов, таких как Top Hat (1935), Swing Time (1936) и Shall We Dance (1937). Многие драматические актеры с удовольствием участвовали в мюзиклах, чтобы оторваться от их типажа. Например, разносторонне одаренный Джеймс Кэгни изначально прославился как сценический певец и танцор, но его неоднократные кастинги на роли «крутого парня» и фильмы с мафией не давали ему шансов проявить эти таланты. Оскар Кэгни- Выигрышная роль в « Янки Дудл Денди» (1942) позволила ему петь и танцевать, и он считал это одним из своих лучших моментов.

Многие комедии (и несколько драм) включали собственные музыкальные номера. Братьев Маркс фильмов "включал в себя музыкальный номер почти в каждом фильме, позволяя Brothers , чтобы выделить свои музыкальные таланты. В их последнем фильме, озаглавленном « Счастливая любовь» (1949), Вера-Эллен была признана лучшей танцовщицей среди своих коллег и профессионалов за полвека.

Точно так же водевильный комик У. К. Филдс объединил усилия с комической актрисой Мартой Рэй и молодым комиком Бобом Хоупом в музыкальной антологии Paramount Pictures «Большая трансляция» 1938 года . В фильме также были продемонстрированы таланты нескольких всемирно известных музыкальных исполнителей, в том числе: Кирстен Флагстад (норвежское оперное сопрано), Уилфред Пеллетье (канадский дирижер оркестра Метрополитен-опера ), Тито Гизар (мексиканский тенор), Шеп Филдс, дирижирующий своим джазовым оркестром Rippling Rhythm и Джон Серри-старший(Итало-американский концертный аккордеонист). [6] В дополнение к премии Американской киноакадемии за лучшую оригинальную песню (1938), фильм получил премию ASCAP Film and Television Award (1989) за авторскую песню Боба Хоупа « Спасибо за память ». [7]

Освобожденный отряд [ править ]

Воспроизвести медиа
Rock, Rock, Rock , музыкальный фильм 1956 года

В конце 1940-х - начале 1950-х годов производственное подразделение Metro-Goldwyn-Mayer во главе с Артуром Фридом перешло от старых музыкальных фильмов, формула которых стала повторяющейся, к чему-то новому. (Однако они также выпустили многоцветные римейки таких мюзиклов, как Show Boat , которые ранее снимались в 1930-х годах.) В 1939 году Фрид был нанят в качестве ассоциированного продюсера для фильма « Дети на руках» . Начиная с 1944 года с « Meet Me» в Сент-Луисе , Freed Unit работала в некоторой степени независимо от собственной студии, создавая одни из самых популярных и известных образцов этого жанра. Среди продуктов этого подразделения - « Пасхальный парад» (1948 г.), « В городе».(1949), Американец в Париже (1951), Singin 'in the Rain (1952), Band Wagon (1953) и Gigi (1958). Среди прочих мюзиклов студии - « Семь невест для семи братьев» в 1954 году и « Высшее общество» в 1956 году, а в 1955 году студия распространяла « Парни и куклы» Сэмюэля Голдвина .

В эту эпоху музыкальные звезды стали широко известными, в том числе Джуди Гарланд , Джин Келли , Энн Миллер , Дональд О'Коннор , Сид Чарисс , Микки Руни , Вера-Эллен , Джейн Пауэлл , Говард Кил и Кэтрин Грейсон . Фреда Астера также уговорили покинуть пенсию на пасхальный парад, и он навсегда вернулся.

За пределами MGM [ править ]

Другие голливудские студии доказали, что они одинаково хорошо разбираются в этом жанре в то время, особенно в 1950-х годах. Четыре адаптации спектаклей Роджерса и Хаммерштейна - Оклахома! , «Король и я» , « Карусель» и « Южный Тихий океан» - все они имели успех, в то время как Paramount Pictures выпустили « Белое Рождество» и « Смешное лицо» , два фильма, в которых использовалась музыка, написанная ранее Ирвином Берлином и Гершвинами, соответственно. «Уорнер Бразерс» продюсировал « Бедствие Джейн» и «Звезда родилась» ; бывший фильм был средством для Дорис Дэй, В то время как последний при условии возвращения на большой экран для Judy Garland, который был вне внимания с 1950 г. В то же время, директор Премингер , более известный «картинки сообщений», сделал Кармен Джонс и Порги и Бесс , и в главной роли Дороти Dandridge , который считается первой афроамериканской кинозвездой первого списка. Знаменитый режиссер Ховард Хоукс также отважился на этот жанр с фильмом «Джентльмены предпочитают блондинок» .

В 1960-х, 1970-х годах и по сей день музыкальный фильм стал менее прибыльным жанром, на который можно было положиться в качестве безупречного хита. Аудитория для них уменьшилась, и меньше музыкальных фильмов было произведено, поскольку жанр стал менее популярным и более специализированным.

Мюзикл 1960-х [ править ]

В 1960-е годы критический и кассовый успех фильмов « Вестсайдская история» , « Цыганка» , «Музыкант» , « Прощай, Берди» , « Моя прекрасная леди» , « Мэри Поппинс» , «Звуки музыки» , «Забавная вещь, произошедшая на пути к форуму». , Книга джунглей , Весьма современная Милли , Оливер! , и Funny Girl предположили, что традиционный мюзикл находится в хорошем состоянии, в то время как джазовые мюзиклы французского режиссера Жака Деми « Шербурские зонтики» и«Девушки из Рошфора» пользовались популярностью у международных критиков. Однако на популярные музыкальные вкусы сильно повлиял рок-н-ролл и связанные с ним свобода и молодежь, и действительно, Элвис Пресли снял несколько фильмов, которые по форме были приравнены к старым мюзиклам, хотя «Ночь тяжелого дня» и « Помощь»! в главных ролях Битлз , были технически более дерзкими. Большинство музыкальных фильмов 1950-х и 1960-х, таких как Оклахома! и «Звуки музыки» были простой адаптацией или переработкой успешных сценических постановок. Самыми успешными мюзиклами 1960-х, созданными специально для кино, былиМэри Поппинс и Книга джунглей , два самых больших хита Диснея всех времен.

Феноменальные кассовые сборы «Звуков музыки» вселили в крупные голливудские студии больше уверенности в создании длинных и высокобюджетных мюзиклов. Несмотря на оглушительный успех некоторых из этих фильмов, Голливуд также произвел большое количество музыкальных провалов в конце 1960-х - начале 1970-х годов, которые, по-видимому, серьезно неверно оценили общественные вкусы. Среди коммерчески и / или критически неудачных фильмов были « Камелот» , «Радуга Финиана» , « Привет, Долли!». , Сладкая благотворительность , Доктор Дулиттл , Полшепенса , Самый счастливый миллионер , Звезда! , Дорогая Лили , до свидания, мистер Чипс, Раскрась свою повозку , Песня о Норвегии , В ясный день ты видишь вечность , Человек из Ла-Манчи , Затерянный горизонт и Маме . В совокупности и по отдельности эти неудачи повлияли на финансовую жизнеспособность нескольких крупных студий.

1970-е [ править ]

В 1970-х годах кинокультура и меняющаяся демография кинозрителей уделяли больше внимания суровому реализму, в то время как чистое развлечение и театральность классических голливудских мюзиклов считались старомодными. Несмотря на это, « Скрипач на крыше» и « Кабаре» были более традиционными мюзиклами, тесно адаптированными из сценических шоу, и пользовались большим успехом у критиков и публики. Изменение культурных традиций и отказ от Кодекса Хейса в 1968 году также способствовали изменению вкусов киноаудитории. Фильм 1973 года Эндрю Ллойда Уэббера и суперзвезды Тима Райса " Иисус Христос"был встречен с некоторой критикой со стороны религиозных групп, но был хорошо принят. К середине 1970-х создатели фильмов отказались от этого жанра в пользу использования музыки популярных рок или поп-групп в качестве фоновой, отчасти в надежде продать фанатам альбом с саундтреками . Шоу ужасов Рокки Хоррора было первоначально выпущено в 1975 году и было критическим провалом до тех пор, пока в 1980-х не начали показывать полуночные показы, где оно стало культовым. В 1976 году вышел малобюджетный комический мюзикл The First Nudie Musical , выпущенный Paramount. Киноверсия « Смола» 1978 года стала настоящим хитом; его песни представляли собой оригинальные композиции, выполненные в стиле поп-музыки 1950-х годов. Однако продолжение Grease 2(выпущен в 1982 году) провалился в прокате. Были сняты фильмы об исполнителях, которые включали в себя драматизм и музыкальные номера, переплетенные как диегетическую часть сюжетной линии, такие как « Леди поет блюз» , « All That Jazz» и « Нью-Йорк, Нью-Йорк» . Некоторые мюзиклы , сделанные в Великобритании экспериментировали с формой, например, Ричард Аттенборо «s Oh! Какая прекрасная война (выпущена в 1969 году), « Багси Мэлоун» Алана Паркера и « Томми и Листомания» Кена Рассела .

Еще снимался ряд мюзиклов, которые в финансовом и / или критическом отношении были менее успешными, чем в период расцвета мюзикла. Среди них 1776 , Волшебник , At Long Last Love , Mame , Man of La Mancha , Lost Horizon , Godspell , Phantom of the Paradise , Веселая леди ( продолжение Барбары Стрейзанд « Веселая девчонка» ), Маленькая ночная музыка и Волосы среди других. другие. Критический гнев против At Long Last Love , в частности, был настолько сильным, что его так и не выпустили на домашнее видео. Музыкальные фэнтези-фильмы Скрудж , Синяя птица , Маленький принц , Вилли Вонка и шоколадная фабрика , Дракон Пита и Дисней « Кровать и метла» также были выпущены в 1970-х годах, последний получил премию Оскар за лучшие визуальные эффекты .

С 1980-х по 1990-е годы [ править ]

К 1980-м годам финансисты становились все более уверенными в музыкальном жанре, отчасти благодаря относительному благополучию мюзикла на Бродвее и лондонском Вест-Энде . Спектакли 1980-х и 1990-х годов включали «Яблоко» , « Занаду» , «Братья Блюз» , « Энни» , «Смысл жизни» Монти Пайтона , «Лучший бордель в Техасе» , « Виктор / Виктория» , « Footloose» , « Fast Forward» , «Припев» , « Магазинчик ужасов» , Запретная зона , Абсолютные новички ,Лабиринт , Эвита и все говорят, что я тебя люблю . Тем не менее, Can't Stop the Music с участием деревенских жителей в главной ролибыл провальной попыткой возродить старый мюзикл и был выпущен на всеобщее обозрение в 1980 году. « Магазинчик ужасов» был основан на внебродвейской адаптации мюзикла 1960 года. Фильм Роджера Кормана, предшественник более поздних переходов от фильма к сцене к фильму, включая The Producers .

Многие анимационные фильмы того периода - в основном от Диснея - включали традиционные музыкальные номера. Ховард Эшман , Алан Менкен и Стивен Шварц ранее имели опыт работы в музыкальном театре и в это время писали песни для анимационных фильмов, вытеснив «рабочих лошадок» Диснея - братьев Шерман . Начиная с « Русалочки» 1989 года , ренессанс Диснея дал музыкальному фильму новую жизнь. Среди других успешных мюзиклов - « Аладдин» , «Горбун из Нотр-Дама» и « Покахонтас» из «Диснея», «Кошмар перед Рождеством». from Disney division Touchstone Pictures, The Prince of Egypt from DreamWorks, Anastasia from Fox and Don Bluth, and South Park: Bigger, Longer & Uncut from Paramount. (Beauty and the Beast and The Lion King were adapted for the stage after their blockbuster success.)

2000-now : The second-classical era or New Musical Era[edit]

21st-century musicals or New Age[edit]

In the 21st century, movie musicals were reborn with darker musicals, musical biopics, epic drama musicals and comedy-drama musicals such as Moulin Rouge!, Chicago, Walk the Line, Dreamgirls, Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, Les Misérables and La La Land; all of which won the Golden Globe Award for Best Motion Picture – Musical or Comedy in their respective years, while such films as The Phantom of the Opera, Hairspray, Mamma Mia!, Nine, Into the Woods, The Greatest Showman, Mary Poppins Returns, and Rocketman were only nominated. Chicago was also the first musical since Oliver! to win Best Picture at the Academy Awards.

Joshua Oppenheimer's Academy Award-nominated documentary The Act of Killing may be considered a nonfiction musical.[8]

One specific musical trend was the rising number of jukebox musicals based on music from various pop/rock artists on the big screen, some of which based on Broadway shows. Examples of Broadway-based jukebox musical films included Mamma Mia! (ABBA), Rock of Ages, and Sunshine on Leith (The Proclaimers). Original ones included Across the Universe (The Beatles), Moulin Rouge! (various pop hits), Idlewild (Outkast) and Yesterday (The Beatles).

Disney also returned to musicals with Enchanted, The Princess and the Frog, Tangled, Winnie the Pooh, The Muppets, Frozen, Muppets Most Wanted, Into the Woods, Moana, Mary Poppins Returns and Frozen II. Following a string of successes with live action fantasy adaptations of several of their animated features, Disney produced a live action version of Beauty and the Beast, the first of this live action fantasy adaptation pack to be an all-out musical, and features new songs as well as new lyrics to both the Gaston number and the reprise of the title song. The second film of this live action fantasy adaptation pack to be an all-out musical was Aladdin and features new songs. The third film of this live action fantasy adaptation pack to be an all-out musical was The Lion King and features new songs. Pixar also produced Coco, the very first computer-animated musical film by the company.

Other animated musical films include Rio, Trolls, Sing, Smallfoot and UglyDolls. Biopics about music artists and showmen were also big in the 21st century. Examples include 8 Mile (Eminem), Ray (Ray Charles), Walk the Line (Johnny Cash and June Carter), La Vie en Rose (Édith Piaf), Notorious (Biggie Smalls), Jersey Boys (The Four Seasons) Love & Mercy (Brian Wilson), CrazySexyCool: The TLC Story (TLC), Aaliyah: The Princess of R&B (Aaliyah), Get on Up (James Brown), Whitney (Whitney Houston), Straight Outta Compton (N.W.A), The Greatest Showman (P. T. Barnum), Bohemian Rhapsody (Freddie Mercury),[citation needed] The Dirt (Mötley Crüe) and Rocketman (Elton John).

Director Damien Chazelle created a musical film called La La Land, starring Ryan Gosling and Emma Stone. It was meant to reintroduce the traditional jazz style of song numbers with influences from the Golden Age of Hollywood and Jacques Demy's French musicals while incorporating a contemporary/modern take on the story and characters with balances in fantasy numbers and grounded reality. It received 14 nominations at the 89th Academy Awards, tying the record for most nominations with All About Eve (1950) and Titanic (1997), and won the awards for Best Director, Best Actress, Best Cinematography, Best Original Score, Best Original Song, and Best Production Design.

Indian musical films[edit]

Bollywood dances usually follow or are choreographed to filmi Bollywood songs.
Main articles: Bollywood and Cinema of India
See also: Filmi, Masala film, and Music of Bollywood

An exception to the decline of the musical film is Indian cinema, especially the Bollywood film industry based in Mumbai (formerly Bombay), where the most of films have been and still are musicals. The majority of films produced in the Tamil industry based in Chennai (formerly Madras), Sandalwood based in Bangalore, Telugu industry based in Hyderabad, and Malayalam industry are also musicals.

Despite this exception of almost every Indian movie being a musical and India producing the most movies in the world (Formed in 1913), the first Bollywood film to be a complete musical Dev D (Directed by Anurag Kashyap) came in the year 2009. The second film to follow its track was Jagga Jasoos (Directed by Anurag Basu) in the year 2017.

Early sound films (1930s–1940s)[edit]

Melodrama and romance are common ingredients to Bollywood films. Pictured Achhut Kanya (1936)

Bollywood musicals have their roots in the traditional musical theatre of India, such as classical Indian musical theatre, Sanskrit drama, and Parsi theatre. Early Bombay filmmakers combined these Indian musical theatre traditions with the musical film format that emerged from early Hollywood sound films.[9] Other early influences on Bombay filmmakers included Urdu literature and the Arabian Nights.[10]

The first Indian sound film, Ardeshir Irani's Alam Ara (1931), was a major commercial success.[11] There was clearly a huge market for talkies and musicals; Bollywood and all the regional film industries quickly switched to sound filming.

In 1937, Ardeshir Irani, of Alam Ara fame, made the first colour film in Hindi, Kisan Kanya. The next year, he made another colour film, a version of Mother India. However, colour did not become a popular feature until the late 1950s. At this time, lavish romantic musicals and melodramas were the staple fare at the cinema.

Golden Age (late 1940s–1960s)[edit]

Nargis, Raj Kapoor and Dilip Kumar in Andaz (1949). Kapoor and Kumar are among the greatest and most influential movie stars in the history of Indian cinema,[12][13] while Nargis is one of its greatest actresses.[14]

Following India's independence, the period from the late 1940s to the early 1960s is regarded by film historians as the "Golden Age" of Hindi cinema.[15][16][17] Some of the most critically acclaimed Hindi films of all time were produced during this period. Examples include Pyaasa (1957) and Kaagaz Ke Phool (1959) directed by Guru Dutt and written by Abrar Alvi, Awaara (1951) and Shree 420 (1955) directed by Raj Kapoor and written by Khwaja Ahmad Abbas, and Aan (1952) directed by Mehboob Khan and starring Dilip Kumar. These films expressed social themes mainly dealing with working-class life in India, particularly urban life in the former two examples; Awaara presented the city as both a nightmare and a dream, while Pyaasa critiqued the unreality of city life.[18]

Mehboob Khan's Mother India (1957), a remake of his earlier Aurat (1940), was the first Indian film to be nominated for the Academy Award for Best Foreign Language Film, which it lost by a single vote.[19] Mother India was also an important film that defined the conventions of Hindi cinema for decades.[20][21][22]

In the 1960s and early 1970s, the industry was dominated by musical romance films with "romantic hero" leads, the most popular being Rajesh Khanna.[23] Other actors during this period include Shammi Kapoor, Jeetendra, Sanjeev Kumar, and Shashi Kapoor, and actresses like Sharmila Tagore, Mumtaz, Saira Banu, Helen and Asha Parekh.

Classic Bollywood (1970s–1980s)[edit]

By the start of the 1970s, Hindi cinema was experiencing thematic stagnation,[24] dominated by musical romance films.[23] The arrival of screenwriter duo Salim–Javed, consisting of Salim Khan and Javed Akhtar, marked a paradigm shift, revitalizing the industry.[24] They began the genre of gritty, violent, Bombay underworld crime films in the early 1970s, with films such as Zanjeer (1973) and Deewaar (1975).[25][26]

The 1970s was also when the name "Bollywood" was coined,[27][28] and when the quintessential conventions of commercial Bollywood films were established.[29] Key to this was the emergence of the masala film genre, which combines elements of multiple genres (action, comedy, romance, drama, melodrama, musical). The masala film was pioneered in the early 1970s by filmmaker Nasir Hussain,[30] along with screenwriter duo Salim-Javed,[29] pioneering the Bollywood blockbuster format.[29] Yaadon Ki Baarat (1973), directed by Hussain and written by Salim-Javed, has been identified as the first masala film and the "first" quintessentially "Bollywood" film.[31][29] Salim-Javed went on to write more successful masala films in the 1970s and 1980s.[29] Masala films launched Amitabh Bachchan into the biggest Bollywood movie star of the 1970s and 1980s. A landmark for the masala film genre was Amar Akbar Anthony (1977),[32][31] directed by Manmohan Desai and written by Kader Khan. Manmohan Desai went on to successfully exploit the genre in the 1970s and 1980s.

Along with Bachchan, other popular actors of this era included Feroz Khan,[33] Mithun Chakraborty, Naseeruddin Shah, Jackie Shroff, Sanjay Dutt, Anil Kapoor and Sunny Deol. Actresses from this era included Hema Malini, Jaya Bachchan, Raakhee, Shabana Azmi, Zeenat Aman, Parveen Babi, Rekha, Dimple Kapadia, Smita Patil, Jaya Prada and Padmini Kolhapure.[34]

New Bollywood (1990s–present)[edit]

In the late 1980s, Hindi cinema experienced another period of stagnation, with a decline in box office turnout, due to increasing violence, decline in musical melodic quality, and rise in video piracy, leading to middle-class family audiences abandoning theaters. The turning point came with Qayamat Se Qayamat Tak (1988), directed by Mansoor Khan, written and produced by his father Nasir Hussain, and starring his cousin Aamir Khan with Juhi Chawla. Its blend of youthfulness, wholesome entertainment, emotional quotients and strong melodies lured family audiences back to the big screen.[35][36] It set a new template for Bollywood musical romance films that defined Hindi cinema in the 1990s.[36]

The period of Hindi cinema from the 1990s onwards is referred to as "New Bollywood" cinema,[37] linked to economic liberalisation in India during the early 1990s.[38] By the early 1990s, the pendulum had swung back toward family-centric romantic musicals. Qayamat Se Qayamat Tak was followed by blockbusters such as Maine Pyar Kiya (1989), Chandni (1989), Hum Aapke Hain Kaun (1994), Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995), Raja Hindustani (1996), Dil To Pagal Hai (1997), Pyaar To Hona Hi Tha (1998) and Kuch Kuch Hota Hai (1998). A new generation of popular actors emerged, such as Aamir Khan, Aditya Pancholi, Ajay Devgan, Akshay Kumar, Salman Khan (Salim Khan's son), and Shahrukh Khan, and actresses such as Madhuri Dixit, Sridevi, Juhi Chawla, Meenakshi Seshadri, Manisha Koirala, Kajol, and Karisma Kapoor.[34]

Since the 1990s, the three biggest Bollywood movie stars have been the "Three Khans": Aamir Khan, Shah Rukh Khan, and Salman Khan.[39][40] Combined, they have starred in most of the top ten highest-grossing Bollywood films. The three Khans have had successful careers since the late 1980s,[39] and have dominated the Indian box office since the 1990s,[41] across three decades.[42]

Influence on Western films (2000s–present)[edit]

Baz Luhrmann stated that his successful musical film Moulin Rouge! (2001) was directly inspired by Bollywood musicals.[43] The film pays homage to India, incorporating an Indian-themed play and a Bollywood-style dance sequence with a song from the film China Gate. The critical and financial success of Moulin Rouge! renewed interest in the then-moribund Western live action musical genre, and subsequently films such as Chicago, The Producers, Rent, Dreamgirls, and Hairspray were produced, fueling a renaissance of the genre.[44]

The Guru and The 40-Year-Old Virgin also feature Indian-style song-and-dance sequences; the Bollywood musical Lagaan (2001) was nominated for the Academy Award for Best Foreign Language Film; two other Bollywood films Devdas (2002) and Rang De Basanti (2006) were nominated for the BAFTA Award for Best Film Not in the English Language; and Danny Boyle's Academy Award winning Slumdog Millionaire (2008) also features a Bollywood-style song-and-dance number during the film's end credits.

Spanish musical films[edit]

Spain has a history and tradition of musical films that were made independent of Hollywood influence. The first films arise during the Second Spanish Republic of the 1930s and the advent of sound films. A few zarzuelas (Spanish operetta) were even adapted as screenplays during the silent era. The beginnings of the Spanish musical were focused on romantic Spanish archetypes: Andalusian villages and landscapes, gypsys, "bandoleros", and copla and other popular folk songs included in story development. These films had even more box-office success than Hollywood premieres in Spain. The first Spanish film stars came from the musical genre: Imperio Argentina, Estrellita Castro, Florián Rey (director) and, later, Lola Flores, Sara Montiel and Carmen Sevilla. The Spanish musical started to expand and grow. Juvenile stars appear and top the box-office. Marisol, Joselito, Pili & Mili, and Rocío Dúrcal were the major figures of musical films from 1960s to 1970s. Due to Spanish transition to democracy and the rise of "Movida culture", the musical genre fell in production and box-office, only saved by Carlos Saura and his flamenco musical films.

Soviet musical film under Stalin[edit]

Unlike the musical films of Hollywood and Bollywood, popularly identified with escapism, the Soviet musical was first and foremost a form of propaganda. Vladimir Lenin said that cinema was "the most important of the arts." His successor, Joseph Stalin, also recognized the power of cinema in efficiently spreading Communist Party doctrine. Films were widely popular in the 1920s, but it was foreign cinema that dominated the Soviet filmgoing market. Films from Germany and the U.S. proved more entertaining than Soviet director Sergei Eisenstein's historical dramas.[45] By the 1930s it was clear that if the Soviet cinema was to compete with its Western counterparts, it would have to give audiences what they wanted: the glamour and fantasy they got from Hollywood.[46] The musical film, which emerged at that time, embodied the ideal combination of entertainment and official ideology.

A struggle between laughter for laughter's sake and entertainment with a clear ideological message would define the golden age of the Soviet musical of the 1930s and 1940s. Then-head of the film industry Boris Shumyatsky sought to emulate Hollywood's conveyor belt method of production, going so far as to suggest the establishment of a Soviet Hollywood.[47]

The Jolly Fellows[edit]

In 1930, the esteemed Soviet film director Sergei Eisenstein went to the United States with fellow director Grigori Aleksandrov to study Hollywood's filmmaking process. The American films greatly impacted Aleksandrov, particularly the musicals.[48] He returned in 1932, and in 1934 directed The Jolly Fellows, the first Soviet musical. The film was light on plot and focused more on the comedy and musical numbers. Party officials at first met the film with great hostility. Aleksandrov defended his work by arguing the notion of laughter for laughter's sake.[49] Finally, when Aleksandrov showed the film to Stalin, the leader decided that musicals were an effective means of spreading propaganda. Messages like the importance of collective labor and rags-to-riches stories would become the plots of most Soviet musicals.

"Movies for the Millions"[edit]

The success of The Jolly Fellows ensured a place in Soviet cinema for the musical format, but immediately Shumyatsky set strict guidelines to make sure the films promoted Communist values. Shumyatsky's decree "Movies for the Millions" demanded conventional plots, characters, and montage to successfully portray Socialist Realism (the glorification of industry and the working class) on film.[50]

The first successful blend of a social message and entertainment was Aleksandrov's Circus (1936). It starred his wife, Lyubov Orlova (an operatic singer who had also appeared in The Jolly Fellows) as an American circus performer who has to immigrate to the USSR from the U.S. because she has a mixed-race child, whom she had with a black man. Amidst the backdrop of lavish musical productions, she finally finds love and acceptance in the USSR, providing the message that racial tolerance can only be found in the Soviet Union.

The influence of Busby Berkeley's choreography on Aleksandrov's directing can be seen in the musical number leading up to the climax. Another, more obvious reference to Hollywood is the Charlie Chaplin impersonator who provides comic relief throughout the film. Four million people in Moscow and Leningrad went to see Circus during its first month in theaters.[51]

Another of Aleksandrov's more-popular films was The Bright Path (1940). This was a reworking of the fairytale Cinderella set in the contemporary Soviet Union. The Cinderella of the story was again Orlova, who by this time was the most popular star in the USSR.[52] It was a fantasy tale, but the moral of the story was that a better life comes from hard work. Whereas in Circus, the musical numbers involved dancing and spectacle, the only type of choreography in Bright Path is the movement of factory machines. The music was limited to Orlova's singing. Here, work provided the spectacle.

Ivan Pyryev[edit]

The other director of musical films was Ivan Pyryev. Unlike Aleksandrov, the focus of Pyryev's films was life on the collective farms. His films, Tractor Drivers (1939), The Swineherd and the Shepherd (1941), and his most famous, Cossacks of the Kuban (1949) all starred his wife, Marina Ladynina. Like in Aleksandrov's Bright Path, the only choreography was the work the characters were doing on film. Even the songs were about the joys of working.

Rather than having a specific message for any of his films, Pyryev promoted Stalin's slogan "life has become better, life has become more joyous."[53] Sometimes this message was in stark contrast with the reality of the time. During the filming of Cossacks of the Kuban, the Soviet Union was going through a postwar famine. In reality, the actors who were singing about a time of prosperity were hungry and malnourished.[54] The films did, however, provide escapism and optimism for the viewing public.

Volga-Volga[edit]

Volga-Volga, directed by Grigori Aleksandrov

The most popular film of the brief era of Stalinist musicals was Alexandrov's 1938 film Volga-Volga. The star, again, was Lyubov Orlova and the film featured singing and dancing, having nothing to do with work. It is the most unusual of its type. The plot surrounds a love story between two individuals who want to play music. They are unrepresentative of Soviet values in that their focus is more on their music than their jobs. The gags poke fun at the local authorities and bureaucracy. There is no glorification of industry since it takes place in a small rural village. Work is not glorified either, since the plot revolves around a group of villagers using their vacation time to go on a trip up the Volga and Moscow Canal to perform in Moscow. The film can be seen as a glorification of Moscow canal without any hint that the canal was built by Gulag prisoners.

Volga-Volga followed the aesthetic principles of Socialist Realism rather than the ideological tenets. It became Stalin's favorite film and he gave it as a gift to President Roosevelt during WWII. It is another example of one of the films that claimed life is better. Released at the height of Stalin's purges, it provided escapism and a comforting illusion for the public.[55]

Lists of musical films[edit]

Further information: Lists of musicals
  • See List of musical films by year for a list of musical films in chronological order.
  • See List of Bollywood films for a list of Bollywood musical films.
  • See List of films based on stage plays or musicals for a list of musical films based on theatre productions.
  • See List of highest-grossing musicals for the highest-grossing musical films.

See also[edit]

  • AFI's Greatest Movie Musicals
  • Revolutionary opera
  • Lists of musicals

References[edit]

  1. ^ a b c Kenrick, John. "History of Musical Film, 1927-30: Hollywood Learns To Sing". Musicals101.com, 2004, accessed May 17, 2010
  2. ^ '"Eyman, Scott. The Speed of Sound: Hollywood and the Talkie Revolution Simon & Schuster, 1997, p. 160
  3. ^ a b Kenrick, John. "History of Musical Film, 1927-30: Part II". Musicals101.com, 2004, accessed May 17, 2010
  4. ^ a b Kenrick, John. "History of Musical Film, 1930s: Part I: 'Hip, Hooray and Ballyhoo'". Musicals101.com, 2003, accessed May 17, 2010
  5. ^ Kenrick, John. "History of Musical Film, 1930s Part II". Musicals101.com, 2004, accessed May 17, 2010
  6. ^ The Big Broadcast of 1938 on imdb.con
  7. ^ The Big Broadcast of 1938 - Awards on imdb.com
  8. ^ "Build my gallows high: Joshua Oppenheimer on The Act of Killing". British Film Institute. Retrieved 2018-04-29.
  9. ^ Gokulsing, K. Moti; Dissanayake, Wimal (2004). Indian Popular Cinema: A Narrative of Cultural Change. Trentham Books. pp. 98–99. ISBN 978-1-85856-329-9.
  10. ^ Gooptu, Sharmistha (2010). Bengali Cinema: 'An Other Nation'. Routledge. p. 38. ISBN 9781136912177.
  11. ^ "Talking Images, 75 Years of Cinema". The Tribune. Retrieved 9 March 2013.
  12. ^ Before Brando, There Was Dilip Kumar, The Quint, December 11, 2015
  13. ^ "Unmatched innings". The Hindu. 24 January 2012. Archived from the original on 8 February 2012. Retrieved 9 January 2015.CS1 maint: bot: original URL status unknown (link)
  14. ^ Sen, Raja (29 June 2011). "Readers Choice: The Greatest Actresses of all time". Rediff.com. Retrieved 19 September 2011.
  15. ^ K. Moti Gokulsing, K. Gokulsing, Wimal Dissanayake (2004). Indian Popular Cinema: A Narrative of Cultural Change. Trentham Books. p. 17. ISBN 978-1-85856-329-9.
  16. ^ Sharpe, Jenny (2005). "Gender, Nation, and Globalization in Monsoon Wedding and Dilwale Dulhania Le Jayenge". Meridians: Feminism, Race, Transnationalism. 6 (1): 58–81 [60 & 75]. doi:10.1353/mer.2005.0032.
  17. ^ Gooptu, Sharmistha (July 2002). "Reviewed work(s): The Cinemas of India (1896–2000) by Yves Thoraval". Economic and Political Weekly. 37 (29): 3023–4.
  18. ^ K. Moti Gokulsing, K. Gokulsing, Wimal Dissanayake (2004). Indian Popular Cinema: A Narrative of Cultural Change. Trentham Books. p. 18. ISBN 978-1-85856-329-9.
  19. ^ Khanna, Priyanka (24 February 2008). "For Bollywood, Oscar is a big yawn again". Thaindian News. Archived from the original on 30 September 2012. Retrieved 29 July 2012.
  20. ^ Sridharan, Tarini (25 November 2012). "Mother India, not Woman India". The Hindu. Chennai, India. Archived from the original on 6 January 2013. Retrieved 5 March 2012.
  21. ^ Bollywood Blockbusters: Mother India (Part 1) (Documentary). CNN-IBN. 2009. Archived from the original on 15 July 2015.
  22. ^ Kehr, Dave (23 August 2002). "Mother India (1957). Film in review; 'Mother India'". The New York Times. Retrieved 7 June 2012.
  23. ^ a b "Revisiting Prakash Mehra's Zanjeer: The film that made Amitabh Bachchan". The Indian Express. 20 June 2017.
  24. ^ a b Raj, Ashok (2009). Hero Vol.2. Hay House. p. 21. ISBN 9789381398036.
  25. ^ Ganti, Tejaswini (2004). Bollywood: A Guidebook to Popular Hindi Cinema. Psychology Press. p. 153. ISBN 9780415288545.
  26. ^ Chaudhuri, Diptakirti (2015). Written by Salim-Javed: The Story of Hindi Cinema's Greatest Screenwriters. Penguin Books. p. 72. ISBN 9789352140084.
  27. ^ Anand (7 March 2004). "On the Bollywood beat". The Hindu. Chennai, India. Archived from the original on 3 April 2004. Retrieved 31 May 2009.
  28. ^ Subhash K Jha (8 April 2005). "Amit Khanna: The Man who saw 'Bollywood'". Sify. Archived from the original on 9 April 2005. Retrieved 31 May 2009.
  29. ^ a b c d e Chaudhuri, Diptakirti (2015-10-01). Written by Salim-Javed: The Story of Hindi Cinema's Greatest Screenwriters. Penguin UK. p. 58. ISBN 9789352140084.
  30. ^ "How film-maker Nasir Husain started the trend for Bollywood masala films". Hindustan Times. 30 March 2017.
  31. ^ a b Kaushik Bhaumik, An Insightful Reading of Our Many Indian Identities, The Wire, 12/03/2016
  32. ^ Rachel Dwyer (2005). 100 Bollywood films. Lotus Collection, Roli Books. p. 14. ISBN 978-81-7436-433-3. Retrieved 6 August 2013.
  33. ^ Stadtman, Todd (2015). Funky Bollywood: The Wild World of 1970s Indian Action Cinema. FAB Press. ISBN 9781903254776.
  34. ^ a b Ahmed, Rauf. "The Present". Rediff.com. Archived from the original on 29 May 2008. Retrieved 30 June 2008.
  35. ^ Chintamani, Gautam (2016). Qayamat Se Qayamat Tak: The Film That Revived Hindi Cinema. HarperCollins. ISBN 9789352640980.
  36. ^ a b Ray, Kunal (18 December 2016). "Romancing the 1980s". The Hindu.
  37. ^ Sen, Meheli (2017). Haunting Bollywood: Gender, Genre, and the Supernatural in Hindi Commercial Cinema. University of Texas Press. p. 189. ISBN 9781477311585.
  38. ^ Joshi, Priya (2015). Bollywood's India: A Public Fantasy. Columbia University Press. p. 171. ISBN 9780231539074.
  39. ^ a b "The Three Khans of Bollywood - DESIblitz". 18 September 2012. Retrieved 4 July 2018.
  40. ^ Cain, Rob. "Are Bollywood's Three Khans The Last Of The Movie Kings?".
  41. ^ After Aamir, SRK, Salman, why Bollywood's next male superstar may need a decade to rise, Firstpost, 16 October 2016
  42. ^ "Why Aamir Khan Is The King Of Khans: Foreign Media".
  43. ^ "Baz Luhrmann Talks Awards and "Moulin Rouge"".
  44. ^ "Hollywood/Bollywood". Public Broadcasting Service. Retrieved 12 February 2010.
  45. ^ Denise Youngblood. Movies for the Masses: Popular Cinema and Soviet Society in the 1920s (Cambridge: Cambridge University Press, 1992), 18
  46. ^ Dana Ranga. "East Side Story" (Kino International, 1997)
  47. ^ Richard Taylor, Derek Spring. Stalinism and Soviet Cinema (London: Routledge Inc., 1993), 75
  48. ^ Ranga. "East Side Story"
  49. ^ Andrew Horton. Inside Soviet Film Satire: Laughter with a Lash (Cambridge: Cambridge University Press, 1993), 84
  50. ^ Horton. Inside Soviet Film Satire, 85
  51. ^ Horton. Inside Soviet Film Satire, 92
  52. ^ Taylor, Spring. Stalinism and Soviet Cinema, 77
  53. ^ Joseph Stalin. Speech at the Conference of Stakhonovites (1935)
  54. ^ Elena Zubkova. Russia After the War: Hopes, Illusions, and Disappointments, 1945–1957 (armonk, NY: M.E. Sharpe, 1998), 35
  55. ^ Svetlana Boym, Common Places (Cambridge MA: Harvard University Press, 1994), 200-201. ISBN 9780674146266; and Birgit Beumers, A History of Russian Cinema (Oxford: Berg, 2009). ISBN 9781845202149

Further reading[edit]

Library resources about
Musical film
  • Resources in your library
  • Resources in other libraries
  • McGee, Mark Thomas. The Rock and Roll Movie Encyclopedia of the 1950s. Jefferson, N.C.: McFarland & Co., 1990. 0-89950-500-7
  • Padva, Gilad. Uses of Nostalgia in Musical Politicization of Homo/Phobic Myths in Were the World Mine, The Big Gay Musical, and Zero Patience. In Padva, Gilad, Queer Nostalgia in Cinema and Pop Culture, pp. 139–172. Basingstock, UK and New York: Palgrave Macmillan, 2014. ISBN 978-1-137-26633-0.