Электронная музыка

Электронная музыка является музыкой , которая использует электронные музыкальные инструменты , цифровые инструменты или схемотехнику на основе музыкальных технологий в его создании. Он включает в себя как музыку, созданную с помощью электронных, так и электромеханических средств ( электроакустическая музыка ). Чистые электронные инструменты полностью зависели от генерации звука на основе схем, например, с использованием таких устройств, как электронный генератор , терменвокс или синтезатор . Электромеханические инструменты могут иметь механические части, такие как струны, молотки и электрические элементы, включая магнитные датчики , усилители мощности и т. Д.громкоговорители . К таким электромеханическим устройствам относятся телгармониум , орган Хаммонда , электрическое пианино и электрогитара . ^{[1] [2]}

Первые электронные музыкальные устройства были разработаны в конце 19 века. В течение 1920-1930-х годов появился ряд электронных инструментов и были написаны первые композиции с их участием. К 1940-м годам магнитная аудиокассета позволила музыкантам записывать звуки, а затем изменять их, изменяя скорость или направление ленты, что привело к развитию электроакустической магнитофонной музыки в 1940-х годах в Египте и Франции. Musique concrète , созданная в Париже в 1948 году, была основана на совместном редактировании записанных фрагментов естественных и индустриальных звуков. Музыка производится исключительно из электронных генераторов впервые были получены в Германии в 1953 году Электронная музыка была также создана в Японии и США , начиная с 1950 - х годов и состав алгоритмическихс компьютерами была впервые продемонстрирована в том же десятилетии.

В 1960-х годах впервые появилась цифровая компьютерная музыка, появились инновации в живой электронике , и японские электронные музыкальные инструменты начали оказывать влияние на музыкальную индустрию . В начале 1970-х синтезаторы Moog и японские драм-машины помогли популяризировать синтезированную электронную музыку. В 1970-х годах электронная музыка также начала оказывать значительное влияние на популярную музыку , с принятием полифонических синтезаторов , электронных барабанов , драм-машин и вертушек , благодаря появлению таких жанров, как диско , краутрок , новая волна., синти-поп , хип-хоп и EDM . В начале 1980-х годов стали популярными массовые цифровые синтезаторы , такие как Yamaha DX7 , и был разработан MIDI (цифровой интерфейс для музыкальных инструментов). В том же десятилетии, когда все больше использовались синтезаторы и были внедрены программируемые драм-машины, на передний план вышла популярная электронная музыка. В течение 1990-х годов, с распространением все более доступных музыкальных технологий, производство электронной музыки стало неотъемлемой частью популярной культуры . ^[3] Современная электронная музыка включает в себя множество разновидностей и варьируется от экспериментальной художественной музыки.к популярным формам, таким как электронная танцевальная музыка . Поп-электронная музыка наиболее узнаваема в ее форме 4/4 и больше связана с мейнстримом, чем предыдущие формы, которые были популярны на нишевых рынках. ^[4]

Происхождение: конец 19 века - начало 20 века [ править ]

На рубеже 20-го века эксперименты с новейшей электроникой привели к появлению первых электронных музыкальных инструментов . ^[5] Эти первоначальные изобретения не продавались, а вместо этого использовались в демонстрациях и публичных выступлениях. Зрителям были представлены репродукции уже существующей музыки вместо новых композиций для инструментов. ^[6] В то время как некоторые из них считались новинками и производили простые звуки, Telharmonium синтезировал звук нескольких оркестровых инструментов с разумной точностью. Он вызвал живой общественный интерес и добился коммерческого прогресса в потоковой передаче музыки через телефонные сети . ^[7]

В то время критики музыкальных условностей видели в этом многообещающем. Ферруччо Бузони поощрял сочинение микротональной музыки, допускаемой электронными инструментами. Он предсказал использование машин в музыке будущего, написав влиятельный « Очерк новой эстетики музыки» (1907). ^[8] Футуристы, такие как Франческо Балилья Прателла и Луиджи Руссоло, начали сочинять музыку с акустическим шумом, чтобы вызвать звук машин . Они предсказали расширение тембра, разрешенное электроникой, в влиятельном манифесте «Искусство шума» (1913). ^[9][10]

Ранние сочинения [ править ]

Развитие вакуумной лампы привело к появлению электронных инструментов, которые были меньше, усилены и более практичны в исполнении. ^[11] В частности, к началу 1930-х годов коммерчески производились терменвокс , ондес мартено и траутоний . ^{[12] [13]}

С конца 1920-х годов возросшая практичность электронных инструментов побудила таких композиторов, как Джозеф Шиллингер, принять их. Обычно они использовались в оркестрах , и большинство композиторов писали партии для терменвокса, которые в противном случае можно было бы исполнять на струнных инструментах . ^[12]

Композиторы-авангардисты критиковали преобладающее использование электронных инструментов для обычных целей. ^[12] Инструменты предлагали расширение ресурсов звука ^[14], которыми пользовались сторонники микротональной музыки, такие как Чарльз Айвз , Димитриос Левидис , Оливье Мессиан и Эдгар Варез . ^{[15] [16] [17]} Кроме того, Перси Грейнджер использовал терменвокс, чтобы полностью отказаться от фиксированной тональности, ^{[18] в} то время как русские композиторы, такие как Гавриил Попов, рассматривали его как источник шума в музыке, которая в остальном акустическая шумовая . ^[19]

Запись экспериментов [ править ]

Развитие ранних технологий записи происходило параллельно с развитием электронных инструментов. Первые средства записи и воспроизведения звука были изобретены в конце 19 века - механический фонограф . ^[20] Магнитофоны стали обычным предметом домашнего обихода, и к 1920-м композиторы использовали их для проигрывания коротких записей в выступлениях. ^[21]

За появлением в 1925 году электрической записи последовало усиление экспериментов с проигрывателями. Пол Хиндемит и Эрнст Тох сочинили несколько пьес в 1930 году, наложив записи инструментов и вокала с заданной скоростью. Под влиянием этих техник Джон Кейдж в 1939 году написал « Воображаемый пейзаж № 1 », регулируя скорость записываемых тонов. ^[22]

Одновременно с этим композиторы начали экспериментировать с недавно разработанной технологией « звук на пленке» . Записи можно было соединить вместе для создания звуковых коллажей , например, Тристана Цара , Курта Швиттерса , Филиппо Томмазо Маринетти , Вальтера Руттманна и Дзига Вертова . Кроме того, технология позволяла создавать и изменять звук графически . Эти методы использовались для создания саундтреков к нескольким фильмам в Германии и России, в дополнение к популярным в США « Доктору Джекилу» и «Мистеру Хайду» . Эксперименты с графическим звуком продолжил Норман Макларен.с конца 1930-х гг. ^[23]

Развитие: с 1940-х по 1950-е годы [ править ]

Электроакустическая музыка на магнитной ленте [ править ]

Первый практический аудиомагнитофон был представлен в 1935 году. ^[24] Усовершенствования технологии были сделаны с использованием метода смещения переменного тока , что значительно улучшило точность записи. ^{[25] [26]} Еще в 1942 году тестовые записи делались в стерео . ^[27] Хотя эти разработки первоначально были ограничены Германией, магнитофоны и кассеты были доставлены в Соединенные Штаты после окончания Второй мировой войны. ^[28] Они стали основой для первого серийного магнитофона в 1948 году. ^[29]

В 1944 году, до использования магнитной ленты в композиционных целях, египетский композитор Халим Эль-Дабх , еще будучи студентом в Каире , использовал громоздкий проводной магнитофон для записи звуков древней церемонии заар . Используя оборудование ближневосточной радиостудии, Эль-Дабх обработал записанный материал, используя реверберацию, эхо, контроль напряжения и перезапись. То, что получилось, считается самой ранней записью музыкальной композиции. ^[30] Получившаяся работа была названа «Выражение Заара».и он был представлен в 1944 году на мероприятии художественной галереи в Каире. В то время как его первые эксперименты с записью на магнитофон не были широко известны за пределами Египта, Эль-Дабх также известен своими более поздними работами в области электронной музыки в Центре электронной музыки Колумбии-Принстона в конце 1950-х годов. ^[31]

Конкретная музыка [ править ]

После его работы в Studio d'Essai в Radiodiffusion Française (RDF) в начале 1940-х годов Пьеру Шефферу приписывают создание теории и практики musique concrète. В конце 1940-х годов Шеффер впервые провел эксперименты по созданию звуковой композиции с использованием пластинок из шеллака . В 1950 году методы музыкального бетона были расширены, когда использовались магнитофоны для изучения таких методов обработки звука, как изменение скорости ( смещение высоты тона ) и сращивание ленты ( Palombini 1993 , 14). ^[32]

5 октября 1948 года RDF транслировал « Etude aux chemins de fer» Шеффера . Это было первое « движение » Cinq études de bruits , положившее начало студийным реализациям ^[33] и musique concrète (или акусматическому искусству). Шеффер использовал токарно -фрезерный станок , четыре поворотных стола, четырехканальный смеситель, фильтры, эхо-камеру и мобильный записывающий блок. Вскоре после этого Пьер Анри начал сотрудничество с Schaeffer, партнерство, которое оказало глубокое и долговременное влияние на направление электронной музыки. Другой сотрудник Schaeffer, Эдгар Варез , начал работу над Déserts., произведение для камерного оркестра и ленты. Части ленты были созданы в студии Пьера Шеффера, а позже были переработаны в Колумбийском университете.

В 1950 году Шеффер дал первый публичный (не транслируемый) концерт Musique concrète в École Normale de Musique de Paris . «Шеффер использовал систему громкой связи , несколько вертушек и микшеры. Выступление шло не очень хорошо, поскольку создание живых монтажей с вертушками никогда раньше не производилось». ^[34] Позже в том же году Пьер Анри сотрудничал с Шеффером в работе над Symphonie pour un homme seul (1950), первом крупном произведении конкретной музыки. В 1951 году в Париже, что стало важной мировой тенденцией, RTF основала первую студию по производству электронной музыки. Также в 1951 году Шеффер и Генри поставили оперу « Орфей» для конкретных звуков и голосов.

К 1951 году работы Шеффера, композитора- перкуссиониста Пьера Анри и звукорежиссера Жака Пуллена получили официальное признание, и в парижском RTF была создана Groupe de Recherches de Musique Concrète , Club d'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française. из ОРТФА . ^{[35] [ неполная короткая цитата ]}

Электронная музыка [ править ]

Карлхайнц Штокхаузен некоторое время работал в студии Шеффера в 1952 году, а затем много лет работал в студии электронной музыки WDR Cologne .

1954 год ознаменовался появлением того, что теперь будет считаться аутентичными электрическими плюс акустическими композициями - акустическими инструментами, дополненными / сопровождаемыми записями обработанного или генерируемого электроникой звука. В этом году состоялась премьера трех крупных произведений: « Десерты Вареза» для камерного ансамбля и звуков ленты и два произведения Отто Луенинга и Владимира Усачевского : « Рапсодические вариации для Луисвилльской симфонии» и «Поэма в циклах и колокольчиках»., как для оркестра, так и для ленты. Поскольку он работал в студии Шеффера, кассетная часть работы Вареза содержит гораздо больше конкретных звуков, чем электронных. «Группа, состоящая из духовых инструментов, перкуссии и фортепиано, чередуется с измененными звуками заводских шумов, корабельных сирен и двигателей, исходящих из двух громкоговорителей». ^[36]

На немецкой премьере « Десертов» в Гамбурге, которую дирижировал Бруно Мадерна , управление магнитофонной лентой производил Карлхайнц Штокхаузен. ^[36] Название « Пустыни» предлагало Варезу не только «все физические пустыни (песок, море, снег, космическое пространство, пустые улицы), но и пустыни в сознании человека; не только те оторванные аспекты природы, которые предполагают обнаженность, отчужденность, безвременье, но также и то отдаленное внутреннее пространство, которое не может достичь ни один телескоп, где человек один, мир тайн и сущностного одиночества ». ^[37]

В Кельне то, что впоследствии станет самой известной студией электронной музыки в мире, было официально открыто при радиостудиях NWDR в 1953 году, хотя это находилось на стадии планирования еще в 1950 году, а первые композиции были сделаны и транслировались в 1951 году. . ^[38] детище Вернер Мейер-Эпплер , Роберт Бейер и Херберт Эимерт (который стал его первым директором), студия вскоре присоединились Карлхайнц Штокхаузен и Готфрид Майкл Кениг . В своей диссертации 1949 года « Электронные музыкальные инструменты и синтетические материалы» Мейер-Эпплер выдвинул идею полностью синтезировать музыку из сигналов, генерируемых электроникой; этим способом,elektronische Musik резко отличалась от французской musique concrète , в которой использовались звуки, записанные из акустических источников. ^[39]

В 1954 году Штокхаузен написал свою « Электронную студию II» - первую электронную пьесу, которая была опубликована в качестве партитуры. В 1955 году стали появляться новые экспериментальные и электронные студии. Примечательным было создание Studio di fonologia musicale di Radio Milano , студии в NHK в Токио, основанной Тоширо Маюзуми , и студии Philips в Эйндховене , Нидерланды , которая в 1960 году переехала в Утрехтский университет в качестве Института сонологии. .

«С Штокхаузеном и Маурисио Кагелем в резиденции, он превратился в круглогодичный улей харизматического авангардизма [ sic ]» ^[40], в двух случаях объединяющий электронно генерируемые звуки с относительно традиционными оркестрами - в Mixtur (1964) и Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). ^[41] Штокхаузен заявил, что его слушатели говорили ему, что его электронная музыка дала им ощущение «открытого космоса», ощущения полета или пребывания в «фантастическом мире грез». ^[42] Совсем недавно Штокхаузен занялся продюсированием электронной музыки в своей собственной студии в Кюртене , его последняя работа в этой среде былаКосмические импульсы (2007).

Японская электронная музыка [ править ]

Этот раздел может сбивать с толку или непонятно читателям . Помогите, пожалуйста, прояснить раздел . На странице обсуждения может быть обсуждение этого вопроса . ( Март 2012 г. ) ( Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения )

Самая ранняя группа электронных музыкальных инструментов в Японии, Yamaha Magna Organ, была построена в 1935 году. ^[43] однако после Второй мировой войны японские композиторы, такие как Минао Сибата, узнали о развитии электронных музыкальных инструментов. К концу 1940-х японские композиторы начали экспериментировать с электронной музыкой, и институциональная спонсорская поддержка позволила им экспериментировать с передовым оборудованием. Их вливание азиатской музыки в зарождающийся жанр в конечном итоге поддержало популярность Японии в развитии музыкальных технологий несколько десятилетий спустя. ^[44]

После основания в 1946 году компании Sony, производящей электронику , композиторы Тору Такемицу и Минао Сибата независимо друг от друга исследовали возможности использования электронных технологий для создания музыки. ^[45] Такемицу имел идеи, похожие на musique concrète , о которых он не подозревал, в то время как Шибата предвидел развитие синтезаторов и предсказывал радикальные изменения в музыке. ^[46] Sony начала производить популярные магнитные магнитофоны для государственного и общественного пользования. ^{[44] [47]}

Авангардному коллективу Jikken Kōbō (Экспериментальная мастерская), основанному в 1950 году, Sony предложила доступ к новым аудиотехнологиям. Компания наняла Тору Такемицу, чтобы продемонстрировать свои магнитофоны с композициями и исполнением электронной кассетной музыки. ^[48] Первыми электронными записями группы были «Toraware no Onna» («Заключенная женщина») и «Пьеса B», сочиненная в 1951 году Кунихару Акияма. ^[49] Многие из записанных ими электроакустических лент использовались в качестве музыки для радио , кино и театра . Они также проводили концерты с использованием слайд-шоу, синхронизированного с записанным саундтреком.^[50]Композиторы, не входившие в состав Дзиккен Кобо, такие как Ясуси Акутагава , Сабуро Томинага и Широ Фукай , также экспериментировали с радиофонической записью музыки в период с 1952 по 1953 год. ^[47]

Musique concrète был представлен Японии Тоширо Маюзуми , на которого повлиял концерт Пьера Шеффера. С 1952 года он сочинял музыкальные ленты для комедийных фильмов, радиопередач и радиопостановок. ^{[49] [51]} Однако концепция звукового объекта Шеффера не имела большого влияния на японских композиторов, которые в основном были заинтересованы в преодолении ограничений, накладываемых человеческим исполнением. ^[52] Это привело к нескольким японским электроакустическим музыкантам , использующему сериализм и двенадцать тонов техники , ^[52] проявляюсь в Ёсиро Айрин «с 1951 додекафоническими"Concerto da Camera" ^[51] в организации электронных звуков в "X, Y, Z для Musique Concrète" Маюзуми, а позже в электронной музыке Шибаты к 1956 г. ^[53]

Моделируя студию NWDR в Кельне, NHK в 1955 году основала студию электронной музыки в Токио, которая стала одним из ведущих в мире заведений электронной музыки. NHK Studio была оснащена такими технологиями, как оборудование для генерации тона и обработки звука, записывающее и радиофоническое оборудование, ondes Martenot, Monochord и Melochord , синусоидальные генераторы , магнитофоны, кольцевые модуляторы , полосовые фильтры , а также четырех- и восьмиканальные генераторы. -канальные смесители . Среди музыкантов, связанных со студией, были Тоширо Маюзуми, Минао Сибата, Джоджи Юаса, Тоши Ичиянаги., и Тору Такемицу. Первые электронные композиции студии были закончены в 1955 году, в том числе пятиминутные пьесы Маюзуми «Studie I: Музыка для синусоидальной волны пропорционально простому числу», «Музыка для модулированной волны пропорционально простому числу» и «Изобретение для прямоугольной волны и пилообразной волны». Wave », созданный с использованием различных возможностей студии по генерации тонов, и 20-минутная стереофоническая пьеса Шибаты« Musique Concrète for Stereophonic Broadcast ». ^{[54] [55]}

Американская электронная музыка [ править ]

В Соединенных Штатах электронная музыка создавалась еще в 1939 году, когда Джон Кейдж опубликовал « Imaginary Landscape» № 1 , в котором использовались два проигрывателя с регулируемой скоростью, частотные записи, приглушенное фортепиано и тарелки, но без электронных средств производства. Кейдж сочинил еще пять «Воображаемых пейзажей» в период с 1942 по 1952 год (один снят), в основном для ансамбля ударных, хотя номер 4 предназначен для двенадцати радиоприемников, а номер 5, написанный в 1952 году, использует 42 записи и должен быть реализован как магнитный. Лента. По словам Отто Луенинга, Кейдж также исполнил William [ sic ] Mix в Донауэшингене в 1954 году, используя восемь громкоговорителей, через три года после своего предполагаемого сотрудничества. ^{[ требуется разъяснение ]} Уильямс Миксимел успех на фестивале в Донауэшингене , где произвел «сильное впечатление». ^[56]

Проект «Музыка для магнитной ленты» был сформирован членами Нью-Йоркской школы ( Джоном Кейджем , Эрлом Брауном , Кристианом Вольфом , Дэвидом Тюдором и Мортоном Фельдманом ) ^[57] и длился три года до 1954 года. Кейдж писал об этом сотрудничестве: « Поэтому в этой социальной тьме работы Эрла Брауна, Мортона Фельдмана и Кристиана Вольфа продолжают светить ярким светом по той причине, что в нескольких точках записи, исполнения и прослушивания действие провокационно ». ^[58]

Кейдж закончил Williams Mix в 1953 году, работая с Music for Magnetic Tape Project. ^[59] У группы не было постоянного помещения, и ей приходилось использовать время в коммерческих звуковых студиях, включая студию Луи и Биби Баррон .

Колумбийский центр в Принстоне [ править ]

В том же году Колумбийский университет приобрел свой первый магнитофон - профессиональную машину Ampex - для записи концертов. Владимир Усачевский, который учился на музыкальном факультете Колумбийского университета, был назначен ответственным за устройство, и почти сразу же начал с ним экспериментировать.

Герберт Русскол пишет: «Вскоре он был заинтригован новыми звучаниями, которых он мог достичь, записывая музыкальные инструменты и затем накладывая их друг на друга». ^[60] Усачевский позже сказал: «Я внезапно понял, что магнитофон можно рассматривать как инструмент преобразования звука». ^[60] В четверг, 8 мая 1952 года, Усачевский представил несколько демонстраций музыки / эффектов, созданных им на пленке, на его форуме композиторов в театре Макмиллина в Колумбийском университете. К ним относятся транспозиция, реверберация, эксперимент, композиция и подводный вальс.. В интервью он заявил: «Я представил несколько примеров своего открытия на публичном концерте в Нью-Йорке вместе с другими композициями, которые я написал для обычных инструментов». ^[60] Отто Луенинг, присутствовавший на этом концерте, заметил: «Оборудование, имевшееся в его распоряжении, состояло из магнитофона Ampex ... и простого коробчатого устройства, разработанного блестящим молодым инженером Питером Маузи для создания обратной связи. форма механической реверберации. Другое оборудование было заимствовано или приобретено за личные средства ". ^[61]

Всего три месяца спустя, в августе 1952 года, Усачевский по приглашению Луенинга поехал в Беннингтон, штат Вермонт, чтобы представить свои эксперименты. Там они вместе работали над разными произведениями. Луенинг описал это событие: «Оснащенный наушниками и флейтой, я начал разрабатывать свою первую композицию для магнитофона. Мы оба свободно импровизировали, и среда разожгла наше воображение». ^[61] Они сыграли несколько ранних произведений неофициально на вечеринке, где «несколько композиторов почти торжественно поздравили нас, сказав:« Вот оно »(« оно »означает музыку будущего)». ^[61]

Весть быстро достигла Нью-Йорка. Оливер Дэниел позвонил и пригласил пару «спродюсировать группу коротких композиций для октябрьского концерта, спонсируемого American Composers Alliance и Broadcast Music, Inc., под руководством Леопольда Стокски в Музее современного искусства в Нью-Йорке. колеблясь, мы согласились ... Генри Коуэлл предоставил в наше распоряжение свой дом и студию в Вудстоке, штат Нью-Йорк.С взятым напрокат оборудованием в кузове автомобиля Усачевского мы выехали из Беннингтона в Вудсток и пробыли там две недели ... В конце сентября 1952 года передвижная лаборатория добралась до гостиной Усачевского в Нью-Йорке, где мы, в конце концов, закончили сочинения ». ^[61]

Два месяца спустя, 28 октября, Владимир Усачевский и Отто Луенинг представили первый концерт Tape Music в США. Концерт включал « Фантазию в космосе» Луенинга (1952 г.) - «импрессионистскую виртуозную пьесу» ^[61] с использованием обработанных записей флейты - и « Низкую скорость» (1952 г.), «экзотическую композицию, в которой флейта оказалась намного ниже ее естественного диапазона». ^[61]Обе части были созданы в доме Генри Коуэлла в Вудстоке, штат Нью-Йорк. После того, как несколько концертов произвели фурор в Нью-Йорке, Усачевский и Луенинг были приглашены на прямую трансляцию шоу Today Show на канале NBC для демонстрации интервью - первого телевизионного электроакустического выступления. Луенинг описал это событие: «Я импровизировал некоторые [флейтовые] последовательности для магнитофона. Уссачевский тут же подверг их электронной трансформации». ^[62]

Счет для Forbidden Planet , от Луи и Bebe Баррон , ^[63] была полностью составлена с использованием встроенных пользовательских электронных схем и магнитофонов в 1956 году (но не синтезаторы в современном смысле этого слова). ^{[ требуется разъяснение ]}

Австралия [ править ]

Первым в мире компьютером для воспроизведения музыки был CSIRAC , который был разработан и построен Тревором Пирси и Мастоном Бирдом. Математик Джефф Хилл запрограммировал CSIRAC воспроизводить популярные музыкальные мелодии с самого начала 1950-х годов. В 1951 году он публично сыграл Марч полковника Боги , записи которого не сохранились, есть только точная реконструкция. ^[64] Однако CSIRAC играл стандартный репертуар и не использовался для расширения музыкального мышления или практики композиции. CSIRAC никогда не записывался, но играемая музыка была точно реконструирована. Самые старые известные записи компьютерной музыки воспроизводились на компьютере Ferranti Mark 1 , коммерческой версии Baby.Machine из Манчестерского университета осенью 1951 года. ^[65] Музыкальную программу написал Кристофер Стрейчи .

Середина и конец 1950-х годов [ править ]

Влияние компьютеров продолжилось и в 1956 году. Лежарен Хиллер и Леонард Айзексон сочинили Illiac Suite для струнного квартета , первое полное произведение компьютерной композиции с использованием алгоритмической композиции. «... Хиллер постулировал, что компьютер можно обучить правилам определенного стиля, а затем призвать их сочинять». ^[66] Более поздние разработки включали работу Макса Мэтьюза из Bell Laboratories , который разработал влиятельную программу MUSIC I в 1957 году, одну из первых компьютерных программ для воспроизведения электронной музыки. Вокодертехнологии также были важным развитием в эту раннюю эпоху. В 1956 году Штокхаузен написал Gesang der Jünglinge , первую крупную работу кельнской студии, на основе текста из Книги Даниила . Важное технологическое развитие этого года стало изобретением Clavivox синтезатора по Raymond Scott с подсборкой по Роберт Муг .

В 1957 году Кид Балтан ( Дик Раймакерс ) и Том Диссевельт выпустили свой дебютный альбом Song Of The Second Moon , записанный на студии Philips в Нидерландах. ^[67] Публика по-прежнему интересовалась новыми звуками, создаваемыми во всем мире, о чем можно судить по включению в нее пьесы Вареза Poème électronique , которую играли более четырехсот динамиков в павильоне Philips на Всемирной выставке в Брюсселе в 1958 году . В том же году, Кагель , аргентинский композитор, состоящий Transición II. Работа выполнена в студии WDR в Кельне. Два музыканта играли на пианино, один в традиционной манере, другой играл на струнах, раме и футляре. Два других исполнителя использовали магнитофонную ленту, чтобы объединить представление живых звуков с будущим заранее записанных материалов более позднего времени и его прошлым записями, сделанными ранее во время выступления.

В 1958 году Колумбия-Принстон разработала синтезатор звука RCA Mark II , первый программируемый синтезатор . ^[68] Выдающиеся композиторы, такие как Владимир Усачевский, Отто Луенинг, Милтон Бэббит , Чарльз Вуоринен , Халим Эль-Дабх, Бюлент Арель и Марио Давидовски, широко использовали синтезатор RCA в различных композициях. ^[69] Одним из самых влиятельных композиторов, связанных с ранними годами существования студии, был Халим Эль-Дабх из Египта , ^{[70] который} после разработки самой ранней известной электронной кассетной музыки в 1944 году, ^[30]стал более известным благодаря Leiyla and the Poet , серии электронных композиций 1959 года, которые выделялись своим погружением и плавным слиянием электронной и народной музыки , в отличие от более математического подхода, используемого серийными композиторами того времени, такими как Бэббит. Аль -Дабх Leiyla and the Poet , выпущенный как часть альбома Columbia-Princeton Electronic Music Center в 1961 году, будет отмечен как сильное влияние ряда музыкантов, от Нила Ролника , Чарльза Амирханяна и Элис Шилдс до рок-музыкантов Фрэнка. Заппа иЭкспериментальная группа поп-арта Западного побережья . ^[71]

После появления разногласий внутри GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète) Пьер Анри, Филипп Артуй и несколько их коллег ушли в отставку в апреле 1958 года. Шеффер создал новый коллектив под названием Groupe de Recherches Musicales (GRM) и приступил к работе. набор новых членов, включая Люка Феррари , Беатрис Феррейра , Франсуа-Бернара Маша , Янниса Ксенакиса , Бернара Пармегани и Мирей Шамасс-Киру. Позже прибыли Иво Малек , Филипп Карсон, Ромуальд Ванделл, Эдгардо Кантон и Франсуа Бейль . ^[72]

Расширение: 1960-е [ править ]

Это были благоприятные годы для электронной музыки - не только для академических кругов, но и для независимых исполнителей, поскольку технология синтезаторов стала более доступной. К этому времени сформировалось и росло сильное сообщество композиторов и музыкантов, работающих с новыми звуками и инструментами. В 1960 году были сочинены « Гаргульи» Луенинга для скрипки и кассеты, а также состоялась премьера «Контакта» Штокхаузена для электронных звуков, фортепиано и ударных. Эта пьеса существовала в двух версиях - одна для 4-х канальной ленты, а другая для ленты с людьми-исполнителями. "В КонтактеШтокхаузен отказался от традиционной музыкальной формы, основанной на линейном развитии и драматической кульминации. Этот новый подход, который он назвал «моментальной формой», напоминает технику «кинематографического соединения» в фильмах начала двадцатого века » ^[73].

Терменвокс был в использовании , поскольку 1920 - х годов , но он достиг степени народного признания путем его использования в научно-фантастического фильма саундтрек музыки в 1950 - е годы (например, Бернард Херрманн «s классический оценку День , когда Земля остановилась ). ^[74]

В Великобритании в этот период известность приобрела Радиофоническая мастерская BBC (основанная в 1958 году), во многом благодаря их работе над научно-фантастическим сериалом BBC « Доктор Кто» . Одним из самых влиятельных британских исполнителей электронной музыки того периода ^[75] была сотрудница Workshop Делия Дербишир , которая теперь известна своей электронной реализацией культовой темы Доктора Кто , написанной Роном Грейнером в 1963 году .

В 1961 году Йозеф Тал основал Центр электронной музыки в Израиле при Еврейском университете , а в 1962 году Хью Ле Кейн прибыл в Иерусалим, чтобы установить в центре свой Creative Tape Recorder . ^[76] В 1990-х годах Тал провел вместе с доктором Шломо Маркелем в сотрудничестве с Технионом - Израильским технологическим институтом и VolkswagenStiftung исследовательский проект (Talmark), направленный на разработку новой системы нотной записи для электронной музыки. ^[77]

Милтон Бэббит написал свое первое электронное произведение, используя синтезатор - свою Композицию для синтезатора (1961), - которую он создал, используя синтезатор RCA в Центре электронной музыки Колумбия-Принстон.

Для Бэббита синтезатор RCA был воплощением мечты по трем причинам. Во-первых, способность точно определять и контролировать каждый музыкальный элемент. Во-вторых, время, необходимое для реализации его сложных серийных структур, стало практически доступным. В-третьих, вопрос больше не был: «Каковы пределы возможностей человека-исполнителя?» а скорее «Каковы пределы человеческого слуха?» ^[78]

Сотрудничество также происходило через океаны и континенты. В 1961 году Усачевский пригласил Варезу в Колумбийско-Принстонскую студию (CPEMC). По прибытии Варез приступил к переработке Déserts . Ему ассистировали Марио Давидовски и Бюлент Арель . ^[79]

Интенсивная деятельность, происходящая в CPEMC и других местах, вдохновила Мортона Суботника на создание в 1963 году Музыкального центра в Сан-Франциско с дополнительными членами Полин Оливерос , Рамон Сендер , Энтони Мартин и Терри Райли . ^[80]

Позже Центр переехал в Колледж Миллс , которым руководила Полин Оливерос , где он сегодня известен как Центр современной музыки. ^[81]

Одновременно в Сан-Франциско композитор Стэн Шафф и дизайнер оборудования Дуг МакИчерн представили первый концерт Audium в Государственном колледже Сан-Франциско (1962 г.), за которым последовала работа в Музее современного искусства Сан-Франциско (1963 г.), задуманная как время, управляемое движение звука в пространстве. Двенадцать динамиков окружали аудиторию, четыре динамика были установлены на вращающейся мобильной конструкции наверху. ^[82] В выступлении SFMOMA в следующем году (1964) музыкальный критик San Francisco Chronicle Альфред Франкенштейн прокомментировал: «Возможности континуума звука и пространства редко исследовались так широко». ^[82] В 1967 году первый Audiumоткрылся «звуко-пространственный континуум», в котором еженедельно проводились выступления до 1970 года. В 1975 году, на средства начального капитала от Национального фонда искусств , открылась новая аудитория, спроектированная от пола до потолка для пространственной звуковой композиции и исполнения. ^[83] «Напротив, есть композиторы, которые манипулировали звуковым пространством, размещая несколько динамиков в разных местах в пространстве для выступления, а затем переключая или панорамируя звук между источниками. В этом подходе композиция пространственных манипуляций зависит от расположения динамиков и обычно использует акустические свойства корпуса. Примеры включают Poeme Electronique Варезе (музыка на магнитофон, исполненная в Павильоне Philips на Всемирной выставке 1958 года в Брюсселе) и [sic ]Установка Audium , в настоящее время действующая в Сан-Франциско ». ^[84] Посредством еженедельных программ (более 4500 за 40 лет) Шафф «лепит» звук, исполняя теперь оцифрованные пространственные произведения через 176 динамиков. ^[85]

Хорошо известным примером использования полноразмерного модульного синтезатора Moog является альбом Венди Карлос Switched-On Bach 1968 года , который вызвал повальное увлечение синтезаторной музыкой.

В 1969 году Дэвид Тюдор принес модульный синтезатор Moog и магнитофоны Ampex в Национальный институт дизайна в Ахмедабаде при поддержке семьи Сарабхай , положив начало первой в Индии студии электронной музыки. Здесь группа композиторов Джинрадж Джошипура, Гита Сарабхай, С.К. Шарма, И.С. Матур и Атул Десаи разработали экспериментальные звуковые композиции между 1969 и 1973 годами ^[86]

Наряду с модульным синтезатором Moog, другие модели этого периода включали ARP и Buchla.

Пьетро Гросси был итальянским пионером компьютерной композиции и магнитофонной музыки, который впервые экспериментировал с электронной техникой в ​​начале шестидесятых. Гросси был виолончелистом и композитором, родился в Венеции в 1917 году. Он основал S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) в 1963 году, чтобы экспериментировать с электронным звуком и композицией.

Компьютерная музыка [ править ]

Музыкальные мелодии были впервые созданы компьютером CSIRAC в Австралии в 1950 году. В газетах из Америки и Англии (в начале и в последнее время) появлялись сообщения о том, что компьютеры могли воспроизводить музыку раньше, но тщательное исследование опровергло эти истории, поскольку нет никаких доказательств, подтверждающих газетные сообщения (некоторые из которых были явно спекулятивными). Исследования показали, что люди размышляли о компьютерах, играющих музыку, возможно, потому, что компьютеры издают шумы ^[87], но нет никаких доказательств того, что они действительно это делали. ^{[88] [89]}

Первым в мире компьютером для воспроизведения музыки был CSIRAC , который был разработан и построен Тревором Пирси и Мастоном Бирдом в 1950-х годах. Математик Джефф Хилл запрограммировал CSIRAC воспроизводить популярные музыкальные мелодии с самого начала 1950-х годов. В 1951 году он публично сыграл « Марш полковника Боги » ^[90], записи которого не сохранились . Однако CSIRAC играл стандартный репертуар и не использовался для расширения музыкального мышления или практики композиции, что является современной практикой компьютерной музыки.

Первой музыкой, которая была исполнена в Англии, было исполнение британского государственного гимна, которое было запрограммировано Кристофером Стрэчи на Ferranti Mark I в конце 1951 года. Позже в том же году короткие отрывки из трех пьес были записаны там внешней вещательной группой BBC. : национальный гимн, « Ba, Ba Black Sheep » и « In the Mood », и это признано как самая ранняя запись компьютера для воспроизведения музыки. Эту запись можно послушать на сайте Манчестерского университета . Исследователи из Кентерберийского университета в Крайстчерче удалили и восстановили эту запись в 2016 году, и результаты можно будет услышать на SoundCloud .^{[91] [92] [65]}

В конце 1950-х, 1960-х и 1970-х годах также был разработан синтез больших мэйнфреймов. Начиная с 1957 года Макс Мэтьюз из Bell Labs разработал программы MUSIC, кульминацией которых стал MUSIC V , язык прямого цифрового синтеза ^[93]

Laurie Spiegel разработал алгоритмическую музыкальную композицию программного обеспечения " Music Mouse " (1986) для Macintosh , Amiga и Atari компьютеров.

Живая электроника [ править ]

В Европе в 1964 году, Карлхайнц Штокхаузен состоит Mikrophonie I для TAM-TAM , ручных микрофонов, фильтры и потенциометры и Mixtur для оркестра, четыре синусоидальной волны генераторов, и четыре кольцевых модуляторов . В 1965 году он написал Mikrophonie II для хора, органа Хаммонда и кольцевых модуляторов. ^[94]

В 1966–67 Рид Газала открыл и начал преподавать « изгиб цепи » - применение творческого короткого замыкания, процесса случайного короткого замыкания, создания экспериментальных электронных инструментов, исследования звуковых элементов в основном тембра и с меньшим вниманием к высоте тона. или ритм, и под влиянием Джона Кейджа «s алеаторика [ так в оригинале ] концепции. ^[95]

Творческое искусство и музыкальная карьера Кози Фанни Тутти исследовали концепцию «приемлемой» музыки, и она продолжила исследовать использование звука как средства желания или дискомфорта. ^[96]

Венди Карлос исполнила отрывки из своего альбома Switched-On Bach на сцене на синтезаторе с Симфоническим оркестром Сент-Луиса ; другое живое выступление было с Kurzweil барокко ансамбль для «Баха в Маяке» в 1997 году ^{[ править ]}

В июне 2018 года Сюзанна Чиани выпустила концертный альбом LIVE Quadraphonic , в котором задокументировано ее первое сольное выступление на синтезаторе Buchla за 40 лет. Это был один из первых квадрофонических виниловых релизов за более чем 30 лет. ^[97]

Японские инструменты [ править ]

Этот раздел содержит контент, который написан как реклама . Пожалуйста, помогите улучшить его , удалив рекламный контент и неприемлемые внешние ссылки , а также добавив энциклопедический контент, написанный с нейтральной точки зрения . ( Июнь 2018 г. ) ( Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения )

В 1950-х годах ^{[98] [99]} японские электронные музыкальные инструменты начали оказывать влияние на международную музыкальную индустрию . ^{[100] [101]} Икутаро Какехаши , основавший Ace Tone в 1960 году, разработал свою собственную версию электронной перкуссии, которая уже была популярна на зарубежных электронных органах. ^[102] На NAMM 1964 он представил его как R-1 Rhythm Ace, перкуссионное устройство с ручным управлением, которое воспроизводило звуки электронных барабанов вручную, когда пользователь нажимал кнопки, аналогично современным электронным барабанным пэдам. ^{[102] [103] [104]}

В 1963 году Korg выпустила электромеханическую драм-машину Donca-Matic DA-20 . ^[105] В 1965 году компания Nippon Columbia запатентовала полностью электронную драм-машину. ^{[106] В} 1966 году Korg выпустила электронную драм-машину Donca-Matic DC-11, за которой последовала модель Korg Mini Pops , которая была разработана в качестве опции для электрического органа Yamaha Electone . ^[105] от Korg серии Stageman и мини Pops отличалось «естественные металлическими перкуссиями» звуками и включающими элементами управления для барабанных « разрывов и заполнения модулей .» ^[101]

В 1967 году Ace Тон основатель Айкутаро Кейкхаши запатентовал предустановленный генератор ритм-паттерна с использованием диодной матрицы схемы ^[107] , подобный Seeburg «ы до патент США 3358068 , поданной в 1964 году (см Барабан машины # истории ), который он выпустил в качестве FR- 1 драм-машина Rhythm Ace в том же году. ^[102] Он предлагал 16 предустановленных паттернов и четыре кнопки для ручного воспроизведения звука каждого инструмента ( тарелки , клавы , колокольчика и большого барабана.). Ритм-паттерны также можно было соединить каскадом, одновременно нажав несколько ритмических кнопок, и возможных комбинаций ритм-паттернов было больше сотни. ^[102] Драм-машины Rhythm Ace от Ace Tone нашли свое применение в популярной музыке с конца 1960-х, за ними последовали драм-машины Korg в 1970-х. ^[101] Позже Какехаши покинул Ace Tone и в 1972 году основал Roland Corporation , и синтезаторы и драм-машины Roland стали очень влиятельными в течение следующих нескольких десятилетий. ^[102] Компания продолжит оказывать большое влияние на популярную музыку и сделает больше для формирования популярной электронной музыки, чем любая другая компания.^[104]

Тернтаблизм берет свое начало в изобретении вертушек с прямым приводом . Ранние вертушки с ременным приводом были непригодны для вертушки, так как у них было медленное время запуска, они были склонны к износу и поломкам, так как ремень порвался из-за обратного вращения или царапин. ^[108] Первый проигрыватель виниловых пластинок с прямым приводом был изобретен Шуичи Обатой, инженером компании Matsushita (ныне Panasonic ) ^[109] из Осаки , Япония . В нем не использовались ремни, а вместо этого использовался двигатель, который непосредственно приводил в движение диск, на котором покоится виниловая пластинка. ^[110] В 1969 году Мацусита выпустил его как SP-10 ,^[110] первый проигрыватель виниловых пластинок с прямым приводом на рынке, ^[111] и первый в их влиятельнойсерии проигрывателей Technics . ^[110] На смену ему пришли Technics SL-1100 и SL-1200 в начале 1970-х, и они были широко приняты хип-хоп музыкантами , ^[110] при этом SL-1200 оставался наиболее широко используемым проигрывателем в диджейской культуре в течение нескольких десятилетия. ^[112]

Ямайская даб-музыка [ править ]

На Ямайке в 1960-х годах возникла форма популярной электронной музыки - даб-музыка , уходящая корнями в культуру звуковых систем . Дубовая музыка была впервые создана студийными инженерами, такими как Сильван Моррис, Кинг Табби , Эррол Томпсон , Ли «Скретч» Перри и Ученый , которые производили экспериментальную музыку с влиянием регги с использованием электронных звуковых технологий в студиях звукозаписи и на вечеринках со звуковой системой. ^[113] Их эксперименты включали формы композиции на основе кассет, сравнимые с аспектами musique concrète., акцент на повторяющихся ритмических структурах (часто лишенных их гармонических элементов), сопоставимых с минимализмом , электронная манипуляция пространством, звуковая электронная обработка предварительно записанных музыкальных материалов из средств массовой информации, ди-джеи, поджаривающие предварительно записанную музыку, сравнимую с живой электронной музыка , ^[113] ремикширование музыки, ^[114] тернтаблизм , ^[115] и микширование и скретчинг винила. ^[116]

Несмотря на ограниченное количество электронного оборудования, доступного для пионеров дубляжа, таких как Кинг Табби и Ли «Скретч» Перри, их эксперименты в культуре ремиксов были передовыми в музыкальном плане. ^[114] Кинг Табби, например, был владельцем звуковой системы и техником по электронике, чья небольшая передняя студия в гетто Уотерхаус на западе Кингстона была ключевым местом создания даб-музыки. ^[117]

Конец 1960-х - начало 1980-х годов [ править ]

Расцвет популярной электронной музыки [ править ]

В конце 1960-х годов поп- и рок-музыканты , в том числе Beach Boys и The Beatles , начали использовать электронные инструменты, такие как терменвокс и меллотрон , чтобы дополнить и определить свое звучание. В своей книге « Электронная и экспериментальная музыка» Том Холмс признает запись « Tomorrow Never Knows » группы Битлз в 1966 году как песню, которая «открыла новую эру в использовании электронной музыки в рок и поп-музыке» благодаря включению в группу кассет. петли и звуки ленты с обратной и регулируемой скоростью. ^[118] Также в конце 1960-х годов музыкальный дуэт Silver Applesи экспериментальные рок-группы, такие как White Noise и Соединенные Штаты Америки , считаются пионерами в жанрах электронного рока и электроники за их работу по объединению психоделического рока с осцилляторами и синтезаторами. ^{[119] [120] [121]}

" Popcorn " Гершона Кингсли, сочиненный в 1969 году, стал первым международным танцевальным хитом электронной музыки, популяризированным Hot Butter в 1972 году (что привело к волне популярности жевательной резинки в последующие годы).

К концу 1960-х синтезатор Moog занял ведущее место в звучании зарождающегося прогрессивного рока, и такие группы, как Pink Floyd , Yes , Emerson, Lake & Palmer и Genesis, сделали их частью своего звучания. Инструментальный прог-рок имел особое значение в континентальной Европе, позволив таким группам, как Kraftwerk , Tangerine Dream , Can , Neu! , и Фауст, чтобы обойти языковой барьер. ^[122] Их тяжелый синтезаторный " краутрок " вместе с работами Брайана Ино.(какое-то время клавишник в Roxy Music ) оказал большое влияние на последующий электронный рок . ^[123]

Эмбиентный даб был впервые предложен Кингом Табби и другими звуковыми артистами Ямайки с использованием ди-джеевской эмбиент- электроники, дополненной пропаданиями, эхом, эквализацией и психоделическими электронными эффектами. Он показал техники наложения и включил элементы мировой музыки , глубокие басовые линии и гармонические звуки. ^[124] Также использовались такие методы, как длительная задержка эха. ^[125] Другие известные художники в этом жанре включают Dreadzone , Higher Intelligence Agency , The Orb , Ott , Loop Guru , Woob и Transglobal Underground.. ^[126]

Дубовая музыка повлияла на электронные музыкальные приемы, позже принятые в хип-хоп музыке , когда ямайский иммигрант ди-джей Кул Херк в начале 1970-х годов познакомил Америку с культурой звуковой системы Ямайки и техниками даб-музыки. Одна из таких техник, которая стала популярной в культуре хип-хопа, заключалась в попеременном воспроизведении двух копий одной и той же записи на двух вертушках, расширяя любимую секцию би-танцоров . ^[127] В конце концов проигрыватель стал самым заметным электронным музыкальным инструментом, а иногда и самым виртуозным в 1980-х и 1990-х годах. ^[115]

Электронный рок был также произведен несколькими японскими музыкантами, в том числе Исао Томита «s Electric Samurai: Включается Rock (1972), который показал Moog синтезатор выдач современной поп и рок - песен, ^[128] и Осаму Kitajima » s прогрессивный рок - альбом Benzaiten ( 1974). ^[129] В середине 1970-х годов произошел подъем музыкантов в области электронного искусства, таких как Жан Мишель Жарр , Вангелис , Томита и Клаус Шульце, которые оказали значительное влияние на развитие музыки нью-эйдж . ^[124] привет-текОбращение к этим работам создало на несколько лет тенденцию перечислять электронное музыкальное оборудование, используемое в обложках альбомов, как отличительную черту. Электронная музыка стала регулярно появляться в радиопрограммах и лидировать в хит-парадах, как и французская группа Space с их синглом 1977 года Magic Fly . ^[130]

В ту эпоху звучание рок-музыкантов, таких как Майк Олдфилд и The Alan Parsons Project (которому приписывают первую рок-песню с цифровым вокодером в 1975 году, The Raven ), обычно аранжировалось и смешивалось с электронными эффектами и / или музыкой. ну, который стал гораздо более заметным в середине 1980-х годов. Джефф Уэйн добился длительного успеха ^[131], выпустив в 1978 году электронную рок-музыкальную версию «Войны миров» .

Фильм саундтреки также выгоду от электронного звука. В 1977 году Джин Пейдж записала диско-версию популярной темы Джона Уильямса из фильма Стивена Спилберга « Близкие контакты третьего рода» . Версия Пейджа достигла своего пика на R & B чарте на # 30 в 1978. Счет 1978 фильма Полуночный экспресс состоит итальянский синтезатор - пионер Giorgio Moroder получил премию Американской киноакадемии за лучший оригинальный саундтрек в 1979 году , как это сделал его еще раз в 1981 году счет на Vangelis для Огненные колесницы .

После прихода панк-рока возникла форма базового электронного рока, в котором все чаще используются новые цифровые технологии для замены других инструментов. Американский дуэт Suicide , возникший на панк-сцене Нью-Йорка, использовал драм-машины и синтезаторы в гибрид электроники и панка на своем одноименном альбоме 1977 года . ^[132]

Группы-пионеры синти -попа, которые пользовались успехом в течение многих лет, включали Ultravox с треком 1977 года "Hiroshima Mon Amour" на песне Ha! -Ha! -Ha! , ^[133] Yellow Magic Orchestra с их одноименным альбомом (1978), The Buggles с их выдающимся дебютным синглом 1979 года Video Killed the Radio Star , ^[134] Гэри Нуман с его сольным дебютным альбомом The Pleasure Principle и синглом Cars в 1979 году, ^[135] Orchestral Maneuvers in the Dark с их синглом 1979 года Electricity, включенным в их одноименный дебютный альбом., Depeche Mode с их первым синглом Dreaming of Me, записанным в 1980 году и выпущенным в 1981 году альбомом Speak & Spell , ^[136] A Flock of Seagulls с их синглом 1981 года Talking , ^[137] New Order with Ceremony ^[138] в 1981 году и The Human League с их хитом 1981 года Don't You Want Me из дебютного альбома Dare . ^[139]

Определение MIDI и развитие цифрового аудио сделали развитие чисто электронных звуков гораздо проще, ^[140] с аудио инженеров , производителями и композиторами , исследующих часто возможности практически в каждой новой модели электронного звукового оборудования , запущенных производителями. В синти-попе иногда использовались синтезаторы для замены всех других инструментов, но чаще в группах было несколько клавишников в составе вместе с гитаристами, басистами и / или барабанщиками. Эти разработки привели к росту синти-попа, который после того, как он был принят Новым романтиком.движение, позволило синтезаторам доминировать в поп- и рок-музыке начала 1980-х, пока стиль не начал терять популярность в середине и конце десятилетия. ^[139] Наряду с вышеупомянутыми успешными пионерами, ключевыми участниками были Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan и Eurythmics .

Синти-поп стал популярным по всему миру, с международными хитами для групп, включая Men Without Hats , Trans-X и Lime из Канады, Telex из Бельгии, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda и Alphaville из Германии, Yello из Швейцарии и Azul y Negro из Испании. Также синтезаторный звук - ключевая особенность Итало-диско .

Некоторые синти-поп-группы создали себе футуристические визуальные стили, чтобы укрепить идею электронных звуков, связанных в первую очередь с технологиями, как, например, американцы Devo и испанцы Aviador Dro .

Клавишные синтезаторы стали настолько распространены , что даже хэви - метал рок - группы, жанр часто рассматривается как противоположность в эстетике, звука и образа жизни от того электронных артистов эстрады поклонники обеих сторон достигли успех во всем мире с тем , как 1983 Перейти ^[141] по Ван Halen и 1986 The Final Countdown ^[142] от Europe , в которых преобладают синтезаторы.

Распространение исследовательских институтов электронной музыки [ править ]

Elektronmusikstudion  ^{[ sv ]} (EMS), ранее известный в Швеции как Electroacoustic Music, является шведским национальным центром электронной музыки и звукового искусства . Исследовательская организация была основана в 1964 году и базируется в Стокгольме.

STEIM - это центр исследований и разработок новых музыкальных инструментов в области электронного исполнительского искусства, расположенный в Амстердаме, Нидерланды. STEIM существует с 1969 г. Он был основан Миши Менгельберга , Луи Андриссена , Питер Schat , Дик Raaymakers , Ян ван Влеймена  ^{[ п ]} , Рейнберт де Леу и Конрада Boehmer. Эта группа голландских композиторов боролась за реформирование феодальных музыкальных структур Амстердама; они настояли на назначении Бруно Мадерны музыкальным руководителем оркестра Концертгебау и добились первого государственного финансирования экспериментальной и импровизированной электронной музыки в Нидерландах.

IRCAM в Париже стал крупным центром компьютерных музыкальных исследований, реализации и развития компьютерной системы Sogitec 4X ^{[143], в} которой использовалась революционная цифровая обработка сигналов в реальном времени. « Репоны» Пьера Булеза (1981) для 24 музыкантов и 6 солистов использовали 4X для трансформации и направления солистов к акустической системе.

Барри Верко описывает один из своих опытов с ранними компьютерными звуками:

В IRCAM в Париже в 1982 году, флейтист Ларри Борегард соединил свою флейту DiGiugno в 4X аудиопроцессор, что позволяет в режиме реального времени шаг следования. На Guggenheim в то время, я распространил эту концепцию в режиме реального времени счетов следования с автоматическим синхронизированным сопровождением, и в течение следующих двух лет Ларри и я дал многочисленные демонстрации компьютера в качестве камерного музыканта, играющий Handel флейты сонаты, Булез ' s Сонатина для флейты и фортепиано и к 1984 году мой собственный Synapse IIдля флейты и компьютера - первая пьеса, написанная специально для такой установки. Основная проблема заключалась в поиске правильных программных конструкций для поддержки высокочувствительного и отзывчивого сопровождения. Все это было до-MIDI, но результаты были впечатляющими, даже несмотря на то, что большие дозы Tempo rubato постоянно удивляли моего Synthetic Performer . В 1985 году мы решили проблему с темпом Rubato, включив обучение на репетициях (каждый раз, когда вы играли таким образом, машина становилась лучше). Мы также теперь следили за скрипкой, так как наш блестящий молодой флейтист заболел смертельным раком. Более того, эта версия использовала новый стандарт под названием MIDI, и здесь мне умело помог бывший студент Миллер Пакетт, чьи первоначальные концепции для этой задачи он позже расширил в программу под названиемМАКС . ^[145]

Клавишные синтезаторы [ править ]

Выпущенный в 1970 году компанией Moog Music , Mini-Moog был одним из первых широко доступных, портативных и относительно доступных синтезаторов. Когда-то он стал самым широко используемым синтезатором в то время как в популярной, так и в электронной художественной музыке. ^[146] Патрик Глисон , выступая вживую с Херби Хэнкоком в начале 1970-х, впервые применил синтезаторы в гастрольных поездках, где они подвергались стрессам, для которых не были предназначены ранние машины. ^{[147] [148]}

В 1974 году WDR студия в Кельне приобрела EMS Synthi 100 синтезатор, который ряд композиторов , используемый для получения заметных электронных работ, в том числе Рольф Джелхаар «s Пяти немецких танцев (1975), KARLHEINZ Штокхаузена Сириус (1975-76), и Джон McGuire «S Pulse Music III (1978). ^[149]

Благодаря миниатюризации электроники в 1970-х, к началу 1980-х клавишные синтезаторы стали легче и доступнее, объединив в одном тонком устройстве всю необходимую электронику аудиосинтезатора и саму клавиатуру в стиле фортепиано, что резко контрастировало с громоздким оборудованием и " кабельная спагетти " использовалась в 1960-х и 1970-х годах. Сначала с аналоговыми синтезаторами, затем последовала тенденция и с цифровыми синтезаторами и сэмплерами (см. Ниже).

Цифровой синтез [ править ]

В 1975 году японская компания Yamaha лицензировала алгоритмы частотно-модулирующего синтеза (FM-синтез) у Джона Чоунинга , который экспериментировал с ним в Стэнфордском университете с 1971 года. ^{[150] [151]} Инженеры Yamaha начали адаптировать алгоритм Чоунинга для использования в цифровых устройствах. синтезатор, добавив такие улучшения, как метод «масштабирования ключа», чтобы избежать искажений, которые обычно возникают в аналоговых системах во время частотной модуляции . ^[152]

В 1980 году Yamaha выпустила первый цифровой FM-синтезатор Yamaha GS-1, но по дорогой цене. ^[153] В 1983 году Yamaha представила первый автономный цифровой синтезатор DX7 , который также использовал FM-синтез и стал одним из самых продаваемых синтезаторов всех времен. ^[150] DX7 был известен своими узнаваемыми яркими тонами, отчасти из-за сверхвысокой частоты дискретизации 57 кГц. ^[154]

Korg Poly-800 синтезатор выпущен Korg в 1983 году его начальной цене $ 795 сделал это первый полностью программируемый синтезатор , который продается по цене менее $ 1000. Он имел 8-голосную полифонию с одним осциллятором с цифровым управлением (DCO) на голос.

Casio CZ-101 был первым и самым продаваемым фазовых искажений синтезатор в Casio CZ линии. Выпущенный в ноябре 1984 года, он был одним из первых (если не первым) полностью программируемых полифонических синтезаторов, доступных по цене менее 500 долларов.

Roland D-50 представляет собой цифровой синтезатор производства Roland и выпущен в апреле 1987 года Его функции включают в себя отнимающий синтез , на борту эффекты, джойстик для манипулирования данными, а также аналоговый синтез-стилизованный дизайн макета. Внешний программатор Roland PG-1000 (1987-1990) также может быть присоединен к D-50 для более сложных манипуляций с его звуками.

Сэмплеры [ править ]

Пробоотборник представляет собой электронный или цифровой музыкальный инструмент , который использует звуковые записи (или « образцы ») звуков реальных инструментов (например, фортепиано, скрипка или труба), отрывки из записанных песен (например, пять-вторых бас - гитаре рифф из фанковая песня) или найденные звуки (например, сирены и океанские волны). Образцы загружаются или записываются пользователем или производителем. Затем эти звуки воспроизводятся с помощью самой программы сэмплера, MIDI-клавиатуры , секвенсора или другого триггерного устройства (например, электронных ударных) исполнять или сочинять музыку. Поскольку эти образцы обычно хранятся в цифровой памяти, к информации можно быстро получить доступ. Один сэмпл часто может быть смещен на разные высоты звука для создания музыкальных гамм и аккордов .

До появления сэмплеров на основе компьютерной памяти музыканты использовали магнитофонную клавиатуру, которая хранит записи на аналоговой ленте. При нажатии клавиши головка ленты контактирует с движущейся лентой и воспроизводит звук. Mellotron был наиболее заметная модель, используется рядом групп в конце 1960 - х и 1970 - х лет, но такие системы были дорогими и тяжелым из - за многочисленные механизмы магнитофонов , участвующих, и диапазон инструмента был ограничен три октав на наиболее. Для изменения звуков в инструмент нужно было установить новый набор лент. Появление цифрового семплера сделало семплирование гораздо более практичным.

Самая ранняя цифровая выборка была сделана в системе EMS Musys, разработанной Питером Грогоно (программное обеспечение), Дэвидом Кокереллом (аппаратное обеспечение и интерфейс) и Питером Зиновьевым (разработка и эксплуатация системы) в их London (Putney) Studio c. 1969 г.

Первый коммерчески доступный синтезатор выборки был Computer Music Melodian по Гарри Mendell (1976).

Первый выпущенный в 1977-78, ^[155] Synclavier я с помощью синтеза FM , повторно лицензирован от Yamaha , ^[156] и продаются в основном в университетах, оказались весьма влиятельным как среди электронных музыкальных композиторов и музыкальных продюсеров, в том числе Майк Торн , ранний последователь из мира коммерции благодаря своей универсальности, передовым технологиям и отличительным звукам.

Первым полифоническим цифровым синтезатором сэмплирования был Fairlight CMI австралийского производства , впервые доступный в 1979 году. Эти первые синтезаторы сэмплирования использовали синтез на основе сэмплов с волновой таблицей . ^[157]

Рождение MIDI [ править ]

В 1980 году группа музыкантов и торговцев музыкой встретились, чтобы стандартизировать интерфейс, который новые инструменты могут использовать для передачи команд управления другим инструментам и компьютерам. Этот стандарт получил название Musical Instrument Digital Interface ( MIDI ) и явился результатом сотрудничества между ведущими производителями, первоначально Sequential Circuits , Oberheim , Roland, а затем и другими участниками, в том числе Yamaha , Korg и Kawai . ^[158] Статья была написана Дэйвом Смитом из Sequential Circuits и предложена Audio Engineering Society. в 1981 году. Затем, в августе 1983 года, была завершена спецификация MIDI 1.0.

Технология MIDI позволяет одним нажатием клавиши, движением колеса управления, движением педали или командой с микрокомпьютера активировать каждое устройство в студии удаленно и синхронно, при этом каждое устройство реагирует в соответствии с условиями, заранее определенными композитором.

MIDI-инструменты и программное обеспечение сделали мощное управление сложными инструментами доступным для многих студий и частных лиц. Акустические звуки стали реинтеграция в студию с помощью отбора проб и выборки-ROM на основе инструментов.

Миллер Пакетт разработал программное обеспечение для обработки графических сигналов для 4X под названием Max (в честь Макса Мэтьюса ) и позже перенесло его на Macintosh (с Дэйвом Зикарелли, расширившим его для Opcode ) ^[159] для управления MIDI в реальном времени, что сделало доступным алгоритмическую композицию для большинства композиторов скромный фон компьютерного программирования.

Секвенсоры и драм-машины [ править ]

Фактическая точность этой статьи оспаривается . Соответствующее обсуждение можно найти на странице обсуждения . Пожалуйста, помогите обеспечить надежный источник спорных заявлений . ( Декабрь 2011 г. ) ( Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения )

В начале 1980-х годов наблюдался рост басовых синтезаторов , наиболее влиятельным из которых был Roland TB-303 , басовый синтезатор и секвенсор, выпущенный в конце 1981 года, который позже стал неотъемлемой частью электронной танцевальной музыки , ^[160] особенно эйсид-хауса . ^[161] Одним из первых, кто использовал его, был Чаранджит Сингх в 1982 году, хотя он не был популяризирован до выхода Phuture " Acid Tracks " в 1987 году. ^[161] Музыкальные секвенсоры начали использовать примерно в середине 20-го века, а Tomita's - альбомы середины 1970-х годов являются более поздними примерами. ^[128]В 1978 годе , Yellow Magic Orchestra использовал компьютерную -А технологию в сочетании с синтезатором для производства популярной музыки, ^[162] что делает их раннее использование микропроцессора - Roland MC-8 Microcomposer секвенсор. ^{[163] [164] [ неудачная проверка ]}

Драм-машины , также известные как ритм-машины, также начали использоваться примерно в конце 1950-х, более поздним примером является прогрессивный рок-альбом Осаму Китадзимы Benzaiten (1974), в котором ритм-машина использовалась вместе с электронными барабанами и синтезатором. ^[129] В 1977 году , Ultravox «ы„ Хиросима Mon Amour “был одним из первых синглов использовать метроном -как перкуссии из Roland TR-77 драм - машины. ^[133] В 1980 году Roland Corporation выпустила TR-808 , один из первых и самых популярных программируемыхдрам-машины . Первая группа , чтобы использовать это Yellow Magic Orchestra в 1980 году, и позже получить широкую известность с выходом Marvin Gaye «s„ Sexual Healing “и Afrika Bambaataa » s „ Planet Rock “ в 1982 г. ^[165] The TR - 808 был основным инструментом на поздней Детройтской техно-сцене конца 1980-х, и был выбранной драм-машиной для Деррика Мэя и Хуана Аткинса . ^[166]

Chiptunes [ править ]

Характерный lo-fi звук музыки для чипов изначально был результатом технических ограничений ранних компьютерных звуковых чипов и звуковых карт ; однако звук с тех пор стал востребован сам по себе.

Обычные лубочные звуковые чипы из первых домашних компьютеров 1980 - х годов включают SID в Commodore 64 и General Instrument AY серии и клонов (как Yamaha YM2149) , используемый в ZX Spectrum , Amstrad CPC , MSX Compatibles и Atari ST моделей, среди прочего , .

Конец 1980-х - 1990-е годы [ править ]

Расцвет танцевальной музыки [ править ]

Синти-поп продолжался до конца 1980-х, с форматом, который приблизился к танцевальной музыке, включая работу таких групп, как британские дуэты Pet Shop Boys , Erasure и The Communards , добившиеся успеха на протяжении большей части 1990-х.

Эта тенденция сохраняется и по сей день: современные ночные клубы по всему миру регулярно исполняют электронную танцевальную музыку (EDM). Сегодня у электронной танцевальной музыки есть радиостанции, ^[167] веб-сайты ^[168] и такие издания, как Mixmag, посвященные исключительно этому жанру. Более того, этот жанр приобрел коммерческое и культурное значение в Соединенных Штатах и ​​Северной Америке благодаря чрезвычайно популярному звуку big room house / EDM, который был включен в американскую поп-музыку ^[169], и росту масштабных коммерческих рейвов, таких как как Electric Daisy Carnival , Tomorrowland и Ultra Music Festival .

Достижения [ править ]

Среди других недавних разработок - композиция Тода Мачовера (Массачусетский технологический институт и IRCAM) Begin Again Again для « hypercello », интерактивной системы датчиков, измеряющих физические движения виолончелиста. Макс Мэтьюз разработал программу "Conductor" для управления темпом, динамикой и тембром в реальном времени электронной партитуры перед вводом. Мортон Суботник выпустил мультимедийный компакт-диск « Все мои колибри имеют алиби» .

2000-е и 2010-е [ править ]

По мере того, как компьютерные технологии становятся более доступными, а музыкальное программное обеспечение развивается, взаимодействие с технологиями производства музыки теперь возможно с использованием средств, не имеющих никакого отношения к традиционным методам музыкального исполнения : ^[170] например, исполнение на ноутбуке ( Laptronica ), ^[171] живое кодирование ^[172] и Algorave . В общем, термин Live PA относится к любому живому исполнению электронной музыки, будь то с ноутбуками, синтезаторами или другими устройствами.

Примерно с 2000 года появился ряд программных виртуальных студийных сред, и такие продукты, как Reason от Propellerhead и Ableton Live, стали популярными. ^[173] Такие инструменты представляют собой жизнеспособные и рентабельные альтернативы типичным производственным студиям, основанным на аппаратном обеспечении, а благодаря достижениям в области микропроцессорных технологий теперь можно создавать музыку высокого качества, используя немногим более одного портативного компьютера. Такие достижения демократизировали создание музыки, ^[174]что привело к значительному увеличению количества домашней электронной музыки, доступной для широкой публики через Интернет. Программные инструменты и блоки эффектов (так называемые «плагины») могут быть включены в компьютерную студию с использованием платформы VST. Некоторые из этих инструментов являются более или менее точными копиями существующего оборудования (например, Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 или Korg M1). Во многих случаях эти программные инструменты акустически неотличимы от своих физических аналогов. ^{[ требуется уточнение ] [ необходима цитата ]}

Гибка контуров [ править ]

Изгиб схемы - это модификация игрушек и синтезаторов с батарейным питанием для создания новых непредвиденных звуковых эффектов. Он был впервые предложен Ридом Газалой в 1960-х годах, а в 1992 году Рид придумал название «изгиб контура» ^[175].

Возрождение модульного синтезатора [ править ]

Следуя культуре гибких схем, музыканты также начали создавать свои собственные модульные синтезаторы, что вызвало новый интерес к конструкциям начала 1960-х годов. Eurorack стал популярной системой.

См. Также [ править ]

• Клавиолин
• Электронный мешок
• Список жанров электронной музыки
• Новые интерфейсы для музыкального выражения
• Ондиолайн
• Звуковая скульптура
• Спектральная музыка
• Музыка трекера
• Хронология жанров электронной музыки

Живая электронная музыка

• Список фестивалей электронной музыки
• Живая электронная музыка
• Звуковая установка
• Audium (театр)
• Музыкальный жанр
• Поп-музыка

Сноски [ править ]

Источники [ править ]

Дальнейшее чтение [ править ]

Внешние ссылки [ править ]

В Wikiquote есть цитаты, связанные с: Электронной музыкой

• СМИ, связанные с электронной музыкой, на Викискладе?
• История электроакустической музыки - Хронология
• Фонд электронной музыки
• История и развитие электронной музыки