История живописи

История живописи

Йоханнес Вермеер , ок. 1660

История живописи восходит во время артефактов от доисторических людей, и перегонов всех культур. Он представляет собой непрерывную, хотя и периодически прерываемую традицию античности. В разных культурах, на континентах и ​​тысячелетиях история живописи - это непрерывная река творчества, которая продолжается в 21 веке. ^[1] До начала 20-го века он опирался в первую очередь на репрезентативные , религиозные и классические мотивы, после чего более чисто абстрактные и концептуальные подходы получили признание.

Развитие восточной живописи исторически аналогично развитию западной живописи , в целом, несколькими столетиями ранее. ^[2] африканское искусство , еврейское искусство , исламское искусство , индонезийское искусство , индийское искусство , ^[3] китайское искусство и японское искусство ^[4] каждый имел значительное влияние на западное искусство, и наоборот. ^[5]

Первоначально служившая утилитарным целям, а затем имперскому, частному, гражданскому и религиозному покровительству, восточная и западная живопись позже нашла аудиторию среди аристократии и среднего класса. С современной эпохи, средневековья и эпохи Возрождения художники работали на церковь и богатую аристократию. ^[6] Начиная с эпохи барокко художники получали частные заказы от более образованного и зажиточного среднего класса. ^[7] Наконец, на Западе идея « искусства ради искусства » ^[8] начала находить выражение в творчестве художников- романтиков, таких как Франсиско де Гойя ,Джон Констебл и Дж . М. В. Тернер . ^[9] В 19  веке появилась коммерческая художественная галерея , которая в 20 веке оказывала покровительство. ^[10]

Предистория [ править ]

Самым старым известным картинам приблизительно 40 000 лет, они найдены как во франко-кантабрийском регионе в Западной Европе, так и в пещерах в районе Марос ( Сулавеси , Индонезия ). Самый старый вид наскальных рисунков - ручные трафареты и простые геометрические фигуры; Самые старые бесспорные образцы фигуративных наскальных рисунков несколько моложе, им около 35 000 лет. ^[11] В ноябре 2018 ученые сообщили об открытии тогда старейшей из известных образному искусства живописи, более 40 000 (возможно , стара , как 52.000) лет, неизвестного животного, в пещере Lubang Jeriji Салех на индонезийском острове изБорнео ( Калимантан ). ^{[12] [13]} Однако в декабре 2019 года наскальные рисунки, изображающие охоту на свиней в карстовой местности Марош-Пангкеп на Сулавеси, были еще старше, по крайней мере, 43 900 лет назад. Находка была отмечена как «старейшая графическая запись повествования и самое раннее изобразительное искусство в мире». ^{[14] [15]} А совсем недавно, в 2021 году, появилось сообщение о наскальном изображении свиньи, найденной на индонезийском острове и датируемой более 45 500 годами. ^[16] Примеры наскальных рисунков есть по всему миру - в Индонезии, Франции, Индии, Испании, Южной Африке , Китае, Австралии и т. Д.

Были высказаны различные предположения относительно значения этих картин для людей, которые их создали. Доисторические художники могли рисовать животных, чтобы «поймать» их душу или дух , чтобы легче было на них охотиться, или картины могут представлять анимистическое видение и дань уважения окружающей природе . Они могут быть результатом основной потребности в самовыражении, которая присуща человеку, или они могли быть для передачи практической информации.

• Скальные приюты Бхимбетки , наскальная живопись , каменный век , Индия

• Ласко , Лошадь

• Эланд , наскальная живопись , Дракенсберг , ЮАР

• Ласко , Быки и лошади

• Бизон , в большом зале поликромов, пещера Альтамира , Испания

• Испанская наскальная живопись быков

• Петроглифы из Швеции, скандинавский бронзовый век (роспись)

• Ласко , зубр ( Bos primigenius primigenius )

• Пиктограммы из Большой галереи, Национальный парк Каньонлендс, каньон Подкова , Юта , ок. 1500 г. до н. Э.

• Куэва-де-лас-Манос (по-испански «Пещера рук») в провинции Санта-Крус в Аргентине, ок. 7300 г. до н.э.

• Наскальные рисунки Брэдшоу, найденные в северо-западном регионе Кимберли в Западной Австралии c. 15 000 до н.э. ^[17]

Во времена палеолита изображения людей на наскальных рисунках были редкостью. В основном рисовали животных, не только животных, которые использовались в пищу, но и животных, которые олицетворяли силу, такие как носороги или большие кошачьи , как в пещере Шове. Иногда рисовали такие знаки, как точки. Редкие изображения людей включают отпечатки рук и трафареты, а также фигуры, изображающие гибриды человека и животных . Пещера Шове в департаменте Ардеш во Франции содержит наиболее важные сохранившиеся наскальные рисунки эпохи палеолита, написанные около 31000 г. до н.э. В Альтамира наскальные рисунки в Испании были сделаны 14.000 до 12.000 до н.э. и шоу, среди прочего, бизоны. Зал быков в Ласко , Дордонь, Франция, является одним из самых известных наскальных рисунков и датируется примерно 15-10 тысячами лет до нашей эры.

Есть ли смысл в картинах, он остается неизвестным. Пещеры не находились в населенных пунктах, поэтому они могли использоваться для сезонных ритуалов. Животные сопровождаются знаками, указывающими на возможное использование магии. Стрелковые символы в Ласко иногда интерпретируются как календари или альманахи , но доказательства остаются неубедительными. ^[18] Самыми важными произведениями эпохи мезолита были марширующие воины , наскальная живопись в Сингле-де-ла-Мола, Кастельон., Испания датируется примерно 7000-4000 гг. До н.э. Используемая техника, вероятно, заключалась в том, чтобы плевать или выдувать пигменты на камень. Картины вполне натуралистичны, хотя и стилизованы. Фигуры не являются трехмерными, хотя они перекрываются.

Самыми ранними известными индийскими картинами были наскальные рисунки доисторических времен, петроглифы, найденные в таких местах, как Скальные убежища Бхимбетки , а некоторые из них старше 5500 г. до н.э. Такие работы продолжались, и спустя несколько тысячелетий, в 7 веке, резные столбы Аджанты , штат Махараштра, представляют собой прекрасный образец индийской живописи. Цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов.

Восточная [ править ]

История восточной живописи включает в себя широкий спектр влияний различных культур и религий. Развитие восточной живописи исторически аналогично развитию западной живописи , в целом несколькими столетиями ранее. ^[2] африканское искусство , еврейское искусство , исламское искусство , индонезийское искусство , индийское искусство , ^[19] китайское искусство , корейское искусство и японское искусство ^[4] каждый имел значительное влияние на западное искусство, и, наоборот. ^[5]

Китайская живопись - одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Самые ранние картины были не репрезентативными, а орнаментальными; они состояли из узоров или рисунков, а не из картинок. Раннюю керамику расписывали спиралями, зигзагами, точками или животными. Только в период Сражающихся царств (403–221 гг. До н.э.) художники начали изображать мир вокруг себя. Японская живопись - одно из старейших и наиболее изысканных видов японского искусства , охватывающее самые разные жанры и стили. История японской живописи - это долгая история синтеза и конкуренции между исконной японской эстетикой.и адаптация импортированных идей. Корейская живопись, как самостоятельная форма, зародилась около 108 г. до н.э., во время падения Кочосона , что сделало ее одной из старейших в мире. Произведения искусства того периода превратились в различные стили, характерные для периода Троецарствия Кореи , в первую очередь картины и фрески, которые украшают гробницы королевской семьи Когурё . В период Троецарствия и во времена династии Корё корейская живопись характеризовалась в первую очередь сочетанием пейзажей в корейском стиле, черт лица, буддийских тем и акцента на небесных наблюдениях, чему способствовало быстрое развитие корейской астрономии.

Восточноазиатский [ править ]

См. Также Китайская живопись , Японская живопись , Корейская живопись .

• Лакированная картина из Цзинмэни гробницы (китайские:荊門楚墓; пиньинь: Jingmen chǔ mù) от государства Чу (704-223 до н.э.), изображающие мужчин верхом в два-вылеживаетсе колесницы

• Фрагмент фрески с изображением китайского философа Конфуция из гробницы Западная Хань (202 г. до н.э. - 9 г. н.э.) в округе Дунпин , провинция Шаньдун

• Китайская женщина, фреска из гробницы Западная Хань (202 г. до н.э. - 9 г. н.э.) в Сиане (древний Чанъань ), провинция Шэньси.

• Росписи на плитке духов-хранителей в китайских одеждах времен династии Хань (202 г. до н.э. - 220 г. н.э.)

• Джентльмены в разговоре , роспись надгробия, датируемая династией Восточная Хань (25–220 гг. Н.э.).

• Лаковая корзина из командования Леланг , изображающая сидящих мужчин, династия Восточная Хань (25-220 гг. Н.э.)

• Придворные служительницы, фреска из гробницы Восточной Хань (25-220 гг. Н.э.) в Чжэнчжоу , провинция Хэнань.

• Придворные служительницы, фреска из гробницы Восточной Хань (25-220 гг. Н.э.) в Чжэнчжоу , провинция Хэнань.

• Мужская фигура с лаковой росписи по дереву, период Северный Вэй , V век нашей эры.

• Буддийское искусство раскрашенных рельефных скульптур из гротов Юньган , династия Северная Вэй (386-535 гг. Н.э.)

• Император Сунь Цюань в Свитке Тринадцати Императоров и ученые Северной Ци, сопоставляющие классические тексты , Ян Либэнь (ок. 600–673 гг. Н.э.), китайский

• Восемьдесят семь небожителей, У Даоцзы (685–758), династия Тан , китаец

• Портрет Сияющей ночи Белым , Хан Гань , 8 век, династия Тан , китаец

• Весенний выход при дворе Тан , Чжан Сюань , VIII век, династия Тан , китаец

• Слуга , 8 век, династия Тан , китаец

• Дамы делают шелк , ремейк оригинала восьмого века по Чжан Сюань по Хуэй-цзун , в начале 12 - го века, китайский

• Иллюстрированная сутра периода Нара , 8 век, на японском языке

• Дамы, играющие двойные шестерки , Чжоу Фан (730–800 гг. Н.э.), династия Тан , китаец

• Дворцовый концерт , династия Тан , китайский

• Реки Сяо и Сян , автор Дун Юань (ок. 934–962 гг. Н.э.), китайский

• Night Revels , римейк династии Сун оригинала 10-го века Гу Хунчжуна .

• Придворный портрет императора Сун Шэньцзуна (годы правления 1067–1085), китаец

• Золотой фазан и хлопковая роза , работы императора Сун Хуэйцзун (годы правления 1100–1126 гг. Н.э.), китайский

• Прослушивание Guqin , по Хуэй-цзун (1100-1126 н.э.), китайский

• Дети играют , Су Хан Чен, ок. 1150, китайский

• Китайский, анонимный художник династии Сун XII века.

• Портрет дзен- буддиста Учжун Шифаня , 1238 г. н.э., китаец

• Ма Лин , 1246 г. н.э., китаец

• Человек и его лошадь на ветру , Чжао Мэнфу (1254–1322 гг. Н.э.), китаец.

• Shukei-sansui (Осенний пейзаж), Sesshu Toyo (1420–1506), яп.

• Кан Масаноб , основатель 15- го века из школы Кана , Чжоу Maoshu ценя лотосы , японского

• Каннон в белом одеянии, бодхисаттва сострадания , с картины Кано Мотонобу (1476–1559), яп.

• Йи Ахм (1499–?), Мать-собака , 15 век, Национальный музей Кореи.

• Тан Инь , Осенний рыбак , (1523), китайский

• Корабли нанбана, прибывающие для торговли в Японию , 16 век, японцы

• Картина на экране, изображающая людей, играющих в го , авторства Кано Эйтоку (1543–1590), японец.

• Правая панель экрана сосновых деревьев ( Шорин-цу бёбу ,松林図屏風) по Hasegawa Тохаку (1539-1610), японский

• Свиток каллиграфии Бодхидхармы : «Дзен указывает прямо на человеческое сердце, загляни в свою природу и стань Буддой», Хакуин Экаку (1686–1769), яп.

• Висячий свиток 1672, Кано Таню (1602–1674), яп.

• Пионы , Юнь Шоупин (1633–1690), китайский язык

• Гэндзи Моногатари , Тоса Мицуоки (1617–1691), яп.

• Вид на Кымган , Чон Сон (1676–1759), 1734, корейский

• Ике-но Тайга (1723–1776), Весенняя рыба , японский язык

• Школа Маруямы , Сосна, Бамбук, Слива , шестикратная ширма, Маруяма Окё (1733–1795), японский язык

• Кот и масло , Ким Хон-до (1745–?), 18 век, кореец.

• Прогулка на лодке , Шин Юн-бок (1758–?), 1805, корейский

• Школа Римпа , Осенние цветы и луна , Сакаи Хойцу (1761–1828), яп.

• Тануки (енотовидная собака) в виде чайника. Автор Кацусика Хокусай (1760–1849), яп.

• Дом среди абрикосовых деревьев , Чо Хи Рён (1797–1859), кореец.

• Кацусика Хокусай , Дракон дыма, сбегающий с горы Фудзи , японский язык

• Миягава Иссё , картина укиё-э без названия , японский язык

• Томиока Тессай (1837–1924), стиль нихонга , Танцы двух божеств , 1924, яп.

Китай, Япония и Корея имеют сильные традиции в живописи, которые также сильно привязаны к искусству каллиграфии и гравюры (настолько сильно, что это обычно рассматривается как живопись). Для традиционной живописи Дальнего Востока характерны техники, основанные на воде, меньший реализм, «элегантность» и стилизация предметов, графический подход к изображению, важность белого пространства (или негативного пространства ) и предпочтение пейзажа (а не человеческой фигуры) как объекта. предмет. Помимо туши и цвета на шелке или бумажных свитках, золото на лакебыл также распространенным средством в живописных произведениях искусства Восточной Азии. Хотя в прошлом шелк был довольно дорогим средством для рисования, изобретение бумаги в I веке нашей эры ханьским придворным евнухом Цай Лунем обеспечило не только дешевое и широко распространенное средство для письма, но также и дешевое и широко распространенное средство для рисования. (делая его более доступным для общественности).

Идеологии конфуцианства , даосизма и буддизма играли важную роль в восточноазиатском искусстве. Художники средневековой династии Сун, такие как Линь Тингуй и его « Отмывка Луохань» ^[20] (размещенная в Смитсоновской галерее искусств Фрира ) XII века, являются прекрасными примерами буддийских идей, слитых с классическими произведениями китайского искусства. На последнем изображении на шелке (изображение и описание даны по ссылке) лысый буддист Луоханьизображены в практичной обстановке стирки белья у реки. Однако сама картина визуально ошеломительна: луохань изображен с богатыми деталями и яркими непрозрачными цветами в отличие от туманной, коричневой и мягкой лесной среды. Кроме того, верхушки деревьев окутаны клубящимся туманом, создавая общее «негативное пространство», упомянутое выше в восточноазиатском искусстве.

В японизме постимпрессионисты конца 19 века, такие как Ван Гог и Анри де Тулуз-Лотрек , и тоналисты, такие как Джеймс Макнил Уистлер , восхищались японскими художниками укиё-э начала 19 века, такими как Хокусай (1760–1849) и Хиросигэ (1797–1797). 1858 г.) и находились под их влиянием.

Китайский [ править ]

Самые ранние сохранившиеся образцы китайской живописи относятся к периоду враждующих государств (481–221 до н.э.), с росписями на шелке или фресками на гробницах на скале, кирпиче или камне. Часто они были в упрощенном стилизованном формате и в более или менее рудиментарных геометрических узорах. На них часто изображались мифологические существа, домашние сцены, сцены труда или дворцовые сцены, заполненные чиновниками при дворе. Произведения искусства этого периода и последующей династии Цинь (221-207 до н.э.) и династии Хань.(202 г. до н.э. - 220 г. н.э.) был создан не как средство само по себе или для более высокого личного выражения; скорее произведения искусства были созданы, чтобы символизировать и почтить погребальные обряды, изображения мифологических божеств или духов предков и т. д. Картины на шелке придворных чиновников и домашние сцены можно было найти во время династии Хань, наряду со сценами людей, охотящихся на лошадях или принимающих участие в военный парад. Также была живопись на трехмерных произведениях искусства, таких как фигурки и статуи, например, оригинальные цвета, покрывающие статуи солдат и лошадей Терракотовой армии . В социальном и культурном климате древней Восточной династии Цзинь (316 - 420 гг. Н.э.), базировавшейся в Нанкине на юге, живопись стала одним из официальных развлечений конфуцианцев.- обучал бюрократических чиновников и аристократов (наряду с музыкой, которую играет цитра гуцинь , написанием причудливой каллиграфии , написанием и чтением стихов). Живопись стала обычной формой художественного самовыражения, и в этот период художников при дворе или среди элитных социальных кругов судили и оценивали их сверстники.

Создание классической китайской пейзажной живописи в значительной степени связано с художником Восточной династии Цзинь Гу Кайжи (344-406 гг. Н.э.), одним из самых известных художников в истории Китая. Подобно сценам с удлиненными свитками времен Кайчжи, династии Тан (618 - 907 гг. Н.э.), китайские художники, такие как Ву Даози, рисовали яркие и детализированные произведения искусства на длинных горизонтальных свитках (которые были очень популярны во времена Тан), например, его восемьдесят семь небесных людей.. Живописные работы периода Тан отражали эффекты идеализированной ландшафтной среды с редким количеством предметов, людей или активности, а также были монохромными по своей природе (например, фрески гробницы Прайса Йидэ в мавзолее Цяньлин). Были также такие фигуры, как художник ранней эпохи Тан Чжан Цзыцянь , который рисовал великолепные пейзажные картины, которые значительно опередили его время в изображении реализма. Однако пейзажное искусство не достигло большей зрелости и реализма в целом до периода пяти династий и десяти королевств (907 - 960 гг. Н.э.). В то время были выдающиеся художники-пейзажисты, такие как Донг Юань.(см. в этой статье пример его работ), а также тех, кто рисовал более яркие и реалистичные изображения домашних сцен, таких как Гу Хунчжун и его « Ночные пирушки Хань Сицзая» .

Во время китайской династии Сун (960 - 1279 гг. Нашей эры) не только пейзажное искусство было улучшено, но и портретная живопись стала более стандартизированной и сложной, чем раньше (например, со ссылкой на императора Хуэйцзуна Сун ), и достигла своей классической возрастной зрелости во время Династия Мин (1368–1644 гг.). В конце 13 века и в первой половине 14 века китайцам во времена династии Юань, контролируемой монголами, не разрешалось занимать более высокие посты в правительстве (зарезервировано для монголов или других этнических групп из Средней Азии), а имперский экзаменбыло прекращено на время. Многие китайцы с конфуцианским образованием, которым не хватало профессии, вместо этого обратились к искусству живописи и театра, поскольку период Юань стал одной из самых ярких и богатых эпох для китайского искусства. Примером может служить Цянь Сюань (1235–1305 гг. Нашей эры), который был чиновником династии Сун, но из патриотизма отказался служить двору Юань и посвятил себя живописи. Примеры превосходного искусства этого периода включают богатые и детально расписанные фрески дворца Юнлэ ^{[22] [23]} или «Дворца долголетия Дачуньян» 1262 года нашей эры, внесенного в список ЮНЕСКО.Объект всемирного наследия. Внутри дворца картины занимают площадь более 1000 квадратных метров и содержат в основном даосские темы. Во времена династии Сун художники также собирались в общественных клубах или на собраниях, чтобы обсудить свое искусство или работы других людей, восхваление которых часто приводило к убеждению торговать и продавать драгоценные произведения искусства. Тем не менее, было также много резких критиков другого искусства, показывая разницу в стиле и вкусе разных художников. В 1088 году нашей эры ученый-эрудит и государственный деятель Шэнь Куо однажды написал об искусстве некоего Ли Чэна , которого он раскритиковал следующим образом:

... Затем был Ли Ченг, который, изображая шатры и хижины среди гор, многоэтажные здания, пагоды и тому подобное, всегда рисовал карнизыкак видно снизу. Его идея заключалась в том, что «нужно смотреть снизу вверх, как человек, стоящий на ровной поверхности и смотрящий вверх на карниз пагоды, может видеть ее стропила и консольные стропила». Это все неправильно. В общем, правильный способ рисования пейзажа - это видеть маленькое с точки зрения большого ... так же, как человек смотрит на искусственные горы в садах (когда человек гуляет). Если применить (метод Ли) к изображению настоящих гор, глядя на них снизу, можно увидеть только один профиль за раз, а не богатство их многочисленных склонов и профилей, не говоря уже обо всем, что происходит. в долинах и каньонах , а также в переулках и дворахсо своими жилищами и домами. Если мы встанем к востоку от горы, ее западные части окажутся на исчезающей границе далекого расстояния, и наоборот. Разве это нельзя было назвать удачной картиной? Г-н Ли не понимал принципа «смотреть на малое с точки зрения большого». Он определенно был великолепен в точном уменьшении высоты и расстояния, но следует ли придавать такое значение углам и углам зданий? ^[24]

Хотя высокий уровень стилизации, мистическая привлекательность и сюрреалистическая элегантность часто предпочитались реализму (например, в стиле шань-шуй ), начиная со средневековой династии Сун, тогда и впоследствии было много китайских художников, которые изображали сцены природы, которые были живо реальными. Позднее художники династии Мин переняли акцент на сложные детали и реалистичность объектов в природе, особенно в изображениях животных (таких как утки, лебеди, воробьи, тигры и т. Д.) Среди пятен ярких цветов и зарослей кисти. и дерево (хороший пример будет анонимная династия Мин картины птиц и сливы , ^[25]размещен в галерее Фрира Смитсоновского музея в Вашингтоне, округ Колумбия). Было много известных художников династии Мин; Цю Инь - отличный пример выдающегося художника эпохи Мин (известного даже в свое время), использующего в своих произведениях домашние сцены, шумные дворцовые пейзажи и природные пейзажи речных долин и крутых гор, окутанных туманом и кружащимися облаками. Во время династии Мин были также различны и конкурируя школы искусства , связанные с живописью, например, Wu школы и Чжэ школы .

Классическая китайская живопись продолжилась и в раннем современном династии Цин , с очень реалистичными портретными картинами, подобными тем, которые видели в конце династии Мин в начале 17 века. Портреты Канси император , Yongzheng императора и Цяньлун являются прекрасными примерами реалистической китайской портретной живописи. В период правления Цяньлуна и в продолжение XIX века стили европейского барокко в живописи оказали заметное влияние на китайские портретные картины, особенно с нарисованными визуальными эффектами освещения и затенения. Точно так же восточноазиатские картины и другие произведения искусства (например, фарфор) и лаковая посуда) высоко ценились в Европе с момента первого контакта с ними в 16 веке.

Китайские картины маслом [ править ]

Западные методы масляной живописи начали проникать в Китай в 19 веке, становясь распространенными среди китайских художников и студентов-искусствоведов в начале 20 века, что совпало с растущим взаимодействием Китая с Западом. Такие художники, как Ли Тифу , Хун И , Сюй Бейхун , Ян Вэньлян , Линь Фэнмянь , Фанг Ганьминь , Пан Юлян уехали за границу, преимущественно в Париж и Токио, чтобы изучать западное искусство. Через них появились такие художественные направления, как импрессионизм , кубизм , фовизм , постимпрессионизм.рос и процветал в Китае, но остановился только после Второй мировой войны и рождения Китайской Народной Республики, когда модернистские художественные стили рассматривались как несовместимые с преобладающими политическими идеалами, а реализм был единственной приемлемой художественной формой. Тем не менее, наследие тесного взаимодействия с западным искусством начала 20 века сохранилось. Картины маслом выжили как важное средство в китайских художественных сценах; в результате были изменены и традиционные китайские рисунки тушью.

• Портрет мадам Лю , (1942) Ли Тифу холст, масло

• Портрет Кан Ювэя (1904) Ли Тифу холст, масло

• Портрет мадам Чэн (1941) Картон, масло Сюй Бэйхун

Японский [ править ]

Японская живопись (絵 画) - одно из старейших и наиболее изысканных видов японского искусства, охватывающее самые разные жанры и стили. Как и японское искусство в целом, японская живопись развивалась на протяжении долгой истории синтеза и конкуренции между эстетикой японцев и адаптацией заимствованных идей. Укиё-э , или «картины парящего мира», представляет собой жанр японских гравюр на дереве (или « ксилография ») и картин, созданных между 17 и 20 веками, с мотивами пейзажей, театров и кварталов куртизанок. Это основной художественный жанр японской ксилографии . Японская гравюра, особенно периода Эдо, оказал огромное влияние на французскую живопись XIX века.

Корейский [ править ]

Корейская живопись, как самостоятельная форма, зародилась около 108 г. до н.э., во время падения Кочосона , что сделало ее одной из старейших в мире. Произведения искусства того периода превратились в различные стили, характерные для периода Троецарствия Кореи , в первую очередь картины и фрески, которые украшают гробницы королевской семьи Когурё . В период Троецарствия и во времена династии Корё корейская живопись характеризовалась, прежде всего, сочетанием пейзажей в корейском стиле, черт лица, буддийских тем и акцента на наблюдении за небом, чему способствовало быстрое развитие корейской астрономии. Так было до династии Чосон что конфуцианские темы начали укореняться в корейских картинах, используемых в гармонии с местными аспектами.

История корейской живописи характеризовалась использованием монохромных работ черной кистью, часто на тутовой бумаге или шелке. Этот стиль очевиден в «Мин-Хва», красочном народном искусстве, росписях на гробницах, а также в ритуальном и фестивальном искусстве, оба из которых включают широкое использование цвета.

Южная Азия [ править ]

• Танцующие плавающие фигуры , фреска c. 850.

• Могол , Акбар, принят Хан Киланом , губернатором Нагаура , в 1570 году, Акбарнама

• Деканская живопись ; молодой Ибрагим Адил Шах II, корчащийся, ок. 1590

• Могол , борьба Юдиштхира с Карной, 1598 г.

• Моголы Нильгай , 1625–1650 гг.

• Император Шах Джахан и сыновья, ок. 1628 или позже. В портретах Моголов обычно используются профили.

• Дама, слушающая музыку, c. 1750 г.

• Картина Бахсоли с изображением Радхи и Кришны в беседе, ок. 1730.

• Деканская живопись , султан Ибрагим Адил Шах II из Биджапура , ок. 1590. Трехчетвертный вид, который дает сильное и живое впечатление о натурщице, несмотря на отсутствие как точности Моголов, так и очень связного моделирования поверхностей.

• Могольский портрет раджи Джагат Сингха из Нурпура (годы правления 1618–1646 гг.), Вероятно, 1619 г.

• Живопись Пахари , Чамба , ок. 1665 год, воин садится на коня

• Портрет Говардхана Чанда, стиль живописи Пахари , ок. 1750 г.

• Живопись Кангра , гр. 1775 год, Кришна играет на флейте гопи.

• Равана убивает Джатхайу; плененная Сита в отчаянии, раджа Рави Варма

• Акбар и Тансен посещают Харидаса во Вриндаване , в стиле Раджастана , ок. 1750 г.

• Кришна вызывает коров, картина Пахари , Биласпур , 18 век

• Мужчина с детьми, стиль живописи Пахари , 1760 год.

• Фирменный стиль , 1770-е, Багровый рогатый фазан ( Сатир Трагапан )

• Радха Кришны аресты , пахари живописи стиля, 1770.

• Рама и Сита в лесу , стиль живописи Пахари , 1780 год.

• Поздняя живопись Кангра , 1815/1825, Рама , Лакшмана и Сита

• Поздняя живопись раджпутов , Кота , ок. 1830-е, Рам Сингх II Охота на тигра

Индийский [ править ]

Индийские картины исторически вращались вокруг религиозных божеств и королей. Индийское искусство - это собирательный термин для нескольких различных школ искусства, существовавших на Индийском субконтиненте . Картины варьировались от больших фресок Аджанты до замысловатых миниатюрных картин Моголов и украшенных металлом произведений школы Танджора . Картины из Гандхар - Таксилы находятся под влиянием персидских работ на западе. Восточный стиль живописи в основном развивался вокруг художественной школы Наланды . Работы в основном вдохновлены различными сценами из индийской мифологии .

История [ править ]

Самыми ранними индийскими картинами были наскальные рисунки доисторических времен, петроглифы, найденные в таких местах, как Скальные убежища Бхимбетки , а некоторые из них старше 5500 г. до н.э. Такие работы продолжались, и спустя несколько тысячелетий, в 7 веке, резные столбы Аджанты , штат Махараштра, представляют собой прекрасный образец индийской живописи, а цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов.

Пещеры Аджанта в Махараштре, Индия, представляют собой высеченные в скале пещерные памятники, датируемые 2 веком до нашей эры и содержащие картины и скульптуры, которые считаются шедеврами как буддийского религиозного искусства ^{[27], так} и универсального изобразительного искусства. ^[28]

Картина Мадхубани

Живопись Мадхубани - это стиль индийской живописи, который практикуется в регионе Митхила штата Бихар, Индия. Истоки живописи Мадхубани окутаны древностью.

Могол [ править ]

Живопись Великих Моголов - это особый стиль индийской живописи , обычно ограничивающийся иллюстрациями к книге и выполненный в миниатюрах, который возник, развился и сформировался в период Империи Великих Моголов 16-19 веков.

Раджпут [ править ]

Живопись раджпутов развивалась и процветала в 18 веке при королевских дворах Раджпутаны , Индия. Каждое королевство раджпутов развивало свой стиль, но с некоторыми общими чертами. Картины раджпутов изображают ряд тем, такие эпические события, как Рамаяна и Махабхарата, жизнь Кришны, красивые пейзажи и людей. Миниатюры были предпочтительным средством живописи раджпутов, но некоторые манускрипты также содержат картины раджпутов, и картины были даже написаны на стенах дворцов, внутренних покоях фортов, хавели, в частности, гавели Шехавейта.

Использовались цвета, извлеченные из определенных минералов, растительных источников, раковин и даже обработанные драгоценными камнями, золотом и серебром. Подготовка желаемых цветов была длительным процессом, иногда занимавшим недели. Используемые кисти были очень хорошими.

Танджор [ править ]

Живопись Танджора - важная форма классической южноиндийской живописи, родом из города Танджор в Тамил Наду. Этот вид искусства восходит к началу 9 века, когда доминировали правители Чола , которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Сюжеты большинства этих картин - индуистские боги и богини, а также сцены из индуистской мифологии . В наше время эти картины стали очень популярным сувениром во время праздников в Южной Индии.

Процесс создания картины Танджора включает в себя много этапов. На первом этапе делается предварительный набросок изображения на основе. Основа состоит из ткани, обклеенной деревянной основой. Затем порошок мела или оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят на основу. Чтобы сделать основу более гладкой, иногда используют мягкий абразив . После того, как рисунок нанесен, украшение и одежда на изображении декорируются полудрагоценными камнями. Также для украшения украшений использованы шнурки или нитки. Сверху наклеивается золотая фольга. Наконец, красители используются для придания красок фигурам на картинах.

Школа Мадраса [ править ]

Во время британского правления в Индии корона обнаружила, что Мадрас обладает одними из самых талантливых и интеллектуальных художественных умов в мире. Поскольку британцы также основали огромное поселение в Мадрасе и его окрестностях, Джорджтаун был выбран для создания института, который отвечал бы художественным ожиданиям королевской семьи в Лондоне. Это стало известно как школа Мадраса . Сначала традиционные художники использовались для производства изысканной мебели, изделий из металла и диковинок, а их работы были отправлены в королевские дворцы королевы.

В отличие от Бенгальской школы, где «копирование» является нормой преподавания, Мадрасская школа процветает благодаря «созданию» новых стилей, аргументов и тенденций.

Бенгальская школа [ править ]

Бенгальская школа искусств была влиятельный стилем искусства , которое процветало в Индии во время британского владычества в начале 20 - го века. Это было связано с индийским национализмом, но также продвигалось и поддерживалось многими британскими администраторами искусств.

Бенгальская школа возникла как авангардное и националистическое движение, выступающее против академических художественных стилей, которые ранее продвигались в Индии как индийскими художниками, такими как Раджа Рави Варма, так и в британских художественных школах. Вслед за широким влиянием индийских духовных идей на Западе британский учитель искусств Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств , побуждая студентов подражать Моголам.миниатюры. Это вызвало огромные споры, вызвавшие забастовку студентов и жалобы местной прессы, в том числе националистов, которые считали это регрессивным шагом. Гавела поддерживал художник Абаниндранат Тагор , племянник поэта Рабиндраната Тагора . Тагор написал ряд работ под влиянием искусства Великих Моголов, стиля, который он и Гавел считали выражением определенных духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Самая известная картина Тагора, Бхарат Мата(Мать Индия) изображала молодую женщину, изображенную с четырьмя руками в стиле индуистских божеств, держащую предметы, символизирующие национальные чаяния Индии. Позже Тагор попытался установить связи с японскими художниками в рамках стремления построить паназиатскую модель искусства.

Влияние бенгальской школы в Индии уменьшилось с распространением модернистских идей в 1920-х годах. В период после обретения независимости индийские художники проявили большую приспособляемость, поскольку они свободно заимствовали европейские стили и свободно объединяли их с индийскими мотивами в новые формы искусства. В то время как художники, такие как Фрэнсис Ньютон Соуза и Тайб Мехта, были более западными в своем подходе, были и другие, такие как Ганеш Пайн и Макбул Фида Хусейн.которые разработали полностью местные стили работы. Сегодня, после процесса либерализации рынка в Индии, художники все больше знакомятся с международной арт-сценой, которая помогает им в освоении новых форм искусства, которые до сих пор не встречались в Индии. Джитиш Каллат прославился в конце 1990-х своими картинами, которые были одновременно современными и выходили за рамки общего определения. Однако, хотя художники в Индии в новом веке пробуют новые стили, темы и метафоры, было бы невозможно получить такое быстрое признание без помощи бизнес-домов, которые сейчас входят в сферу искусства, как никогда раньше. .

Современный индийский [ править ]

Шер-Гил был индийский художник, иногда известный как Индия Фрида Кала , ^[29] и сегодня считается важной женщиной художник 20-го века в Индии, чье наследие стоит наравне с тем, что из мастеров бенгальского Возрождения ; ^{[30] [31]} она также «самая дорогая» женщина-художник Индии. ^[32]

Сегодня она является одним Девять мастеров , работа которых была объявлена художественных ценностей по The Археологическое Индии , в 1976 и 1979, ^[33] и более 100 ее картин теперь отображаются в Национальной галерее современного искусства , Нью - Дели. ^[34]

В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, в котором использовались западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, как Джамини Рой , сознательно черпали вдохновение в народном творчестве.

Ко времени провозглашения независимости в 1947 году несколько школ искусств в Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.

Группа прогрессивных художников , созданная вскоре после обретения Индией независимости в 1947 году, была призвана установить новые способы выражения Индии в постколониальную эпоху. Основателями были шесть выдающихся художников - К. Х. Ара , С. К. Бакре , Х. А. Гаде , М. Ф. Хусейн , С. Х. Раза и Ф. Н. Соуза , хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала огромное влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все крупнейшие художники Индии 1950-х годов были связаны с группой. Некоторые из тех, кто сегодня хорошо известен, - это Бал Чабда, Маниши Дей , Мукул Дей , В.С. Гайтонде ,Рам Кумар , Тайеб Мехта и Акбар Падамси . Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта , Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс , Нараянан Рамачандран и Биджон Чоудхури, обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконами современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна , также ссылались на те произведения современных художников, которые отражают индийский дух. Гита Вадхера получила признание в переводе сложных индийских духовных тем на холсты, таких как суфийская мысль, Упанишады и Бхагавад Гита.

Индийское искусство получило подъем с экономической либерализацией страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали использовать разные стили работы. В постлиберализационной Индии многие художники утвердились на международном рынке искусства, такие как художник-абстракционист Натвар Бхавсар , фигуративный художник Деваджьоти Рэй и скульптор Аниш Капур, чьи гигантские постминималистические произведения искусства привлекли внимание своими огромными размерами. Многие дома искусства и галереи также открылись в США и Европе для демонстрации индийских произведений искусства.

Юго-Восточная Азия [ править ]

Индонезийский [ править ]

Самым древним из известных наскальных рисунков более 44 000–50 000 лет, они обнаружены в пещерах в районе Марос ( Сулавеси , Индонезия). Самый старый вид наскальных рисунков - ручные трафареты и простые геометрические фигуры; Самые старые бесспорные образцы фигуративных наскальных рисунков несколько моложе, им около 35 000 лет. ^[11]

Обнаружение старейшей на тот момент известной фигуративной живописи неизвестного животного возрастом более 40 000 (возможно, 52 000) лет в пещере Лубанг Джериджи Сале на индонезийском острове Борнео . Однако в декабре 2019 года фигуративные наскальные рисунки, изображающие охоту на свиней в карстовой местности Марош-Пангкеп в Сулавеси, были, по оценкам, еще старше - не менее 43900 лет. Находка была отмечена как «старейшая графическая запись повествования и самое раннее изобразительное искусство в мире». ^{[35] [15]}

Другими примерами индонезийских картин являются декоративное искусство Кении, основанное на местных природных мотивах, таких как папоротники и птицы-носороги, украшающие стены длинных домов Кении. Другое известное традиционное искусство - геометрическая резьба по дереву Тораджа. Балийские картины изначально представляют собой повествовательные образы, изображающие сцены из балийских легенд и религиозных сценариев. Классические балийские картины часто украшают лонтарные рукописи, а также потолки храмовых павильонов.

• Традиционная балийская картина с изображением петушиных боев .

• Взятие князя Дипонегоро , 1857 г.

• Яванский пейзаж с тиграми, слушающими звуки путешествующей группы, 1849 г.

• Колесо жизни, I Ketut Murtika (р. 1952), холст, гуашь

• Камасанский палиндон до 1920 г. Деталь картины, образец классической живописи в камасанском стиле.

• Танцовщица в маске (автор - А. А. Где Аном Сукавати) в музее Пури Лукисан.

• Танцовщица Легонг .

• Индонезийская храмовая роспись.

Филиппинский [ править ]

Филиппинскую живопись в целом можно рассматривать как объединение многих культурных влияний, хотя в ее нынешней форме она имеет тенденцию быть более западной с восточными корнями.

Раннюю филиппинскую живопись можно найти в красных накладках (глина, смешанная с водой), украшающих ритуальную керамику Филиппин, такую ​​как знаменитый Манунггул Джар . Свидетельства филиппинского гончарного дела, датируемые 6000 годом  до нашей эры, были найдены в пещерах Санга-санга, Сулу и Лауренте, Кагаян. Было доказано, что к 5000 г.  до н.э. гончарные изделия практиковались по всей стране. Ранние филиппинцы начали изготавливать керамику раньше своих камбоджийских соседей и примерно в то же время, что и тайцы, как часть того, что, по-видимому, является широко распространенным развитием гончарных технологий в ледниковый период. Дальнейшие свидетельства живописи проявляются в традиции татуировки ранних филиппинцев, которых португальский исследователь назвал Пинтадо.или «нарисованные люди» Висайских островов. ^[36] Различные рисунки со ссылкой на флору и фауну с небесными телами украшают их тела разной цветовой пигментацией. Возможно, некоторые из самых сложных рисунков, выполненных ранними филиппинцами, которые сохранились до наших дней, могут быть проявлены в искусстве и архитектуре Маранао , которые хорошо известны своими драконами Нага и Сариманок, вырезанными и раскрашенными в прекрасном Панолонге их Торогана. или Королевский дом.

Филиппинцы начали создавать картины в европейских традициях в испанский период 17 века. ^[37] Самыми ранними из этих картин были церковные фрески, религиозные образы из библейских источников, а также гравюры, скульптуры и литографии с изображением христианских икон и европейской знати. Большинство картин и скульптур между 19 и 20 веками представляли собой смесь произведений религиозного, политического и пейзажного искусства с качествами сладости, темноты и света. Ранние модернистские художники, такие как Дамиан Доминго, были связаны с религиозными и светскими картинами. Искусство Хуана Луны и Феликса Идальго показало тенденцию к политическим заявлениям. Художник, такой как Фернандо Аморсолоиспользовал постмодернизм для создания картин, иллюстрирующих филиппинскую культуру, природу и гармонию. В то время как другие художники, такие как Фернандо Зобель, использовали в своих работах реалии и абстракцию .

• Хуан Луна , Смерть Клеопатры , 1881 г.

• Хуан Луна , Споляриум , ок.  1884 г.

• Хуан Луна , Одалиска , 1885 год.

• Хуан Луна , Кровавое соглашение , 1886 г.

• Феликс Ресуррексьон Идальго , Христианские девы, выставляемые перед народом , 1884 г.

• Феликс Ресуррексьон Идальго , Ла-Барка-де-Акверонте , 1887 г.

• Феликс Ресуррексьон Идальго , Автопортрет , ок.  1901 г.

• Феликс Ресуррексьон Идальго , Ла-Марина , 1911, частное собрание

Вестерн [ править ]

Египет, Греция и Рим [ править ]

Древний Египет , цивилизация с очень сильными традициями архитектуры и скульптуры (изначально окрашенных в яркие цвета), также имела много фресок в храмах и зданиях и рисовала иллюстрации на папирусных рукописях . Египетская настенная и декоративная роспись часто бывает графической, иногда скорее символической, чем реалистичной. В египетской живописи фигуры изображены жирным контуром и плоским силуэтом , симметрия которых является неизменной характеристикой. Египетская живопись имеет тесную связь с письменным языком - египетскими иероглифами . Раскрашенные символы встречаются среди первых форм письменности. Египтяне также писали на полотне, остатки которых сохранились сегодня. Древние египетские картины сохранились благодаря чрезвычайно сухому климату. Древние египтяне создавали картины, чтобы сделать загробную жизнь умершего приятным местом. Темы включали путешествие по загробному миру или их защитных божеств, знакомящих умерших с богами подземного мира. Некоторыми примерами таких картин являются изображения богов и богинь Ра , Гора , Анубиса , Нут , Осириса и Исиды . Некоторые рисунки на гробницах показывают действия, в которых умершие были вовлечены, когда были живы, и хотели заниматься этим вечно. В Новом Царстве и позжеКнига Мертвых была похоронена вместе с погребенным. Это считалось важным знакомством с загробной жизнью.

• Сеннеджем пашет свои поля с парой быков , c.  1200 г. до н.э.

• Древний Египет , Богиня Исида , настенная живопись, ок.  1360 г. до н.э.

• Древний Египет , царица Нефертари

• Древний Египет, папирус

• Древний Египет

• Древний Египет

• Кнос , минойская цивилизация , Крит бронзового века

• Панно Pitsa , одно из немногих сохранившихся панно из архаической Греции , c.  540–530 гг. До н. Э.

• Сцена симпозиума в гробнице ныряльщика в Пестуме , около 480 г. до н.э. Греческое искусство

• Фреска солдат из Агиос Афанасиос, Салоники , Древняя Македония , 4 век до н.э.

• Фреска древнего македонского солдата ( торакитаи ) в кольчужных доспехах и щитом туреоса , III век до нашей эры.

• Римское искусство , Помпеи , Вилла Мистерий , ок. 60-50 г. до н.э.

• Римское искусство с изображением Геркулеса и Телефона

• Римское искусство , фрески виллы Боскореале , ок. 40 г. до н.э.

• Римское искусство , Помпеи

• Римское искусство , Помпеи

• Римское искусство , портреты мумий Фаюм из Римского Египта

• Римское искусство из Дома Веттиев , Помпеи , 1 век нашей эры

• Амур, играющий с лирой , римская фреска из Геркуланума

• Римская фреска с сидящей Венерой , так называемая «Деа Барберини», 4 век нашей эры.

К северу от Египта находилась минойская цивилизация с центром на острове Крит . Настенные росписи, найденные в Кносском дворце , похожи на египетские, но гораздо более свободны по стилю. Микенская Греция , начиная примерно с 1600 г. до н.э., создавала искусство, подобное минойскому Криту. Древнегреческое искусство во время греческого мрачного века стало намного менее сложным, но обновление греческой цивилизации по всему Средиземноморью во время архаической Греции привело к появлению новых форм греческого искусства с ориентализирующим стилем .

В Древней Греции были опытные художники, скульпторы (хотя в то время оба эти дела считались простым ручным трудом) и архитекторы. Парфенон является примером их архитектуры , которая продолжалась до наших дней. Греческая мраморная скульптура часто описывается как высшая форма классического искусства. Живопись на керамике и керамике Древней Греции дает особенно информативное представление о том, как функционировало общество в Древней Греции. Чернофигурная живопись на вазах и Краснофигурная живопись на вазах дают много сохранившихся примеров того, чем была греческая живопись. Некоторые известные греческие живописцы на деревянных панелях, которые упоминаются в текстах, - это Апеллес ,Зевксис и Парразий , однако не сохранились образцы древнегреческой панно, только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в 5–6 годах  до нашей эры и, как говорят, был первым, кто использовал сфумато . По словам Плиния Старшего , реалистичность его картин была такова, что птицы пытались съесть нарисованный виноград. Апеллеса называют величайшим художником античности за совершенную технику рисования, блестящий цвет и лепку.

Римское искусство находилось под влиянием Греции и отчасти может считаться потомком древнегреческой живописи. Однако римская живопись обладает важными уникальными характеристиками. Сохранившиеся римские картины включают настенные росписи и фрески , многие из которых сделаны на виллах в Кампании , на юге Италии в таких местах, как Помпеи и Геркуланум . Такая живопись может быть сгруппирована по четырем основным «стилям» или периодам ^[38] и может содержать первые примеры trompe-l'œil , псевдоперспективы и чистого пейзажа. ^[39] Практически единственные сохранившиеся живописные портреты Древнего мира - это большое количество портретов в форме бюста в форме гроба, найденных вПозднеантичное кладбище Аль-Файюм . Хотя они не были ни лучшего периода, ни самого высокого качества, они впечатляют сами по себе и дают представление о качестве, которым должны были обладать лучшие древние работы. Очень небольшое количество миниатюр из позднеантичных иллюстрированных книг также сохранилось, и гораздо большее количество их копий относится к периоду раннего средневековья.

Средневековье [ править ]

• Cotton Genesis Миниатюра встречи Авраама с ангелами

• Византийская икона , VI век

• Византийские художественные мозаики в Равенне

• Византийский, 6 век

• Келлская книга

• Келлская книга

• Лимбургские братья

• Лимбургские братья

• Книга часов

• Захват Иерусалима во время Первого крестового похода , ок. 1099

• Лист Моргана из Винчестерской Библии 1160–1175 гг., Сцены из жизни Дэвида

• Ярославское Евангелие ок. 1220-е годы

• Каролингский

• Каролингский Святой Марк

• Портрет евангелиста

• Джоттино

• Vitale da Bologna

• Симоне Мартини

• Симоне Мартини

• Чимабуэ

• Джотто

• Джотто

• Джотто

• Андрей Рублев

• Андрей Рублев

• Амброджо Лоренцетти

• Пьетро Лоренцетти

• Дуччо

• Бонавентура Берлингьери , Святой Франциск Ассизский , 1235 г.

• Церковь Хора

• Архангельский собор

• Рогир ван дер Вейден (ок. 1435 г.)

• Рогир ван дер Вейден , Сент-Иво (ок. 1450 г.)

• Воронецкий монастырь

Возникновение христианства придало другой дух и направленность стилям живописи. Византийское искусство , когда его стиль был установлен в VI веке, уделял большое внимание сохранению традиционной иконографии и стиля и постепенно развивался в течение тысячелетия Византийской империи и живых традиций греческой и русской православной иконописи . Византийская живопись имеет иератическое чувство, и иконы считались и до сих пор рассматриваются как представление божественного откровения. Были много фресок , но меньше из них сохранились , чем мозаики . Византийское искусство сравнивают с современной абстракцией, в его плоскостности и сильно стилизованном изображении фигур и пейзажа. Некоторые периоды византийского искусства, особенно так называемое македонское искусство примерно X века, более гибкие в подходе. В церкви Хора в Стамбуле сохранились фрески эпохи палеологического Возрождения начала 14 века .

В постантичной католической Европе первым появившимся отличительным художественным стилем, который включал живопись, было островное искусство Британских островов, где единственными сохранившимися примерами являются миниатюры в иллюминированных рукописях, таких как Келлская книга . ^[40] Они наиболее известны своим абстрактным декором, хотя фигуры, а иногда и сцены, также были изображены, особенно на портретах евангелистов . Каролингское и оттонское искусствотакже сохранился в основном в рукописях, хотя сохранились некоторые настенные росписи, и многие из них задокументированы. Искусство этого периода сочетает в себе островные и «варварские» влияния с сильным византийским влиянием и стремлением восстановить классическую монументальность и уравновешенность.

Стены романских и готических церквей были украшены фресками, а также скульптурами, и многие из немногих сохранившихся фресок имеют большую интенсивность и сочетают в себе декоративную энергию островного искусства с новой монументальностью в обработке фигур. Гораздо больше миниатюр в иллюминированных рукописях сохранилось от того периода, демонстрируя те же характеристики, что и в готический период .

Панельная живопись становится все более распространенной в романский период под сильным влиянием византийских икон. К середине 13-го века средневековое искусство и готическая живопись стали более реалистичными, с началом интереса к изображению объема и перспективы в Италии с Чимабуэ, а затем его учеником Джотто.. Начиная с Джотто, обработка композиции лучшими художниками также стала намного более свободной и новаторской. Они считаются двумя великими средневековыми мастерами живописи в западной культуре. Чимабуэ в византийской традиции использовал более реалистичный и драматический подход к своему искусству. Его ученик Джотто поднял эти нововведения на более высокий уровень, что, в свою очередь, заложило основы западной традиции живописи. Оба художника были пионерами в движении к натурализму.

В церквях строилось все больше и больше окон, а использование цветных витражей стало основным элементом декора. Один из самых известных примеров этого - собор Парижской Богоматери . К 14 веку западные общества стали богаче и культурнее, а художники нашли новых покровителей среди знати и даже среди буржуазии . Иллюминированные рукописи приобрели новый характер, и в их пейзажах были показаны стройные, модно одетые придворные женщины. Этот стиль вскоре стал известен как международный стиль, и все большее значение приобрели картины темперных панно и запрестольные образы.

Возрождение и маньеризм [ править ]

• Роберт Кампин , ок. 1425

• Ян ван Эйк , 1434 г.

• Рогир ван дер Вейден , ок. 1435

• Хуго ван дер Гус , ок. 1470

• Диерик Баутс , 1464–1467 гг.

• Ганс Мемлинг , ок. 1466–1473

• Петрус Кристус , ок. 1470

• Иероним Босх , ок. 1480–1505

• Фра Анджелико , 1425–1428 гг.

• Паоло Уччелло , ок. 1470

• Мазаччо , 1426–1427 гг.

• Филиппо Липпи , 1440–1445 гг.

• Андреа Мантенья , гр. 1458–1460

• Пьеро делла Франческа , 1463–1465 гг.

• Сандро Боттичелли , 1483–1485 гг.

• Леонардо да Винчи , 1503–1506 гг.

• Рафаэль , 1505–1506 гг.

• Микеланджело , ок. 1511

• Лукас Кранах Старший , ок. 1530

• Альбрехт Дюрер , 1500 г.

• Маттиас Грюневальд , 1512–1516 гг.

• Джованни Беллини , ок. 1480

• Джорджоне , гр. 1505

• Тициан , 1520–1523 гг.

• Понтормо , 1526–1528 гг.

• Бронзино , 1540–1545

• Питер Брейгель , 1565 г.

• Ганс Гольбейн Младший , 1527 г.

• Якопо Тинторетто , 1582 г.

• Паоло Веронезе , 1562–1563 гг.

• Иоахим Втевал , 1595 г.

• Эль Греко , 1596–1600 гг.

Возрождение (по-французски «возрождение»), культурное движение, охватывающее примерно с 14 по середину 17 века, возвестило изучение классических источников, а также достижения науки, которые оказали глубокое влияние на интеллектуальную и художественную жизнь Европы. В Нидерландах , особенно в современной Фландрии , новый способ живописи был установлен в начале 15 века. По следам разработок, сделанных в области освещения рукописей , особенно братьями Лимбург , художники были очарованы материальным в видимом мире и начали изображать предметы чрезвычайно натуралистично. ^[41] Принятие масляной живописичье изобретение традиционно, но ошибочно приписывали Яну ван Эйку , сделало возможным новое правдоподобие в изображении этого натурализма. Масляная краска уже присутствовала в работах Мельхиора Бродерлама , но такие художники, как Ян ван Эйк и Роберт Кампен, вывели его на новый уровень и использовали его, чтобы представить натурализм, к которому они стремились. С помощью этой новой среды художники этого периода могли создавать более богатые цвета с глубокой интенсивной тональностью. Иллюзия сияющего света с фарфоровой отделкой характеризовала раннюю нидерландскую живопись и была основным отличием от матовой поверхности темперной краски, используемой в Италии. ^[41]В отличие от итальянцев, чьи работы в значительной степени опирались на искусство Древней Греции и Рима, северяне сохранили стилистический остаток скульптуры и иллюминированных рукописей средневековья (особенно его натурализма). Самым важным художником этого времени был Ян ван Эйк , чьи работы считаются одними из лучших, созданных художниками, которые теперь известны как ранние нидерландские художники или фламандские примитивисты (поскольку большинство художников были активны в городах современной Фландрии). Первым художником этого периода был мастер Флемаль , ныне известный как Роберт Кампен , чьи работы следует искусству международной готики.. Другим важным художником этого периода был Рогир ван дер Вейден , чьи композиции подчеркивали человеческие эмоции и драму, продемонстрированные, например, в его « Снятии с креста» , который входит в число самых известных произведений 15 века и является самой влиятельной нидерландской картиной Христа. распятие. Другими важными художниками этого периода являются Хуго ван дер Гус (чьи работы имели большое влияние в Италии), Диерик Баутс (который был одним из первых северных художников, продемонстрировавших использование единой точки схода), ^[41] Петрус Кристус , Ганс Мемлинг и Джерард Дэвид .

В Италии искусство классической древности вдохновило стиль живописи, подчеркивающий идеал. Такие художники, как Паоло Уччелло , Мазаччо , Фра Анджелико , Пьеро делла Франческа , Андреа Мантенья , Филиппо Липпи , Сандро Боттичелли , Леонардо да Винчи , Микеланджело Буонарроти и Рафаэль подняли живопись на более высокий уровень благодаря использованию перспективы , изучению анатомии человека.и пропорции, и благодаря их развитию беспрецедентной утонченности в технике рисования и живописи. Несколько более натуралистический стиль возник в Венеции . Художники венецианской школы , такие как Джованни Беллини , Джорджоне , Тициан , Тинторетто и Веронезе , меньше заботились о точности своего рисунка, чем о богатстве цвета и единстве эффекта, которого можно было достичь с помощью более спонтанного подхода к живописи.

Фламандские, голландские и немецкие художники эпохи Возрождения, такие как Ганс Гольбейн Младший , Альбрехт Дюрер , Лукас Кранах , Маттиас Грюневальд , Иероним Босх и Питер Брейгель, представляют подход, отличный от своих итальянских коллег, более реалистичный и менее идеализированный. Жанровая живопись стала популярной идиомой среди северных художников, таких как Питер Брейгель .

Живопись эпохи Возрождения отражает революцию идей и науки ( астрономии , географии ), произошедшую в этот период, Реформацию и изобретение печатного станка . Дюрер, считающийся одним из величайших мастеров гравюры, утверждает, что художники - не просто ремесленники, но и мыслители . С развитием станковой живописив эпоху Возрождения живопись обрела независимость от архитектуры. Станковые картины - подвижные картины, которые можно было легко повесить на стены - стали популярной альтернативой картинам, прикрепленным к мебели, стенам или другим конструкциям. После столетий преобладания религиозных образов светская тематика постепенно вернулась в западную живопись. Художники включали в свои картины видения окружающего мира или продукты собственного воображения. Те, кто мог позволить себе расходы, могли стать покровителями и заказать портреты себя или своей семьи.

Высокое Возрождение породило стилизованное искусство , известное как маньеризм . Вместо уравновешенных композиций и рационального подхода к перспективе, которые характеризовали искусство на заре XVI века, маньеристы искали нестабильность, уловку и сомнения. Невозмутимые лица и жесты Пьеро делла Франческа и спокойные Девы Рафаэля сменяются тревожным выражением лица Понтормо и эмоциональной напряженностью Эль Греко . Беспокойные и нестабильные композиции, часто экстремальные или дизъюнктивные эффекты перспективы и стилизованные позы характерны для итальянских маньеристов, таких как Тинторетто , Понтормо и Бронзино., а позже появился в работах северных маньеристов, таких как Хендрик Гольциус , Бартоломеус Шпрангер и Иоахим Втевал .

Барокко и рококо [ править ]

• Караваджо , 1595–1597 гг.

• Артемизия Джентилески , 1614–1620 гг.

• Питер Пауль Рубенс , 1632–1635 гг.

• Франс Хальс , 1624 г.

• Джудит Лейстер , 1630 г.

• Рембрандт ван Рейн , 1642 г.

• Питер де Хуч , 1658 г.

• Йоханнес Вермеер , ок. 1660

• Ян Стин , ок. 1665

• Якоб ван Рейсдал , 1670 г.

• Виллем Клас. Хеда , 1631 г.

• Диего Веласкес , 1656–1657 гг.

• Джузепе де Рибера , 1620–1624 гг.

• Николя Пуссен , ок. 1637–1638

• Жорж де Ла Тур , 1640-е гг.

• Гвидо Рени , 1625 г.

• Сальватор Роза , гр. 1645

• Бартоломе Эстебан Мурильо , ок. 1650–1655

• Клод Лоррен , 1648 г.

• Энтони ван Дейк , 1635–1636 гг.

• Каналетто , 1723 г.

• Джованни Баттиста Тьеполо , ок. 1752–1753 гг.

• Антуан Ватто , ок. 1720

• Жан-Оноре Фрагонар , ок. 1767–1768

• Франсуа Буше , 1751 г.

• Элизабет-Луиза Виже-Лебрен после 1782 г.

• Морис Квентин де Ла Тур , ок. 1761

• Томас Гейнсборо , ок. 1770

• Джошуа Рейнольдс , 1769 г.

• Жан-Батист-Симеон Шарден , ок. 1728

• Уильям Хогарт , ок. 1757

• Анжелика Кауфман , ок. 1780 г.

Живопись в стиле барокко связана с культурным движением барокко, движением , которое часто отождествляется с абсолютизмом и контрреформацией или католическим возрождением; ^{[42] [43]} существование важной живописи в стиле барокко в неабсолютистских и протестантских государствах также, однако, подчеркивает ее популярность, поскольку стиль распространился по всей Западной Европе. ^[44]

Для живописи барокко характерны драматизм, насыщенный, глубокий цвет, интенсивные светлые и темные тени. Искусство барокко должно было вызывать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения. В период с 1600 года по 17 век живопись характеризуется как барокко. Среди величайших художников барокко Караваджо , Рембрандт , Франс Хальс , Рубенс , Веласкес , Пуссен и Иоганнес Вермеер . Караваджо - наследник гуманистической живописи Высокого Возрождения . Его реалистичныйподход к человеческой фигуре, нарисованной прямо с натуры и драматически освещенной на темном фоне, шокировал современников и открыл новую главу в истории живописи. Живопись в стиле барокко часто драматизирует сцены с помощью световых эффектов; это можно увидеть в произведениях Рембрандта, Вермеера, Ленэна , Ла Тура , Джузепе де Риберы .

В Италии стиль барокко воплощен в религиозных и мифологических картинах великих художников, таких как Карраччи , Гвидо Рени и Лука Джордано . Иллюзионистские фрески на потолке церкви Пьетро да Кортона словно открывались в небо. Гораздо более спокойный тип барокко возник в Голландской республике , где станковые картины повседневных предметов были популярны среди коллекционеров среднего класса, и многие художники стали специалистами в жанрах , другие - в пейзаже, морском пейзаже или натюрмортах. Вермеер, Жерар тер Борх и Питер де Хохвнес большую техническую изысканность в живопись домашних сцен, как это сделал Виллем Клас. Хеда до натюрморта. Напротив, Рембрандт преуспел в рисовании всех типов предметов и разработал индивидуальный живописный стиль, в котором светотень и темный фон, заимствованные из Караваджо и Утрехтских караваджистов, теряют свое театральное качество.

В течение 18 века рококо было более легким продолжением барокко, часто легкомысленным и эротичным. Рококо впервые развился в декоративном искусстве и дизайне интерьеров во Франции. Преемственность Людовика XV внесла изменения в придворных художников и в общей художественной моде. 1730-е годы были пиком развития рококо во Франции, примером которого являются работы Антуана Ватто и Франсуа Буше . Рококо по-прежнему сохранял вкус барокко к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту он начал объединять множество разнообразных характеристик, включая вкус к восточному дизайну и асимметричным композициям.

Стиль рококо распространился с французскими художниками и гравированными изданиями. Его с радостью приняли в католических частях Германии, Богемии и Австрии , где он был смешан с живыми традициями немецкого барокко. Немецкое рококо с энтузиазмом применялось к церквям и дворцам, особенно на юге, в то время как фредериканское рококо развивалось в Королевстве Пруссия .

Французские мастера Ватто , Буше и Фрагонар представляют стиль, а также Джованни Баттиста Тьеполо и Жан-Батист-Симеон Шарден , которого некоторые считают лучшим французским художником XVIII века - анти-рококо . Портретная живопись была важным компонентом живописи во всех странах, но особенно в Англии, где лидерами были Уильям Хогарт в стиле резкого реализма и Фрэнсис Хейман , Анжелика Кауфман (которая была швейцаркой), Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс в более лестных стилях. под влияниемЭнтони ван Дейк . Во Франции в эпоху рококо Жан-Батист Грез (любимый художник Дени Дидро ) ^[45] преуспел в портретах и исторических картинах , а Морис Квентин де Ла Тур и Элизабет Виже-Лебрен были выдающимися художниками-портретистами . Ла Тур специализировался на пастельной живописи, которая стала популярной в этот период.

Уильям Хогарт помог разработать теоретические основы красоты в стиле рококо. Хотя и не ссылаясь намеренно на движение, он утверждал в своем « Анализе красоты» (1753 г.), что волнистые линии и S-образные изгибы, заметные в рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в классицизме ). . Начало конца рококо наступило в начале 1760-х годов, когда такие деятели, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель, начали критиковать поверхностность и вырождение искусства. Блондель осуждает «смехотворное нагромождение ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах. ^[46]

К 1785 году рококо во Франции вышло из моды, его сменили порядок и серьезность художников- неоклассиков, таких как Жак-Луи Давид .

19 век: неоклассицизм, историческая живопись, романтизм, импрессионизм, постимпрессионизм, символизм [ править ]

• Жак Луи Давид 1787

• Джон Синглтон Копли 1778

• Джон Констебл 1802

• Антуан-Жан Гро , 1804 г.

• Жан Огюст Доминик Энгр 1814

• Франсиско де Гойя 1814

• Теодор Жерико 1819

• Каспар Давид Фридрих ок. 1822 г.

• Эжен Делакруа 1830

• Дж. М. В. Тернер 1838

• Гюстав Курбе 1849–1850

• Иван Айвазовский 1850

• Альберт Бирштадт 1866

• Камиль Коро 1867 г.

• Илья Репин 1870–1873

• Камиль Писсарро 1872

• Клод Моне 1872

• Пьер Огюст Ренуар 1876

• Эдгар Дега 1876

• Эдуард Мане 1882

• Томас Икинс 1884–1885

• Жорж Сёра 1884–1886

• Валентин Серов 1887

• Винсент Ван Гог 1889

• Альберт Пинкам Райдер 1890

• Поль Гоген 1897–1898

• Уинслоу Гомер 1899

• Поль Сезанн 1906

После рококо в конце 18 века возник в архитектуре, а затем и в живописи строгий неоклассицизм , лучше всего представленный такими художниками, как Давид и его наследник Энгр . В творчестве Энгра уже есть много чувственности, но никакой спонтанности, характерной для романтизма . Это движение обратило свое внимание на пейзаж и природу, а также на человеческую фигуру и превосходство естественного порядка над волей человечества. В этой концепции есть пантеистическая философия (см. Спинозу и Гегеля ), которая выступает против Просвещения.идеалы, рассматривая судьбу человечества в более трагическом или пессимистическом свете. Идея о том, что люди не выше сил природы, противоречит идеалам Древней Греции и эпохи Возрождения, согласно которым человечество было превыше всего и принадлежало его судьбе. Это мышление привело художников-романтиков к изображению возвышенных разрушенных церквей, кораблекрушений, резни и безумия.

К середине 19 века художники освободились от требований своего покровительства и стали изображать только сцены из религии, мифологии, портретной живописи или истории. Идея «искусство ради искусства» начала находить выражение в работах таких художников, как Франсиско де Гойя, Джон Констебл и Дж. М. У. Тернер. Художники-романтики считали пейзажную живопись важным жанром, выражающим тщеславие человечества в противовес величию природы. До этого пейзажная живопись не считалась самым важным жанром для художников (например, портретная живопись или историческая живопись). Но такие художники, как Дж. М. У. Тернер и Каспар Давид Фридрих, сумели поднять пейзажную живопись до уровня, соперничающего с исторической живописью. Некоторые из крупнейших художников этого периода - Эжен Делакруа ,Теодор Жерико, Дж. М. У. Тернер , Каспар Давид Фридрих и Джон Констебл . Франсиско де Гойя поздно работа «s демонстрирует Романтичный интерес к иррациональному, в то время как работа Арнольда Беклина вызывает тайну и картины Эстетическое движение художника Джеймс Макнейл Уистлер вызывают и утонченность и декаданс . В Соединенных Штатах романтическая традиция пейзажной живописи была известна как школа реки Гудзон : ^[47] экспоненты включают Томаса Коула , Фредерика Эдвина Черча , Альберта Бирштадта ,Томас Моран и Джон Фредерик Кенсетт . Люминизм - это направление в американской пейзажной живописи, связанное со школой реки Гудзон .

Ведущий художник барбизонской школы Камиль Коро писал как в романтическом, так и в реалистическом ключе; его работы являются прообразами импрессионизма , как и картины Эжена Будена, который был одним из первых французских пейзажистов, которые рисовали на открытом воздухе. Буден также оказал большое влияние на молодого Клода Моне , которого в 1857 году он познакомил с пленэрной живописью. Главной движущей силой поворота к реализму в середине века был Гюстав Курбе . Во второй трети века импрессионисты, такие как Эдуард Мане , Клод Моне , Пьер-Огюст Ренуар, Камиль Писсарро , Альфред Сислей , Берта Моризо , Мэри Кассат и Эдгар Дегаработали в более прямом подходе, чем ранее публично выставлялись. Они отказались от аллегории и повествования в пользу индивидуализированных ответов на современный мир, иногда нарисованных с небольшим предварительным изучением или без него, полагаясь на ловкость рисунка и очень хроматичную палитру. Мане, Дега, Ренуар, Моризо и Кассат сосредоточили свое внимание прежде всего на человеке. И Мане, и Дега переосмыслили классические образные каноны в современных ситуациях; в случае Мане переосмысление было встречено враждебно общественностью. Ренуар, Моризо и Кассат обратились к домашней жизни за вдохновением, а Ренуар сосредоточился на женской обнаженной натуре. Моне, Писсарро и Сислей использовали пейзаж в качестве основного мотива, быстротечность света и погоды играли важную роль в их работах.В то время как Сислей наиболее строго придерживался первоначальных принципов импрессионистского восприятия ландшафта, Моне искал вызовы во все более цветных и изменчивых условиях, кульминацией которых стала серия монументальных работКувшинки, написанные в Живерни .

Писсарро перенял некоторые эксперименты постимпрессионизма . Немного более молодые постимпрессионисты, такие как Винсент Ван Гог , Поль Гоген и Жорж Сёра , вместе с Полем Сезанном привели искусство к краю модернизма ; для Гогена импрессионизм уступил место личному символизму; Сёра превратил ломанный цвет импрессионизма в научное оптическое исследование, построенное на фризообразных композициях; Бурный метод нанесения краски Ван Гогом в сочетании с звучным использованием цвета предсказал экспрессионизм и фовизм., а Сезанн, желающий объединить классическую композицию с революционной абстракцией природных форм, стал бы рассматриваться как предшественник искусства 20-го века. Очарование импрессионизма ощущалось во всем мире, в том числе в Соединенных Штатах, где он стал неотъемлемой частью живописи американских импрессионистов, таких как Чайльд Хассам , Джон Твахтман и Теодор Робинсон ; и в Австралии, где художники Гейдельбергской школы, такие как Артур Стритон , Фредерик Маккаббин и Чарльз Кондер, рисовали на пленэреи особенно интересовались австралийским пейзажем и светом. Это также оказало влияние на художников, которые не были импрессионистами в теории, таких как портретист и пейзажист Джон Сингер Сарджент . В то же время в Америке на рубеже 20-го века существовал местный и почти островной реализм, который богато воплощен в фигуративных работах Томаса Икинса , Школы Ашкана , а также в пейзажах и морских пейзажах Уинслоу Гомера , все картины которого были глубоко вложены в твердость природных форм. Призрачный пейзаж, мотив, во многом зависящий от двусмысленности ноктюрна, нашел своих защитников в лице Альберта Пинхэма Райдера и Ральфа Альберта Блейклока..

В конце 19-го века также было несколько довольно непохожих групп художников-символистов, чьи работы находили отклик у молодых художников 20-го века, особенно у фовистов и сюрреалистов . Среди них были Гюстав Моро , Одилон Редон , Пьер Пюви де Шаванн , Анри Фантен-Латур , Арнольд Бёклин , Эдвард Мунк , Фелисьен Ропс и Ян Тороп , а также Гюстав Климт среди других, включая русских символистов, таких как Михаил Врубель .

Символисты художники добывали мифологию и помечтать образа для визуального языка души, ища запоминающиеся картины , которые принесли на ум статичного мира молчания. Символы, используемые в символизме, не являются знакомыми символами основной иконографии, а являются очень личными, частными, неясными и двусмысленными отсылками. Художники-символисты, скорее философия, чем настоящий стиль искусства, повлияли на современное движение ар-нуво и Les Nabis . В своем исследовании сказочных предметов художники-символисты встречаются через века и культуры, как и сегодня; Бернар Дельвай описал Рене МагриттаСюрреализм как «Символизм плюс Фрейд ». ^[48]

Современность и современность 20-го века [ править ]

Наследие таких художников, как Ван Гог , Сезанн , Гоген и Сёра, имело важное значение для развития современного искусства. В начале 20 века Анри Матисс и несколько других молодых художников произвели революцию в мире искусства Парижа, создав «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и фигурные картины, которые критики назвали фовизмом . Пабло Пикассо создал свои первые кубистические картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем твердым телам: кубу , сфере и конусу .

Пионеры 20 века [ править ]

• Анри Матисс 1905, фовизм

• Пабло Пикассо 1907, Протокубизм

• Жорж Брак 1910, Аналитический кубизм

• Анри Руссо 1910 Примитивный сюрреализм

Наследие таких художников, как Ван Гог , Сезанн , Гоген и Сёра, имело важное значение для развития современного искусства. В начале 20 века Анри Матисс и несколько других молодых художников, включая докубистов Жоржа Брака , Андре Дерен , Рауля Дюфи и Мориса де Вламинка, произвели революцию в мире искусства Парижа, создав «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и фигуры. картины, которые критики назвали фовизмом . Вторая версия Анри Матисса " Танец"означает ключевой момент в его карьере и в развитии современной живописи. ^[49] Он отражает зарождающееся увлечение Матисса примитивным искусством : интенсивные теплые цвета на холодном сине-зеленом фоне и ритмичная последовательность танцующих обнаженных тел передают чувство эмоционального раскрепощения и гедонизма . Пабло Пикассо создал свои первые кубистические картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображение природы можно свести к трем твердым телам: кубу , сфере и конусу . С картиной Les Demoiselles d'AvignonВ 1907 году Пикассо драматически создал новую и радикальную картину, изображающую грубую и примитивную сцену публичного дома с пятью проститутками, сильно раскрашенными женщинами, напоминающую маски африканских племен и его собственные новые кубистские изобретения. Аналитический кубизм был совместно разработан Пабло Пикассо и Жоржем Браком , примером которого являются Скрипка и Подсвечник в Париже , примерно с 1908 по 1912 год. Аналитический кубизм, первое явное проявление кубизма, сменился синтетическим кубизмом , который практиковали Брак, Пикассо, Фернан Леже. , Хуан Грис , Альберт Глез , Марсель Дюшани бесчисленное множество других художников в 1920-е годы. Синтетический кубизм характеризуется введением различных текстур, поверхностей, элементов коллажа , папье-колле и большого разнообразия объединенных предметов.

Les Fauves (по-французски «Дикие звери» ) были художниками начала 20-го века, экспериментировавшими со свободой выражения с помощью цвета. Название было дано группе юмористическим, а не в качестве комплимента арт-критиком Луи Вокселлесом . Фовизм был недолгая и рыхлой группировкой художников начала 20-го века , чьи работы подчеркивали живописность качества, а также творческое использование глубокого цвета на репрезентативных значения. Фовистов сделал тему картины легко читать, выражалась преувеличенные перспективы и интересное предсказание пророческим из фовистов в 1888 году Поль Гоген в Серюзье ,

«Как вы видите эти деревья? Они желтые. Итак, поставьте желтый; эту тень, скорее синюю, нарисуйте чистым ультрамарином ; эти красные листья? Поместите в киноварь ».

Лидерами движения были Анри Матисс и Андре Дерен - своего рода дружелюбные соперники, каждый со своими последователями. В конечном счете Матисс стал янь к Пикассо «s инь в 20 - м веке. Среди художников-фовистов были Альбер Марке , Шарль Камуан , Морис де Вламинк , Рауль Дюфи , Отон Фриез , голландский художник Кес ван Донген и партнер Пикассо по кубизму, Жорж Брак и другие. ^[50]Фовизм как движение не имело конкретных теорий и просуществовал недолго, начиная с 1905 года и заканчивая 1907 годом, у них было всего три выставки. Матисс считался лидером движения из-за его старшинства в возрасте и предшествующего самоутверждения в академическом мире искусства. Его портрет г-жи 1905 года. Матисс «Зеленая линия» (вверху) произвела фурор в Париже, когда была впервые выставлена. Он сказал, что хочет создавать искусство, доставляющее удовольствие; искусство как украшение было его целью, и можно сказать, что его использование ярких цветов пытается сохранить безмятежность композиции. В 1906 году по предложению своего дилера Амбруаз Воллар , Андре Дерен отправился в Лондон , и выпустил серию картин , как Чаринг - Кросс - Бридж, Лондон (выше) вФовизма стиль, перефразируя знаменитую серию со стороны импрессионистов художника Клода Моне . Такие мастера, как Анри Матисс и Пьер Боннар, продолжали развивать свои повествовательные стили независимо от каких-либо движений на протяжении всего 20 века.

К 1907 году фовизм больше не был шокирующим новым движением, вскоре он был заменен кубизмом на экране радаров критиков как последняя разработка в современном искусстве того времени. В 1907 году Аполинер , комментируя Матисса в статье, опубликованной в La Falange, сказал: «Мы здесь не в присутствии экстравагантного или экстремистского предприятия: искусство Матисса в высшей степени разумно». ^[51] Аналитический кубизм был совместно разработан Пабло Пикассо и Жоржем Браком примерно с 1908 по 1912 год. Аналитический кубизм, первое явное проявление кубизма, сменился синтетическим кубизмом , который практиковали Брак, Пикассо, Фернан Леже ,Хуан Грис , Альберт Глез , Марсель Дюшан и множество других художников в 1920-е годы. Синтетический кубизм характеризуется введением различных текстур, поверхностей, элементов коллажа , папье-колле и большого разнообразия объединенных предметов.

В период с 1910 года до конца Первой мировой войны и после расцвета кубизма в Париже возникло несколько движений. Джорджо де Кирико переехал в Париж в июле 1911 года, где он присоединился к своему брату Андреа (поэту и художнику, известному как Альберто Савинио ). Через своего брата он познакомился с Пьером Лапрадом, членом жюри Осеннего салона, где он выставил три свои сказочные работы: « Загадка оракула» , « Загадка полудня» и « Автопортрет» . В 1913 году он выставлял свои работы в Салоне Независимых и Осеннем салоне, его работы были замечены Пабло Пикассо и Гийомом Аполлинером.и несколько других. Его неотразимые и загадочные картины считаются инструментами ранних зачатков сюрреализма . В первой половине 20-го века в Европе такие мастера, как Жорж Брак , Андре Дерен и Джорджо Де Кирико, продолжали рисовать независимо от какого-либо движения.

Пионеры современного искусства [ править ]

• Андре Дерен , 1905, Le séchage des voiles (Высыхающие паруса) , фовизм

• Анри Матисс, 1905, Женщина в шляпе , фовизм

• Жан Метцингер , 1905, Две обнаженные натуры в экзотическом пейзаже , Дивизионизм , Протокубизм

• Эдвард Мунк , Смерть Марата I (1907), пример экспрессионизма

• Густав Климт , экспрессионизм , 1907–1908 гг.

• Пабло Пикассо , 1908, дриада , протокубизм

• Марк Шагал 1911, экспрессионизм и сюрреализм

• Марсель Дюшан , 1911–1912, кубизм и дадаизм

• Альбер Глез , 1912, Человек на балконе, Человек на балконе (Портрет доктора Тео Морино) , кубизм

• Жан Метцингер , 1912, Danseuse au café (Танцовщица в кафе) , кубизм

• Франц Марк 1912, Der Blaue Reiter

• Роберт Делоне , 1911, Орфизм

• Фрэнсис Пикабиа , 1912, Источник (Весна) , Абстрактное искусство

• Василий Кандинский 1913, рождение абстрактного искусства

• Амедео Модильяни , Портрет Сутина 1916 года, пример экспрессионизма

• Фернан Леже 1919, синтетический кубизм , тубизм

В первые два десятилетия 20-го века и после кубизма возникло несколько других важных движений; футуризм ( Балла ), абстрактное искусство ( Кандинский ), Der Blaue Reiter ), Баухаус , ( Кандинский ) и ( Клее ), орфизм ( Роберт Делоне и Франтишек Купка ), синхромизм ( Морган Рассел ), Де Стил ( Мондриан ), супрематизм ( Малевич ), конструктивизм (Татлин ), дадаизм ( Дюшан , Пикабиа , Арп ) и сюрреализм ( Де Кирико , Андре Бретон , Миро , Магритт , Дали , Эрнст ). Современная живопись повлияла на все изобразительное искусство, от модернистской архитектуры и дизайна до авангардного кино, театра и современного танца, и стала экспериментальной лабораторией для выражения визуального опыта, от фотографии и конкретной поэзии.рекламе искусства и моды. Живопись Ван Гога оказала большое влияние на экспрессионизм 20-го века , что можно увидеть в работах фовистов , Die Brücke (группа под руководством немецкого художника Эрнста Кирхнера ) и экспрессионизма Эдварда Мунка , Эгона Шиле , Марка Шагала , Амедео. Модильяни , Хаим Сутин и другие ..

Василий Кандинский, русский художник, гравер и теоретик искусства, один из самых известных художников 20-го века, как правило, считается первым крупным художником современного абстрактного искусства. Будучи ранним модернистом, в поисках новых способов визуального выражения и духовного выражения, он, как и современные оккультисты и теософы , теоретизировал , что чистая визуальная абстракция имеет следственные вибрации со звуком и музыкой. Они утверждали, что чистая абстракция может выражать чистую духовность. Его самые ранние абстракции обычно назывались образцом в (галерее выше) Композиции VII., приобщая к творчеству композиторов музыки. Кандинский включил многие из своих теорий об абстрактном искусстве в свою книгу « О духовном в искусстве». Робер Делоне был французским художником, связанным с орфизмом (напоминающим связь между чистой абстракцией и кубизмом). Его более поздние работы были более абстрактными, напоминая Пауля Клее . Его ключевой вклад в абстрактную живопись связан с его смелым использованием цвета и явной любовью к экспериментированию как с глубиной, так и с тоном. По приглашению Василия Кандинского Делоне и его жена художница Соня Делоне присоединились к мюнхенскому «Голубому всаднику» ( Der Blaue Reiter ).основал группу художников-абстракционистов в 1911 году, и его искусство превратилось в абстрактное. ^[52]

Среди других крупных пионеров ранней абстракции - русский художник Казимир Малевич , который после русской революции 1917 года и после давления со стороны сталинского режима в 1924 году вернулся к живописи изображений и крестьян и рабочих в поле , а также швейцарского художника Пауля Клее, чьи мастерские эксперименты с цветом сделал его важным пионером абстрактной живописи в Баухаусе . К другим важным пионерам абстрактной живописи относятся шведская художница Хильма аф Клинт , чешский художник Франтишек Купка, а также американские художники Стэнтон Макдональд-Райт и Морган Рассел.который в 1912 году основал Synchromism , направление в искусстве, очень напоминающее орфизм .

Экспрессионизм и символизм - это широкие рубрики, которые включают несколько важных и связанных движений в живописи 20-го века, которые доминировали в большей части авангардного искусства, создаваемого в Западной, Восточной и Северной Европе. Экспрессионистские работы были написаны в основном между Первой и Второй мировой войнами, в основном во Франции, Германии, Норвегии, России, Бельгии и Австрии. Художники-экспрессионисты связаны как с сюрреализмом, так и с символизмом, и каждый из них уникален и несколько эксцентрично индивидуален. Фовизм , Die Brücke и Der Blaue Reiter - три из самых известных групп художников-экспрессионистов и символистов.

Такие интересные и разнообразные художники, как Марк Шагал , чья картина « Я и деревня» (вверху) рассказывает автобиографическую историю, в которой исследуются отношения между художником и его происхождением с помощью лексики художественного символизма . Густав Климт , Эгон Шиле , Эдвард Мунк , Эмиль Нольде , Хаим Сутин , Джеймс Энсор , Оскар Кокошка , Эрнст Людвиг Кирхнер , Макс Бекманн , Франц Марк , Кете Шмидт Кольвиц , Жорж Руо , Амедео Модильянии некоторые из американцев за границей, такие как Марсден Хартли и Стюарт Дэвис , считались влиятельными художниками-экспрессионистами. Хотя Альберто Джакометти в первую очередь считается сильным скульптором- сюрреалистом , он также писал яркие экспрессионистские картины.

Пионеры абстракции [ править ]

• Пит Мондриан , 1912 год, ранний де Стейл

• Казимир Малевич 1916, Супрематизм

• Тео ван Дусбург 1917, Де Стил , Неопластизм

• Стэнтон Макдональд-Райт 1920, Синхромизм

Искусство Пита Мондриана также было связано с его духовными и философскими занятиями. В 1908 году он заинтересовался теософским движением, созданным Еленой Петровной Блаватской в конце 19 века. Блаватская считала, что можно достичь более глубокого знания о природе, чем то, которое дается эмпирическими средствами, и большая часть работы Мондриана до конца его жизни была вдохновлена ​​его поисками этого духовного знания.

De Stijl, также известный как неопластицизм , был голландским художественным движением, основанным в 1917 году. Термин De Stijl используется для обозначения работ с 1917 по 1931 год, основанных в Нидерландах. ^{[53] [54]}

De Stijl - это также название журнала, который издавал голландский художник, дизайнер, писатель и критик Тео ван Дусбург, пропагандирующий теории группы. Рядом с ван Дусбургом основными участниками группы были художники Пит Мондриан , Вильмос Хусар и Барт ван дер Лек , а также архитекторы Геррит Ритвельд , Роберт ван 'т Хофф и JJP Oud . Художественная философия, которая легла в основу работы группы, известна как неопластицизм - новое пластическое искусство (или Nieuwe Beelding на голландском языке).

Сторонники Де Стиджла стремились выразить новый утопический идеал духовной гармонии и порядка. Они выступали за чистую абстракцию и универсальность за счет сведения к основам формы и цвета; они упростили визуальные композиции до вертикального и горизонтального направлений и использовали только основные цвета наряду с черным и белым. Действительно, согласно галерее ТейтВ онлайн-статье о неопластицизме, сам Мондриан излагает эти разграничения в своем эссе «Неопластизм в изобразительном искусстве». Он пишет: «... эта новая пластическая идея будет игнорировать особенности внешнего вида, то есть естественную форму и цвет. Напротив, она должна найти свое выражение в абстракции формы и цвета, т. Е. по прямой линии и с четко определенным основным цветом ». В статье Тейт далее резюмируется, что это искусство допускает «только основные цвета и не цвета, только квадраты и прямоугольники, только прямые и горизонтальные или вертикальные линии». ^[55] Музей ГуггенхаймаИнтернет-статья о Де Стиджле резюмирует эти черты в аналогичных терминах: «Он [Де Стейл] был основан на фундаментальном принципе геометрии прямой линии, квадрата и прямоугольника в сочетании с сильной асимметричностью; преобладающее использование чистых основных цветов с черным и белым, а также отношения между положительными и отрицательными элементами в расположении беспредметных форм и линий ». ^[56]

На движение Де Стиджа оказали влияние кубистская живопись, а также мистицизм и идеи об «идеальных» геометрических формах (таких как «идеальная прямая линия») в неоплатонической философии математика М. Х. Дж. Шенмакерса . Работы Де Стейла повлияли на стиль Баухаус и международный стиль архитектуры, а также на одежду и дизайн интерьера. Однако он не следовал общим принципам «изма» (кубизм, футуризм, сюрреализм) и не придерживался принципов художественных школ, таких как Баухаус; это был коллективный проект, совместное предприятие.

Дадаизм и сюрреализм [ править ]

• Фрэнсис Пикабиа 1916, дадаизм

• Курт Швиттерс , 1919, нарисованный коллаж , дадаизм

• Макс Эрнст , 1921), сюрреализм

• Андре Массон , 1922 год, ранний сюрреализм

Марсель Дюшан приобрел международную известность после своего печально известного успеха на Нью-Йоркской оружейной выставке в 1913 году (вскоре после того, как он осудил искусство шахмат ). После того, как картина Дюшана « Обнаженная, спускающаяся по лестнице» стала всемирно известной на выставке Armory в 1913 году в Нью-Йорке, он создал «Невесту, обнаженную голой» холостяками «Даже , большое стекло» . Большое стекло протолкнул искусство живописи к радикальным новым пределам , являющийся частью картины, часть коллажа, часть строительства. Дюшан стал тесно связан с движением Дада , начавшимся в нейтральном Цюрихе., Швейцария, во время Первой мировой войны и достигла своего пика с 1916 по 1920 год. Движение в основном включало изобразительное искусство, литературу (поэзия, художественные манифесты, теория искусства), театр и графический дизайн и концентрировало свою антивоенную политику за счет отказа от преобладающих стандарты в искусстве через антихудожественные культурные произведения. Фрэнсис Пикабиа , Ман Рэй , Курт Швиттерс , Тристан Цара , Ханс Рихтер , Жан Арп , Софи Таубер-Арп , а также Дюшан и многие другие связаны с движением дадаистов. Дюшан и несколько дадаистов также связаны с сюрреализмом, движением, которое доминировало в европейской живописи в 1920-х и 1930-х годах.

В 1924 году Андре Бретон опубликовал « Манифест сюрреализма» . Сюрреалистическое движение в живописи стало синонимом авангарда и который показал художник , чьи работы отличались от абстрактного к супер-реалисту. Создавая такие работы на бумаге, как Machine Turn Quickly (вверху), Фрэнсис Пикабиа продолжал свое участие в движении Дада до 1919 года в Цюрихе и Париже, прежде чем оторваться от него после развития интереса к сюрреалистическому искусству. Ив Танги , Рене Магритт и Сальвадор Далиособенно известны своими реалистичными изображениями сновидений и фантастическими проявлениями воображения. Джоан Миро «S пахотное поле в 1923-1924 граничащих на абстракции, эта ранняя картина комплексов предметов и фигур, а также механизмы сексуально активных символы; был первым сюрреалистическим шедевром Миро. ^[57] «Возделываемое поле» Миро также содержит несколько параллелей с « Садом земных наслаждений» Босха : похожие стаи птиц; бассейны, из которых выходят живые существа; и негабаритные бестелесные уши - все это перекликается с работой голландского мастера, которого Миро видел в «Прадо» молодым художником . Более абстрактные Жоан Миро , Жан Арп, Андре Массон и Макс Эрнст были очень влиятельными, особенно в Соединенных Штатах в 1940-х годах. На протяжении 1930-х годов сюрреализм продолжал становиться все более заметным для широкой публики. Группа сюрреалистов развивалась в Великобритании, и, по словам Бретона, их Лондонская международная выставка сюрреалистов в 1936 году была высшей точкой того периода и стала образцом для международных выставок. Группы сюрреалистов в Японии, особенно в Латинской Америке, Карибском бассейне и Мексике, создавали новаторские и оригинальные работы.

Дали и Магритт создали одни из наиболее широко известных образов этого движения. Картина Магритта 1928/1929 « Это не трубка » является предметом книги Мишеля Фуко 1973 года « Это не трубка» (английское издание, 1991 г.), в которой обсуждается картина и ее парадокс . Дали присоединился к группе в 1929 году и участвовал в быстром становлении визуального стиля между 1930 и 1935 годами.

Сюрреализм как визуальное движение нашел метод: раскрыть психологическую истину, лишив обычные объекты их нормального значения, чтобы создать убедительный образ, выходящий за рамки обычной формальной организации и восприятия, иногда вызывающий сочувствие у зрителя, иногда смех и т. Д. иногда возмущение и недоумение.

1931 год ознаменовался годом, когда несколько художников-сюрреалистов создали работы, которые ознаменовали поворотные моменты в их стилистической эволюции: в одном примере жидкие формы стали торговой маркой Дали, особенно в его `` Постоянстве памяти '' , в котором изображены часы, которые провисают, как будто тают. Воспоминания о времени и его непреодолимой загадочности и абсурдности. ^[58]

Характеристики этого стиля - сочетание изобразительного, абстрактного и психологического - стали обозначать отчуждение, которое многие люди чувствовали в период модернизма , в сочетании с чувством проникновения в более глубокую психику, которое необходимо «сделать». целиком со своей индивидуальностью ".

Макс Эрнст, чья картина 1920 года « Самолет-убийца» , изучал философию и психологию в Бонне и интересовался альтернативными реальностями, с которыми сталкиваются безумцы. Его картины, возможно, были вдохновлены исследованием психоаналитика Зигмунда Фрейда иллюзий параноика Даниэля Пауля Шребера. Фрейд определил фантазию Шребера о том, чтобы стать женщиной, как комплекс кастрации . Центральное изображение двух пар ног отсылает к гермафродитическим желаниям Шребера. Надпись Эрнста на обороте картины гласит: Картина любопытна своей симметрией. Два пола уравновешивают друг друга. ^[59]

В течение 1920-х годов работы Андре Массона оказали огромное влияние, помогая вновь прибывшим в Париж и молодому художнику Жоану Миро найти свои корни в новой сюрреалистической живописи. Миро признал в письмах своему торговцу Пьеру Матиссу важность Массона как примера для него в первые годы его жизни в Париже.

Спустя долгое время после того, как личная, политическая и профессиональная напряженность раздробила группу сюрреалистов на воздух и эфир, Магритт, Миро, Дали и другие сюрреалисты продолжают определять визуальную программу в искусстве. Другие известные художники - сюрреалисты включают Джорджо де Кирико , Meret Оппенгейм , Tøyen , Мишонц , Роберто Матта , Кей Сейдж , Леонора Каррингтон , Доротеи Солярии и Леонор Фини среди других.

До и после войны [ править ]

• Эгон Шиле , Символизм и экспрессионизм, 1912 г.

• Эрнст Кирхнер , Die Brücke 1913

• Амедео Модильяни Символизм и экспрессионизм 1917

• Джорджия О'Киф , американский модернизм , 1921 год.

• Стюарт Дэвис , Американский модернизм 1922 г.

• Хаим Сутин , Экспрессионизм , ок. 1920 г.

Der Blaue Reiter было немецким движением, существовавшим с 1911 по 1914 год и являвшимся основополагающим для экспрессионизма, наряду с Die Brücke, которое было основано в предыдущем десятилетии в 1905 году и представляло собой группу немецких художников- экспрессионистов, сформированную в Дрездене в 1905 году. Членами-основателями Die Brücke были Фриц. Блейл , Эрих Хекель , Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуф . Позже в состав входили Макс Пехштейн , Отто Мюллер и другие. Группа была одной из основополагающих, которая со временем оказала большое влияние на эволюцию современного искусства в 20 веке и создала стильЭкспрессионизм . ^[60]

Василий Кандинский , Франц Марк , Август Макке , Алексей фон Явленский , чья психически выразительная картина русского танцора Портрет Александра Сахарова 1909 года находится в галерее выше, Марианна фон Верефкин , Лионель Фейнингер и другие основали группу Der Blaue Reiter в ответ на отказ от выставки картины Кандинского « Страшный суд» . В Der Blaue Reiter не было центрального художественного манифеста, но он был сосредоточен вокруг Кандинского и Марка. Также были задействованы художники Габриэле Мюнтер и Пауль Клее .

Название движения происходит от картины Кандинского, созданной в 1903 году. Также утверждается, что это название могло быть связано с энтузиазмом Марка к лошадям и любовью Кандинского к синему цвету. Для Кандинского синий - это цвет духовности: чем темнее синий, тем больше он пробуждает в людях стремление к вечному.

В США в период между Первой и Второй мировой войнами художники стремились уехать в Европу за признанием. Такие художники, как Марсден Хартли , Патрик Генри Брюс , Джеральд Мерфи и Стюарт Дэвис , заработали репутацию за рубежом. В Нью-Йорке Альберт Пинкам Райдер и Ральф Блейклок были влиятельными и важными фигурами в передовой американской живописи между 1900 и 1920 годами. В течение 1920-х годов фотограф Альфред Штиглиц выставлял Джорджию О'Киф , Артур Дав , Альфред Генри Маурер , Чарльз Демут , Джон Марин.и других художников, включая европейских мастеров Анри Матисса , Огюста Родена , Анри Руссо , Поля Сезанна и Пабло Пикассо , в его галерее 291 .

Общественное сознание [ править ]

• Джордж Гросс , 1920, Neue Sachlichkeit

• Томас Харт Бентон 1920, Регионализм

• Джордж Беллоуз , 1924 год, американский реализм

• Чарльз Демут Спринг , 1921, американский прецизионизм (прото- поп-арт )

В течение 1920-х и 1930-х годов и Великой депрессии , сюрреализм, поздний кубизм, Баухаус , Де Стейл , Дада, немецкий экспрессионизм, экспрессионизм, а также модернистские и искусные художники-художники, такие как Анри Матисс и Пьер Боннар, характеризовали европейскую художественную сцену. В Германии Макс Бекманн , Отто Дикс , Джордж Гросс и другие политизировали свои картины, предвещая приближение Второй мировой войны. В то время как в Америке американская живопись сцены и соцреализм и регионализмВ мире искусства преобладали движения, содержащие как политические, так и социальные комментарии. Известными стали такие художники, как Бен Шан , Томас Харт Бентон , Грант Вуд , Джордж Тукер , Джон Стюарт Карри , Реджинальд Марш и другие. В Латинской Америке, помимо уругвайского художника Хоакина Торреса Гарсиа и Руфино Тамайо из Мексики, существует движение художников-монументалистов с Диего Риверой , Давидом Сикейросом , Хосе Ороско , Педро Нель Гомес и Сантьяго Мартинес Дельгадо, а такжеКартины символистов Фриды Кало положили начало возрождению искусства в регионе с использованием цвета, исторических и политических посланий. Работы символистов Фриды Кало также сильно связаны с сюрреализмом и движением магического реализма в литературе. Психологическая драма на многих автопортретах Кало (вверху) подчеркивает жизнеспособность и актуальность ее картин для художников 21 века.

«Американская готика» - это картина Гранта Вуда 1930 года. Изображениефермерас вилами и молодой женщины перед домом в готическом стиле Карпентера - одно из самых известных образов в американском искусстве 20-го века. Искусствоведы положительно отзывались о картине, как Гертруда Стайн и Кристофер Морли , считая , что картина должна быть сатирой на жизнь деревенского маленького городка. Таким образомон рассматривается как часть тенденции к более критическому изображению сельской Америки, вдоль линий Шервуд Андерсон «s 1919 Уайнсбурга, штат Огайо , Синклер Льюис » 1920Main Street , и Карл Ван Вехтена «S Татуированная графиню в литературе. ^[61] Однако с началом Великой депрессии картина стала рассматриваться как изображение стойкого американского духа первопроходцев.

Диего Ривера, пожалуй, наиболее известен широкой публике благодаря своей фреске 1933 года « Человек на распутье » в вестибюле здания RCA в Рокфеллер-центре . Когда его покровитель Нельсон Рокфеллер обнаружил, что фреска включает портрет Владимира Ленина и другие коммунистические образы, он уволил Риверу, и незаконченная работа была в конечном итоге уничтожена сотрудниками Рокфеллера. Фильм « Колыбель Уилла Рока» включает инсценировку этого противоречия. Работы Фриды Кало (жены Риверы) часто характеризуются резким изображением боли. Из ее 143 картин 55 автопортретов., которые часто включают символические изображения ее физических и психологических ран. На Кало глубоко повлияла местная мексиканская культура, что проявляется в ярких красках и драматической символике ее картин. Христианские и еврейские темы также часто встречаются в ее работах; она объединила элементы классической религиозной мексиканской традиции, которые часто были кровавыми и жестокими, с сюрреалистическими изображениями. Хотя ее картины не являются откровенно христианскими, они определенно содержат элементы мрачного мексиканского христианского стиля религиозных картин.

Политическая активность была важной частью жизни Дэвида Сикейроса и часто вдохновляла его отказаться от своей творческой карьеры. Его искусство уходит корнями в Мексиканскую революцию , жестокий и хаотический период в истории Мексики, когда различные социальные и политические группировки боролись за признание и власть. Период с 1920-х по 1950-е годы известен как мексиканский ренессанс, и Сикейрос активно пытался создать искусство, которое одновременно было мексиканским и универсальным. Он ненадолго отказался от живописи, чтобы сосредоточиться на организации шахтеров в Халиско.

Мировой конфликт [ править ]

• Эрнст Людвиг Кирхнер , 1935–1937, немецкий экспрессионизм

• Василий Кандинский Композиция X 1939, Геометрическая абстракция

В течение 1930-х годов радикальная левая политика характеризовала многих художников, связанных с сюрреализмом , включая Пабло Пикассо . ^[62] 26 апреля 1937 года, во время гражданской войны в Испании , баскский город Герника стал местом " бомбардировки Герники " легионом Кондор люфтваффе нацистской Германии. Немцы атаковали, чтобы поддержать усилия Франсиско Франко по свержению баскского правительства и испанского республиканского правительства. Город был разрушен, хотя Бискайское собрание и Дуб Герника уцелели. Пабло Пикассо написал свою фреску размером с Гернику, чтобы увековечить ужасы бомбежек.

В своей окончательной форме Герника представляет собой огромную черно-белую фреску высотой 3,5 метра (11 футов) и шириной 7,8 метра (26 футов), написанную маслом. На фреске изображены сцены смерти, насилия, жестокости, страдания и беспомощности, но не показаны их непосредственные причины. Выбор черно-белой краски контрастирует с интенсивностью изображенной сцены и вызывает непосредственность газетной фотографии. ^[63] Пикассо написал картину размером с фреску под названием « Герника» в знак протеста против взрыва. Впервые картина была выставлена ​​в Париже в 1937 году, затем в Скандинавии , затем в Лондоне в 1938 году и, наконец, в 1939 году по просьбе Пикассо картина была отправлена ​​в Соединенные Штаты в виде расширенной ссуды (на хранение) в MoMA.. Картина отправилась в тур по музеям США до своего окончательного возвращения в Музей современного искусства в Нью-Йорке, где выставлялась почти тридцать лет. Наконец, в соответствии с желанием Пабло Пикассо подарить картину народу Испании, в 1981 году она была отправлена ​​в Испанию.

Во время Великой депрессии 1930-х годов, в годы Второй мировой войны американское искусство характеризовалось социальным реализмом и американской сценографией в работах Гранта Вуда , Эдварда Хоппера , Бена Шана , Томаса Харта Бентона и некоторых других. «Ночные ястребы» (1942) - картина Эдварда Хоппера, на которой изображены люди, сидящие в закусочной в центре города поздно ночью. Это не только самая известная картина Хоппера, но и одна из самых узнаваемых в американском искусстве. В настоящее время находится в коллекции Художественного института Чикаго . Сцена была вдохновлена закусочной(после снесения) в Гринвич-Виллидж , домашнем районе Хоппера на Манхэттене . Хоппер начал писать его сразу после нападения на Перл-Харбор . После этого события над страной возникло чувство мрачности, которое изображено на картине. Городская улица за пределами закусочной пуста, и внутри ни один из трех посетителей явно не смотрит и не разговаривает с другими, а погружается в собственные мысли. Это изображение современной городской жизни как пустой или одинокой - общая тема всей работы Хоппера.

Динамика для художников в Европе в 1930-е годы быстро ухудшалась по мере роста власти нацистов в Германии и по всей Восточной Европе. Атмосфера стала настолько враждебной для художников и искусства, связанного с модернизмом и абстракцией, что многие уехали в Америку. Термин « дегенеративное искусство» был принят нацистским режимом в Германии практически для всего современного искусства . Такое искусство было запрещено на том основании, что оно было негерманским или еврейско-большевистским по своей природе, а те, кого считали выродившимися художниками, подвергались санкциям. К ним относились увольнение с преподавательских должностей, запрет на выставку или продажу своего искусства, а в некоторых случаях - запрет на создание произведений искусства.

Degenerate Art - это также название выставки, организованной нацистами в Мюнхене в 1937 году, состоящей из произведений модернистского искусства, хаотично развешенных и сопровождаемых текстовыми этикетками, высмеивающими это искусство. Созданная для того, чтобы воспламенить общественное мнение против модернизма, выставка впоследствии побывала в нескольких других городах Германии и Австрии. Немецкий художник Макс Бекманн и множество других бежали из Европы в Нью-Йорк. В Нью-Йорке новое поколение молодых и увлекательных художников-модернистов во главе с Аршилом Горки , Виллемом де Кунингом и другими только начинало достигать совершеннолетия.

Портрет Аршила Горки кого-то, кто мог бы быть Виллемом де Кунингом (вверху), является примером эволюции абстрактного экспрессионизма из контекста фигурной живописи, кубизма и сюрреализма . Вместе со своими друзьями де Кунинг и Джоном Д. Грэмом Горки создавали абстрактные фигуративные композиции биоморфной формы, которые к 1940-м годам превратились в полностью абстрактные картины. Работа Горького кажется тщательным анализом памяти, эмоций и формы, с использованием линий и цвета для выражения чувств и природы.

К середине века [ править ]

1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактного экспрессионизма , модернистского движения, которое объединило уроки, извлеченные у Анри Матисса , Пабло Пикассо , сюрреализма, Жоана Миро , кубизма, фовизма и раннего модернизма через великих американских учителей, таких как Ганс Хофманн и Джон. Д. Грэм . Американские художники извлекли пользу из присутствия Пита Мондриана , Фернана Леже , Макса Эрнста и группы Андре Бретона , галереи Пьера Матисса и галереи Пегги Гуггенхайм « Искусство этого века»., а также другие факторы. Фигуративная работа Фрэнсиса Бэкона , Фриды Кало , Эдварда Хоппера , Люсьена Фрейда , Эндрю Уайета и других послужила своеобразной альтернативой абстрактному экспрессионизму.

Американская живопись после Второй мировой войны под названием «Абстрактный экспрессионизм» включала таких художников, как Джексон Поллок , Виллем де Кунинг , Аршил Горки , Марк Ротко , Ганс Хофманн , Клиффорд Стилл , Франц Клайн , Адольф Готлиб , Марк Тоби , Барнетт Ньюман , Джеймс Брукс , Филип Гастон , Роберт Мазервелл , Конрад Марка-Релли , Джек Творков , Уильям Базиотес , Ричард Пусетт-Дарт , Эд Рейнхардт, Хедда Стерн , Джимми Эрнст , Эстебан Висенте , Брэдли Уокер Томлин , Теодорос Стамос и другие. Американский абстрактный экспрессионизм получил свое название в 1946 году от искусствоведа Роберта Коутса . Он рассматривается как сочетание эмоциональной напряженности и самоотречения немецких экспрессионистов с антифигуративной эстетикой европейских абстрактных школ, таких как футуризм , Баухаус и синтетический кубизм. Абстрактный экспрессионизм, живопись действия , и цвет поля картина ассоциируется с Нью - Йоркской школе .

Технически сюрреализм был важным предшественником абстрактного экспрессионизма с его упором на спонтанное, автоматическое или подсознательное творчество. Капание краски Джексона Поллока на холст, лежащий на полу, - это техника, уходящая корнями в творчество Андре Массона . Еще одно важное раннее проявление того, что стало абстрактным экспрессионизмом, - это работы американского северо-западного художника Марка Тоби , особенно его холсты с «белым письмом», которые, хотя в целом и невелики по размеру, предвосхищают «сплошной» вид капельных картин Поллока.

Абстрактный экспрессионизм [ править ]

Кроме того, абстрактный экспрессионизм представляет собой образ мятежного, анархического, в высшей степени идиосинкразического и, как некоторые считают, довольно нигилистического. На практике этот термин применяется к любому количеству художников, работающих (в основном) в Нью-Йорке, которые придерживаются совершенно разных стилей, и даже применяется к работам, которые не являются особенно абстрактными или экспрессионистскими. Энергичные « картины действия » Поллока с их «занятым» чувством технически и эстетически отличаются от жестоких и гротескных « Женщин » Виллема де Кунинга . Как видно из галереи « Женщина V», это одна из шести картин, созданных де Кунингом в период с 1950 по 1953 год, на которых изображена женская фигура в три четверти длины. Он начал первую из этих картин, « Женщина I».Коллекция: Музей современного искусства , Нью-Йорк, июнь 1950 года, неоднократно меняя и раскрашивая изображение до января или февраля 1952 года, когда картина осталась незавершенной. Вскоре после этого искусствовед Мейер Шапиро увидел картину в мастерской де Кунинга и призвал художника проявить настойчивость. В ответ Де Кунинг начал работу над тремя другими картинами на ту же тему; Коллекция Woman II : Музей современного искусства , Нью-Йорк, Woman III , Тегеранский музей современного искусства , Woman IV , Художественный музей Нельсона-Аткинса , Канзас-Сити, штат Миссури . Летом 1952 г. провел вИст-Хэмптон , де Кунинг исследовал эту тему с помощью рисунков и пастели. Он мог закончить работу над « Женщиной I » к концу июня или, возможно, уже в ноябре 1952 года, и, вероятно, остальные три женские фотографии были завершены примерно в то же время. ^[64] Серия « Женщина» - это определенно фигуративные картины . Другой важный художник - Франц Клайн , что демонстрирует его картина « Хай-стрит , 1950 год, как и Джексон Поллок».и других абстрактных экспрессионистов, называли «художником-экшеном» из-за его, казалось бы, спонтанного и интенсивного стиля, меньше или совсем не сосредотачивающегося на фигурах или образах, а на фактических мазках кисти и использовании холста. ^{[65] [66] [67] [68]}

Клиффорд Стилл , Барнетт Ньюман , Адольф Готтлиб и безмятежно мерцающие цветные блоки в работах Марка Ротко (которые обычно не называются экспрессионистами и которые Ротко отрицали, были абстрактными) классифицируются как абстрактные экспрессионисты, хотя и от того, что Клемент Гринберг назвал направление цветового поля абстрактного экспрессионизма. И Ханса Хофманна, и Роберта Мазервелла (галерея) можно с комфортом охарактеризовать как практиков живописи действия и живописи Цветового поля.

Абстрактный экспрессионизм имеет много стилистических сходств с русскими художниками начала 20 века, такими как Василий Кандинский . Хотя это правда, что спонтанность или впечатление спонтанности характеризовали многие работы абстрактных экспрессионистов, большинство этих картин требовали тщательного планирования, тем более что этого требовал их большой размер. Исключением могут быть рисунки Поллока.

Почему этот стиль получил широкое распространение в 1950-х годах, остается предметом споров. Американский соцреализм был мейнстримом 1930-х годов. На него повлияла не только Великая депрессия, но и такие мексиканские социалисты-реалисты , как Давид Альфаро Сикейрос и Диего Ривера . Политический климат после Второй мировой войны не терпел социальных протестов этих художников. Абстрактный экспрессионизм возник во время Второй мировой войны и начал демонстрироваться в начале 1940-х годов в галереях Нью-Йорка, таких как Галерея «Искусство этого века» . С конца 1940-х до середины 1950-х годов наступила эра Маккарти.. Это было после Второй мировой войны, в период политического консерватизма и крайней художественной цензуры в Соединенных Штатах. Некоторые люди предполагают, что, поскольку предмет часто был полностью абстрактным, абстрактный экспрессионизм стал для художников безопасной стратегией, чтобы следовать этому стилю. Абстрактное искусство можно было рассматривать как аполитичное. Или, если искусство было политическим, сообщение было в основном для инсайдеров. Однако таких теоретиков меньшинство. Как первая по-настоящему оригинальная школа живописи в Америке, абстрактный экспрессионизм продемонстрировал жизнеспособность и креативность страны в послевоенные годы, а также ее способность (или необходимость) развивать эстетическое чувство, которое не ограничивалось европейскими стандартами. красоты.

Хотя абстрактный экспрессионизм быстро распространился по Соединенным Штатам, основными центрами этого стиля были Нью-Йорк и Калифорния, особенно в Нью-Йоркской школе и районе залива Сан-Франциско. У абстрактных экспрессионистских картин есть определенные характеристики, в том числе использование больших холстов, «сплошной» подход, при котором все полотно рассматривается с равной важностью (в отличие от центра, представляющего больший интерес, чем по краям). Холст как арена стал кредо живописи-действия, а целостность картинной плоскости стала кредо художников Цветового поля. Многие другие художники начали выставлять свои картины, связанные с абстрактным экспрессионизмом, в 1950-х годах, в том числе Альфред Лесли., Сэм Фрэнсис , Джоан Митчелл , Хелен Франкенталер , Сай Твомбли , Милтон Резник , Майкл Голдберг , Норман Блум , Рэй Паркер , Николас Кароне , Грейс Хартиган , Фридель Дзубас и Роберт Гудноу среди других.

В 1950-х годах живопись Цветового поля первоначально относилась к определенному типу абстрактного экспрессионизма , особенно к работам Марка Ротко , Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмана, Роберта Мазервелла и Адольфа Готлиба . По сути, он включал абстрактные картины с большими плоскими цветовыми пространствами, которые выражали чувственные и визуальные ощущения и свойства больших участков нюансированной поверхности. Искусствовед Клемент Гринбергвоспринимается рисование цветового поля как связанное с рисованием в действии, но отличное от него. Общая широта и гештальт работ ранних художников цветового поля говорят о почти религиозном опыте, трепетном перед лицом расширяющейся вселенной чувственности, цвета и поверхности. В период с начала до середины 1960-х годов живопись Цветового поля стала обозначать стили таких художников, как Жюль Олицки , Кеннет Ноланд и Хелен Франкенталер , чьи работы были связаны с абстрактным экспрессионизмом второго поколения, и с более молодыми художниками, такими как Ларри Зокс. , и Фрэнк Стелла , - все движется в новом направлении. Такие художники, как Клиффорд Стилл, Марк Ротко , Ханс Хофманн, Моррис Луис , Джулс Олицкий , Кеннет Нолан , Франкенталер , Ларри Zox , и другие часто используемые значительно сокращены ссылки на природу, и они окрашены очень сочлененного и психологическое использование цвета. В целом эти художники устранили узнаваемые образы. В « Горах и море» 1952 года, основополагающей работе Хелен Франкенталер « Цветовое поле », художница впервые применила технику окраски.

В Европе было продолжение сюрреализма, кубизма, дадаизма и творчества Матисса . Также в Европе ташизм (европейский эквивалент абстрактного экспрессионизма) захватил новейшее поколение. Серж Поляков , Николя де Сталь , Жорж Матье , Виейра да Силва , Жан Дюбюффе , Ив Кляйн и Пьер Сулаж среди других считаются важными фигурами в послевоенной европейской живописи.

В конце концов абстрактная живопись в Америке превратилась в такие движения, как нео-дада , живопись цветового поля, пост-живописная абстракция , оп-арт , живопись с резкими краями , минимальное искусство , фигурная живопись на холсте , лирическая абстракция , неоэкспрессионизм и продолжение абстрактного экспрессионизма. В ответ на тенденцию к абстракции образы возникли через различные новые движения, в частности, поп-арт .

Поп-арт [ править ]

Ранее в Англии, в 1956 году, термин « поп-арт» использовал Лоуренс Аллоуэй для картин, прославляющих потребительство эпохи после Второй мировой войны. Это движение отвергло абстрактный экспрессионизм и его акцент на герменевтическом и психологическом интерьере в пользу искусства, которое изображало и часто прославляло материальную культуру потребления, рекламу и иконографию эпохи массового производства. ^[69] Ранние работы Дэвида Хокни и работы Ричарда Гамильтона, Питера Блейка и Эдуардо Паолоцци считались основополагающими примерами в движении.

Поп-арт в Америке изначально в значительной степени был вдохновлен работами Джаспера Джонса , Ларри Риверса и Роберта Раушенберга . Хотя картины Джеральда Мерфи , Стюарта Дэвиса и Чарльза Демута в 1920-х и 1930-х годах составляли основу поп-арта в Америке. В середине 1950-х годов в Нью-Йорке Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс создали произведения искусства, которые сначала казались продолжением абстрактной экспрессионистской живописи. Собственно их работы и работы Ларри Риверса, были радикальными отходами от абстрактного экспрессионизма, особенно в использовании банальных и буквальных образов, а также включении и объединении обыденных материалов в свои работы. Инновации, связанные с использованием Джонс в различных изображениях и объектах, таких как стулья, числа, мишени, пивные банки и американский флаг; Картины рек, изображающие предметы из популярной культуры, такие как Джордж Вашингтон, пересекающий Делавэр , и его включения изображений из рекламных объявлений, таких как верблюд из сигарет Camel , и удивительные конструкции Раушенберга, в которых используются вкрапления предметов и изображений, взятых из популярной культуры, хозяйственных магазинов, свалок и т. Д. городских улиц, и таксидермии породили радикально новое движение в американском искусстве.. В конце концов, к 1963 году это движение стало известно во всем мире как поп-арт.

Американская поп - арт иллюстрируются художниками: Энди Уорхол , Клас Ольденбург , Уэйн Тибо , Джеймс Rosenquist , Джим Дайн , Вессельман и Рой Лихтенштейн среди других. Возможно, самая важная работа Лихтенштейна - Whaam! (1963, Tate Modern , Лондон ^[70] ), один из самых ранних известных примеров поп - арта , приспособил комиксы панель из 1962 вопроса о DC Comics ' All-American Men войны . ^[71]На картине изображен истребитель, запускающий ракету по вражескому самолету с красно-желтым взрывом. Мультяшный стиль усиливается за счет использования звукоподражательной надписи « Whaam! » И подписи в рамке «Я нажал на кнопку управления огнем ... и впереди меня взлетели ракеты ...» ^[70] Поп-арт объединяет популярность и массовая культура с изобразительным искусством, при этом добавляя юмор, иронию, узнаваемые образы и содержание. В октябре 1962 года галерея Сиднея Джениса организовала первую крупную групповую выставку поп-арта «Новые реалисты» в художественной галерее на окраине Нью-Йорка. Сидни Дженисразместил выставку в магазине на 57-й улице рядом с его галереей на 15 E. 57-й улице. Шоу потрясло школу Нью-Йорка и прокатилось по всему миру. Ранее осенью 1962 года исторически важная и новаторская выставка поп-арта « Новая картина общих предметов» , которую курировал Уолтер Хоппс в Художественном музее Пасадены, вызвала потрясение по западным Соединенным Штатам.

Находясь в центре города в галереях 10-й улицы Ист-Виллидж в Нью-Йорке, художники создавали американскую версию поп-арта . У Класа Ольденбурга была витрина и он делал расписные предметы, а в Зеленой галерее на 57-й улице начали показывать Тома Вессельмана и Джеймса Розенквиста . Позже Лео Кастелли выставлял других американских художников, включая большую часть карьеры Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна, а также его использование точек Бендея, техники, используемой в коммерческом воспроизведении. Существует связь между радикальными произведениями Дюшана и Мана Рэя.непокорные дадаисты - с чувством юмора; и поп-артисты, такие как Алекс Кац (прославившийся пародиями на портретную фотографию и пригородную жизнь), Клас Ольденбург, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие.

В то время как на протяжении 20 века многие художники продолжали практиковать пейзажную и фигуративную живопись с современными предметами и твердой техникой, такие как Милтон Эйвери , Джон Д. Грэм , Фэрфилд Портер , Эдвард Хоппер , Балтус , Фрэнсис Бэкон , Николас де Сталь , Эндрю Уайет , Люсьен Фрейд. , Франк Ауэрбах , Филип Перлштейн , Дэвид Парк , Натан Оливейра , Дэвид Хокни , Малкольм Морли , Ричард Эстес , Ральф Гоингс, Одри Флэк , Чак Клоуз , Сьюзан Ротенберг , Эрик Фишл , Вия Целминс и Ричард Дибенкорн .

Фигура, пейзаж, натюрморт, морской пейзаж и реализм [ править ]

В период с 1930-х по 1960-е годы абстрактная живопись в Америке и Европе превратилась в такие движения, как абстрактный экспрессионизм , живопись цветового поля, пост-живописная абстракция , оп-арт , жесткая живопись , минимальное искусство , фигурная живопись на холсте и лирическая абстракция . Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции, позволив образным образам продолжаться в различных новых контекстах, таких как « Фигуративное движение в районе залива» в 1950-х годах и новые формы экспрессионизма с 1940-х по 1960-е годы. В это время в Италии Джорджио Морандибыл выдающимся художником натюрморта, исследовавшим самые разные подходы к изображению повседневных бутылок и кухонных принадлежностей. ^[72] На протяжении 20 века многие художники практиковали реализм и использовали выразительные образы; практикуя пейзаж и фигуративная живопись с современными предметами и твердой техникой и уникальной выразительности , как натюрморт художника Джорджо Моранди , Милтон Эвери , Джон Д. Грэхем , Fairfield Porter , Эдвард Хоппер , Эндрю Уайет , Бальтюса , Фрэнсис Бэкон , Коссоф , Франк Ауэрбах, Люсьен Фрейд , Филип Перлштейн , Виллем де Кунинг , Аршил Горки , Грейс Хартиган , Роберт Де Ниро-старший , Элейн де Кунинг и другие. Наряду с Анри Матиссом , Пабло Пикассо , Пьером Боннаром , Жоржем Браком и другими мастерами 20 века. В частности, Милтон Эйвери за счет использования цвета и интереса к морским пейзажам и пейзажным картинам, связанным с аспектом цветового поля абстрактного экспрессионизма, проявленным Адольфом Готлибом и Марком Ротко.а также уроки, которые американские художники извлекли из творчества Анри Матисса . ^{[73] [74]}

Голова VI , 1949 год - это картина ирландского художника Фрэнсиса Бэкона, которая является примером европейского экспрессионизма после Второй мировой войны. Работа представляет собой искаженную версию Портрета Иннокентия X, написанного испанским художником Диего Веласкесом в 1650 году. Работа является одним из серии вариантов картины Веласкеса, которую Бэкон выполнял в 1950-х и начале 1960-х годов, всего более сорока. -пять работ. ^[75] Когда его спросили, почему он был вынужден так часто возвращаться к этой теме, Бэкон ответил, что не имеет ничего против пап, что он просто «хочет оправдания для использования этих цветов, и вы не можете придать обычной одежде фиолетовый цвет без впадать в своего рода фальшивое любопытствообразом.» ^[76] Папа в этой версии бурлит гнев и агрессию, и темных цвета придают изображению гротеск и кошмарный внешний вид. ^[77] Гофрированные шторы фона оказываются прозрачными, и , кажется, проваливаются Папа лицо. ^[78] Итальянский художник Джорджо Моранди был важным пионером минимализма в 20 веке. Родился в Болонье, Италия.В 1890 году на протяжении всей своей карьеры Моранди сосредоточился почти исключительно на натюрмортах и ​​пейзажах, за исключением нескольких автопортретов. С большой чувствительностью к тону, цвету и композиционному балансу он снова и снова изображал одни и те же знакомые бутылки и вазы на картинах, отличающихся простотой исполнения. Моранди выполнил 133 гравюры, значительный объем работ сам по себе, а его рисунки и акварели часто приближаются к абстракции в своей экономии средств. Благодаря своим простым и повторяющимся мотивам и экономному использованию цвета, ценности и поверхности, Моранди стал дальновидным и важным предшественником минимализма . Он умер в Болонье в 1964 году.

После Второй мировой войны термин Парижская школа часто относился к ташизму , европейскому эквиваленту американского абстрактного экспрессионизма, и эти художники также связаны с Коброй . Важными сторонниками этой идеи являются Жан Дюбюффе , Пьер Сулаж , Николас де Сталь , Ганс Хартунг , Серж Поляков , Жорж Матье и многие другие. В начале 1950-х годов Дюбюффе (который всегда был фигуративным художником) и де Сталь, отказался от абстракции и вернулся к образности через фигуру и пейзаж. Работы де Стаэля быстро получили признание в послевоенном мире искусства, и он стал одним из самых влиятельных художников 1950-х годов. Его возвращение к представлению (морские пейзажи, футболисты, джазовые музыканты, чайки) в начале 1950-х годов можно рассматривать как влиятельный прецедент для американского образного движения в районе залива , как и многие абстрактные художники, такие как Ричард Дибенкорн , Дэвид Парк , Элмер Бишофф , Уэйн. Тибо , Натан Оливейра , Джоан Брауни другие сделали аналогичный шаг; возвращение к изображениям в середине 1950-х годов. Большая часть поздних работ де Стэля - в частности, его разбавленные и разбавленные маслом на холсте абстрактные пейзажи середины 1950-х годов предсказывают живопись Цветового поля и Лирическую абстракцию 1960-х и 1970-х годов. Смелый и очень яркий цвет Николя де Сталь в его последних картинах предсказывает направление большей части современной живописи, которая пришла после него, включая поп-арт 1960-х годов.

Арт-брют, новый реализм, фигуративное движение в районе залива, нео-дадаизм, фотореализм [ править ]

• Джон Бэдер , Фотореализм

В течение 1950-х и 1960-х годов, когда абстрактная живопись в Америке и Европе превратилась в такие движения, как живопись цветового поля , пост-живописная абстракция , оп-арт , живопись с резкими краями , минимальное искусство , фигурная живопись на холсте , лирическая абстракция и продолжение абстрактного экспрессионизма. . Другие художники реагировали в ответ на тенденции к абстракции с арт брют , ^[79] , как показано в суде ле Rues, 1962 года, Жан Дюбюффе , Флуксус , нео-Дада , Новый реализм, позволяя образам возродиться в различных новых контекстах, таких как поп-арт , Фигуративное движение в районе залива (ярким примером является « Городской пейзаж I» Дибенкорна (Пейзаж № 1), 1963 год, холст, масло, 60 1/4 x 50 1 / 2 дюйма, коллекция: Музей современного искусства Сан-Франциско ), а позже - неоэкспрессионизм 1970 - х годов . Фигуративное движение в районе залива, в котором Дэвид Парк , Элмер Бишофф , Натан Оливейра и Ричард Дибенкорн, чья картина " Городской пейзаж 1"1963 год является типичным примером процветания влиятельных членов в 1950-х и 1960-х годах в Калифорнии. Хотя на протяжении всего 20-го века художники продолжали практиковать реализм и использовать образы, практиковали пейзажную и фигуративную живопись с современными предметами и твердой техникой и уникальной выразительностью, как Милтон Эйвери , Эдвард Хоппер , Жан Дюбюффе , Фрэнсис Бэкон , Франк Ауэрбах , Люсьен Фрейд , Филип Перлштейн. , и другие. Молодые художники практиковали использование образов новыми и радикальными способами. Ив Кляйн , Martial Raysse , Ники де Сен-Фалль, Вольф Фостелл , Дэвид Хокни , Алекс Кац , Малкольм Морли , Ральф Гоингс , Одри Флэк , Ричард Эстес , Чак Клоуз , Сьюзан Ротенберг , Эрик Фишл , Джон Бэдер и Вия Селминс были некоторыми из тех, кто стал заметным в период с 1960-х по 1980-е годы. Фэрфилд Портер был в основном самоучкой и создавал репрезентативные работы среди абстрактных экспрессионистов.движение. Его предметами были в основном пейзажи, домашние интерьеры и портреты семьи, друзей и коллег-художников, многие из которых были связаны с Нью-Йоркской школой писателей, включая Джона Эшбери , Фрэнка О'Хара и Джеймса Шайлера . Многие из его картин были установлены в семейном летнем доме или вокруг него на острове Грейт-Спрус-Хед, штат Мэн .

Также в 1960-х и 1970-х годах была реакция против живописи. Критики, такие как Дуглас Кримп, рассматривали работы таких художников, как Эд Рейнхардт , и объявили «смерть живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Новые движения приобрели широкую известность , некоторые из которых являются: FLUXUS , Happening , видеоарт , художественной установки почтового искусства , в ситуационистах , концептуальное искусство , постминимализм , искусство Земли , арте повер , исполнительское искусство и искусство тела среди других. ^{[80] [81]}

Нео-дада - это также движение, начавшееся в 1950-х и 1960-х годах и связанное с абстрактным экспрессионизмом только с помощью образов. Появление комбинированных произведений искусства с материалами художников, отход от прежних традиций живописи. Примером этой тенденции в искусстве являются работы Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга , чьи «комбайны» в 1950-х годах были предшественниками поп-арта и искусства инсталляций и использовали сборку больших физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческие объекты. фотография. Роберт Раушенберг , Джаспер Джонс , Ларри Риверс , Джон Чемберлен , Клас Ольденбург ,Джордж Сигал , Джим Дайн и Эдвард Кинхольц среди других были важными пионерами как абстракции, так и поп-арта; создание новых традиций художественного творчества; они сделали приемлемым в серьезных кругах современного искусства радикальное включение маловероятных материалов в свои произведения искусства.

Новая абстракция с 1950-х по 1980-е годы [ править ]

• Ив Кляйн , 1962, Монохромная картина

Живопись «Цветового поля» явно указала на новое направление в американской живописи, уходящее от абстрактного экспрессионизма . Живопись цветового поля связана с пост-живописной абстракцией , супрематизмом , абстрактным экспрессионизмом , живописью с резкими краями и лирической абстракцией . В течение 1960-х и 1970-х годов абстрактная живопись продолжала развиваться в Америке в различных стилях. Геометрическая абстракция , оп-арт, живопись с резкими краями, живопись цветового поля и минималистичная живопись - вот некоторые взаимосвязанные направления продвинутой абстрактной живописи, а также некоторые другие новые направления. Моррис Луибыл важным пионером в продвинутой живописи цветового поля , его работы могут служить мостом между абстрактным экспрессионизмом , живописью цветового поля и минималистским искусством . Два влиятельных учителя Йозеф Альберс и Ханс Хофманн познакомили новое поколение американских художников со своими передовыми теориями цвета и пространства. Йозефа Альберса больше всего помнят за его работу как художника- геометрического абстракциониста и теоретика. Наиболее известны сотни картин и гравюр из серии " Посвящение площади".. В этой строгой серии, начатой ​​в 1949 году, Альберс исследовал хроматические взаимодействия с плоскими цветными квадратами, расположенными концентрически на холсте. Теории Альберса об искусстве и образовании стали определяющими для следующего поколения художников. Его собственные картины составляют основу как острой живописи, так и оп-арта.

Йозеф Альберс , Ханс Хофманн , Илья Болотовски , Бургойн Диллер , Виктор Вазарели , Бриджит Райли , Ричард Анушкевич , Фрэнк Стелла , Моррис Луи , Кеннет Ноланд , ^[82] Элсворт Келли , Барнетт Ньюман , Ларри Пунс , Рональд Дэвис , Ларри Зокс , Эл Хелд и некоторые другие, такие как Мино Ардженто , ^[83] - художники, тесно связанные с геометрической абстракцией., Оп-арт, живопись цветового поля, а также в случае с Хофманном и Ньюманом - абстрактный экспрессионизм.

В 1965 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла выставка под названием «Отзывчивый глаз» , которую курировал Уильям С. Зейтц . Работы , представленные были широкими, охватывая минимализм от Фрэнка Стеллы , в Op искусстве Ларри Пунс, работа Александра Либермана , наряду с мастерами движения Op Art: Виктор Вазарели , Анушкевич , Бриджет Райли и другие. Выставка была посвящена перцептивным аспектам искусства, которые возникают как из иллюзии движения, так и из взаимодействия цветовых отношений. Оп-арт, также известный как оптическое искусство, - это стиль, присутствующий в некоторых картинах и других произведениях искусства, в которых используетсяоптические иллюзии . Оп-арт также тесно связан с геометрической абстракцией и живописью с резкими краями . Хотя иногда для этого используется термин перцептивная абстракция.

Оп-арт - это метод живописи, касающийся взаимодействия между иллюзией и картинной плоскостью, между пониманием и видением. ^[84] Произведения оп-арта абстрактны, многие из наиболее известных произведений выполнены только в черно-белых тонах. Когда зритель смотрит на них, создается впечатление движения, скрытых изображений, мерцания и вибрации, узоров или, альтернативно, вздутия или деформации.

Живопись Цветового поля стремилась избавить искусство от лишней риторики. Такие художники, как Клиффорд Стилл , Марк Ротко , Ханс Хофманн , Моррис Луи , Жюль Олицки , Кеннет Ноланд , Хелен Франкенталер , Джон Хойланд , Ларри Зокс и другие, часто использовали сильно сокращенные ссылки на природу, и они рисовали с четко сформулированным и психологическим использованием цвет. В целом эти художники устранили узнаваемые образы. Некоторые художники цитировали ссылки на прошлое или настоящее искусство, но в целом живопись цветового поля представляет абстракцию как самоцель. Следуя этому направлению современного искусстваХудожники хотели представить каждую картину как единое, связное, монолитное изображение.

Фрэнк Стелла , Кеннет Ноланд , Эллсуорт Келли , Барнетт Ньюман , Рональд Дэвис , Нил Уильямс , Роберт Мангольд , Чарльз Хинман , Ричард Таттл , Дэвид Новрос и Эл Ловинг - примеры художников, связанных с использованием формованного холста в период, начавшийся в начало 1960-х гг. Многие геометрические абстрактные художники , минималисты и художники с твердым краем предпочитали использовать края изображения для определения формы картины, а не принимать прямоугольный формат. Фактически, использованиеФормованный холст в первую очередь ассоциируется с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые имеют холодный абстрактный , формалистический, геометрический, объективный, рационалистический характер, с четкими линиями, резко острыми краями или минималистский характер. Галерея Андре Эммериха, Галерея Лео Кастелли, Галерея Ричарда Фейгена и Галерея Парк-Плейс были важными витринами для живописи цветового поля , фигурной живописи на холсте и лирической абстракции в Нью-Йорке в 1960-х годах. Есть связь с пост-живописной абстракцией , которая отреагировала на абстрактные экспрессионизмы.'мистицизм, гипер-субъективность и акцент на том, чтобы сделать сам акт живописи драматически заметным, а также торжественное принятие плоского прямоугольника как почти ритуальной предпосылки для серьезной живописи. В течение 1960-х годов живопись цветового поля и минимальное искусство часто были тесно связаны друг с другом. На самом деле к началу 1970-х оба движения стали явно разнообразными.

Вашингтонская школа цвета, фасонный холст, абстрактный иллюзионизм, лирическая абстракция [ править ]

• Рональд Дэвис 1968, абстрактный иллюзионизм

• Ронни Лэндфилд , 1968, Лирическая абстракция

Другое родственное движение конца 1960-х годов, Лирическая абстракция (термин, придуманный Ларри Олдричем, основателем Музея современного искусства Олдрича , Риджфилд, Коннектикут), охватило то, что, по словам Олдрича, он видел в студиях многих художников в то время. ^[85] Это также название выставки, которая возникла в Музее Олдрича и побывала в Музее американского искусства Уитни и других музеях США в период с 1969 по 1971 год. ^[86]

Лирическая абстракция конца 1960-х годов характеризуется картинами Дэна Кристенсена , Ронни Лэндфилда , Питера Янга и других, а также движением флюксуса и постминимализмом (термин, впервые введенный Робертом Пинкусом-Виттеном на страницах Artforum в 1969 году) ^{[ 87]} стремился расширить границы абстрактной живописи и минимализма, сосредоточившись на процессе, новых материалах и новых способах выражения. Постминимализм часто включает в себя промышленные материалы, сырье, изготовление, найденные объекты, установку, серийное повторение и часто со ссылками на дадаизм.и сюрреализм лучше всего иллюстрируется скульптурами Евы Гессе . ^[87] Лирическая абстракция, концептуальное искусство , постминимализм , Земля искусства , видео, перформанс , инсталляция искусство , наряду с продолжением Fluxus, абстрактный экспрессионизм , цвет поля картина, жесткий край картины , минимальное искусство , оп арт , поп - арт , фотореализм и новый реализм расширили границы современного искусствав середине 1960-х - 1970-х гг. ^[88] Лирическая абстракция - это тип свободной абстрактной живописи, возникший в середине 1960-х годов, когда абстрактные художники вернулись к различным формам живописного, живописного, экспрессионизма с преобладающим акцентом на процесс, гештальт и повторяющиеся композиционные стратегии в целом.

Лирическая абстракция имеет сходство с живописью цветового поля и абстрактным экспрессионизмом, Лирическая абстракция на примере картины Ронни Лэндфилда 1968 года « Для Уильяма Блейка» (вверху), особенно в свободном использовании краски - текстуры и поверхности. Прямой рисунок, каллиграфическое использование линий, эффекты растушеванной, разбрызганной, окрашенной, выдавленной, разлитой и разбрызганной краски внешне напоминают эффекты, наблюдаемые в абстрактном экспрессионизме и живописи цветового поля. Однако стили заметно отличаются. Отличия от абстрактного экспрессионизма и живописи боевиков1940-1950-х годов - подход к композиции и драматургии. Как видно в живописи действия, акцент делается на мазках, высокой композиционной драматургии, динамическом композиционном напряжении. В то время как в «Лирической абстракции» присутствует ощущение композиционной случайности, всей композиции, сдержанной и расслабленной композиционной драмы и упора на процесс, повторение и всеобщую чувствительность. ^{[89] [90]}

Жесткая живопись, минимализм, постминимализм, монохромная живопись [ править ]

Агнес Мартин , Роберт Мангольд , Брайс Марден , Джо Бэр , Роберт Райман , Ричард Таттл , Нил Уильямс , Дэвид Новрос, Пол Могенсон, Чарльз Хинман - примеры художников, связанных с минимализмом и (за исключением Мартина, Бэра и Мардена) использованием формованное полотно также в период с начала 1960-х гг. Многие геометрические абстрактные художники , минималистов и жесткий край художники решили использовать края изображения , чтобы определить форму картины , а не принимая прямоугольную форму. Фактически, использованиеФормованный холст в первую очередь ассоциируется с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые имеют холодный абстрактный, формалистический, геометрический, объективный, рационалистический характер, с четкими линиями, резко острыми краями или минималистский характер. Bykert Gallery и Park Place Галерея важных витрин для минимализма и фасонный холст картины в Нью - Йорке в 1960 - х.

В течение 1960-х и 1970-х годов художники, такие как Роберт Мазервелл , Адольф Готтлиб , Филипп Густон , Ли Краснер , Сай Твомбли , Роберт Раушенберг , Джаспер Джонс , Ричард Дибенкорн , Йозеф Альберс , Элмер Бишофф , Агнес Мартин, Эл Хелд , Сэм Фрэнсис , Эллсуорт Келли , Моррис Луи , Хелен Франкенталер , Джин Дэвис , Фрэнк Стелла , Кеннет Ноланд , Джоан Митчелл ,Фридель Дзубас и молодые художники, такие как Брайс Марден, Роберт Мангольд , Сэм Гиллиам , ^[91] Джон Хойланд , Шон Скалли , Пэт Стейр , Элизабет Мюррей , Ларри Пунс , Уолтер Дарби Баннард , Ларри Зокс , Ронни Лэндфилд , Рональд Дэвис , Дэн Кристенсен , Джоан Снайдер , Росс Блекнер , Арчи Рэнд , Сьюзан Крайл и десятки других написали самые разные картины.

В 1960-х и 1970-х годах возникла реакция против абстрактной живописи. Некоторые критики рассматривали работы таких художников, как Эд Рейнхардт , и заявляли о «смерти живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Новые движения приобрели широкую известность , некоторые из которых являются: постминимализм , искусство Earth , видео - арт , арт - инсталляция , арте бедное , исполнительское искусство , боди - арт , Fluxus , происходит , почта искусство , в ситуационники и концептуальное искусство среди других.

Однако другие важные инновации в абстрактной живописи произошли в 1960-х и 1970-х годах, характеризуемых монохромной живописью и живописью с резкими краями, вдохновленными Адом Рейнхардтом, Барнеттом Ньюманом , Милтоном Резником и Эллсуортом Келли . Такие разные художники, как Агнес Мартин, Эл Хельд, Ларри Зокс , Фрэнк Стелла , Ларри Пунс , Брайс Марден и другие, исследовали силу упрощения. Конвергенция живописи цветового поля , минимализма , живописи с резкими краями, лирической абстракции., а постминимализм размыл различия между движениями, которые стали более очевидными в 1980-х и 1990-х годах. Движение неоэкспрессионизма связано с более ранними разработками в абстрактном экспрессионизме , нео-дада , лирической абстракции и постминимальной живописи.

Неоэкспрессионизм [ править ]

В конце 1960-х художник абстрактного экспрессионизма Филип Гастон помог осуществить переход от абстрактного экспрессионизма к неоэкспрессионизму в живописи, отказавшись от так называемой «чистой абстракции» абстрактного экспрессионизма в пользу более карикатурных изображений различных личных символов и объектов. Эти работы вдохновили новое поколение художников, заинтересованных в возрождении выразительного образа. Его картина « Картина, курение, еда 1973 года», показанная выше в галерее, является примером последнего и убедительного возвращения Гастона к репрезентации.

В конце 1970-х - начале 1980-х годов также произошло возвращение к живописи, которое произошло почти одновременно в Италии, Германии, Франции и Великобритании . Эти движения назывались Transavantguardia , Neue Wilde , Figuration Libre , ^[92] неоэкспрессионизм , лондонская школа, а в конце 1980-х - Stuckists соответственно. Эти картины отличались большими форматами, свободным выразительным нанесением знаков, фигурацией, мифом и воображением. Все работы в этом жанре стали называть неоэкспрессионизмом.. Критическая реакция разделилась. Некоторые критики считали, что это вызвано стремлением крупных коммерческих галерей получить прибыль. Этот вид искусства продолжает оставаться популярным в 21 веке, даже после арт-краха в конце 1980-х годов. Ансельм Кифер - ведущая фигура европейского неоэкспрессионизма к 1980-м годам. Темы Кифера расширились от акцента на роли Германии в цивилизации до судьбы искусства и культуры в целом. Его работы стали более скульптурными и включают в себя не только национальную идентичность и коллективную память, но и оккультный символизм , теологию и мистицизм . Тема всей работы - травма, переживаемая целыми обществами, а также постоянное возрождение и обновление жизни.

В конце 1970 - х лет в США художников , которые начали работать с активизировались поверхностью и которые вернулись к образности , как Сьюзен Ротенберг приобрел популярность, особенно , как показано выше в картинах , как лошадь 2 , 1979 г. В течение 1980 - х лет американские художники , как Фишль , Дэвид Саль , Жан-Мишель Баския (начинавший как художник граффити ), Джулиан Шнабель и Кейт Харинг , а также итальянские художники, такие как Миммо Паладино , Сандро Чиа и Энцо Кукки , среди других определили идею неоэкспрессионизма в Америке.

Неоэкспрессионизм был стилем современной живописи, который стал популярным в конце 1970-х годов и доминировал на рынке искусства до середины 1980-х годов. Он возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1960-х и 1970-х годов. Неоэкспрессионисты вернулись к изображению узнаваемых объектов, таких как человеческое тело (хотя иногда и в практически абстрактной манере), грубо и сильно эмоционально, используя яркие цвета и банальные цветовые гармонии. Художники-ветераны Филип Густон , Франк Ауэрбах , Леон Коссофф , Герхард Рихтер , А. Р. Пенк и Георг Базелиц , а также несколько более молодые художники, такие какАнсельм Кифер , Эрик Фишль , Сьюзан Ротенберг , Франческо Клементе , Жан-Мишель Баския , Джулиан Шнабель , Кейт Харинг и многие другие стали известны своей работой в этом интенсивном экспрессионистском стиле живописи.

Живопись по-прежнему занимает почетное место в современном искусстве . Искусство - это открытое поле, которое больше не разделяется дихотомией объективного и беспредметного. Художники могут добиться успеха у критиков, независимо от того, являются ли их изображения репрезентативными или абстрактными. Что имеет значение, так это удовлетворение, исследование границ среды и отказ повторять произведения прошлого в качестве конечной цели.

Современная живопись в 21 веке [ править ]

В начале XXI века современная живопись и современное искусство в целом продолжается в нескольких смежных формах, характеризующихся идеей плюрализма . «Кризис» в живописи, современном искусстве и современной художественной критике сегодня вызван плюрализмом . В отношении репрезентативного стиля эпохи нет единого мнения, да и в этом нет необходимости. Преобладает установка на все, что угодно ; синдром «все происходит» и, следовательно, «ничего не происходит»; это создает эстетическую пробку без четкого и четкого направления и с каждой полосой на художественной супермагистрали.заполнен под завязку. Следовательно, великолепные и важные произведения искусства продолжают создаваться, хотя и в самых разных стилях и эстетических темпераментах, а рыночная площадь остается судить о достоинствах.

Жесткая живопись , геометрическая абстракция , присвоение , гиперреализм , фотореализм , экспрессионизм , минимализм , лирическая абстракция , поп-арт , оп-арт , абстрактный экспрессионизм , живопись цветового поля , монохромная живопись , неоэкспрессионизм , коллаж , интермедийная живопись, сборочная живопись, цифровая живопись , постмодернистская живопись, неодадаизмживопись, профилированный холст картины, экологическая картины росписи , традиционные фигуры живописи, пейзажная живопись , портретная живопись , несколько продолжаются и в настоящее время направления в живописи в начале 21 - го века.

Америка [ править ]

В период до и после европейского исследования и заселения Америки, включая Северную Америку, Центральную Америку, Южную Америку и острова Карибского моря, Антильские , Малые Антильские острова и другие островные группы, коренные народы создали творческие произведения, включая архитектуру, гончарные изделия , керамика , ткачество , резьба , скульптура, живопись и фрескиа также другие предметы религиозного и утилитарного характера. На каждом американском континенте были общества с уникальными и индивидуально развитыми культурами; здесь производились тотемы, произведения религиозной символики, декоративные и выразительные росписи. Африканское влияние было особенно сильным в искусстве Карибского бассейна и Южной Америки. Искусство коренных народов Америки оказало огромное влияние и повлияло на европейское искусство, и наоборот, во время и после Эпохи исследований . Испания, Португалия, Франция, Нидерланды и Англия были могущественными и влиятельными колониальными державами в Америке в течение и после 15 века. К 19 веку культурное влияние начало течь в обе стороны через Атлантику.

Мексика и Центральная Америка [ править ]

• Фреска Великая богиня Теотиуакана с сайта в Тетитле, Мексика

• Фреска из комплекса Тепантитла в Теотиуакане , репродукция из Национального музея антропологии в Мехико

• Фрагмент фрески из комплекса Тепантитла представляет тлалокан, один из уровней подземного мира, Мексика.

• Фреска с изображением ягуаров в Теотиуакане.

• Портик A от Cacaxtla , представляет Человека-ягуара

• Деталь из Красного храма, c.600-700, Какаштлы , Мексика

• Реконструкция гробницы 105 из Монте-Альбана .

• Фреска майя из Бонампака , Мексика, 580–800 гг.

• Фреска майя из Бонампака , 580–800 гг.

• Майя фреска из Сан - Бартоло , Pre-классический период (1-250 AD)

• Картина на тронной вазе из шкуры повелителя ягуара, сцена двора майя , 700–800 гг.

• Картина на вазе майя позднего классицизма (600–900)

• Расписная керамическая фигурка короля из захоронения на острове Джайна , искусство майя, 400–800 гг.

• Роспись памятника майя Паленке с изображением сына Кинич Ахкала Мо 'Нааба III (678–730-е гг., Годы правления 722–729).

• Картина из Дрезденского кодекса .

• Mixtec картины из Кодекса Зуши-Наттола .

• На картине ацтеков из Кодекса Борджиа изображены Миктлантекутли и Кецалькоатль .

• На картине ацтеков из Борбонского кодекса изображен тлалок .

• Картина из " Матрикула де Трибутос", изображающая Ичкахуипилли , Мексика.

• Картина из Кодекса Мендоса, изображающая ацтекскую легенду об основании Теночтитлана , около 1553 года.

Южная Америка [ править ]

• Moche murals from the Huaca de la Luna site, Peru, 100–700 AD.

• A Moche mural of a decapitator from the Huaca de la Luna site, Peru, 100–700 AD.

• Mural in Huaca Cao Viejo, Peru

• Painted pottery from the Moche culture of Peru

• Killer Whale, painted pottery, Nazca culture, 300 BC–800 AD, Larco Museum. Lima, Peru

• Painted pottery from the Huari culture of Peru, 500–1200 AD

• Body painting, Indigenous peoples in Brazil, Pataxo tribe.

North America[edit]

United States[edit]

• The Great Gallery, Pictographs, Canyonlands National Park, Horseshoe Canyon, Utah, 15 by 200 feet (4.6 by 61.0 m), c. 1500 BCE

• Pictograph, southeastern Utah, c. 1200 BC Pueblo culture

• Painted pottery, Anasazi, North America: A canteen (pot) excavated from the ruins in Chaco Canyon, New Mexico, c. 700 AD–1100 AD

• Painted ceramic jug showing the underwater panther from the Mississippian culture, found at Rose Mound in Cross County, Arkansas, c. 1400–1600.

• A Haida wolf mask, 1880.

• A Hopi jar by Nampeyo (c.1860–1942), made in Arizona, 1880.

• A girl from the Zuni tribe of New Mexico with a painted pottery jar, photographed in c. 1903.

• Edward S. Curtis, Navajo sandpainting, sepia photogravure c. 1907

• Navajo man in ceremonial dress with mask and body paint, c. 1904

• Ledger art of Haokah (ca. 1880) by Black Hawk (Lakota).

• Kiowa ledger art, possibly of the 1874 Buffalo Wallow battle, Red River War.

• Detail of ledger painting on muslin by Silver Horn (1860–1940), ca. 1880, Oklahoma History Center

• Work on Paper, by Arapaho painter, Carl Sweezy (1881–1953), 1904

• An Uncompaghre Ute, Shaved Beaver Hide Painting. The Northern Ute would trap beavers, shave images into the animals' stretched and cured hides, and use them to decorate their personal and ceremonial dwellings, c. 19th century.

• Tlingit totem pole in Ketchikan, Alaska, circa 1901.

• The K'alyaan Totem Pole of the Tlingit Kiks.ádi Clan, erected at Sitka National Historical Park to commemorate the lives lost in the 1804 Battle of Sitka.

• A totem pole in Ketchikan, Alaska, in the Tlingit style.

• From Saxman Totem Park, Ketchikan, Alaska

• From Saxman Totem Park, Ketchikan, Alaska

Canada[edit]

• A totem pole in Totem Park, Victoria, British Columbia.

• From Totem Park, Victoria, British Columbia.

Caribbean[edit]

• Rock petroglyph overlaid with chalk, Caguana Indigenous Ceremonial Center. Utuado, Puerto Rico.

Islamic[edit]

• Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî, Iraq, 1237

• Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî, Iraq, 1237

• Syrischer Maler, 1315 Metropolitan Museum of Art

• Ilkhanid Shahnameh, ca. 1330–1340, Smithsonian

• Kamal-ud-din Bihzad (c. 1450 – c. 1535), The construction of castle Khavarnaq (الخورنق) in al-Hira, c. 1494–1495 C.E. British Museum

• Persian miniature painting, CE 1550

• Reza Abbasi, 1609

• Razmnama, 1616, British Museum

• Two Lovers by Reza Abbasi, 1630

• Persian miniature Harun al-Rashid in Thousand and One Nights

• Reza Abbasi (1565–1635), Prince Muhammad-Beik of Georgia, 1620

• Adam and Eve, Safavid Iran, from a Falnama (book of Omens) c. 1550 AD.

• A painting depicting Abû Zayd, 1335 AD.

• A scene from the book of Ahmad ibn al-Husayn ibn al-Ahnaf, showing two galloping horsemen, 1210 AD.

• The angel Isrâfîl, Iraq, 1280 AD.

• The Clerk, Iraq, 1287.

• An ornamental Qur'an, by al-Bawwâb, 11th century AD.

• Mehmet II, from the Sarai Albums of Istanbul, Turkey, 15th century AD

• Maiden in a fur cap, by Muhammad 'Alî, Isfahan, Iran, mid-17th century

• Youth and Suitors, Mashhad, Iran, 1556–1565 AD

The depiction of humans, animals or any other figurative subjects is forbidden within Islam to prevent believers from idolatry so there is no religiously motivated painting (or sculpture) tradition within Muslim culture. Pictorial activity was reduced to Arabesque, mainly abstract, with geometrical configuration or floral and plant-like patterns. Strongly connected to architecture and calligraphy, it can be widely seen as used for the painting of tiles in mosques or in illuminations around the text of the Koran and other books. In fact, abstract art is not an invention of modern art but it is present in pre-classical, barbarian and non-western cultures many centuries before it and is essentially a decorative or applied art. Notable illustrator M. C. Escher was influenced by this geometrical and pattern-based art. Art Nouveau (Aubrey Beardsley and the architect Antonio Gaudí) re-introduced abstract floral patterns into western art.

Note that despite the taboo of figurative visualization, some Muslim countries did cultivate a rich tradition in painting, though not in its own right, but as a companion to the written word. Iranian or Persian art, widely known as Persian miniature, concentrates on the illustration of epic or romantic works of literature. Persian illustrators deliberately avoided the use of shading and perspective, though familiar with it in their pre-Islamic history, in order to abide by the rule of not creating any lifelike illusion of the real world. Their aim was not to depict the world as it is, but to create images of an ideal world of timeless beauty and perfect order.

Iran[edit]

Oriental historian Basil Gray believes "Iran has offered a particularly unique [sic] art to the world which is excellent in its kind". Caves in Iran's Lorestan province exhibit painted imagery of animals and hunting scenes. Some such as those in Fars Province and Sialk are at least 5,000 years old. Painting in Iran is thought to have reached a climax during the Tamerlane era, when outstanding masters such as Kamaleddin Behzad gave birth to a new style of painting.

Paintings of the Qajar period are a combination of European influences and Safavid miniature schools of painting such as those introduced by Reza Abbasi and classical works by Mihr 'Ali. Masters such as Kamal-ol-molk further pushed forward the European influence in Iran. It was during the Qajar era when "Coffee House painting" emerged. Subjects of this style were often religious in nature depicting scenes from Shia epics and the like.

• Farrukh Beg (ca. 1545 – ca. 1615), A Drunken Babur Returns to Camp at Night, Lahore, Pakistan, 1589

• Mihr 'Ali (fl. 1795–1830), Fat'h Ali Shah Qajar (1813–14)

• Kamal-ol-molk (1847–1940), Predictor of the Future, 1892, Museum of Sadabad, Tehran

Pakistan[edit]

• Lubna Agha, Star – a painting inspired by the artisans of Morocco

• AR Chughtai, Anarkali

Oceania[edit]

Australia[edit]

New Zealand[edit]

Africa[edit]

• Himba woman covered with traditional red ochre pigment. Traditional body paint symbolic of the earth and of blood, and also worn for protection from the sun.

• A Kĩkũyũ woman in traditional dress. Ceremonial face painting.

• Young Maasai Warrior, with head-dress and face painting.

• Dogon, circumcision cave, with paintings Mali c. contemporary

African traditional culture and tribes do not seem to have great interest in two-dimensional representations in favour of sculpture and relief. However, decorative painting in African culture is often abstract and geometrical. Another pictorial manifestation is body painting, and face painting present for example in Maasai and Kĩkũyũ culture in their ceremony rituals. Ceremonial cave painting in certain villages can be found to be still in use. Note that Pablo Picasso and other modern artists were influenced by African sculpture and masks in their varied styles. Contemporary African artists follow western art movements and their paintings have little difference from occidental art works.

Sudanese[edit]

The Kingdom of Kush in ancient Nubia (i.e. modern Sudan), bordering Ancient Egypt, produced a wide variety of arts, including wall paintings and painted objects. At the Sudanese site of Kerma, center of the Kerma culture that predated the Kingdom of Kush, a circa 1700 BC fragmentary painting from a royal tomb depicts a sailing ship and houses with ladders that are similar to scenes in reliefs from the reign of Egyptian queen Hatshepsut (c. 1479–1458 BC).^[93][94] The ancient tradition of wall paintings, first described by Abu Salih during the 12th century AD, continued into the period of medieval Nubia.^[95]

Ethiopian[edit]

The Christian tradition of painting in Ethiopia dates back to the 4th century AD, during the ancient Kingdom of Aksum.^[96] During their exile to Axum, the 7th-century followers of Muhammad described paintings decorating the Church of Our Lady Mary of Zion.^[97] However, the earliest surviving examples of church paintings in Ethiopia come from the church of Debre Selam Mikael in the Tigray Region, dated to the 11th century AD.^[97] Ethiopian paintings in illuminated manuscripts predate the earliest surviving church paintings. For instance, the Ethiopian Garima Gospels of the 4th-6th centuries AD contain illuminated scenes imitating the contemporary Byzantine illuminated style.^[98]

• An illuminated Bible from a monastery on Lake Tana, Ethiopia, 12th-13th century AD

• A 15th-century Ethiopian painting of the Solomonic dynasty depicting the Zagwe dynasty ruler Gebre Mesqel Lalibela (r. 1181–1221 AD)

• A 17th-century Gondarene-style Ethiopian painting depicting Saint Mercurius, originally from Lalibela, now housed in the National Museum of Ethiopia in Addis Ababa

• A 1748 portrait of the Ethiopian Empress Mentewab, an important figure of the Zemene Mesafint, prostrating herself before Mary and Jesus, from the Narga Selassie church.

Influence on Western art[edit]

At the start of the 20th century, artists like Picasso, Matisse, Paul Gauguin and Modigliani became aware of, and were inspired by, African art.^[99] In a situation where the established avant garde was straining against the constraints imposed by serving the world of appearances, African Art demonstrated the power of supremely well organised forms; produced not only by responding to the faculty of sight, but also and often primarily, the faculty of imagination, emotion and mystical and religious experience. These artists saw in African art a formal perfection and sophistication unified with phenomenal expressive power.^{[100][101][102][103][104]}

See also[edit]

• 20th-century Western painting
• Art periods
• Hierarchy of genres
• List of painters
• Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects
• Timeline of Italian artists to 1800

References[edit]

Further reading[edit]

• Clement Greenberg, Art and Culture, Beacon Press, 1961
• Lyrical Abstraction, Exhibition Catalogue, Whitney Museum of American Art, NYC, 1971.
• O'Connor, Francis V. Jackson Pollock Exhibition Catalogue, (New York, Museum of Modern Art, [1967]) OCLC 165852
• Pictures of Nothing: Abstract Art since Pollock (A.W. Mellon Lectures in the Fine Arts), Kirk Varnedoe, 2003
• The Triumph of Modernism: The Art World, 1985–2005, Hilton Kramer, 2006, ISBN 0-15-666370-8
• Piper, David (1986). The Illustrated Library of Art: History, Appreciation, and Tradition. ISBN 978-0-517-62336-7.

External links[edit]

Wikimedia Commons has media related to History of painting.

• History of Art: From Paleolithic Age to Contemporary Art
• Kandinsky Kandinsky (translated by Michael T. H. Sadler), Wassily. "Concerning the Spiritual in Art". mnstate.edu. Retrieved 30 November 2010.
• Metropolitan Museum of Art Timeline of Art History
• Ancient Roman Wall-Painting