Индийская живопись

Индийская живопись

По часовой стрелке от верхнего левого угла : Радха (1650 г.), фреска Аджанты (450 г.), индуистская иконография (1710 г.), Шакунтала (1870 г.).

Индийская живопись имеет очень давние традиции и историю в индийском искусстве , хотя из-за климатических условий сохранилось очень мало ранних примеров. ^[1] Самыми ранними индийскими картинами были наскальные рисунки доисторических времен, такие как петроглифы, найденные в таких местах, как скальные убежища Бхимбетка . Некоторым из наскальных рисунков каменного века, найденных среди скальных убежищ Бхимбетки, приблизительно 10 000 лет.

В древней индуистской и буддийской литературе Индии есть много упоминаний о дворцах и других зданиях, украшенных картинами ^[2], но картины пещер Аджанты являются наиболее значительными из немногих, сохранившихся до наших дней. Роспись рукописей меньшего масштаба, вероятно, также практиковалась в этот период, хотя самые ранние сохранившиеся остатки относятся к средневековому периоду. ^[1] Новый стиль был представлен с живописью Великих Моголов , представляющей слияние персидской миниатюры с более ранними индийскими традициями, а с 17 века этот стиль распространился по индийским княжеским дворам всех религий, каждая из которых развивала свой местный стиль. Картины компаниибыли сделаны для британских клиентов под британским правлением , которое с 19 века также ввело художественные школы по западному образцу. Это привело к современной индийской живописи, которая все чаще возвращается к своим индийским корням.

Индийские картины можно в целом разделить на фрески, миниатюры и картины на ткани. Фрески - это большие работы, выполненные на стенах твердых конструкций, как в пещерах Аджанты и храме Кайлашнатх. Миниатюрные картины выполняются в очень маленьком масштабе для книг или альбомов на скоропортящемся материале, таком как бумага и ткань. Следы фресок, выполненные в технике, напоминающей фрески , сохранились в ряде мест с индийской архитектурой , высеченной в скалах , возрастом не менее 2000 лет, но останки 1-го и 5-го веков в пещерах Аджанты являются наиболее значительными. ^[3]

Картины на ткани часто производится в более популярном контексте, часто народного искусства , используется, например , при путешествии чтецов эпической поэзии, такие как Bhopas из Раджастана и Chitrakathi в других местах, а также приобрести в качестве сувениров паломничеств. Очень немногие пережитки старше 200 лет, но очевидно, что традиции намного старше. Некоторые региональные традиции все еще создают произведения. ^[4]

Обзор основных жанров [ править ]

Кажется очевидным, что миниатюрная живопись, часто иллюстрирующая рукописи, имеет очень долгую историю ^[5], но джайнские миниатюры примерно XII века, в основном из Западной Индии, и немного более ранние буддийские миниатюры из Империи Пала на востоке являются самыми древними из известных. выживать. ^[6] Подобные индуистские иллюстрации сохранились примерно с 15 века на западе и с 16 века в Восточной Индии, ^[7] к тому времени миниатюра Моголов под руководством Акбара также иногда иллюстрировала переводы на персидский язык индуистских эпосов и других предметов. ^[8]

Великий период придворной живописи Великих Моголов начинается с возвращения Хумаюна из изгнания в Персии в 1555 году, когда он привел с собой персидских художников. Он заканчивается во время правления Аурангзеба, который довольно не одобрял живопись по религиозным причинам и распустил большую имперскую мастерскую, возможно, к 1670 году. Художники рассредоточились по меньшим княжеским дворам, как мусульманским, так и индуистским, и стиль «пост-Моголов» развился в много местных вариантов. ^[9] Сюда входили различные школы живописи Раджастана, такие как Бунди, Кишангарх, Джайпур, Марвар и Мевар. Картины Рагамалы также принадлежат этой школе, как и более поздние картины Компании, созданные для британских клиентов в середине 18 века.

В современном индийском искусстве в 1930-х годах возникла бенгальская художественная школа, за которой последовали многие формы экспериментов в европейском и индийском стилях. После обретения Индией независимости многие новые жанры искусства разработали такие известные художники, как Джамини Рой, М. Ф. Хусейн , Фрэнсис Ньютон Соуза и Васудео С. Гайтонде . С развитием экономики формы и стили искусства также претерпели множество изменений. В 1990-х годах индийская экономика была либерализована и интегрирована в мировую экономику, что привело к свободному потоку культурной информации внутри и снаружи. Художники: Субодх Гупта , Атул Додия , Деваджьоти Рэй , Босе Кришнамачари иДжитиш Каллат , работы которого выставлялись на аукционах на международных рынках. Бхарти Дайал решила обработать традиционную живопись Митхилы самым современным способом и создала свой собственный стиль с помощью упражнений собственного воображения, они кажутся свежими и необычными.

История индийской живописи [ править ]

Доисторические наскальные рисунки [ править ]

Доисторические рисунки обычно выполнялись на скалах, и эти наскальные рисунки назывались петроглифами . Эти картины обычно изображают животных, таких как бизоны, пиво, тигры и т. Д. ^[10] Самые старые индийские рисунки - это наскальные рисунки в пещерах, которым около 30 000 лет, такие как наскальные рисунки Бхимбетка . ^[11]

Фрески [ править ]

История индийских фресках начинается в древних и раннесредневековых времен, от века до нашей эры 2 - го до 8 - го - 10 -го века нашей эры. В Индии известно более 20 мест с фресками того периода, в основном это естественные пещеры и высеченные в скалах камеры. Наивысшими достижениями этого времени являются пещеры Аджанта , Баг , Ситтанавасал , пещера Армамалаи (Тамил Наду), каменное убежище Раван Чхая , храм Кайласанатха в пещерах Эллора .

Фрески этого периода изображают в основном религиозные темы буддийской, джайнской и индуистской религий. Однако есть также места, где были написаны картины для украшения мирских помещений, например, древний театральный зал в пещере Джогимара и, возможно, королевский охотничий домик около 7 века нашей эры - каменное убежище Раван Чхая.

Образец крупномасштабной настенной живописи, который доминировал в этой сцене, стал свидетелем появления миниатюрных картин в XI и XII веках. Этот новый стиль впервые проявился в виде иллюстраций, выгравированных на рукописях на пальмовых листах. В содержание этих рукописей входила литература по буддизму и джайнизму. В восточной Индии основными центрами художественной и интеллектуальной деятельности буддийской религии были Наланда, Одантапури, Викрамшила и Сомарпура, расположенные в королевстве Пала (Бенгалия и Бихар).

Миниатюры до Великих Моголов [ править ]

Ранние пережитки переносных индийских картин представляют собой миниатюры текстов (в подавляющем большинстве) или нарисованных предметов, таких как коробки. Несмотря на значительные доказательства того, что существовали более крупные картины на ткани (известные как пата ), и действительно сохранившиеся тексты, в которых обсуждается, как их создавать, известно, что ни одна средневековая индийская картина на ткани не сохранилась, если только некоторые буддийские картины не были приняты за тибетские ^{[12]. ]} или из Средней Азии. На некоторых изображениях, обнаруженных сэром Аурелем Штайном, изображены индуистские божества (большинство из них буддийские). ^[1]

Восточная Индия [ править ]

В восточной Индии миниатюрная живопись сохранилась с 10 века. Эти миниатюры, изображающие буддийских божеств и сцены из жизни Будды, были нарисованы на листьях (примерно 2,25 на 3 дюйма) рукописей на пальмовых листьях, а также на их деревянных обложках. Наиболее распространенные буддийский проиллюстрирована рукописи включают тексты Astasahasrika Праджняпарамите , ^[13] Pancharaksa , Karandavyuha и Калачакра Тантры . Самые ранние из сохранившихся миниатюр находятся в рукописи Астасахасрика Праджняпарамиты, датируемой шестым годом правления Махипалы (ок. 993 г.), в настоящее время принадлежащей Азиатскому обществу., Калькутта. Этот стиль исчез из Индии в конце 12 века.

Влияние восточно-индийских картин можно увидеть в различных буддийских храмах Багана , Мьянма, особенно в храме Абейядана, который был назван в честь королевы-супруги Мьянмы, Абейаданы, которая сама имела индийские корни, и храма Губьяукджи . ^[14] Влияния восточно-индийской живописи также можно отчетливо проследить в тибетских картинах тханка . ^[15]

Западная Индия [ править ]

Сохранившиеся иллюстрированные рукописи из Западной Индии, в основном из Гуджарата , датируются примерно 11 веком, но в основном относятся к 13 веку и позже. Первоначально сохранившиеся примеры - все джайны . К 15 веку они становились все более и более щедрыми, с большим использованием золота. ^[16]

Наиболее часто иллюстрированным рукописным текстом является Кальпа-сутра , содержащая биографии тиртханкаров , особенно Паршванатха и Махавиры . Иллюстрации представляют собой квадратные панели, расположенные в тексте, с «жестким рисунком» и «блестящим, даже подобным драгоценному камню цветом». Фигуры всегда видны в трех четвертях обзора с характерными «длинными заостренными носами и выпученными глазами». Существует соглашение, согласно которому более дальняя сторона лица выступает вперед, так что видны оба глаза. ^[17]

Шаданга индийской живописи [ править ]

Древние тексты определили шесть важных аспектов живописи. Эти «Шесть конечностей» были переведены следующим образом: ^[18]

1. Рупабхеда . Знание явлений.
2. Праманам Правильное восприятие, мера и структура.
3. Бхава Действие чувств на формы.
4. Лаванья Йоджанам Влияние изящества, художественное воплощение .
5. Sadrisyam Similitude.
6. Варникабханга Художественная манера использования кисти и красок. (Тагор.)

Последующее развитие живописи буддистами указывает на то, что эти «Шесть конечностей» применялись на практике индийскими художниками и являются основными принципами, на которых основывалось их искусство.

Ранний современный период (1526–1857 гг. Н. Э.) [ Править ]

Картина Моголов [ править ]

Живопись Моголов - это стиль индийской живописи, обычно ограниченный иллюстрациями к книге и выполненный в миниатюрах, который возник, развился и сформировался в период Империи Великих Моголов между 16 и 19 веками. ^[19] Стиль Великих Моголов находился под сильным влиянием персидских миниатюр и, в свою очередь, оказал влияние на несколько индийских стилей, включая стили живописи Раджпут , Пахари и Декан .

Картины Моголов представляли собой уникальное сочетание индийского, персидского и исламского стилей. Поскольку короли Великих Моголов хотели получить визуальные записи о своих действиях в качестве охотников и завоевателей, их художники сопровождали их в военных экспедициях или государственных миссиях, или записывали их доблесть как убийцы животных, или изображали их в великих династических церемониях бракосочетания. ^[20]

Правление Акбара (1556–1605) открыло новую эру в индийской миниатюрной живописи. ^[21] После того, как он укрепил свою политическую власть, он построил новую столицу в Фатехпур-Сикри, где собрал художников из Индии и Персии. Он был первым монархом, который основал в Индии ателье под руководством двух персидских мастеров-художников, Мир Сайеда Али и Абдуса Самада . Раньше они оба служили под патронажем Хумаюна в Кабуле и сопровождали его в Индию, когда он вновь занял свой трон в 1555 году. На работу было нанято более сотни художников, большинство из которых были из Гуджарата, Гвалиора и Кашмира, которые родили ребенка. в новую школу живописи, широко известную как Школа миниатюрных картин Великих Моголов.

Одним из первых произведений этой школы миниатюрной живописи была серия « Хамзанама », которая, по словам придворного историка Бадаюни, была начата в 1567 году и завершена в 1582 году. Были иллюстрированы « Хамзанама» , рассказы Амира Хамзы, дяди Пророка. на Мир Сеида Али . Картины Хамзанамы большого размера, 20 x 27 дюймов, написаны на ткани. Они выполнены в стиле персидского сафави. Преобладают ярко-красный, синий и зеленый цвета; розовые, размытые скалы и растительность, плоскости и цветущая слива. персиковые деревья напоминают Персию, однако индийские тона появляются в более поздних работах, когда работали индийские художники.

После него Джахангир поощрял художников рисовать портреты и сцены дурбаров. ^{[22] [21]} Его самыми талантливыми портретистами были Устад Мансур , Абул Хасан и Бишандас .

Шах Джахан (1627–1658) продолжил покровительство живописи. ^[22] Некоторыми из известных художников того периода были Мохаммад Факирулла Хан, Мир Хашим, Мухаммад Надир, Бичитр , Читарман, Анупчхатар, Манохар и Хонхар. ^{[23] [21]}

Аурангзеб не любил изящные искусства, вероятно, из-за его исламского консерватизма. ^[22] Из-за отсутствия покровительства художники мигрировали в Деканский и индуистский дворы Раджпутаны , что сильно повлияло на стили в этих центрах.

Деканская живопись [ править ]

Живопись Декана создавалась в регионе Декан в Центральной Индии , в различных мусульманских столицах деканских султанатов , возникших в результате распада султаната Бахмани к 1520 году. Это были Биджапур , Голконда , Ахмаднагар , Бидар и Берар . Основной период был между концом 16 века и серединой 17 века, ^{[25] [26]} с некоторым возрождением в середине 18 века, к тому времени сосредоточившимся в Хайдарабаде .

По сравнению с ранней живописью Великих Моголов, развивающейся в то же время на севере, ^[27] живопись Декана превосходит «по яркости цвета, изощренности и артистичности композиции, а также по общей атмосфере декадентской роскоши». ^[28] Другие различия включают рисование лиц, не очень искусно смоделированных, в трех четвертях, а не в профиль в стиле Великих Моголов, и «высоких женщин с маленькими головами» в сари. Есть много королевских портретов, хотя им не хватает точного сходства с их эквивалентами Моголов. Здания изображаются как «полностью плоские панели, похожие на экран». ^[29]

Картины Рагамалы , декорации, иллюстрирующие (вызывая их настроение) различные музыкальные формы рага , по-видимому, были нововведением Декана. Помимо обычных портретов и иллюстраций к литературным произведениям, иногда встречаются иллюстрированные летописи, например, Тузук-и-Асафия . Особенность Декана (также иногда встречающаяся в других средах, таких как слоновая кость ) ^[30] - это «составное животное» - большое животное, состоящее из множества меньших изображений других животных.

Живопись раджпутов [ править ]

Несколько различных стилей живописи раджпутов развились с конца 16 века в индуистских королевских дворах Раджпутаны . ^{[31] [32]} Каждое королевство раджпутов развивало свой стиль, но с некоторыми общими чертами. Картины раджпутов изображают ряд тем, такие эпические события, как Рамаяна и Махабхарата , жизнь Кришны, красивые пейзажи и людей. Многие миниатюры были отдельными частями альбомов, но есть также иллюстрированные книги, и в то же время были фрески на стенах дворцов, фортов и хавели . Особенно это касается региона Шехавати , где Марвари бизнесмены, в основном работающие в крупных городах, соревновались за ярко окрашенные экстерьеры домов, которые они содержали в своем родном регионе.

Живопись раджпутов состоит из четырех основных групп:

1. Школа Мевар, которая включает стили живописи Чаванд , Натхдвара , Девгарх , Удайпур и Савар.
2. Marwar школа , содержащая Kishangarh , стиль Биканер живописи из Биканера , Джодхпур , Nagaur , Пали и Ghanerao стилей
3. Школа Хадоти с стилями Кота , Бунди и Джалавар и
4. Dhundar школа Амбер , Джайпур , Shekhawati живописи и Uniara стилей живописи.

Живопись пахари является самым северным продолжением стиля раджпут, но обычно рассматривается отдельно.

Картина Пахари [ править ]

Стиль пахари разработаны и процветала в течение 17 - го по 19 века , простирающейся от Джамму до Алморы и Гарвале , в суб - Гималайской Индии , через Химачал - Прадеш . ^[33] Картины Пахари можно разделить на две группы: школа Джамму и Догра; школа Башоли и Кангра. ^[34] Каждый создал резкие вариации в рамках жанра, от смелой интенсивной живописи Басоли , происходящей из Басоли в Джамму и Кашмире , до тонких и лирических картин Кангра., который стал синонимом стиля до того, как появились другие школы живописи. ^{[33] [32]}

Малва и Джаунпур [ править ]

Новую тенденцию в иллюстрировании рукописей задала рукопись Ниматнамы, написанная в Манду во время правления Насир-шаха (1500–1510 гг.). Это представляет собой синтез местного и покровительственного персидского стиля, хотя именно последний доминировал в рукописях манду. ^{[ необходима цитата ]} Был другой стиль живописи, известный как Лоди Хуладар, который процветал во владениях султаната в Северной Индии, простирающейся от Дели до Джаунпура. ^{[ необходима цитата ]}

Картина Майсура [ править ]

Живопись Майсура - важная форма классической южно-индийской живописи, которая зародилась в городе Майсур в штате Карнатака. Эти картины известны своей элегантностью, приглушенными цветами и вниманием к деталям. Сюжеты большинства этих картин - индуистские боги и богини, а также сцены из индуистской мифологии . В наше время эти картины стали очень популярным сувениром на праздниках в Южной Индии.

Процесс создания майсурской картины включает в себя много этапов. На первом этапе делается предварительный набросок изображения на основе. Основа состоит из патронной бумаги, наклеенной на деревянную основу. Паста из оксида цинка и гуммиарабика называется «гипсовая паста». Тонкой кистью закрашиваются все украшения и детали трона или арки, имеющие некоторый рельеф, для придания эффекта резьбы чуть приподнятым. Этому дают высохнуть. На это наклеена тонкая золотая фольга. Остальная часть рисунка раскрашивается акварелью. Используются только приглушенные цвета.

Картина Танджора [ править ]

Живопись Танджора - важная форма классической южноиндийской живописи, родом из города Танджор в Тамил Наду. Этот вид искусства восходит к началу 9 века, когда доминировали правители Чола , которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Сюжеты большинства этих картин - индуистские боги и богини, а также сцены из индуистской мифологии . В наше время эти картины стали очень популярным сувениром на праздниках в Южной Индии.

Процесс создания картины Танджора включает в себя много этапов. На первом этапе делается предварительный набросок изображения на основе. Основа состоит из ткани, обклеенной деревянной основой. Затем порошок мела или оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят его на основу. Чтобы сделать основу более гладкой, иногда используют мягкий абразив . После того, как рисунок нанесен, украшение и одежда на изображении декорируются полудрагоценными камнями. Также для украшения украшения использованы шнурки или нитки. Сверху наклеивается золотая фольга. Наконец, красители используются для придания красок фигурам на картинах.

Паттачитра [ править ]

Паттачитра относится к классической живописи Одиши и Западной Бенгалии в восточном регионе Индии. «Патта» на санскрите означает «Вастра» или «одежда», а «читра» означает картины.

Бенгальская патачитра относится к живописи Западной Бенгалии . Это традиционное и мифологическое наследие Западной Бенгалии . Бенгальская Патачитра разделена на несколько различных аспектов, таких как Дурга Пат , Чалчитра , Племенная Патачитра , Мединипур Патачитра , Калигхат Патачитра и т. Д. ^[35] Предмет Бенгальской Патачитры в основном состоит из мифов, религиозных историй, фольклора и общества. Калигхат-патачитра, последняя традиция бенгальской патачитры, разработана Джамини Роем . Художника бенгальской Патачитры зовут Патуа . ^[36]

Традиция Ориша Паттачитры тесно связана с поклонением Господу Джаганнатхе . Помимо отрывочных свидетельств росписей пещер Кхандагири и Удаягири и фресок Ситабхинджи шестого века нашей эры, самые ранние картины коренных народов Одиши - это Паттачитра, выполненная Читракарами (художников называют Читракарами). ^[37] Тема живописи ории сосредоточена вокруг секты вайшнавов . С самого начала культуры Паттачитры Господь Джаганнатх, который был воплощением Господа Кришны, был главным источником вдохновения. Тематика Патта Читра в основном состоит из мифологических, религиозных историй и фольклора. Темы в основном посвящены Господу Джаганнатхе и Радхе -Кришна , различные «Vesas» из Джаганнатха , Балабхадры и Субхадры , храмовых деятельности, десять воплощений из Вишну базировании на « Гита Говинда » из Jayadev , Кама Kujara Наба Gunjara, Рамаяны , Махабхараты . Также расписываются отдельные изображения богов и богинь. Художники используют растительные и минеральные цвета, не прибегая к заводским цветам для плакатов. Они готовят свои собственные цвета. Белый цвет сделан из ракушки- скорлупы путем измельчения, кипячения и фильтрации в очень опасном процессе. Это требует большого терпения. Но этот процесс дает блеск и premanence к оттенку . Минеральный цвет «Hingula» используется для обозначения красного цвета. Используется «Харитала», король каменных ингредиентов для желтого, «Рамараджа», своего рода индиго для синего. Чистый ламповый черныйили черный, приготовленный путем сжигания скорлупы кокосовых орехов. Кисти, которые используют эти «Читракары», также являются местными и сделаны из шерсти домашних животных. Пучок волос, привязанных к концу бамбуковой палочки, делает кисть. Это действительно удивительно, как эти художники создают линии с такой точностью и заканчивают с помощью этих грубых кистей. Эта старая традиция Ория живописи до сих пор сохраняется в день в опытных руках Chitrakaras (традиционные художники) в Пури , Raghurajpur , Паралакхемундите , Chikiti и Сонепур .

Другие региональные стили [ править ]

Живопись Мадхубани - это стиль живописи, практикуемый в районе Митхила штата Бихар. ^[38] Темы вращаются вокруг индуистских богов и мифологии, наряду со сценами из королевского двора и общественных мероприятий, таких как свадьбы. Обычно пустого места не остается; промежутки заполнены картинами цветов, животных, птиц и даже геометрическими узорами. В этих картинах художники используют листья, травы и цветы, чтобы создать цвет, который используется для рисования картин.

Британский колониальный период (1757–1947 гг. Н. Э.) [ Править ]

Фирменный стиль [ править ]

Когда компания правила в Индии началась в 18 веке, большое количество европейцев мигрировало в Индию. Стиль компании - это термин для гибридного индоевропейского стиля картин, созданных в Индии индийскими и европейскими художниками, многие из которых работали на европейских покровителей в Британской Ост-Индской компании или других иностранных компаниях в 18-19 веках. ^{[39] [21]} Этот стиль сочетал в себе традиционные элементы живописи Раджпута и Великих Моголов с более западной трактовкой перспективы, объема и рецессии.

Ранняя современная индийская живопись [ править ]

В начале 18 века масляная и станковая живопись началась в Индии, и многие европейские художники, такие как Зоффани , Кеттл , Ходжес , Томас и Уильям Даниелл , Джошуа Рейнольдс , Эмили Иден и Джордж Чиннери, приехали в Индию в поисках творчества. слава и удача. Дворы княжеских штатов Индии привлекали внимание европейских художников из-за их покровительства изобразительному и исполнительскому искусству. Для индийских художников это западное влияние, в значительной степени результат колониализма, рассматривалось как «средство самосовершенствования», и эти западные академические художники, посетившие Индию, послужили образцом.^[40] Однако обучение не проводилось. По словам Р. Шивы Кумара, «Эта задача, которая выпала на долю различных художественных школ, основанных в 1850-х годах, дала институциональную основу вестернизации индийского искусства». ^[40]

Были открыты первые формальные художественные школы в Индии, а именно Государственный колледж изящных искусств в Мадрасе (1850 г.), Государственный колледж искусств и ремесел в Калькутте (1854 г.) и Школа искусств сэра Дж. Дж. В Бомбее (1857 г.). ^[41]

Раджа Рави Варма был пионером современной индийской живописи. Он опирался на западные традиции и техники, включая масляную краску и станковую живопись, причем его предметы были чисто индийскими, такими как индуистские божества и эпизоды из эпосов и пуран . Некоторые другие выдающиеся индийские художники, родившиеся в 19 веке, - это Махадев Вишванат Дхурандхар (1867–1944), AX Trindade (1870–1935), ^[42] MF Pithawalla (1872–1937), ^[43] Савларам Лакшман Халданкар (1882–1968) и Хемен Маджумдар (1894–1948).

В XIX веке, по словам Р. Шивы Кумара, «выборочная вестернизация для самосовершенствования уступила место националистической культурной противоположности на рубеже веков - повсеместно, это первый шаг к политическому сопротивлению колониальному правлению». ^[44] На практике это материализовалось как ассимиляция «разнообразных азиатских элементов», расширение традиции больше, чем ее возрождение. ^[44] Ведущий художник того времени Абаниндранат Тагор (1871-1951) использовал как западный реализм, так и азиатские элементы, которые приблизили его «близко к раннему модернизму». ^[44]

Реакция на западное влияние привела к возрождению исторического и более националистического индийского искусства, называемого бенгальской школой искусства , которое опиралось на богатое культурное наследие Индии.

Бенгальская школа [ править ]

Бенгальская школа искусств была влиятельный стилем искусства , которое процветало в Индии во время британского владычества в начале 20 - го века. Это было связано с индийским национализмом, но также продвигалось и поддерживалось многими британскими администраторами искусств.

Бенгальская школа возникла как авангардное и националистическое движение, выступающее против академических художественных стилей, которые ранее продвигались в Индии как индийскими художниками, такими как Рави Варма, так и в британских художественных школах. После широкого влияния индийских духовных идей на Запад, британский учитель искусства Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств , побуждая студентов подражать миниатюрам Великих Моголов . Это вызвало огромные споры, вызвавшие забастовку студентов и жалобы местной прессы, в том числе националистов, которые считали это регрессивным шагом. Гавела поддержал художникАбаниндранат Тагор , племянник поэта и художника Рабиндраната Тагора . ^{[21] [45]} Абаниндранатх написал ряд работ под влиянием искусства Великих Моголов, стиля, который он и Гавел считали выражением отличных духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Его самая известная картина, Бхарат Мата (Мать Индия), изображала молодую женщину, изображенную с четырьмя руками в манере индуистских божеств, держащую предметы, символизирующие национальные устремления Индии.

Позже Тагор попытался установить связи с дальневосточными художниками в рамках стремления построить паназиатскую модель искусства. С этой индо-дальневосточной моделью были связаны Нандалал Босе , Мукул Дей , Калипада Гошал , Беноде Бехари Мукхерджи , Винаяк Шиварам Масоджи, BC Саньял , Беохар Рамманохар Синха , а затем их ученики А. Рамачандран , Тан Юань Чамели, Рамананда Бандопадхьяй и др. несколько других.

Влияние бенгальской школы на индийскую художественную сцену постепенно начало ослабевать с распространением модернистских идей после обретения независимости. Роль К.Г. Субраманяна в этом движении значительна.

Контекстуальный модернизм [ править ]

Термин « контекстуальный модернизм», который Шива Кумар использовал в каталоге выставки, стал постколониальным критическим инструментом в понимании искусства, которое практиковали художники Шантиникета.

Некоторые термины , в том числе Пол Гилрой «s контркультуры современности и Tani Barlow » s Colonial современности , были использованы для описания своего рода альтернативной современности , которая возникла в неевропейских контекстах. Профессор Галл утверждает, что «контекстуальный модернизм» - более подходящий термин, потому что «колониальный в колониальной современности»не приспосабливает отказ многих в колонизированных ситуациях интернализировать неполноценность. Отказ учителей-художников Сантиникетана от подчинения включал в себя противоположное видение современности, которое стремилось исправить расовый и культурный эссенциализм, который двигал и характеризовал имперскую западную современность и модернизм. Эти европейские современности, спроецированные через триумфальную британскую колониальную мощь, вызвали националистическую реакцию, столь же проблематичную, когда они включали аналогичные эссенциализм » ^[46]

По словам Р. Шивы Кумара, «художники Шантиникета были одними из первых, кто сознательно бросил вызов этой идее модернизма, отказавшись как от интернационалистского модернизма, так и от историцистской самобытности, и попытался создать контекстно-зависимый модернизм». ^[47] Он изучал работы мастеров Шантиникета и размышлял об их подходе к искусству с начала 80-х годов. По словам Шивы Кумара, практика включения Нандалала Боса , Рабиндраната Тагора , Рама Кинкера Байджа и Беноде Бехари Мукерджи в Бенгальскую школу искусств вводила в заблуждение.Это произошло потому, что ранние писатели руководствовались генеалогией ученичества, а не своими стилями, мировоззрением и взглядами на художественную практику . ^[47]

Литературный критик Ранджит Хоскоте , анализируя работы современного художника Атула Додия, пишет: «Знакомство с Сантинкетаном через литературный обходной путь открыло Додии глаза на исторические обстоятельства развития того, что историк искусства Р Сива Кумар назвал« контекстуальным модернизмом ». в восточной Индии в 1930-40-х годах в бурные десятилетия глобальной депрессии, освободительной борьбы Ганди, тагорского культурного возрождения и Второй мировой войны ». ^[48]

Контекстуальный модернизм в недавнем прошлом нашел свое применение в других смежных областях исследований, особенно в архитектуре . ^[49]

Пост-независимость (1947– настоящее время) [ править ]

В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, в котором использовались западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, как Джамини Рой , сознательно черпали вдохновение в народном творчестве. ^[50] Бхарти Дайал решила обращаться с традиционной живописью Митхила самым современным способом и в своих работах использует как реализм, так и абстракционизм, с большим количеством фантазии, смешанной с обоими. В ее работах безупречное чувство баланса, гармонии и изящества.

Ко времени провозглашения независимости в 1947 году несколько школ искусств в Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.

Группа прогрессивных художников , созданная вскоре после обретения Индией независимости в 1947 году, была призвана установить новые способы выражения Индии в постколониальную эпоху. Основателями были шесть выдающихся художников - К. Х. Ара , С. К. Бакре , Х. А. Гаде , М. Ф. Хусейн , С. Х. Раза и Ф. Н. Соуза , хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала огромное влияние на изменение идиомы индийского искусства. ^[51] Почти все ведущие художники Индии 1950-х годов были связаны с группой. Некоторые из тех, кто сегодня хорошо известен, - это Бал Чабда , Маниши Дей , В.С. Гайтонде., Кришен Кханна , Рам Кумар , Тайеб Мехта , Беохар Рамманохар Синха и Акбар Падамси . Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта , Прокаш Кармакар , Джон Уилкинс и Биджон Чоудхури, обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконой современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна , также ссылались на те произведения современных художников, которые отражают индийский дух.

Кроме того, рост дискурса об индийском искусстве как на английском, так и на местных языках Индии привел к присвоению способа восприятия искусства в художественных школах. Критический подход стал строгим, такие критики, как Гита Капур , ^{[52] [53]} R. Сива Кумар , ^{[54] [45] [55] [56]} способствовал переосмыслению практики современного искусства в India.Their голосе представлена индийское искусство не только в Индии , но и во всем мире. Критики также сыграли важную роль в качестве кураторов важных выставок, переосмыслив модернизм и индийское искусство.

Индийское искусство получило подъем с экономической либерализацией страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали использовать разные стили работы. Таким образом, индийское искусство после либерализации работает не только в рамках академических традиций, но и за их пределами. На этом этапе художники представили еще более новые концепции, которые до сих пор не встречались в индийском искусстве. Деваджьоти Рэй представил новый жанр искусства под названием Псевдореализм . Псевдореалистическое искусство - это оригинальный художественный стиль, полностью разработанный на индийской земле. Псевдореализм учитывает индийскую концепцию абстракции и использует ее для преобразования обычных сцен индийской жизни в фантастические образы.

Народная индийская живопись [ править ]

Народное искусство - это живое искусство (современное искусство), основанное на прошлом (мифы, традиции и религия) и созданное определенными группами. Народное искусство основано на коллективной памяти этой группы.

Примеры народной индийской живописи:

Племенная живопись:

• Бхиль живопись
• Картина Варли
• Живопись Гонд
• Картина Сантал
• Саора живопись
• Курумба живопись

Сельская живопись:

• Паттачитра живопись
• Картина Мадхубани
• Каламкари живопись
• Колам роспись
• Каламская живопись
• Картины Мандана

Галерея [ править ]

Некоторые известные индийские картины [ править ]

• Хемен Маджумдар "Дама с лампой"
• "Серия Чарулата" Судипа Роя
• "Автопортрет" Рабиндраната Тагора
• Абаниндранат Тагор «s Бхарат Мата
• Серия "Миндальных портретов" Амана Сингха Гулати
• Рави Варма «s Шакунтала
• Рамкинкар Байдж "Джакха 0 Джакхи"
• "Кукла-сериал" Бикаша Бхаттачарджи
• Джогиа Гиты Вадхера " Dhoop series"
• «Противостояние» Джахара Дасгупты
• "Лошади-сериал" М. Ф. Хуссейна.
• «Иисус» Джамини Роя
• "Сплетня" Джона Уилкинса ,
• Ракеш Виджай "Персидский и могольский стили"
• Сериал Джайнула Абедина о Бенгальском голоде
• "Бычья серия" Сунила Даса
• Деваджьоти Рэй "В отчаянии"
• Тайеб Мехта "Махисасур"
• BG Шарма «S Krishna миниатюры
• Шейктидасс «s
• Амрита-Шер-Гил
• "Индейский этнос" М. Нараяна "Лошади" Мать Тереза ​​"

См. Также [ править ]

• Варли Живопись
• Картина
• История живописи
• История восточного искусства
• Наскальные рисунки в Индии
• Последний урожай: Картины Рабиндраната Тагора
• Рабиндра Читравали

Заметки [ править ]

Ссылки [ править ]

• Блертон, Т. Ричард, индуистское искусство , 1994, British Museum Press, ISBN 0 7141 1442 1 
• Чакраверти, Анджан, Индийская миниатюрная живопись , 2005, Lustre Press, ISBN 8174363343 , 9788174363343 
• Крейвен, Рой С. , Индийское искусство: краткая история , 1987, Темза и Гудзон (Praeger в США), ISBN 0500201463 
• Харле, Дж. К., Искусство и архитектура Индийского субконтинента , 2-е изд. 1994, Йельский университет Press Pelican History of Art, ISBN 0300062176 
• Сардар, Марика. «Исламское искусство Декана» . Метрополитен-музей . Проверено 3 февраля 2019 .
• «Миниатюрная живопись», Центр культурных ресурсов и обучения , правительство Индии
• «Современная индийская живопись», Центр культурных ресурсов и обучения , Правительство Индии
• «Настенные росписи», Центр культурных ресурсов и обучения , правительство Индии

Дальнейшее чтение [ править ]

• Хавелл, Э.Б. (1908). Индийская скульптура и живопись . Джон Мюррей, Лондон.
• Кумарасвами, Ананда К. (1914). Вишвакарма; образцы индийской архитектуры, скульптуры, живописи, ремесел . Лондон.
• Хавелл, Е.Б. (1920). Справочник индийского искусства . Джон Мюррей, Лондон.
• Индийская живопись , от Percy Браун . Издано издательством YMCA, 1960 г.
• Индийская живопись Филипа С. Роусона. Опубликовано П. Тисне, 1961 г.
• Индийская живопись: сцена, темы и легенды , Мохиндар Сингх Рандхава, Джон Кеннет Гэлбрейт. Опубликовано Houghton Mifflin, 1968.
• Индийская живопись , Дуглас Э. Барретт, Бэзил Грей . Опубликовано Скирой, 1978 г. ISBN 0-8478-0160-8 . 
• Коссак, Стивен. (1997). Индийская придворная живопись XVI – XIX веков. Метрополитен-музей. ISBN 0-87099-783-1 
• Лернер, Мартин (1984). Пламя и лотос: искусство Индии и Юго-Восточной Азии из коллекций Кроноса. Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. ISBN 0-87099-374-7.
• История индийской живописи: современный период Кришны Чайтаньи. Опубликовано Abhinav Publications, 1994. ISBN 81-7017-310-8 . 
• Рамаяна Валмики, иллюстрированная индийскими миниатюрами XVI-XIX веков , Diane de Selliers Publisher, 2011, ISBN 978-2-903656-76-8 
• Уэлч, Стюарт Кэри (1985). Индия: искусство и культура, 1300-1900 гг.. Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. ISBN 978-0-944142-13-4.

Внешние ссылки [ править ]

Викискладе есть медиафайлы по теме картин из Индии .

• Археологические исследования Индии
• Обратитесь к индийским художественным формам

Онлайн-выставки

• Metmuseum.org